Hawkes Pocket Scores HPS 1512-Composed in 1991 this London Sinfonietta commission was first performed by them in May 1992 at the Queen Elizabeth Hall London. Scored for Orchestra or chamber Orchestra the instrumentation comprises alto Flute/Piccolo cor anglais E flat Clarinet/bass Clarinet soprano Saxophone Contrabassoon Horn Piccolo Trumpet Trombone Tuba Percussion Harp Piano and Strings. Recorded on BIS CD 1119 by the Scottish Chamber Orchestra conducted by the composer.

Commissioned by the Philharmonia Orchestra and Esa-Pekka Salonen for the Universe of Sound project.First perfromed at the Royal Festival Hall on 8th July 2012 by the Philharmonia Orchestra and PhilharmoniaVoices conducted by Esa-Pekka Salonen.Instrumentation.4 Flutes (3rd doubling Alto Flute Piccolo; 4th doubling Piccolo)3 Oboes (3rd doubling Bass Oboe)Cor Anglais2 Clarinets in BflatClarinet in A BassClarinet in B flat3 BassoonsContrabassoon6 Horns in F4 Trumpets in C2 Tenor TrombonesBass TromboneTenor Tuba in B flat (Euphonium)Bass Tuba2 Timpani (2nddoubling Suspended Cymbals China Cymbal)4 Percussion (Meditation Bowls Bass Drum Crotales Marimba Vibraphone Small & Large Tam-tam Glockenspiel Xylophone Side Drum Mark Tree SizzleCymbal)CelestaOrgan2 HarpsChorus (SSSAAAA)Strings

Violino piccolo pitch notation - notated the way it sounds-Violin solo part sounds at pitch (F major).Includes original version of the Sinfonia BWV 1046a.Authoritative Urtext edition of Johann Sebastian Bach's Brandenburg Concerto No.1 in F major BWV 1046.The six Brandenburg Concertos BWV 1046-1051 prized jewels of the world's musical heritage were written in 1721 during Bach’s appointment in Cöthen.Of the six works Bach originally wrote earlier versions of numbers 1 and 5 which differ not only with regard to articulation but also at times different tones different rhythms instrumentation and of course form.These Urtext publications [BA5201-BA 5206] taken from the New Bach Edition now give performers the possibility to play these earlier versions perhaps even along side the version known today.In the earlier version of Concerto No.1 (BWV 1046a) which according to the editor of the edition Heinrich Besseler seems to have been Bach’s favorite among the six there is no violino piccolo part to be found and the violin concerto-like 3rd movement as well as the Polonaise movement are also absent.In nearly every bar the articulation in one instrument or another differs from the later version; for example the 16th-note slurs in bars 1 and 2 of the horns are missing in the later score the oboe slurs and trills in m.12 are also not to be found. The later version has the cello seperated from the continuo which means that the 16ths in m.7 are not to be played by the Violone grosso.

Score-William Schuman's Prayer In Time Of War for Orchestra. Study score.This work was first performed under the title 'Prayer-1943' by the Pittsburg Symphony Orchestra under the direction of Fritz Reiner on February 26 1943.Duration: approx 15 minutes.Instrumentation:3 Flutes (3rd Flute interchangeable with Piccolo)2 OboesEnglish Horn2 Clarinets in B-flat2 Bassoons4 Horns in F3 Trumpets in C3 TrombonesTubaTimpaniPercussion (Bass Drum Cymbals Gong Snare Drum)Violin IViolin IIViolaVioloncelloBass

Score-Wallingford Riegger's Music For Orchestra Op. 50.Instrumentation:3 Flutes (III. also Piccolo)2 OboesEnglish Horn2 Clarinets in Bb2 BassoonsContra Bassoon4Horns3 Trumpets3 TrombonesTubaTimpaniPercussion (Snare Drum Cymbals Bass Drum)

Score-This 1975 work was commissioned by the National Endowment for the Arts as part of the American bicentennial celebrations. It was premiered by the Detroit Symphony Orchestra conducted by Aldo Ceccato on April 1 1976. Mostly themusic is based on original themes by Gould although there are a few references to actual traditional spirituals highly transformed by the composer. His intention was to reflect a sound of America's musical heritage in thisbicentennial work. 2 Piccolo 2 Cor Anglais 2 Eb Clarinet Bass Clarinet 2 Contrabassoon Timpani 3 Percussion Harp Piano Strings.

For Soprano Tenor Male Narrator and Ensemble.Published in 1970.Soprano voice Tenor voice Narrator Flute/Alto Flute/Piccolo Clarinet/Bass Clarinet/Baritone Saxophone French Horn Piano/Cembalo Violin Viola and 2 Percussionists.Score.

Orchestral Score. Instrumentation.     3 Flutes (3=Piccolo) 2 Oboes 2 Clarinets in B - 2 Bassoons(2=Contrabassoon) 4 Horns in F 2 Trumpets in C 2 Trombones Tuba Timpani (1 set) Percussion (3 players) TamtamCrotales Vibraphone Glass Chimes Bass Drum Tamtam Bass Drum Marimba 3 Gongs (G+ A B) Harp Celesta Strings The score is transposed.Crotales sound two octaves higher than writtenDuration: c. 6 minutesOrchestral parts areavailable on hire from the publisher

This dramatic work for young players is intended to portray a noble mystical pursuit of some great conquest or accomplishment. Full of driving percussion resolving tone clusters dramatic brass writing and spectacular tutti musical statements it also features easy passages for solo oboe bassoon and piccolo. This piece is a great choice for excellent middle school or smaller high school bands. It is generously cross cued to be performed with limited instrumentation.

Written in 1886 for an annual Mardi Gras concert The Carnival Of The Animals consists of 14 pieces scored for flute/piccolo clarinet glass harmonica (tuned glass bowls) xylophone 2 pianos and strings. Each piece embodies a zoological motif painting a musical picture of - among others - a lion chickens turtles an elephant kangaroos and the immensely popular swan In his joyful musical romp the composer borrows from well-known classical works including references to Berlioz and Mendelssohn in 'The Elephant' and passages of his own Danse Macabre in 'Fossils'.Reprinted from the original authoritative score this handsome and inexpensiveedition will charm musicians and music lovers everywhere.

Elisabeth Lutyens' music from the film 'The Skull' (1965). A3 conductor's score.Instrumentation: 2 Flutes (doubling Alto flute and Piccolo) 2 Clarinets (doubling Bass clarinet and Contrabass clarinet) 3 Horns 3 Trombones 2 Percussion Timpani Harp Piano Cimbalom Organ Violas (divisi) Cellos (divisi) Double bass.

Musica Para Un Codice Salmantino one of the most important works in Joquin Rodrigo's search for more objectivity and less nationalism was composed in 1952. Duration approx. 14 minutes. The Orchestration includes: Piccolo Flute English Horn Trumpet Horn Harp Solo Bass Chorus (Soprano Alto Tenor Bass) Strings

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Premiered by The New York Philharmonic conducted by Lorin Maazel at Avery Fisher Hall Lincoln Center New York City 10th June 2004. Orchestration 3 Flutes 3rd dbl. Piccolo2 Oboes1 English Horn in F3 Clarinets in Bb 3rd dbl. Bas Clarinet in Bb2 Bassoons1 Contra Bassoon4 Horns in F3 Trumpets in Bb3 Trombones1 Tuba1 (set of) Timpani2 Percussion (two players)1: Bass Drum (large) Chinese Cymbal Mark Tree2: TamTam (large) Vibraphone Antique Cymbal1 Harp1 Piano dbl. CelestaStringsAll non-octave transposing instruments are notated in their relevanttranspositions.Horns notated in bass clef sound a fourth above the notated pitch.All accidentals apply to each single note only except tied notes. Naturals for 'safety'. Programme Note This piece marks the conclusion of what could now be called 'The Nightshade Trilogy' three pieces which explore the contrasting worlds of Light and Darkness. As opposed to the earlier chamber work Nightshade which dealt with extremes of high and low pitches and the chamber orchestra composition Second Nightshade a two-fold piece contrasting darkness/anxiety and light/calm Final Nightshade for full symphony orchestra takes us on a journey in which the forces of dark and light struggle - and co-exist - in a predominantly polyphonic web with brooding undertones. The melodic point-of-departure is not surprisingly to be found in either of the two preceding pieces of the Trilogy but in an older piece Corpus Cum Figuris from 1985. Over the ensuing years I've dreamt on and off of 'doing something' with the opening measures of this older work perhaps even building a new composition on that very simple inward-looking time was ripe and there's a nice nostalgia angle to the idea: Corpus Cum Figuris was the first piece of mine to be