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| Mes premiers airs de rock
francais - livre sonore
avec 6 puces avec les
extraits originaux - des
1 a (GUILLEREY AURELIE)
 En Français
Eveil Musical [Livre]
Gründ
Par GUILLEREY AURELIE. Les tout-petits aussi aiment le rock français !
Avec ses...(+)
Par GUILLEREY AURELIE. Les tout-petits aussi aiment le rock français !
Avec ses puces sonores musicales, ce recueil est unique. Sur chaque page, l'enfant recherche dans l'illustration le petit bouton qui déclenchera la musique. C'est au travers des grands tubes de la musique rock françaises que les petits écouteront et découvriront la musique de Bashung (Osez Joséphine), des groupes Téléphone (Un autre monde), Louise attaque (J't'emmène au vent) ou Rita Mitsouko (C'est comme ça), de Manu Chao (Mala vida) et même de Johnny Hallyday (Allumez le feu) !
Un livre sonore pour découvrir les premiers airs de rock français ! / Relié / Livre / Livres
Délais: En Stock | | |
| ...Le Ciel, Tout A
L'Heure Encore Si
Limpide, Soudain Se
Trouble Horriblement...
(JARRELL MICHAEL)
En Français
Orchestre [Partition]
Lemoine, Henry
Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical
Michael Jarrell, né en 1958, e...(+)
Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical
Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde.
On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes.
D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie.
Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé.
Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale.
Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part.
L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste.
Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre
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| L'Ouverture A La
Musique Vol.1 (CHEPELOV
PIERRE / MENUT BENOIT)
En Français
Formation musicale - Solfège
Lemoine, Henry
Par CHEPELOV PIERRE / MENUT BENOIT. Cours complet de formation musicale qui abor...(+)
Par CHEPELOV PIERRE / MENUT BENOIT. Cours complet de formation musicale qui aborde un répertoire très large, du grégorien à la musique d'aujourd'hui.
Chaque chapitre se divise en deux parties : rythmique et mélodique. Les notions théoriques sont abordées tout au long de l'ouvrage. De nombreux exercices permettent de mettre en place et d'approfondir les notions abordées. La lecture des notes se fait en clé de Sol et Fa simultanément, mais en utilisant la lecture relative.
Les auteurs ont mis un accent particulier sur le travail rythmique sans se figer dans les mesures. Signalons particulièrement la grande richesse des textes proposés.
Tous les exercices sont appliqués sur des mesures du répertoire, occidental ou non.
'Lorsque nous aurons réussi à donner à l'enfant une base auditive sensorielle et que nous l'aurons amené à réagir affectivement aux divers éléments sonores, nous pourrons entreprendre le développement musical sans risquer de faire un faux travail. Gamme, sens tonal, intonation, lecture et écriture se révéleront tour à tour comme un épanouissement normal, comme une prise de conscience qui vient à son heure.'
Edgar Willems (1)
L'idée d'une 'base auditive sensorielle' représentant un préalable indispensable à toute éducation musicale est sans doute le point commun le plus marquant reliant les courants pédagogiques musicaux du XXe siècle. De Kodály à Willems, de Martenot à Dalcroze, en passant par Orff, toutes ces pédagogies, aux sensibilités pourtant bien différentes, se rejoignent en effet lorsque se pose la question du sens donné à l'enseignement de la musique. C'est bien par le ressenti que l'enfant peut discerner, mémoriser, reproduire pour ensuite analyser, comprendre et même transmettre. Puisque, comme l'écrivait si justement Maria Montessori 'L'enfant nous demande de l'aider à agir tout seul', nous nous sommes posé, lors de la conception de cet ouvrage, la question suivante : comment proposer à l'enfant, et ce dès le début de son éducation musicale, une méthodologie l'amenant à être le plus autonome possible, à s'ouvrir sans inhibition aux différents paramètres sonores, à découvrir de vastes répertoires, à appréhender de manière ludique l'acte musical, sa lecture, son écriture, pour faire sienne cette maxime de Guillaume de Machaut : 'Et Musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse' ?
Nous avons choisi de structurer cette méthode en chapitres se composant chacun d'une partie rythmique et d'une partie mélodique.
1. Par rythme, nous entendons tout d'abord l'éveil à la pulsation et à la durée, au sentiment mesuré et à la battue de mesure, à la carrure et à la conscience des phrases musicales et de la forme. En ce sens, nous proposons un éveil rythmique axé autour des longues et des brèves ('courtes') permettant ainsi à l'enfant d'asseoir sa pulsation tout en ancrant les notions de binaire et de ternaire. Cela permet aussi d'éveiller son sens de la prosodie et des métriques dites irrégulières, proches notamment des répertoires populaires de l'Europe de l'Est.
Bien entendu, toutes les formules rythmiques constituant le programme usuel d'une première année sont abordées. Nous tenons à ce que l'élève s'imprègne ainsi du système rythmique au sens large du terme et développe en conséquence une réelle autonomie de jeu et de lecture. Les rythmes sont abordés avec des exemples variés issus de nombreux répertoires. En changeant ainsi les contextes, l'enfant dissocie les notions essentielles du rythme et du tempo qui lui est associé.
2. Les chapitres mélodiques ont pour vocation d'éveiller la vocalité et de développer l'écoute intérieure. Une attention toute particulière est donnée aux textes vocaux, issus notamment des répertoires traditionnels (chansons, comptines...).
La découverte de l'échelle musicale se fait en partant du La du diapason, dont on ne saurait trop encourager l'usage. La lecture se fait en lien direct avec le son : on doit entendre et chanter ce qui est lu. Nous proposons pour cela une écriture ludique constituée de cubes permettant de relier l'oeil à l'oreille de façon plus immédiate. Ne voulant pas bloquer l'enfant dans un seul système de lecture, nous proposons d'axer le travail autour de la lecture relative, qui permet d'être tout de suite à l'aise dans les clés les plus usuelles, tout en montrant l'importance du ressenti de l'échelle diatonique composée de tons et de demi-tons. A ce titre, l'éveil aux différentes modalités nous paraît essentiel - ainsi l'on trouvera nombre de textes issus du répertoire ancien, et grégorien en particulier. Partant de la construction de la portée, ligne par ligne, nous pensons aider l'enfant à se familiariser avec les hauteurs et à comprendre et mieux maîtriser la construction de l'écriture musicale.
La conscience des intervalles est éveillée par la technique de la 'note imaginaire', qui permet à l'élève de construire l'écart entre les notes, de fixer les hauteurs et de développer une empreinte sonore préalable à l'acte vocal comme à l'acte instrumental.
Des travaux d'écriture sont d'ailleurs proposés tout le long de l'ouvrage : petites dictées, écriture en clés de Sol et de Fa, transpositions... L'oreille harmonique est aussi développée par des jeux autour des cadences qui représentent la ponctuation du langage tonal. Il en va de même pour la conscience des timbres instrumentaux.
'Le solfège proprement dit consiste à chanter en nommant les notes et en battant la mesure', écrivait Albert Lavignac ()2. Bien qu'un peu réductrice, cette phrase démontre que la question d'un solfège relié directement à la musique se posait déjà au XIXe siècle, reprenant aussi les idées pédagogiques déjà présentes dès la Renaissance. Nous avons souhaité inclure dans l'ouvrage les données théoriques essentielles, tout en les reliant directement à l'événement sonore. Ainsi, elles prennent du sens et la théorie devient vraiment 'musicale'.
Fruit de notre expérience, de l'étude des courants pédagogiques et d'une recherche de répertoires tant variés qu'appropriés, L'Ouverture à la musique propose au professeur et à l'élève, enfant ou adulte, de débuter son apprentissage musical en se plongeant d'emblée dans la matière sonore, en goûtant au plaisir de la découverte et de l'expérimentation.
Benoît Menut, Pierre Chépélov / méthode - études / Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale
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| Fischer Eric : OctOp.Et
The Moon. Conducteur
Orchestre d'harmonie [Conducteur]
Dhalmann
Pour orchestre d'harmonie.Conducteur et parties séparées.'Octopus and the Moon...(+)
Pour orchestre d'harmonie.Conducteur et parties séparées.'Octopus and the Moon': ...pourquoi ce titre?!D'une part, comme beaucoup de gens ( mais peu osent l'avouer), à minuit les soirs de pleine lune, je me transforme en poulpe.D'autre part et d'un point de vue structurel, la pièce enchaîne huit états de son évolution, des vagues, autrement dit flux et reflux, car il ne s'agit pas de développements.Chaque nouvel état sonore émerge puis disparaît.Cet ouvrage n'est pas dans l'usage habituel d'un orchestre d'harmonie mais est à coup sûr ce que j'aimerais souvent lui entendre jouer: un temps suspendu, introspectif voire intime, la richesse de la nomenclature liée à ce type de formation permettant à l'infini la recherche de couleurs sonores et de combinaisons.Eric FISCHER est l'auteur d'environ 200 opus, allant de la pièce pour instrument seul à la forme symphonique, en passant par tout type de nomenclature et d'expériences diverses, musique de chambre, dispositif électronique, oeuvres vocales, musiques de scène, musique improvisée, oeuvre pluridisciplinaires, etc...De fait, sa musique, aujourd'hui régulièrement jouée à travers le monde (USA, Canada, France, Suisse, Belgique, Hollande, Lettonie, Japon?) recherche toujours un espace privilégié avec les artistes qu'il admire, quel que soit leur instrument et l'univers stylistique dont ils sont issus.Entre 1988 and 1991, il dirige l'ensemble à cordes ' Antigone ' avec lequel il crée une partie de son oeuvre concertante, cette forme lui étant spécifiquement inspirante.(Ex : ' concerto pour marimba and orchestre ' 1987, éditions Notissimo - ' les mélodies provisoires ' pour accordéon and orchestre 1991, créée par Richard Galliano à St Eustache Paris - ' Concerto No3 ' pour saxophone soprano and orchestre à cordes, enregistré et créé par J.P.Baraglioli and l'orchestre philharmonique de chambre de Lettonie 1998, CD Daphénéo 9802, éditions Misterioso?)Sa curiosité à tout type de rencontre le mènera à d'autres échanges artistiques tout à fait privilégiés :À noter depuis 1989, un parcours de fidélité réciproque avec le chorégraphe japonais Shiro Daïmon (Dernières créations : ' Oni ', Oguni, Jp, sept.2004 - ' Kou, la lune rouge ' Paris, janvier 2005)Cofondateur du ' Collectif de la dernière tangente ' avec le plasticien Bernard Garo et le comédien François Chattot, proposant d'étonnantes immersions pluridisciplinaires, avec des spectacles comme ' Temps Morts ' (création Far, Nyon, 2003/ théâtre Vidy, Lausanne, 2004/ Scène nationale de Sénart, 2005/ festival de Dijon 2007) et ' 9 pictures from 99 body ritual tales ' (création Far, Nyon, 2005/ tournée automne 2006?)' Wasser wind und Stahl ' en préparation (création prévue saison 2008/2009)Musique de film pour ' l'oeil sauvage ' de Johanna Vaude (2006)Travail régulier avec des poètes, dont Dominique Brand et Emmanuel DamonÀ écrit pour Richard Galliano, David Liebman, François Bou, Jacqueline Méfano, Marianne Muller, le quatuor de Riga, l'ensemble FA 7, Jean-Pierre Baraglioli, le quatuor boréal, le collectif Rock Adélaïde, l'orchestre philharmonique de chambre de Lettonie, Sylvain Kassap?Egalement saxophoniste and claviers, il a joué et/ou enregistré aux côtés de Steve Lacy, David Liebman, Sylvain Kassap, Hozan Yamamoto, Andy Emler, Marc Ducret, Archie Shepp,?oeuvres sur CD :(ordre chronologique)1998 : ' Concerto No3 ' pour saxophone soprano and orchestre à cordessur le CD ' 52 fils tendus ' de J.P.Baraglioli (Daphénéo)2000 : ' le Rituel ' pour 5tet de saxophonessur le CD ' le Pont Mirabeau ' quatuor de saxophones de Riga (Kulturas Parvalde)2001 : ' Concerto Grosso ' (2o and 4o Mouvements) pour orchestre d'harmoniesur le CD ' Changer d'air ' produit par Ariam Ile-de-France/ Cepia2002 : ' Même si la lumière? 'Chamber music, monographie (Daphénéo)En cours de réalisation ' Eau vent acier ' pour quatuor à cordes. Sortie prévue en mars 2008 / Orchestre D'Harmonie
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| Quatuor A Cordes #1
Scratches
Quatuor à cordes: 2 violons,
alto, violoncelle
Jobert
Brouillons... l'onomatopée 'scratch!!!'... l'idée de brouiller etc...L'abord d...(+)
Brouillons... l'onomatopée 'scratch!!!'... l'idée de brouiller etc...L'abord du genre du quatuor à cordes reste dans le parcours d'un compositeur un passage important. Cet instrument à seize cordes est un véritable laboratoire de recherche et une magnifique source de stimulation pour l'imaginaire sonore. Le dispositif électronique est là comme prolongement du son, extrapolation du timbre ou excroissance de la masse - il vient densifier, décupler les possibilités sonores et provoquer une sorte de 'schizophrénie' du quatuor à cordes. Grâce à un système de spatialisation, il devient possible d'extraire l'image sonore du quatuor, de la déplacer ou bien même de l'exploser. Ce procédé de diffusion permet de plonger, d'immerger l'auditeur à l'intérieur même du son pour pouvoir mieux le sentir, le ressentir ou bien même de le 'toucher'. Aucun son n'a été au préalable enregistré en studio, tous les traitements et les transformations ont lieu en temps réel. Ce qui signifie que les algorithmes réagissent au jeu des interprètes à un instant T et rendent l'interprétation plus dynamique donc plus vivante. Ceci, dans un sens, 'humanise' les machines et les mets quelque part au service de l'homme !Yann Robin / Quatuor à cordes et Electronique
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| Dusty (SIGHICELLI SAMUEL)
8 Instruments et Sampler [Partition]
Jobert
Par SIGHICELLI SAMUEL. J'ai cherché dans cette pièce mixte à osciller entre l...(+)
Par SIGHICELLI SAMUEL. J'ai cherché dans cette pièce mixte à osciller entre la fusion et le décalage instruments/haut-parleurs, et j'ai donc proposer des 'dispositions' d'écoute: les instruments et les haut-parleurs ont des fonctions très claires qui parfois vont dans le même sens et parfois s'opposent.
La partie électroacoustique se compose non seulement d'une 'bande' (sons fixés) diffusée dans toute la salle, mais d'un sampler (sons mémorisés et joués) diffusé, lui, sur scène à l'intérieur de l'ensemble instrumental. Le sampler représente ainsi un pont entre l'instrumental et l'électronique. Il est à la fois instrument et magnétophone.
Cette proposition d'espace entre trois plans acoustiques (instruments acoustiques, sons mémorisés diffusés parmi les musiciens, et sons fixés diffusés dans le public) obligent à une grande lisibilité compositionnelle pour éviter une confusion qui réduirait son effet.
Pour la partie des sons fixés j'ai travaillé sur la matière disque vinyle (une référence sonore et extra-sonore) en partant de disques de musique classique et leurs craquements et en dérivant à plusieurs reprises, à partir des rythmes suggérés par la répétition de ces craquements, vers des musiques 'actuelles' ou du moins vers des archétypes dont elles sont faites.
Pour la partie des sons mémorisés, je n'ai travaillé pratiquement que sur des mises en boucle de sons orchestraux (empruntés aux mêmes enregistrements d'antan). Les différents accords que comprenaient ces sons m'ont donné le parcours harmonique de la partie instrumentale.
Il faut dire, cette pièce s'appuie principalement sur l'électroacoustique et l'écriture instrumentale reste limitée. Mes préoccupations était alors portées sur la recherche d'un son et l'expérience d'un 'dispositif'. Les instruments ont avant tout un rôle symbolique: ils montrent du doigt le problème de leur limitation face à l'électronique et en même temps, étant la source des matériaux sonores diffusés, ils nous rappellent leur éternel potentiel d'émotion. / contemporain / Répertoire / 8 Instruments et Sampler
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| Légendes Urbaines
(MURAIL TRISTAN)
En Français
22 Instruments [Partition]
Lemoine, Henry
Par MURAIL TRISTAN. (Prendre les mots 'légendes' et 'urbaines' dans leurs diffÃ...(+)
Par MURAIL TRISTAN. (Prendre les mots 'légendes' et 'urbaines' dans leurs différents sens et en tester toutes les combinaisons)
Légendes urbaines est le résultat d'une commande précise de l'Ensemble intercontemporain, à l'occasion d'un concert 'à thème', lui-même partie d'une saison thématique. Ces thèmes, comme l'on sait, sont: la ville, le voyage, et plus précisément, pour ce concert, New York - New York n'étant évidemment pas une destination de voyage pour moi, sinon celle d'un 'commuting' fréquent depuis ma résidence semi-rurale. Les thèmes littéraires ou visuels en musique ont fait couler beaucoup d'encre et plongent plus d'un dans la perplexité. La musique peut-elle exprimer ou raconter ? Est-il possible de ressusciter le poème symphonique ? D'écrire encore des opéras ? Si oui, est-il légitime de le faire, ou n'est-ce pas définitivement obsolète ? Comme je crois à la méthode expérimentale, j'ai décidé de relever le défi et de m'essayer au thème proposé, non sans garder quelque distance ironique vis-à -vis de l'exercice. Occasion aussi de rechercher quelques modèles et de ne pas se priver de références, plus ou moins transparentes, à quelques-uns de mes prédécesseurs sur le nouveau continent. Le modèle formel est celui des Tableaux d'une exposition, avec sa suite de vignettes sonores entrelacées de promenades - les références musicales, on pourra s'amuser à les deviner. Les allusions visuelles, points de départ ou d'arrivée de la rêverie musicale, ne seront pas l'Empire State Building, la Statue de la Liberté et autres cartes postales formatées pour le tourisme, mais plutôt les images et sensations suscitées par la fréquentation d'une ville à la fois très familière et tout à fait étrangère.
Promenade 1
Les 'promenades' de Moussorgski s'effectuaient d'un pas à la fois martial et guilleret... Dans Manhattan, les distances sont grandes, qui inciteront à prendre plutôt le 'Subway', célèbre pour son infernal vacarme métallique. Par prudence pour nos tympans, on l'écoutera d'assez loin, accompagné d'appels de cuivres, le plus souvent sous forme de tierces descendantes - les 5 espèces de tierces permises par l'écriture en quarts de tons. Vacarmes métalliques et appels de cuivres ne se limitent d'ailleurs pas à constituer l'essentiel des 'promenades', mais envahissent les recoins de toute la pièce.
Staten Island Ferry
Autrefois, la 'skyline' (la ligne des gratte-ciels) de Manhattan surgissait pour le voyageur lentement sur l'horizon, objet de tous les rêves et de tous les espoirs, au terme d'une longue traversée maritime. Le bateau franchissait la rade de New-York, saluait au passage la Statue de la Liberté, et allait s'amarrer directement au pied des 'high-rises'. On se rappelle les vieux films et vues d'archives. New York ne s'aborde plus par la mer et cet aspect du rêve américain a donc disparu, mais on peut revivre l'expérience, dans une certaine mesure, en prenant le ferry de Staten Island. Au retour, on peut s'imaginer, accoudé à la rambarde d'un paquebot, découvrant la ville longtemps espérée... la vue est splendide, et le ferry gratuit - chose rare en ce pays.
Central Park at twilight
Superposition de musiques émanant de lieux différents, et se mouvant à différentes vitesses. Sensation étrange d'échapper un moment à la réalité de la ville dont les bruits ne parviennent qu'étouffés. Instants ambigus du crépuscule, brefs et éternels, bruissements dans les fourrés déjà obscurs (ce ne sont que les écureuils), les silhouettes des gratte-ciels s'illuminent une à une à travers les frondaisons. Chant harmonique de la 'Swainson's thrush' (grive à dos olive). Les derniers promeneurs se hâtent vers les sorties: de nos jours, il n'est plus très recommandé de rester écouter les sons de 'Central Park in the Dark'.
Sunday Joggers
Toujours à Central Park: le dimanche, s'installer le long de l'une des routes qui traversent le parc, et qui, fermées à la circulation, sont envahies par une foule ahanante, transpirante et clopinante. 'Joggers' de tous âge, sexe, taille, couleur et embonpoint - toutes vitesses, allures et harnachements. Certain(e)s promènent leur progéniture dans des poussettes de course (3 roues surdimensionnées, profilage aérodynamique), d'autres peinent à suivre leur(s) chien(s). Quelques tricheurs passent à vélo ou sur patins à roulettes. Toute une humanité pantelante défile devant vos yeux, et il faudrait être Daumier pour croquer le spectacle - ici c'est le prétexte d'une modeste étude sur les tempi superposés.
Whirlwinds
Le plan de Manhattan est intéressant: systématiquement rectangulaire, mais avec quelques grandioses irrégularités, en particulier celles provoquées par Broadway qui, vestige d'un vieux chemin indien, coupe diagonalement rues et avenues, provoquant de ce fait quelques extravagances architecturales et topologiques. Une autre conséquence du plan d'urbanisme - ou d'une absence de celui-ci - est que la circulation atmosphérique se trouve très fortement perturbée. Certains carrefours sont ainsi le siège de redoutables tourbillons venteux, en particulier ces carrefours complexes provoqués par l'intrusion de Broadway dans le damier urbain, ou encore la climatiquement terrifiante intersection entre Riverside et la 122ème rue, où la présence d'un clocher-gratte-ciel néo-pré-raphaélite perturbe fortement les masses d'air qui circulent le long de la rivière Hudson.
Promenade 2
Plus agitée que la Promenade 1, et conduisant au triptyque suivant:
George Washington Bridge 1
The Frozen River
George Washington Bridge 2
'Non seulement les possibilités des harmoniques des sons seront-elles révélées dans toute leur splendeur, mais encore l'usage de certaines interférences créées par les partiels constituera-t-il une contribution appréciable. On pourra s'attendre à l'utilisation, jamais envisagée jusqu'à ce jour, des résultants inférieurs et des sons différentiels et additionnels. Une magie sonore totalement nouvelle !' (Edgar Varèse, extrait d'une conférence donnée à Santa Fe en 1936).
George Washington Bridge, c'est notre Grande Porte de Kiev - et l'une des peu nombreuses voies d'accès à l'île de Manhattan (car Manhattan est une île, on l'oublie parfois). Une 'Grande Porte' en ferraille et en réfection permanente, mais qui fut un symbole de modernité en son temps et fascina, dit-on, Edgar Varèse, qui venait en surveiller l'avancement des travaux. C'est aussi l'occasion d'un triptyque intérieur, qui respecte la symétrie de l'ouvrage, ses deux piliers de métal argenté, son double pont d'où l'on peut jouir de vues somptueuses sur la skyline, le tout jeté sur un fleuve parfois gelé en hiver. C'est enfin un hommage à l'intuition prophétique de Varèse, dont la citation ci-dessus décrit très précisément les types d'harmonies développés quarante ans plus tard par les techniques dites 'spectrales' - sans que lui-même n'ait pu mettre ces idées en application.
Promenade 3
Au ralenti, et tuilée avec:
Hyperlinks
Où des connexions s'établissent subitement entre divers moments entendus précédemment - établissement de 'liens' inattendus entre textures les plus opposées.
Promenade 4
Rappel de la promenade 1, puis retour à Central Park, qui maintenant s'enfonce dans la nuit - dernier chant de la grive à dos olive...
Tristan Murail
Programme de l'EIC, Concert à la Cité de la Musique / contemporain / Répertoire / 22 Instruments
Délais: 2-5 jours - En Stock Fournisseur | | |
| Concerto Pour Clarinette
- Réduction
En Français
Clarinette et Piano
Billaudot
Une matière sonore qui circule sans cesse au sein de l'orchestre, des échos mu...(+)
Une matière sonore qui circule sans cesse au sein de l'orchestre, des échos multiples qui jaillissent de toutes parts, une recherche de textures sonores aux couleurs les plus diverses : c'est avant tout ce qui caractérise ce concerto, poème symphonique concertant qui se déploie d'un seul tenant bien que structuré en trois mouvements. Le premier s'ouvre sur des espaces sonores aux couleurs sombres et inquiétantes d'où émerge la clarinette avant de se diffuser en échos multiples dans les bois de l'orchestre. Entre ces éléments de flux et de reflux scandés par de denses accords répétés, la clarinette impose progressivement des mélismes aux contours néo-baroques avant que ne s'engage une partie plus motorique en crescendo constant conduite par un martèlement obsédant de motifs staccatissimo. Après une lente transition où le discours s'apaise, le second mouvement débute par une longue mélodie descendante de clarinette ponctuée par un accompagnement chromatique lentement égrainé au piano. Cette mélodie semble dialoguer avec son double dans un enchevêtrement de lignes contrapontiques comme si l'on regardait au loin se déployer des polyphonies de la Renaissance. Après un renforcement expressif de cet épisode plus mélodique, commence une longue passacaille, au thème mécanique presque burlesque, distribué à tout l'orchestre comme dans une gigantesque Klangfarbenmelodie, qui avec ses différentes variations exploitera de multiples combinaisons instrumentales entre la clarinette et des groupes instrumentaux de l'orchestre comme les cuivres bouchés ou les percussions - bref une sorte de concerto grosso en perpétuel renouvellement, passant de réminiscences jazzy à des bouffées expressionnistes. / Clarinette Et Piano
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| Tosi Daniel : Phonic
Design 4. Violon Et
Marimba. (TOSI DANIEL)
Violon et Marimba [Partition]
Dhalmann
Violon et marimba. Par TOSI DANIEL. Cette oeuvre de virtuosité s'appuie sur les...(+)
Violon et marimba. Par TOSI DANIEL. Cette oeuvre de virtuosité s'appuie sur les modèles de l'histoire des musiques du monde...
Difficile-très difficile. 10 - 15 mn
Mais, c'est surtout l'interactivité d'un objet sonore mouvant qui m'a passionné. Au-delà d'une tonalité simple, il se dégage une multitude d'harmoniques, qui brouillent le schéma habituel.
Il ne s'agit pas seulement d'un jeu musical d'exécution transcendantale. La surimpression entre les deux protagonistes est le lieu de rencontre de forces dynamiques autour de diffractions et de mélodies éclatées.
L'expression musicale doit naître de ces rencontres de vitesses variables. Tantôt une cellule de base engendre des éléments discursifs de même contenu, tantôt elle fait place à des incrustations curieuses qui détournent le discours vers de brefs imaginaires.
Ces dessins juxtaposés ou superposés apparaissent comme reliés par un flux énergétique permanent pour recréer un processus de vie sur des écritures sonores.
La mobilité du spectre produite par ces hauteurs vivement étalées m'a poussé à l'alimenter au moyen d'une rythmicité précise, aux accents multiples. Le but final étant de créer un tourbillon électronique aux contours ciselés et au déroulement imperturbable, modifié seulement par les accélérations ou les ralentis - ceux-ci sont notés dans le contenu rythmique et imposent une stabilité hors du temps et ' anti conformiste '.
L'ensemble doit s'échapper, s'élever et butiner dans l'air avec légèreté.
Le mouvement central rassemble, au contraire, tout un potentiel expressif imaginaire et sous jacent. C'est une sorte d'accompagnement où le chant ne parvient pas à jaillir mais doit s'imposer par le phrasé. Celui-ci éclatera dans le final sous forme d'un jet de poussière exalté.
Né en 1953 à Perpignan, Daniel Tosi est aujourd'hui compositeur et chef d'orchestre. Il obtient six premiers Prix au CNSM de Paris. Parallèlement, il accomplit des études à la Sorbonne où, après avoir réussi l'agrégation, il obtient un doctorat es lettres du Troisième cycle (mention Très Bien). Titulaire également de deux Certificats d'Aptitude (Analyse et Direction des Conservatoires Nationaux de Région), il occupe un poste d'inspecteur à la Direction de la Musique et entreprend un travail pédagogique selon sa triple activité de composition, recherche et direction d'orchestre. En 1983, Daniel Tosi obtient le Prix de Rome. Pensionnaire de la Villa Medicis jusqu'en 1985, il reçoit cette même année le prix Georges Enesco décerné par la Sacem. En 1986, il reçoit le Prix de la Villa Medicis Hors les Murs lui permettant de réaliser une oeuvre à l'étranger (Barcelone). En 1999 Daniel Tosi obtient la distinction d'Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres et, plus récemment, reçoit le prix Claude Arrieu (décerné par la Sacem) Ses oeuvres sont régulièrement jouées dans de nombreux festivals de musique contemporaine (Paris, Rome, Strasbourg, Turin, Milan, La Rochelle, Bourges, Perpignan, Caen, etc) par des formations diverses ainsi que par des solistes renommés (Ensemble de l'Itinéraire, les Percussions de Strasbourg, le Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, l'ensemble Solars Vortices, TM +, Jean Lennert, Jean Geoffroy, etc) Outre ses activités de compositeur et chef d'orchestre, Daniel Tosi dirige le Conservatoire Perpignan Méditerranée depuis 1989. / Niveau : Difficile à Très Difficile / Répertoire / Violon et Marimba
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| Mon petit Chopin
En Français
Eveil Musical [Livre + CD]
Emilie COLLET (Auteur), Séverine CORDIER (Illustrations) - (Français) Relié...(+)
Emilie COLLET (Auteur), Séverine CORDIER (Illustrations) - (Français) Relié ? 17 mars 2016 - Les premiers airs de Chopin pour les tout-petits !
Avec ses puces sonores musicales, ce recueil est unique. Sur chaque page, l'enfant recherche dans l'illustration le petit bouton qui déclenchera la musique.
C'est la musique de Chopin que vont découvrir les petits au fil des pages de cet ouvrage : La Grande valse brillante ; La valse du petit chien ; La goutte d'eau ; Le papillon ; Nocturne et la Polonaise.
Un livre sonore pour découvrir les premiers airs de Chopin !
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| Les Fauvettes De
L'Hérault&nbs
p;- Concert Des Garrigues
(MESSIAEN OLIVIER)
Piano seul
Leduc, Alphonse
Par MESSIAEN OLIVIER. Olivier Messiaen avait imaginé autour de 1960 un grand co...(+)
Par MESSIAEN OLIVIER. Olivier Messiaen avait imaginé autour de 1960 un grand concerto pour piano, différents solistes et orchestre sur les ' Oiseaux de l'Hérault ' qui est resté inachevé, mais la partie du piano soliste était déjà largement élaborée. La Fondation Olivier Messiaen a confié au pianiste Roger Muraro, interprète reconnu de l'oeuvre de Messiaen, le soin d'organiser les esquisses et les manuscrits retrouvés dans les archives du compositeur. Cette nouvelle parution est née du travail de recherche entrepris par Roger Muraro, dont il détaille la méthode dans l'importante étude qui ouvre le volume. Celle-ci révèle entre autres la proximité musicale de l'oeuvre avec Sept Haïkaï. Enrichie de nombreux fac-similés, d'exemples et de photographies, cette introduction retrace la genèse et le contexte historique, invite à pénétrer dans l'atelier du compositeur et propose des conseils d'interprétation. Fauvettes de l'Hérault - Concert des garrigues pour piano seul est un ' concert sans orchestre ' où se mêlent un hommage à Claude Debussy, une dédicace à peine voilée à la pianiste Yvonne Loriod, de nouveaux chants d'oiseaux de l'Hérault, et l'immense palette de rythmes, de timbres et de couleurs si caractéristique de l'univers sonore d'Olivier Messiaen. Olivier Messiaen avait imaginé autour de 1960 un grand concerto pour piano, différents solistes et orchestre sur les ' Oiseaux de l'Hérault ' qui est resté inachevé, mais la partie du piano soliste était déjà largement élaborée. La Fondation Olivier Messiaen a confié au pianiste Roger Muraro, interprète reconnu de l'oeuvre de Messiaen, le soin d'organiser les esquisses et les manuscrits retrouvés dans les archives du compositeur. Cette nouvelle parution est née du travail de recherche entrepris par Roger Muraro, dont il détaille la méthode dans l'importante étude qui ouvre le volume. Celle-ci révèle entre autres la proximité musicale de l'oeuvre avec Sept Haïkaï. Enrichie de nombreux fac-similés, d'exemples et de photographies, cette introduction retrace la genèse et le contexte historique, invite à pénétrer dans l'atelier du compositeur et propose des conseils d'interprétation. Fauvettes de l'Hérault - Concert des garrigues pour piano seul est un ' concert sans orchestre ' où se mêlent un hommage à Claude Debussy, une dédicace à peine voilée à la pianiste Yvonne Loriod, de nouveaux chants d'oiseaux de l'Hérault, et l'immense palette de rythmes, de timbres et de couleurs si caractéristique de l'univers sonore d'Olivier Messiaen. / Classique / Répertoire / Piano
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| La Nuit sera calme
(LACOTE THOMAS)
En Français
Orgue et Percussions [Partition]
Lemoine, Henry
Par LACOTE THOMAS. En associant l'orgue et la percussion, j'ai imaginé des alli...(+)
Par LACOTE THOMAS. En associant l'orgue et la percussion, j'ai imaginé des alliages de sonorités aptes à tisser des liens d'interaction entre ces deux mondes sonores. Ainsi, dans cette pièce, la percussion est-elle rarement frappée mais plutôt 'nappée', rejoignant les sons continus de l'orgue dans des trames où ils se confondent, se masquent, transparaissent l'un de l'autre, échangent leurs résonances et se transforment mutuellement. Il fallait pour cela passer outre les principes de l'écriture musicale, et les hauteurs 'déterminées' ou 'indéterminées' des tuyaux, gongs ou cymbales, pour aller chercher la chair du son instrumental et organiser ses fluctuations, sa brillance ou sa rugosité. L'orgue, lui, est passé au travers d'un filtre qui le prive de ses sonorités les plus tranchées pour privilégier la fluidité et la continuité acoustique.
Du point de vue des recherches sonores, cette pièce poursuit dans la voie de mon Etude de transparence pour orgue à 4 mains. Cependant, son titre et son imaginaire la rattachent aussi à ma cantate Torpeurs, pour deux voix et quatuor à cordes.
'La nuit sera calme' : étrange prophétie formulée par Romain Gary pour conclure son livre du même nom. Si elle invite l'auditeur à entrer dans une écoute qui dépasse l'agitation de la vie diurne et s'ouvre à une intériorité plus mystérieuse, son écho funèbre suggère d'autres interrogations et fait sourdre une angoisse diffuse. Malgré le temps suspendu et le diaphane des sonorités, peut-être vaut-il mieux rester sur ses gardes, et l'oreille à l'affût, avant que cette nuit-là ne tombe tout à fait.
Nomenclature des percussions
1 tam-tam (large)
4 cymbales (petite, moyenne, grande et très grande taille) + 1 chaîne
4 triangles (aigu à grave)
crotales (1 octave aigue)
1 cymbale rotosound (si possible)
5 temple-blocks (aigu à grave)
1 tambour de bois (grave)
1 maraca (grave)
4 cloches à vache
3 gongs/ Répertoire / Orgue et Percussions
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| Dufourt H. - Les
Chardons D'apres Van Gogh
En Français
Alto et orchestre
Lemoine, Henry
Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre ...(+)
Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1( picc).1( ca).2( clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt
Délais: En Stock | | |
| Les Chardons
D'Après Van
Gogh (DUFOURT HUGUES)
En Français
Alto et Orchestre de Chambre [Partition]
Lemoine, Henry
Par DUFOURT HUGUES. Van Gogh écrit en 1888 : 'Le peintre de l'avenir, c'est un ...(+)
Par DUFOURT HUGUES. Van Gogh écrit en 1888 : 'Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu.' A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un 'atelier du Midi' et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année.
Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme.
Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme.
Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les 'assises géologiques du paysage' - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent.
Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la 'masse sonore' un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs.
L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue.
La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son.
La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite.
La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor.
La partition est une Commande de l'Etat, Ã l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain.
Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Alto et Orchestre de Chambre
Délais: 2-5 jours - En Stock Fournisseur | | |
| Mandala Sur Le Sable Pour
Quintette A Vent
(Conducteur)
En Français
Quintette à Vent: flûte,
Hautbois, basson, clarinette, Cor
Delatour France
À travers une musique jouant sur la poétique du sable et sur la référence à ...(+)
À travers une musique jouant sur la poétique du sable et sur la référence à deux de ses états, particules légères et sables mouvants, le compositeur s'inspire d'une forme, celle du Mandala, pour construire sa pièce et faire évoluer ce matériau sonore, Les sonorités nouvelles et la recherche d'une harmonie fondée sur la densité ont guidé le travail de composition, Le quintette Gustatori, qui a crée la pièce, a contribué à cette recherche, / Quintette A Vent
Délais: 2-5 jours - En Stock Fournisseur | |
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| Avec [Conducteur] - Avancé
Lemoine, Henry
Mixed ensemble - Advanced SKU: LM.29608 6 instruments. Composed by...(+)
Mixed ensemble - Advanced
SKU: LM.29608 6
instruments. Composed
by Bastien David.
Ensemble Music. Score.
Editions Henry Lemoine
#29608. Published by
Editions Henry Lemoine
(LM.29608). ISBN
9790230996082. 16.5 x
11.7 inches.
Francais. Ce
sextuor prend la forme
d'un double trio a vent
et a cordes. Il permet
aussi l'utilisation d'un
triple duo, ou cette fois
ci, un vent est associe a
une corde, d'ou le titre
de la piece. Afin de
permettre cela, j'ai
choisi de placer les
instrumentistes dans un
dispositif scenique en
quinconce. Une recherche
sonore importante a ete
necessaire au prealable
de la periode d'ecriture
proprement dite.
L'utilisation de
nombreuses techniques de
jeu non conventionnelles
cree ainsi un rapport
quasi primitif entre le
musicien et son
instrument. Par la
preparation du trio a
corde, j'ai transforme de
maniere naturelle le son
acoustique. Cette
modification confere aux
instruments des sonorites
electroniques parfois
distordues. La volonte
premiere de cette
transformation etait de
donner au sextuor, par
l'alliage des timbres
instrumentaux,
l'apparence d'une seule
entite et d'un instrument
unique. Avec devenu
singulier. Bastien
David. $77.95 - Voir plus => AcheterDélais: 3 to 4 weeks | | | |
| Recherche Sonore
Percussion
Schott
23 Etudes Progressives pour percussion. By Mary-Cecile Kiss. Schott. 23 pages. P...(+)
23 Etudes Progressives
pour percussion. By
Mary-Cecile Kiss. Schott.
23 pages. Published by
Schott Freres.
$15.00 - Voir plus => AcheterDélais: 24 hours - In Stock | | | |
| Stonehenge
Fanfare [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Fanfare Band - Grade 6 SKU: BT.DHP-1074324-020 Composed by Jan Van der Ro...(+)
Fanfare Band - Grade 6
SKU:
BT.DHP-1074324-020
Composed by Jan Van der
Roost. Arranged by Tom
D'Joos. Concert and
Contest Collection Brass
Band en Fanfare. Concert
Piece. Set (Score &
Parts). Composed 2007. De
Haske Publications #DHP
1074324-020. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-1074324-020).
9x12 inches.
English-German-French-Dut
ch. Met deze
compositie geeft Jan Van
der Roost een muzikaal
sfeerbeeld van
Stonehenge: een beroemde
historische Engelse
stenencirkel die al
zo’n 3500 jaar
bestaat. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er geen
duidelijkscenario is
gebruikt, verklankt
Stonehenge het
mysterie en de grootsheid
van het eeuwenoude
geheimzinnige monument op
voortreffelijke wijze.
Gezongen elementen
bevorderen de mythische
sfeer.
Dans le
sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $314.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Stonehenge
Ensemble de cuivres [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Brass Band - Grade 6 SKU: BT.DHP-0920462-030 Composed by Jan Van der Roos...(+)
Brass Band - Grade 6
SKU:
BT.DHP-0920462-030
Composed by Jan Van der
Roost. Concert and
Contest Collection Brass
Band en Fanfare. Concert
Piece. Set (Score &
Parts). Composed 1992. De
Haske Publications #DHP
0920462-030. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-0920462-030).
This piece
attempts to portray
atmospheric pictures
through music. The
opening section evokes
the somewhat misty and
hazy early morning
atmosphere surrounding
the ancient monument.
When the band reaches its
first dynamic climax it
is as if the massive
boulders are audible,
even touchable through
the use of minor 3rd
chords. The main theme -
constructed on the notes
CAFBG symbolises the
arrangement of the
central boulders in the
shape of a horseshoe,
which forms the focal
point of this huge
collection of stones.
Towards the end of the
work you will experience
a fantastic effect when
five soloists play a five
part hymn whilst other
members of the band
create a
specialatmosphere by
imitating a choir of
monks and druids. A
fantastic major new
concert work for advanced
bands.
Een enorme
cirkel van gigantische
rechtopstaande stenen
staat al zo’n 3500
jaar lang in het
zuidwesten van Engeland.
In dit werk zijn
sfeerbeelden omgezet in
muziek. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er
geenduidelijk scenario is
gebruikt, verklankt deze
compositie het mysterie
en de grootsheid van het
eeuwenoude geheimzinnige
monument Stonehenge op
voortreffelijke
wijze.
Dans le
sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $157.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Stonehenge
Orchestre d'harmonie [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Concert Band - Grade 6 SKU: BT.DHP-1053805-040 Composed by Jan Van der Ro...(+)
Concert Band - Grade 6
SKU:
BT.DHP-1053805-040
Composed by Jan Van der
Roost. Arranged by Tohru
Takahashi. Sovereign
Series. Concert Piece.
Set (Score & Parts).
Composed 2005. De Haske
Publications #DHP
1053805-040. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-1053805-040).
9x12 inches.
English-German-French-Dut
ch. This piece
attempts to portray
atmospheric pictures
through music. The
opening section evokes
the somewhat misty and
hazy early morning
atmosphere surrounding
the ancient monument.
When the band reaches its
first dynamic climax it
is as if the massive
boulders are audible,
even touchable through
the use of minor 3rd
chords. The main theme -
constructed on the notes
CAFBG symbolises the
arrangement of the
central boulders in the
shape of a horseshoe,
which forms the focal
point of this huge
collection of stones.
Towards the end of the
work you will experience
a fantastic effect when
five soloists play a five
part hymn whilst other
members of the band
create a
specialatmosphere by
imitating a choir of
monks and druids. A
fantastic major new
concert work for advanced
bands.
Een enorme
cirkel van gigantische
rechtopstaande stenen
staat al zo’n 3500
jaar lang in het
zuidwesten van Engeland.
In dit werk zijn
sfeerbeelden omgezet in
muziek. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er
geenduidelijk scenario is
gebruikt, verklankt deze
compositie het mysterie
en de grootsheid van het
eeuwenoude geheimzinnige
monument Stonehenge op
voortreffelijke
wijze.
Im
Südwesten Englands
steht seit fast 3500
Jahren ein Ring riesiger
Steine: Stonehenge. Das
gleichnamige Werk von Jan
Van der Roost bringt
mystische Stimmungen und
Bilder rund um die alte
Stätte auf
musikalische Weise zum
Klingen. Das Hauptmotiv
aus fünf Tönen
zieht sich durch das
gesamte Werk und
symbolisiert den
hufeisenförmigen
inneren Ring des riesigen
Steinkreises. Später
gemahnen fünf
Vokalsolisten sowie ein
gesungener Druiden- und
Mönchs-Chor an Stimmen
aus einer fremden Welt.
Stonehenges
ungelüftetes Geheimnis
schlug den Komponisten in
seinen Bann und
inspirierte ihn zu diesem
ebenso unwiderstehlichen
Werk, das Tohru Takahashi
nun für Blasorchester
transkribierte.
Da
ns le sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $314.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Stonehenge
Orchestre d'harmonie [Conducteur] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Concert Band/Harmonie - Grade 6 SKU: BT.DHP-1053805-140 Composed by Jan V...(+)
Concert Band/Harmonie -
Grade 6 SKU:
BT.DHP-1053805-140
Composed by Jan Van der
Roost. Arranged by Tohru
Takahashi. Sovereign
Series. Concert Piece.
Score Only. Composed
2005. 86 pages. De Haske
Publications #DHP
1053805-140. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-1053805-140).
340 X 250 inches.
English-German-French-Dut
ch. This piece
attempts to portray
atmospheric pictures
through music. The
opening section evokes
the somewhat misty and
hazy early morning
atmosphere surrounding
the ancient monument.
When the band reaches its
first dynamic climax itis
as if the massive
boulders are audible,
even touchable through
the use of minor 3rd
chords. The main theme,
constructed on the notes
CAFBG, symbolises the
arrangement of the
central boulders in the
shape of a horseshoe,
whichforms the focal
point of this huge
collection of stones.
Towards the end of the
work you will experience
a fantastic effect when
five soloists play a five
part hymn whilst other
members of the band
create a special
atmosphere byimitating a
choir of monks and
druids. A fantastic major
new concert work for
advanced
bands.
Een enorme
cirkel van gigantische
rechtopstaande stenen
staat al zo’n 3500
jaar lang in het
zuidwesten van Engeland.
In dit werk zijn
sfeerbeelden omgezet in
muziek. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er
geenduidelijk scenario is
gebruikt, verklankt deze
compositie het mysterie
en de grootsheid van het
eeuwenoude geheimzinnige
monument Stonehenge op
voortreffelijke
wijze.
Im
Südwesten Englands
steht seit fast 3500
Jahren ein Ring riesiger
Steine: Stonehenge. Das
gleichnamige Werk von Jan
Van der Roost bringt
mystische Stimmungen und
Bilder rund um die alte
Stätte auf
musikalische Weise zum
Klingen. Das Hauptmotiv
aus fünf Tönen
zieht sich durch das
gesamte Werk und
symbolisiert den
hufeisenförmigen
inneren Ring des riesigen
Steinkreises. Später
gemahnen fünf
Vokalsolisten sowie ein
gesungener Druiden- und
Mönchs-Chor an Stimmen
aus einer fremden Welt.
Stonehenges
ungelüftetes Geheimnis
schlug den Komponisten in
seinen Bann und
inspirierte ihn zu diesem
ebenso unwiderstehlichen
Werk, das Tohru Takahashi
nun für Blasorchester
transkribierte.
Da
ns le sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $52.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Stonehenge
Orchestre d'harmonie [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Concert Band/Harmonie - Grade 6 SKU: BT.DHP-1053805-010 Composed by Jan V...(+)
Concert Band/Harmonie -
Grade 6 SKU:
BT.DHP-1053805-010
Composed by Jan Van der
Roost. Arranged by Tohru
Takahashi. Sovereign
Series. Concert Piece.
Set (Score & Parts).
Composed 2005. De Haske
Publications #DHP
1053805-010. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-1053805-010).
9x12 inches.
English-German-French-Dut
ch. This piece
attempts to portray
atmospheric pictures
through music. The
opening section evokes
the somewhat misty and
hazy early morning
atmosphere surrounding
the ancient monument.
When the band reaches its
first dynamic climax it
is as if the massive
boulders are audible,
even touchable through
the use of minor 3rd
chords. The main theme -
constructed on the notes
CAFBG symbolises the
arrangement of the
central boulders in the
shape of a horseshoe,
which forms the focal
point of this huge
collection of stones.
Towards the end of the
work you will experience
a fantastic effect when
five soloists play a five
part hymn whilst other
members of the band
create a
specialatmosphere by
imitating a choir of
monks and druids. A
fantastic major new
concert work for advanced
bands.
Een enorme
cirkel van gigantische
rechtopstaande stenen
staat al zo’n 3500
jaar lang in het
zuidwesten van Engeland.
In dit werk zijn
sfeerbeelden omgezet in
muziek. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er
geenduidelijk scenario is
gebruikt, verklankt deze
compositie het mysterie
en de grootsheid van het
eeuwenoude geheimzinnige
monument Stonehenge op
voortreffelijke
wijze.
Im
Südwesten Englands
steht seit fast 3500
Jahren ein Ring riesiger
Steine: Stonehenge. Das
gleichnamige Werk von Jan
Van der Roost bringt
mystische Stimmungen und
Bilder rund um die alte
Stätte auf
musikalische Weise zum
Klingen. Das Hauptmotiv
aus fünf Tönen
zieht sich durch das
gesamte Werk und
symbolisiert den
hufeisenförmigen
inneren Ring des riesigen
Steinkreises. Später
gemahnen fünf
Vokalsolisten sowie ein
gesungener Druiden- und
Mönchs-Chor an Stimmen
aus einer fremden Welt.
Stonehenges
ungelüftetes Geheimnis
schlug den Komponisten in
seinen Bann und
inspirierte ihn zu diesem
ebenso unwiderstehlichen
Werk, das Tohru Takahashi
nun für Blasorchester
transkribierte.
Da
ns le sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $314.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Stonehenge
Ensemble de cuivres [Conducteur] - Intermédiaire/avancé
De Haske Publications
Brass Band - Grade 6 SKU: BT.DHP-0920462-130 Composed by Jan Van der Roos...(+)
Brass Band - Grade 6
SKU:
BT.DHP-0920462-130
Composed by Jan Van der
Roost. Concert and
Contest Collection Brass
Band en Fanfare. Concert
Piece. Score Only.
Composed 1992. De Haske
Publications #DHP
0920462-130. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-0920462-130).
Een enorme
cirkel van gigantische
rechtopstaande stenen
staat al zo’n 3500
jaar lang in het
zuidwesten van Engeland.
In dit werk zijn
sfeerbeelden omgezet in
muziek. Hoewel er geen
concreet verhaal aan ten
grondslag ligt en er
geenduidelijk scenario is
gebruikt, verklankt deze
compositie het mysterie
en de grootsheid van het
eeuwenoude geheimzinnige
monument Stonehenge op
voortreffelijke
wijze.
Dans le
sud-ouest de
l’Angleterre, se
dresse, depuis plus de 3
500 ans, un
impressionnant cercle de
blocs de grès. En
dépit de multiples
recherches et calculs
scientifiques, on ne
connaît toujours pas
la signification exacte
de ce site. Au fil des
siècles, de nombreuses
suppositions et
spéculations ont
été avancées
quant la fonction de
Stonehenge, lieu de
cérémonies
religieuses, lieu de
rituels et
d’adoration, mais
aucune de ces
hypothèses n’a
pu être
démontrée de
façon probante ce
jour. Actuellement, on
s’accorde penser
que Stonehenge est un
calendrier géant. La
disposition
particulière des blocs
permet d’observer
le lever du soleil ou le
coucher de la lune, de
prédire lessolstices
d’été et
d’hiver, de
déterminer les
positions de la lune
travers les diagonales,
etc. En résumé, ce
mystérieux monument de
pierre permet
d’observer les
changements de
saison.Stonehenge
est une mise en musique
d’images et
d’impressions
atmosphériques ; un
paysage sonore dont la
trame ne suit aucun
scénario précis,
mais dont les images sont
réelles. $52.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Shirim
Orchestre d'harmonie [Conducteur et Parties séparées] - Intermédiaire
De Haske Publications
Concert Band/Harmonie - Grade 4 SKU: BT.DHP-0981369-010 Composed by Piet ...(+)
Concert Band/Harmonie -
Grade 4 SKU:
BT.DHP-0981369-010
Composed by Piet Swerts.
Inspiration Series.
Concert Piece. Set (Score
& Parts). Composed 1998.
De Haske Publications
#DHP 0981369-010.
Published by De Haske
Publications
(BT.DHP-0981369-010).
Lorsque Piet
Swerts eut
l’idée de
composer une œuvre
basée sur la musique
klezmer, il se soumit en
premier lieu un
véritable travail de
détective, recherchant
la fois, les mélodies
originales qui seraient
les plus aptes
correspondre une
utilisation sous forme de
thème, ou bien
l’inverse, des
mélodies susceptibles
de créer un contraste
approprié. Après
une ouverture sombre et
mystérieuse, il
introduit plusieurs
mélodies
mélancoliques aux
couleurs orientales, dont
l’air Zemer
Atik. La mélodie
d’un autre chant
traditionnel juif est
ensuite exposée. En
juxtaposant cette ligne
mélodique un
contrepoint aux accents
des musiques
d’Europe de
l’Est, Piet
Swertsréussit créer
un espace sonore
orchestral intriguant et
créatif. Shirim
poursuit son
développement sur une
succession de mélodies
très enlevées, et
particulièrement
colorées : Uri
Tzion, Sher et Ki
Mitziyon mènent
l’œuvre vers
un finale pétillant et
éclatant.
Shirim (mot
hébreu signifiant «
chansons ») est une
rhapsodie klezmer qui
illustre la perfection la
diversité et la
richesse de la musique
traditionnelle juive. $196.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | | |
| Shirim (score)
Orchestre d'harmonie [Conducteur]
De Haske Publications
Composed by Piet Swerts (1960-). De Haske Concert Band. Concert Piece. Score Onl...(+)
Composed by Piet Swerts
(1960-). De Haske Concert
Band. Concert Piece.
Score Only. Composed
1998. 48 pages. De Haske
Publications #981369.
Published by De Haske
Publications
$38.00 - Voir plus => AcheterDélais: 24 hours - In Stock | | | |
| Shirim
Orchestre d'harmonie [Conducteur] - Intermédiaire
De Haske Publications
Concert Band/Harmonie - Grade 4 SKU: BT.DHP-0981369-140 Composed by Piet ...(+)
Concert Band/Harmonie -
Grade 4 SKU:
BT.DHP-0981369-140
Composed by Piet Swerts.
Inspiration Series.
Concert Piece. Score
Only. Composed 1998. 48
pages. De Haske
Publications #DHP
0981369-140. Published by
De Haske Publications
(BT.DHP-0981369-140).
Lorsque Piet
Swerts eut
l’idée de
composer une œuvre
basée sur la musique
klezmer, il se soumit en
premier lieu un
véritable travail de
détective, recherchant
la fois, les mélodies
originales qui seraient
les plus aptes
correspondre une
utilisation sous forme de
thème, ou bien
l’inverse, des
mélodies susceptibles
de créer un contraste
approprié. Après
une ouverture sombre et
mystérieuse, il
introduit plusieurs
mélodies
mélancoliques aux
couleurs orientales, dont
l’air Zemer
Atik. La mélodie
d’un autre chant
traditionnel juif est
ensuite exposée. En
juxtaposant cette ligne
mélodique un
contrepoint aux accents
des musiques
d’Europe de
l’Est, Piet
Swertsréussit créer
un espace sonore
orchestral intriguant et
créatif. Shirim
poursuit son
développement sur une
succession de mélodies
très enlevées, et
particulièrement
colorées : Uri
Tzion, Sher et Ki
Mitziyon mènent
l’œuvre vers
un finale pétillant et
éclatant.
Shirim (mot
hébreu signifiant «
chansons ») est une
rhapsodie klezmer qui
illustre la perfection la
diversité et la
richesse de la musique
traditionnelle juive. $42.95 - Voir plus => AcheterDélais: 2 to 3 weeks | | |
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