Le dernier Rêve du Chêne-L?écrivain et poète danois Hans Christian Andersen (1805-1875) est entré dans l?histoire de la littérature mondiale grâce à ses innombrables contes. Le fantastique et le merveilleux y jouent un rôle primordial mais l'humour et la portée philosophique qui s'en dégage les font parfois ressembler à des satires plus qu'à des contes pour enfants. Doté d'une imagination extraordinaire Andersen allie l'ironie et le rêve en un subtil mélange. Traduits en plus de quatre-vingts langues ses contes n?ont pas de temporalité et continuent d?inspirer les écrivains réalisateurs chorégraphes sculpteurs peintres et compositeurs.The Last Dream of the Old Oak (Le dernier rêve du chêne) deMaxime Aulio s?inspire du conte éponyme d?Andersen. La musique descriptive nous raconte l?histoire d?un chêne antique et séculaire. « Il avait justement atteint trois cent soixante-cinq ans (?). Souvent par les beaux jours d'été il discutait avec les éphémères qui venaient s'ébattre et tourbillonner gaiement autour de sa couronne. (?) Le temps approchait où il allait se reposer (?). Le chêne (?) s'endormit pour tout le long hiver ; et il eut bien des rêves où sa vie passée lui revint en souvenir. (?) Et tout à coup le chêne éprouva comme si un nouveau et puissant courant de vie partant des extrémités de ses racines le traversait de part en part montant jusqu'à sa cime jusqu'au bout de ses plus hautes feuilles. (?) Soudainement ses racines se détachèrent de terre. (?) Ce fut la fin du rêve du vieux chêne. Une tempête terrible soufflait sur mer et sur terre. (?) Il tomba au moment où il rêvait qu'il s'élançait vers l'immensité des cieux. (?) »Les couleurs et les atmosphères créées par Maxime Aulio laissent à l'imagination toute la liberté de ses rêveries.The Last Dream of the Old Oak est une commande de la Communauté de Communes de Vinay en Isère (France) pour l?inauguration de son Musée de la Noix. L?œuvre fut donnée en création sous le titre éphémère du Dernier rêve du noyer mais l?histoire racontée était bien celle

« Jello... The Colours of my Soul » est une composition écrite en hommage à la mort prématurée et dramatique d?un jeune enfant. L?oeuvre est née des nombreuses conversations qu?ont eu le père et le compositeur le résultat final devant ?tre considérée comme une tentative du compositeur de traduire en musique les sentiments des parents.La première partie du titre « Jello » est la contraction des noms des deux enfants de l?homme qui a commandé le morceau à savoir Jelle et Lobcke « the Colours of my Soul » symbolise les « couleurs de l?âme » des parents qui malgré la perte de l?un de leurs enfants continuent à chérir leurs deux enfants. L?introduction recrée l?ambiance o? deuxparents pleurent la perte de leur enfant utilisant des quintes justes pour rendre la proximité avec la nature telle que nous la connaissons par les symphonies de Bruckner. Un peu plus loin l?auteur met en avant un aspect du premier thème qui se transforme en une véritable marche funèbre.Le Dies Irae tel qu?il se retrouve notamment dans la Symphonie fantastique de Berlioz (Fa Mi Fa Ré Mi Do Ré) apparaît pour la première fois mais constitue un fil conducteur à travers toute l?oeuvre pour symboliser la lutte constante entre la vie et la mort.Juste avant le passage de la temp?te (pour lequel l?auteur fait appel à une machine à vent) qui laisse présager un malheur des extraits de chansons enfantines accompagnés d?un choral crescendo depuis derrière le podium intensifient la confrontation imminente avec la mort. Après une longue introduction consacrée à la présentation des deux thèmes vient un passage rapide o? sont évoqués divers bons souvenirs. On raconte on rit on danse. L?une des précédentes chansons enfantines y est également citée. Mais le Dies Irae résonne sans cesse m?me si cette fois c?est de façon brève et rapide.Les éléments gais sont peu à peu déformés jusqu?à ce que le grave réapparaisse comme un mal inévitable que rien ne peut arr?ter.Tout s?intensifie comme si un grand climax allait suivre. A cet instant toutefois un très long

dall' opera Aïda-La création de Nabucco en 1842 est un succès retentissant pour Verdi qui devient alors le compositeur le plus connu de son temps. Au cours des dix années suivantes il écrit environ vingt opéras. Mais à partir de 1859 après la première d?Un Ballo in Maschera (?Un Bal Masqué?) la production de Verdi commence à décroître ce qui peut s?expliquer en partie par le fait qu?il était devenu député au parlement italien (1861-1865) et également par le fait qu?il était déçu par le monde de l?opéra en Italie. Dès lors il refuse des commandes adressées par des opéras italiens et durant les trente années qui suivent reçoit et accepte principalement des offres venant del?étranger. En 1869 par exemple l?Opéra du Caire demande à Verdi de composer une œuvre pour célébrer l?inauguration du canal de Suez. C?est ce projet qui allait donner naissance à l?opéra Aïda.Le Gran Finale extrait de l?acte II est une scène de l?opéra dont l?action située dans l?Égypte ancienne est relativement complexe puisqu?elle réunit dans un seul tableau un grand nombre de personnages éprouvant des sentiments contrastés. Le passage s?ouvre sur le retour triomphal du général égyptien Radamès et de ses troupes après leur victoire sur l?armée éthiopienne. Radamès est accueilli en héros : les Égyptiens chantent pour célébrer sa victoire et les trompettes font résonner un air victorieux - la célèbre marche triomphale. Parmi la foule se trouve Aïda une esclave qui se révèle en fait être princesse d?Éthiopie et qui est liée à Radamès par un amour secret. Aïda découvre avec effroi que son père le roi d?Éthiopie se trouve parmi les prisonniers. Par amour pour Aïda et contre la volonté des prêtres Radamès décide d?accorder la liberté aux captifs. Tous les prisonniers sont relâchés à l?exception du père d?Aïda qui doit rester au service du Pharaon. À la fin de l?acte ce dernier annonce qu?il offre à Radamès la main de sa fille Amneris et qu?en récompense de sa victoire il deviendra son successeur.Tandis que les célébrations se

Malgré l?opposition de ses parents Franz von Suppé (1819-1895) commence à composer dès son plus jeune âge. Plus tard ils décident de lui faire suivre des études de droit à l?Université de Padoue en Italie mais sans grand résultat. Franz von Suppé reste passionné par la musique et passe l?essentiel de son temps à aller voir des opéras à Milan tout en continuant à composer et à faire de la musique. À la mort de son père il s?installe définitivement à Vienne avec sa mère pour y étudier la composition. Il accède rapidement au poste de chef d?orchestre du Theater an der Wien poste qu?il occupe jusqu?en 1862 puis est nommé en 1865 à la tête de l?Orchestre duCarltheater (également appelé Theater in der Leopoldstadt). Franz von Suppé compose durant toute sa vie. Il accède au faîte de la gloire avec ses opérettes viennoises et sa musique instrumentale. Suppé maîtrise parfaitement l?art de combiner les styles d?écriture propres à la musique française et viennoise. Parmi ses œuvres célèbres on peut citer l?ouverture Dichter und Bauer (Poète et Paysan) composée en 1846 pour la comédie éponyme de Karl Elmar et Die leichte Kavallerie (Cavalerie légère - 1866).Si l?ouverture Ein Morgen ein Mittag und ein Abend in Wien (Matin midi et soir à Vienne - 1844) est un peu moins connue elle reste néanmoins très appréciée du public. Les mesures d?ouverture et de clôture sont pleines de couleurs et de fougue tandis que la partie centrale est lyrique.

Missa Brevis est une messe pour Orchestre d?Harmonie et Choeur composée à la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France à l?occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX à Éguisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse (Kyrie Gloria Credo Sanctus Benedictus et Agnus Dei) conviennent autant à la liturgie catholique qu?à la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas il est conseillé de placer les cuivres à l?écart de la formation (sur une estrade par exemple) de façon à reproduire l?idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre d?une interprétation avec un grand Choeur les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites à l?origine pour une version instrumentale.Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourl?interprétation de cette messe l?un des choix proposés ci-dessus s?impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste à interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant d?un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur n?a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre d?Harmonie) il peut varier l?instrumentation selon ses préférences. Àce moment-là il peut confier un rôle d?accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées :1. Choeur de Clarinettes (de la Clarinette Mib à la Clarinette Basse)2. Choeur de Clarinettes + Saxophones3. Cuivres (Bugles Cors Barytons / Euphoniums Basses)4. Cuivres (2 Trompettes / 2 Trombones)5. Instruments à anches doubles (Flûte et Contrebasse à cordes optionnelles)6. Tutti7. Tous les Bois8. Tous les CuivresDans le cadre d?une interprétation par un Brass Band accompagné d?un Choeur il est préférable de supprimer l?option 1 (Choeur + Cuivres + Orchestre d?Harmonie) car le Choeur étant autonome. Dans une version instrumentale pour Cuivres il estpossible de former la combinaison suivante : Quatuor (2 Cornets / 2 Trombones) et Brass Band.Partitions pour ch?ur disponibles séparément.

Kentish Dances (?Danses du Kent?) est une commande du Bromley Youth Music Trust pour le Bromley Youth Concert Band (Orchestre d?Harmonie Junior de Bromley) placé sous la direction de Michael Purton. L?œuvre a été donnée en création par la formation dédicataire le 16 mars 2008 au St John?s Smith Square à Londres.La ville de Bromley est située dans le comté du Kent à l?extrémité sud-est de l?Angletrerre. Le Kent possède un riche patrimoine culturel traditionnel et notamment de nombreux airs de danses comme beaucoup d?autres régions anglaises. Connue en Angleterre sous le nom de country dancing la contredanse fut plébiscitée par les classes moyenne et aiséeanglaises à la période élisabéthaine supplantant les formelles gaillardes et pavanes en vigueur à la cour royale. La contredanse connut une telle notoriété que de nombreux ouvrages lui furent consacrés tels que l?English Dancing Master de Thomas Playford publié en 1651 qui constitue la plus importante source de mélodies de danses traditionnelles léguée à la postérité.Michael Purton Directeur du Bromley Youth Music Trust suggèra l?idée d?une œuvre basée sur des airs de danses typiques du Kent. Philip Sparke accepta et composa cette suite de danses en trois mouvements. Le premier mouvement est construit sur un moto perpetuo qui développe deux mélodies pétillantes en 6/8 : Dover Castle et The Fair Maid of Wickham. Le mouvement central s?articule autour de l?air Blackheath dont la sombre mélodie contraste de façon charmante et opportune avec la mélodie Bromley Bells. Le finale expose les sémillants We Are All Right at Canterbury et Ramsgate Pier. La valse cadencée Northdown Waltz offre un délicieux contraste expressif.

Au fil de lhistoire plusieurs écrivains et compositeurs ont repris le récit tragique dEgmont pour en donner une interprétation personnelle comme par exemple la très célèbre « Ouverture dEgmont » de Beethoven.Lorsque la société philharmonique Lamoraal van Egmont ma chargé de composer une oeuvre autour de ce personnage je fus très intéressé par lidée de découvrir la profondeur et la puissance de ce récit intemporel et de lexprimer musicalement à ma propre façon.Quatre scènes du récit constituent dimportants piliers dramatiques : le mariage dEgmont (partie 1) les difficiles relations dEgmont avec Philippe II (partie 2) sa décapitation à Bruxelles (partie 3) et la révoltedes Pays-Bas contre la domination espagnole qui sen est suivie (partie 4).Loeuvre souvre par une mélodie entraînante qui illustre le personnage dEgmont et qui sera répétée sous différentes formes. Vient ensuite une danse de la renaissance pleine de virtuosité évoquant une f?te de mariage au milieu du XVIe siècle. Ce nest pas tant la solennité du mariage du Comte Lamoral dEgmont et de Sabine de Bavière qui se trouve ainsi exprimée mais plutôt lambiance festive et la musique qui était probablement jouée en pareille occasion. A la fin de cette partie la musique a des résonances espagnoles ; à lépoque les Pays-Bas étaient dailleurs sous tutelle espagnole et Egmont était un fidèle serviteur de la couronne dEspagne pour laquelle il avait remporté plusieurs batailles.Dans la partie 2 sont présentées à tour de rôle les personnages de Philippe II - roi dEspagne - et dEgmont. Un thème empreint de machiavélisme et dobscurité soutenu par un accompagnement lancinant à la guitare espagnole et aux castagnettes caractérise le personnage tyrannique et avide de pouvoir de Philippe qui conjure Egmont (et dautres) de le suivre dans les atrocités quil commet. Le thème dEgmont résonne ensuite dune sobriété pure et dune mélancolie enfouie. Bien quEgmont soit célèbre pour ses qualités magistrales de commandant ce sont davantage sa vulnérabilité dhomme et son déchirement

« La plupart des traditions de Noël en Angleterre sont relativement récentes. Montée sur le trône en 1837 la reine Victoria (née de Hanovre) régnera jusqu?à sa mort en 1901. En 1840 elle épousa son cousin le prince Albert de Saxe-Cobourg-Gotha. Leprince consort originaire d?Allemagne importa bon nombre de traditions de Noël allemandes au Royaume-Uni. Ainsi il fit découvrir aux Anglais la coutume du sapin et les cartes de Noël entre autres contribuant largement au Noël typiquement anglaistel que nous le connaissons aujourd?hui.Bien que les chants de Noël font l?objet d?une longue tradition en Angleterre de nombreuses mélodies que nous chantons proviennent ducontinent européen ou des États-Unis. Je savais bien que le célébrissimeSilent Night (Douce nuit) était d?origine autrichienne et que Hark the Herald Angels Sing (Écoutez le chant des Anges) était d?origine allemande. Pourtant quelle ne fut pas ma surprise d?apprendre qu?Away in a Manger (Sur la paillefraîche) ou encore We Three Kings nous venaient des États-Unis et que Ding Dong Merrily on High était un noël d?origine française. Quoiqu?il en soit j?ai réussi à constituer un canevas de mélodies anglaises pour réaliser cefestival de chants de Noël. »Philip SparkeRemarques sur l?interprétation : Cet arrangement est adapté pour une interprétation avec ou sans Ch?ur. S?il est joué par un Orchestre d?Harmonie seul les parties vocales seront doublées par des partiesinstrumentales.Les tempi indiqués correspondent à une interprétation par un Orchestre d?Harmonie seul. Si l??uvre est donnée avec un Ch?ur il est sans doute nécessaire de baisser le tempo en fonction du nombre de choristes et del?acoustique du lieu de concert.Les parties de Ch?ur (en anglais) sont disponibles séparément (Réf. : AMP 227-050).

Le Papillon qui tapait du pied-Rudyard Kipling (1865-1936) est l?un des plus célèbres écrivains de langue anglaise. Né à Bombay en Inde ce journaliste poète et romancier reçoit le prix Nobel de littérature en 1907. On lui doit notamment les célèbres ouvrages Le Livre de la Jungle (1894) Histoires comme ça (1902) et Kim (1901) entre autres. Rudyard Kipling a sillonné le monde glanant de-ci de-là des mots et des merveilles à raconter aux petits et aux grands. Aujourd?hui encore ses Histoires comme ça enchantent par leur drôlerie et leur poésie ; de délicieux récits d?animaux entre l?Inde et l?Afrique initialement écrits pour sa fille Joséphine qui mourut en 1899 des suites d?unegrippe.Le Papillon qui tapait du pied est un des douze contes du recueil Histoires comme ça. Maxime Aulio s?en est inspiré pour créer une œuvre qui s?inscrit dans la tradition de l?impressionnisme musical français. Le saxophone baryton solo incarne le Roi Salomon fils de David ; les flûtes jouent le couple de papillons ; une clarinette est la Reine Balkis - la Sage Balkis de Saba - tandis que les trompettes et les cornets représentent les Djinns. Les personnages évoluent dans un décor orchestral merveilleux à l?image des jardins et du palais du Roi Salomon. / The Butterfly That Stamped (Le Papillon qui tapait du pied) est une œuvre de commande pour la Fédération Musicale d?Auvergne (France) avec le soutien du Conseil Régional d?Auvergne à l?occasion du 10e anniversaire de l?Orchestre Régional d?Harmonie École. L?œuvre a été donnée en création le 30 avril 2006 au Théâtre Municipal d?Aurillac. L?Orchestre Régional d?Harmonie École d?Auvergne était placé sous la direction de Claude Kesmaecker avec en soliste Alexandre Doisy saxophone baryton.

La musique folk irlandaise est ? la base de cette nouvelle ?uvre.Dans la premi?re partie le th?me principal est pr?sent? comme une ballade commen?ant avec le piccolo (pour remplacer la fl?te ? bec soprano que l?on retrouve souvent en Irlande) passant ? tous les bois puis ? l?ensemble de l?orchestre.On passe ensuite ? un style plus rock : un accompagnement soutenu et rythm? avec des effets dans les sourdines un point d?orgue et l?utilisation des cuillers du bongo aigu (remplace le bodhran) etc. si caract?ristiques de la musique irlandaise (pub irlandais).Dans cette deuxi?me partie j?ai ins?r? en contrepartie un deuxi?me th?me jou? par les divers groupesd?instruments. Ce th?me a clairement un caract?re plus legato et est par cons?quent plus m?lodieux.Le climax de l??uvre commence dans les cuivres graves avec leur th?me marcato ?labor? avec une grande rythmique dans l?accompagnement les clusters etc. et va vers un solo de percussions avec des orchestrations en 5/8 avec de nombreux mouvements parall?les dans les accords (style de la musique folk).Vers la fin le deuxi?me th?me revient ? deux reprises : une fois comme il a d?j? ?t? entendu avec plus de contre-m?lodie et de mod?le d?accompagnement ensuite sous une forme canonique dans laquelle trois groupes jouent le th?me dans un m?lange harmonieux. La fin est une r?p?tition de la partie centrale en 5/8.J?ai essay? d?exploiter bon nombre des couleurs d?un orchestre philharmonique en faisant jouer les cuivres et les bois seuls et en utilisant de nombreuses sourdines. De plus les percussions jouent un r?le de premier plan dans l?ensemble de l??uvre.

Suite concertante pour flûte/piccolo solo harp obligée et Orchestre d'Harmonie-Si les récits de métamorphoses furent très populaires dans l?Antiquité gréco-romaine le recueil du poète latin Ovide [43 av. J.-C./17 apr. J.-C.] est de loin le plus célèbre. Les quinze livres des Métamorphoses racontent la formation du monde et les transformations légendaires des dieux et des hommes en animaux en plantes ou en objets. Parmi les nombreuses histoires de métamorphoses relatées par Ovide on trouve celle de Marsyas un satyre originaire de Célènes en Phrygie. Fils d?Hyagnis considéré comme l?inventeur de l?harmonie phrygienne Marsyas excellait dans la musique. Un jour Athéna fit une flûte double et en joua à un banquet des dieux. Tournée en dérisionpar Héra et Aphrodite et ayant constaté elle-même en voyant le reflet de son visage dans l?eau que l?instrument quand elle en jouait lui déformait les traits elle jeta la flûte en maudissant quiconque la ramasserait. Cette malédiction frappa le satyre Marsyas qui la trouva et en joua magnifiquement au grand plaisir des paysans des contrées phrygiennes qui l?écoutaient et qui prétendirent que le dieu Apollon en personne n?aurait pu mieux faire avec sa lyre. Apollon entra dans une colère formidable et proposa à l?insolent satyre un concours musical dont le vainqueur pourrait faire subir au vaincu le châtiment de son choix. Les Muses et le roi Midas choisis comme juges ne réussirent pas à départager les concurrents. Alors Apollon joua de la lyre à l?envers et demanda à Marsyas d?en faire autant avec son instrument. Cela était impossible. Marsyas n?y parvint pas et Apollon fut déclaré vainqueur. Il se vengea du satyre de la plus cruelle façon : il l?attacha à un pin et l?écorcha vif.Certains racontent qu?Apollon se repentant de sa vengeance métamorphosa en fleuve le corps de Marsyas. D?autres prétendent que le sang de Marsyas ou les larmes versées par les nymphes et les satyres privés des enchantements de sa flûte formèrent le fleuve de Phrygie qui porte son nom. / Marsyas fut créé le 22 juillet 2005 à Bordes sur Arize en Ariège par le

Le Cortège du Roi Renaud suite en cinq mouvements trouve ses origines dans les légendes contées par les chansons traditionnelles du sud de l?Europe au XVIe siècle. Pour la plupart ces chansons appartiennent au genre de la complainte chanson dont le texte dépeint en général avec précision des événements tragiques ou macabres. Il existe plusieurs complaintes retraçant la légende du Roi Renaud ; la plus connue est Fualdes un poème chanté qui ne compte pas moins de 48 strophes. 1. Le premier mouvement de cette suite s?inspire de La Porcheronne une chanson traditionnelle contant les malheurs d?une jeune femme contrainte par sa belle-mère de garder descochons durant l?absence de son époux parti au combat. Ce n?est qu?à son retour sept ans plus tard qu?elle sera délivrée de ce fardeau. 2. Le deuxième mouvement intitulé La Marquise empoisonnée relate l?histoire tragique d?une marquise devenue malgré elle la maîtresse du roi. Folle de jalousie la reine supprime sa rivale en lui offrant un bouquet de fleurs au parfum mortel. 3. En dépit de son caractère jovial et dansant La Maumariée vengée nous relate les souffrances de la Reine Clotilde persécutée pour avoir refuser d?adhérer aux croyances ariennes. 4. La Belle engloutie fait référence à la jeune épouse du Roi Renaud. Incapable de surmonter l?idée de vivre sans son époux mortellement blessé durant la guerre et lasse de vivre seule elle supplie la terre de s?ouvrir et de l?engloutir afin qu?elle puisse rejoindre son bien-aimé. 5. Le finale aux accents tragiques nous plonge dans un récit semblable à l?histoire de Barbe-Bleue. Le Tueur des Femmes raconte l?histoire d?une jeune femme menacée de subir le même sort que les treize autres épouses qui l?ont précédée mortes noyées par leur mari dans un étang. Usant de subtilité et de finesse elle réussit à renverser la situation et provoque la mort de son criminel époux.

Le Cortège du Roi Renaud suite en cinq mouvements trouve ses origines dans les légendes contées par les chansons traditionnelles du sud de l?Europe au XVIe siècle. Pour la plupart ces chansons appartiennent au genre de la complainte chanson dont le texte dépeint en général avec précision des événements tragiques ou macabres. Il existe plusieurs complaintes retraçant la légende du Roi Renaud ; la plus connue est Fualdes un poème chanté qui ne compte pas moins de 48 strophes. 1. Le premier mouvement de cette suite s?inspire de La Porcheronne une chanson traditionnelle contant les malheurs d?une jeune femme contrainte par sa belle-mère de garder descochons durant l?absence de son époux parti au combat. Ce n?est qu?à son retour sept ans plus tard qu?elle sera délivrée de ce fardeau. 2. Le deuxième mouvement intitulé La Marquise empoisonnée relate l?histoire tragique d?une marquise devenue malgré elle la maîtresse du roi. Folle de jalousie la reine supprime sa rivale en lui offrant un bouquet de fleurs au parfum mortel. 3. En dépit de son caractère jovial et dansant La Maumariée vengée nous relate les souffrances de la Reine Clotilde persécutée pour avoir refuser d?adhérer aux croyances ariennes. 4. La Belle engloutie fait référence à la jeune épouse du Roi Renaud. Incapable de surmonter l?idée de vivre sans son époux mortellement blessé durant la guerre et lasse de vivre seule elle supplie la terre de s?ouvrir et de l?engloutir afin qu?elle puisse rejoindre son bien-aimé. 5. Le finale aux accents tragiques nous plonge dans un récit semblable à l?histoire de Barbe-Bleue. Le Tueur des Femmes raconte l?histoire d?une jeune femme menacée de subir le même sort que les treize autres épouses qui l?ont précédée mortes noyées par leur mari dans un étang. Usant de subtilité et de finesse elle réussit à renverser la situation et provoque la mort de son criminel époux.

Compiled and Arranged by Franco Cesarini. During his experience as a band conductor and teacher of wind orchestra conducting at university, Franco Cesarini has dealt with the topic of warm-ups very frequently. Throughout these long years of conducting he has had the opportunity to try many existing methods, evaluating their advantages and disadvantages. After a long time, he has decided to compile a collection of chorales for warm-ups, which are organized according to the criteria that he considers most effective. While working on his60 Warm-up Chorales for Concert Band, Franco Cesarini has always borne in mind that amateur musicians play for pleasure. He feels that it is extremely important that they have satisfaction at every moment of the rehearsal and not to start the rehearsal with needless "punishing" exercises. Nobody is really motivated to start playing with scales, long notes, or tricky rhythmical exercises. There is often a distinguished absentee in band rehearsals, namely music itself! Although this publication does not foresee a specific tempo for the chorales, they should often be performed rather slowly but without dragging. Dynamics are not indicated, so that the conductor has the opportunity to draw the attention of the musicians to his gestures and to make them react according to his indications. Timpani and bell parts have been added with the aim of not leaving the percussionists completely inactive during the warm-up phase, but can also be omitted. The chorales are written in four parts (SATB) and are also playable in smaller groups. The four voices can be played in different combinations of woodwinds or brass quartets or in mixed combinations. The collection includes ten chorales for the following keys: D flat major, A flat major, E flat major, B flat major, F major and C major. With his 60 Warm-up Chorales Franco Cesarini would like to convey the message to play the chorales in a musical way, thus raising the musicians? awareness of phrasing, the right interpretation of cadences, rubato and agogic. Above all, never do anything without putting the musical aspect in the foreground. 60 Warm-up Chorales for Concert Band: A perfect collection to warm-up and improve tuning of a concert band!

Les Marteaux de La Marine was composed in 1999 as a commission by the Marine Band of the Royal Netherlands Navy. The composition contains three static elements which interchange. Static in this case means that development of the material isnot pursued (by the composer). The first element with which the piece begins is tranquil and colourful. The second element is sharp and incisive while the third expresses energy. In all elements a repeated tone is the starting point whichexplains the hammers in the works title.The instrumentation is richly variegated with a harp also determining the palette of colours in the slower movements. The composition opens with an atmospheric Larghetto containing fine harmonies in thesoft and subtly moving wood-winds. The introduction breathes an impressionistic atmosphere in which expressive cantilenas and soloistic agile motifs stand out. A strong setting is followed by an Allegro virtuoso containing fast motifs contrasted withshort and rhythmic stars of the various instrumental sections. Trumpets and horns add a virtuoso bugle-call motif. After a short stringendosection the transparent Larghetto returns with a varied setting of the opening elements. The beautifulleading roles in this section are reserved for cornet (trumpet) and horn. Subsequently the flashing Vivo starts with continuous movements in triplets from both wood-winds and brass. Next the opening Allegro re-appears once again and thus LesMarteaux de la Marine ends with a fast and virtuoso climax. Les Marteaux de La Marine was selected as a compulsory grade 6 contest piece for symphonic bands in the Netherlands.