ADLER Samuel Etude de l'orchestration Discipline / Instrument : tous instruments Genre : Méthode - études Média : Livre Nombre de pages : 1136 (17,8 x 25,4 cm) Editeur : Lemoine Date de parution : 15/06/2011 ISBN / ISMN : 9790230982122 plus de 150 ans après Hector BERLIOZ, plus de 50 ans après Charles KOECHLIN ou Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV, et quelques années après... un long travail, Les éditions Henry Lemoine ont le plaisir de vous présenter, enfin en langue française, de Samuel ADLER : Etude de l'orchestration TRAITE PRATIQUE Titre original : The Study of Orchestration, traité d'orchestration de réputation internationale Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous la forme d'une édition française, augmentée de 280 pages (+33%) par rapport à la version traduite. En effet, le texte original, déjà riche, est complété : - par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui, - par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine, - de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogique, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier - enfin, d'un index complet et performant (accru de 150%) sans lequel une telle ampleur de contenu se révélerait assez rapidement vaine. Samuel Adler Compositeur et chef d'orchestre américain d'origine allemande parti très jeune aux états-unis, Samuel Adler a composé plus de quatre cents oeuvres publiées, dont cinq opéras, six symphonies, douze concerti, huit quatuors à cordes, quatre oratorios et bien d'autres pièces orchestrales, chorales, vocales ou pour band. Elève notamment de Paul Hindemith, Aaron Copland et Sergei Koussevitski, il enseigna à son tour à l'University of North Texas (1957-1966) puis à l'Eastman School of Music de l'university of Rochester (1966-1995), et depuis 1997 reste membre intervenant à la Juilliard School of Music au sein du département composition. Auteur d'autres ouvrages que celui-ci (Choral Conducting et Sight Singing), Samuel Adler a reçu plusieurs prix et distinctions pour sa contribution exceptionnelle au monde musical comme compositeur, chef d'orchestre et auteur - en 2001, il entre à l'American Academy of Arts and letters. En tant que chef, il s'est produit avec de nombreux orchestres prestigieux, aux états-unis ou ailleurs - plus d'une cinquantaine de ses oeuvres furent enregistrées et sont distribuées par des labels américains ou européens de premier plan. Gilbert Amy Elève de Milhaud et Messiaen au Conservatoire de Paris, Gilbert Amy est un compositeur dont le talent a été salué par de multiples prix et dont les oeuvres sont jouées dans les plus hauts lieux mondiaux de la création musicale. Succédant à Pierre Boulez à la direction des concerts du Domaine musical, Gilbert Amy a ensuite poursuivi une carrière de chef d'orchestre. Fondateur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France, il en sera le premier chef et directeur artistique jusque dans les années 1980. Pédagogue reconnu, il a enseigné la composition et l'analyse musicale à l'Université de Yale puis occupé le poste de directeur du C.N.S.M. de Lyon de 1984 à 2000. Bruno Gillet Compositeur, Bruno Gillet a beaucoup écrit pour la voix, en formations de chambre, en duos avec divers instruments, en ensemble vocal, et avec orchestre. Au théâtre, il a collaboré, entre autres auteurs, avec Italo Calvino et Georges Perec. Au C.N.S.M. de Paris, il a inauguré la classe d'analyse et culture musicale spécialement destinée aux chanteurs, et assuré au C.N.A.D. la formation musicale des acteurs. Philippe Vernier Philippe Vernier se passionne très tôt pour les musiques orales dont il approfondit la connaissance d'abord en autodidacte (chanson, folk music...) puis sous l'impulsion du guitariste Alain Berkès (manouche, blues, jazz...). Après une expérience pop-rock, il étudie la théorie classique, suit l'enseignement des compositeurs Alain Roizenblat, Michel Decoust et Philippe Leroux - il reçoit alors plusieurs Premiers Prix (Orchestration, Composition...) et un D.E.M. en électro-acoustique. Compositeur de pièces pour bande, ensemble, chansons, musiques de film ou de scène, il a remporté le Prix de la Création Musicale au festival Paris-Tout-Court (2002).

trad. francese-A book on the most important chord sequences in jazz with 2 CDs and play-backs for all jazz musicians.

15 Steps to Musical Freedom for All Musicians-15 Steps to Musical Freedom for All Musicians. Breakthrough to Improv: The Secrets of Improvisation is intended for players of all instruments as a way to break through to the creative approach to playing music. Hosted by Berklee professor Dave Frank author of Hal Leonard's popular Joy of Improv series this DVD outlines a unique step-by-step series of practice points designed to guide you effortlessly into the process of improvisation. Whether you're a traditionally trained musician looking to break free from written music an improviser looking to expand your creativity or a music teacher looking for a way to begin teaching improvisation Breakthrough to Improv is a must tohelp you discover the infinite flow of music within you! Includes a helpful booklet with musical examples and further instruction. Also available: 00320225 Video $19.95

Par GRABOWSKI ELSA / LOUIS HELENE. Ma Boîte à Musiques est un ouvrage complet pour une deuxième année d'enseignement musical. Il aborde toutes les notions par l'apprentissage de chansons traditionnelles ou originales et la découverte d'un répertoire varié. Afin de permettre à l'enfant de s'immerger dans un contexte musical vivant et d'assimiler durablement les notions, tous les textes proposés ont un support audio. Les accompagnements des chansons sont disponibles sur l'espace éducation du site des Editions Billaudot et les musiques du répertoire sur la plateforme Deezer. L'ouvrage, en 20 leçons, comporte les rubriques suivantes: je chante/je danse, j'écoute, je lis et une partie à la maison pour le travail personnel. Le lien étroit entre chansons, ordonnances, reconnaissances et déchiffrages permet à l'enfant de conscientiser durablement les relations mélodiques. La lecture est abordée de manière relative dans les premières leçons.Les rythmes proposés se jouent avec un support sonore. Cette approche permet de rendre le rythme vivant, en lien avec une réalité musicale (phrasé, articulation, perception du mouvement sonore)./ Méthode / Formation Musicale

`Sur l'Pont du Nord un bal y est donné...`

Tout lecteur, en lisant ces mots, peut mentalement chanter cette chanson traditionnelle. Si, de surcroît, il est enseignant ou éducateur, il l'a probablement fait interpréter par les jeunes enfants dont ils a (a eu, aura) la charge.

Dans ce cas, il a intuitivement mis en jeu des composantes de l'univers musical identifiées par des termes spécifiques comme anacrouse, tempo, pulsation, degré, intervalle, mode majeur, ambitus... autant d'expressions que le néophyte peine parfois à associer à une image sonore.

Rappelant que l'éducation musicale est au coeur des apprentissages fondamentaux, l'auteur souhaite éclairer les enseignants du premier degré sur le vocabulaire le plus usuel touchant aux deux domaines privilégiés en milieu scolaire : le chant et l'écoute active.

Grâce au CD qui accompagne l'ouvrage, un exemple sonore est proposé pour la grande majorité des mots cités. Des incitations à l'expérience personnelle pour l'adulte et des séquences à mettre en oeuvre avec les enfants sont également suggérées. Celles-ci font appel à un `ressenti` corporel à chaque fois que cela est possible.

Les brèves transcriptions musicales qui émaillent l'ouvrage ne s'adressent pas uniquement aux initiés `qui savent lire la musique` ; elles sont intentionnellement destinées à celles et à ceux qui n'ont pas encore accès au décryptage de l'écriture musicale. Elles leur offrent ainsi la possibilité d'infléchir leur regard vers la représentation graphique d'une ligne mélodique et, dans une perception globale, de l'associer aux éléments sonores contenus dans le disque.

L'auteur met également en avant la richesse culturelle que constitue le partenariat avec un musicien intervenant et prône un dialogue enseignant/personne-ressource basé sur des pratiques et un vocabulaire communs.

En naviguant de l'oeil Ă  l'oreille et de l'oreille Ă  l'oeil, on pourra donc voir ce qu'on entend, entendre ce qu'on voit, le comprendre, le nommer, en tirer un plaisir accru et le transmettre pour mieux le partager.


Michel Edelin fut Conseiller Pédagogique en Education Musicale, et se trouve être l'un des meilleurs et rares flûtistes français de jazz. / Méthodes

Pièces Polyrythmiques En Onomatopées. Par POZZI MIRTHA. Onomatotek présente des polyrythmies vocales, faisant parfois intervenir des jeux avec les mains et les pieds, sur place ou en mouvement. La superposition de cellules rythmiques permet un jeu d'ensemble ainsi qu'un travail sur l'écoute individuelle et collective. Le jeu polyrythmique offre la possibilité d'une participation active à la création d'une musique forte et entrainante, impliquant tout le corps dans le processus sonore. L'instrument-voix, les phénomènes vocaux - respiration, phonation, vibrations... - sont mis au service de la production des sons dans l'espace. Cette pratique des polyrythmies est une composante des musiques traditionnelles de percussion en Afrique, Amérique Latine, Inde... mais elle a aussi attiré des compositeurs de musique contemporaine, notamment Steve Reich avec Clapping music, Terry Riley avec IN C, et bien d'autres. Une volonté pédagogique anime en permanence ce projet : donner des outils pour pratiquer le rythme de façon organique, avec une dimension ludique ainsi que de s'épanouir par la pratique de la musique d'ensemble. Les cellules rythmiques sont construites à partir d'onomatopées, d'interjections, de locutions, de mots inventés, de mots en français, de 'mots de bruits', d'expressions empruntées au langage imagé, souvent insolites ou surprenantes. Les mots sont choisis pour leurs sonorités. L'orthographe des mots en français peut être modifiée afin de donner un caractère plus proche de 'l'écriture d'un brui'. Il s'agit d'enlever aux mots leur signification et de les extraire de leurs rôles habituels. Il y a dans ces polyrythmies une absence de hiérarchie entre les parties. Toutes ont la même importance - on peut cependant trouver des degrés de difficultés. Il faut faire comprendre aux musiciens qui la pratiquent que chaque voix appartient à un 'tout'. La difficulté et la complexité ne se trouvent pas seulement dans chacune d'elles mais dans leurs imbrications, la précision de la mise en place et la cohésion de l'ensemble. La méthode conseillée pour l'étude de la partition est : transmission orale / reproduction / critique et autocritique / mémorisation / et finalement la lecture. Si on souhaite aborder les partitions par la lecture (le déchiffrage), cela devrait se faire à haute voix afin d'être d'emblée dans la production de l'univers sonore. Des jeux musicaux préparatoires sont proposés afin de se familiariser avec le matériel musical. Tous les participants sont invités à étudier et pratiquer toutes les parties de la polyrythmie. L'étude des cellules doit précéder celle de la structure. L'écriture des notes est empruntée aux partitions de percussions. Les valeurs de notes sont généralement brèves, la hauteur est indéterminée, proche du langage parlé. La position de notes dans la portée indique des hauteurs relatives. L'indication métronomique peut être observée avec une certaine souplesse. C'est la pratique qui doit la déterminer, en veillant à préserver la force rythmique de l'ensemble. Le caractère répétitif fait partie de cette musique - comme on peut le trouver dans multiples formes de polyrythmies, notamment en percussion. Il faut éviter la mécanisation dans la répétition des cellules, chercher à avoir toujours une écoute vigilante et conserver l'énergie qui nourrit l'ensemble tout au long de l'exécution. La musique est sans cesse recréée.../ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Un enseignement musical de base qui développe la pratique du chant pour le plaisir. Vaste répertoire de chansons traditionnelles et de morceaux classiques. Approche globale s'appuie sur un apprentissage du clavier comme INSTRUMENT DE CONNAISSANCE (rechercher un air connu, improviser un accompagnement, concrétiser une notion de théorie). L'étude de la notation est abordée à son heure, c'est-à-dire après une préparation aux abstractions de la musique. / Formation Musicale

The Melakarta System-Elements of Indian Music introduces the Indian melodic system in an accessible manner within the realm of Western music theory. It demonstrates a new archetype in music composition for composers of any genre aswell as composition teachers and anyone interested in ethnomusicology. This book contains a set of 12 etudes for piano and transcriptions for classical guitar. Each etude is about one minute in length and utilizes notesfrom a particular Indian scale. An intermediate to advanced skill level is required to perform each etude. Practicing and performing these studies is an excellent way to expand one?s musical perspective beyond traditionaldiatonic scales. Indian music has intrigued the West for a long time but hasn?t always been accessible because of the absence of a systematic approach to theory and repertoire. Just as the Western harmonic system iswell developed the Indian melodic system is very advanced and equally established. The intermingling of these two worlds can inspire new exceptional sonic landscapes. Useful literature on the evolution of the Indianmelodic system is also included with notes on how it can be used as a modus operandi by Western musicians who wish to apply Indian scales in Western compositions and improvisations. Includes access to online audio.

Ce cahier propose d'aborder l'étude du langage musicale de Gabriel Fauré à travers une de ses dernières compositions, le Quintette no2 opus 115. L'analyse de la partition révèle une parfaite maîtise des proportions, soulignant le respect des formes traditionnelles, un extrême raffinement de l'écriture et un élan généreux en quête de nouveaux horizons.L'analyse met en valeur toute l'originalité de l'harmonie fauréenne, son art subtil de la modulation, de l'enharmonie - le rôle ambigu et toujours renouvelé de la modalité, au service de la couleur et de l'émotion.Dans l'introduction sont aussi abordés certains aspects du langage de Fauré dans les Mélodies du Troisième Recueil. / Livre

Partition pour voix moyenne et élevée et piano Collection : Bonnardot Jacqueline Nombre de pages : 44 Cette édition s'adresse aux chanteurs mais également à tous les musiciens qui aiment le chant et veulent avoir facilement un large éventail de musique convenant à des voix peu exercées (formation musicale, par exemple). Tous les morceaux ont été choisis non seulement pour leurs qualités musicales, mais aussi pour leur efficacité pédagogique, favorisant ainsi le bon développement des jeunes voix. Les morceaux de chaque recueil sont choisis pour un niveau donné, et conviennent à des voix moyennes ou élevées, qui chanteront avec profit ces pièces ne sollicitant pas leur aigu, mais ne nécessitant jamais un grave ou un medium appuyé. Nous avons cherché à respecter scrupuleusement le texte original des morceaux choisis. Et c'est ce texte, fidèle, que nous avons parfois transposé, et pour lequel Irène Assayag et Bruno Gousset, selon leurs compétences respectives, ont réalisé les basses chiffrées. C'est ainsi que nous avons retranscrit les signes de mesure, et les ornements originaux, sans les adapter à l'usage du 19e siècle, laissant aux musiciens, la liberté de les interpréter avec goût. Il est possible, bien sûr, de faire travailler certaines pièces en vocalise, si la langue pose des problèmes, ou comme travail préliminaire pour installer le legato. Contenu : Berlioz: Villanelle (Les Nuits d'été) - Bodin de Boismortier: Quand le silence et le mystère... - Brahms: Der Gang zum Liebchen - Fauré: Au bord de l'eau - Frescobaldi: Se l'aura spira - Haendel: Ch'io mai vi possa... (Siroe) - Lambert: Ombre de mon amant - Lully: Plainte italienne (Psyché) - Monteverdi: Si dolce é 'l tormento - Morley: It was a lover and his lasse - Purcell : Mystery (The Fairy Queen) - Rodrigo: Con qué la lavaré ? - Schubert: Seligkeit - Schumann: Erstes Grün - Stölzel: Bist du bei mir - Stradell: i, amor, mi fai languir - Se nel ben...

Ce cours complet de formation musicale aborde un répertoire très large, du grégorien à la musique d'aujourd'hui, des musiques traditionnelles d'ici et d'ailleurs au jazz et à la chanson. La majeure partie du travail s'effectue sur du répertoire, augmenté d'exercices spécifiques, et d'activités variées (jeux, relevés, improvisation et écriture) stimulant l'esprit de créativité. Chaque chapitre se divise en deux parties : rythmique et mélodique ; un soin tout particulier est apporté, d'abord à l'imprégnation corporelle, puis à la compréhension du langage rythmique (mémorisé, lu et écrit) ; de même, la partie mélodique est axée sur la perception des hauteurs et des intervalles dont découle la technique de lecture (simultanément en clés de Sol et Fa), ainsi que le sens tonal et harmonique. Les notions théoriques sont abordées tout au long de l'ouvrage.
Avec le volume 7, les paramètres rythmiques et mélodiques sont encore approfondis. Un accent est mis sur l'apprentissage de la modalité. Le travail harmonique nous amène aux différents accords de 7e. / Méthodes et pédagogie / Formation musicale / Formation musicale - solfège / HAL LEONARD