F. 3 Gleiche Oder Ungleiche St.. Par TITTEL ERNST. Die einfachen Spielstücke, zum Gebrauch im Instrumentalunterricht an allgemeinbildenden Schulen bestimmt, waren in der früheren Auflage des Lehrbuches “Wir lernen Musik” enthalten. / Niveau : Débutant à Facile / Répertoire / Orchestre

Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt

Mozart, Wolfgang Amadeus Missa in C minor K. 427 Great Mass in C minor Mozart?s magnificent unfinished ?Great Mass in C minor K. 427? is impressive not only for its monumentality and musical beauty but for its fragmentary state which has fascinated scholars and performers for decades. Working together with the International Mozarteum Foundation in Salzburg, Barenreiter now presents a new edition of this work, reflecting the cutting edge of scholarship while doing justice to the needs of performers. High scholarly standards, the completion and reconstruction of movements: this pioneering publication incorporates all this in order to come as close as possible to the work itself: - The ?Kyrie? and ?Gloria?, both of which survive complete in Mozart?s hand, are edited in accordance with scholarly standards. - The first two sections of the ?Credo? have been meticulously completed by the editor Ulrich Leisinger, drawing on original Mozart compositions e.g. the aria ?Deh vieni non tardar? from ?The Marriage of Figaro? and paying attention to a stylistically appropriate and transparent sound. - The ?Sanctus? and ?Benedictus? (with the ?Hosanna?), which are either incomplete or survive only in secondary sources, have been reconstructed by the editor. Sections without any known sources are left out in this edition. Rounding off the publication are an extensive Foreword (Ger/Eng) and a detailed Critical Commentary (Eng). The first performance of Ulrich Leisinger?s new edition was given in April 2019 in the Elbphilharmonie Hamburg by the Hamburg State Philharmonic Orchestra and the ChorWerk Ruhr under the baton of Kent Nagano. The first Austrian premiere took place in Salzburg on August 2019 in the Great Hall of the Mozarteum, with Andrew Manze conducting the Salzburg Camerata to rousing applause from audience and critics alike.

Par BRITTEN BENJAMIN. Britten began composing his Quatre chansons francaises in June 1928 and had finished the full score by August of that year, before his 15th birthday. The songs reflect the impact of his lessons with Frank Bridge, which had begun in the autumn of 1927, and he dedicated the work, which was among the most ambitious of his compositions at this time, to his parents, on the occasion of their 27th wedding anniversary. There was no performance of the songs until 1980./ Répertoire / Conducteur

Arnold Schönberg est la figure centrale dans le monde musical de ce siècle. Son sens musical était déjà apparente au cours de sa durée de vie, mais son influence posthume a augmenté énormément. Son travail a ouvert la voie à des changements révolutionnaires dans la perception musicale. Cette édition complète aspire à être tout aussi indispensable à la recherche ainsi que pour la performance. L'édition est publiée en deux séries: la série A en format folio contient tous les travaux terminés, toutes les partitions de piano préparé par le compositeur lui-même et tous les travaux inachevés appropriés pour la performance- également des fragments (grandes partitions) qui sont mieux adaptés à imprimer dans une telle le format. Série B, au format in-quarto, contient premières versions, des croquis, des idées et des fragments ainsi que la genèse et un commentaire critique. / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par SCHUBERT FRANZ. The series of symphonies in the New Schubert Edition is a milestone of modern scholarly-critical editing, lending these works a transparency lacking in earlier editions of a more romantic bent. The eight symphonies trace Schubert's artistic evolution from the First Symphony, which develops a theme from Beethoven's Eroica, to the Mozartean Fifth and the romanticism of the 'Great' Eighth. Full score, performance material and study score for all symphonies are available for sale. Symphony No. 1 in D major D 82 (BA5601, TP401) Symphony No. 2 in B-flat major D 125 (BA5602, TP402) Symphony No. 3 in D major D 200 (BA5603, TP403) SymphonyNo. 4 in C minor D 417 Tragic (BA5604, TP404) Symphony No. 5 in B-flat major D 485 (BA5645, TP405) Symphony No. 6 in C major D 589 (BA5646, TP406) Symphony No. 7 in B minor D 759 Unfinished (BA5647, TP407) Symphony No. 8 in C major D 944 The Great (BA5648, TP408)/ Répertoire / Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus La clemenza di Tito K. 621 Facsimile of Mozart's autograph score The Seven Great Operas in Facsimile Editions of Mozart?s Autograph Scores ?Idomeneo?, ?Die Entführung aus dem Serail?, ?Le nozze di Figaro?, ?Don Giovanni?, ? Così fan tutte ?, ?Die Zauberflöte ?, ?La clemenza di Tito? ? Mozart?s seven great operas, his brilliant contribution to music theatre and world culture, are unequalled in their depth of human characterisation and musical expression. Through happy coincidence, all seven opera scores have survived almost complete in Mozart?s manuscript. The Packard Humanities Institute (PHI, Los Altos , California ) has now embarked on producing a facsimile edition of the seven autograph scores. Mozart scholars, libraries and of course all lovers of Mozart?s stage works now have the opportunity of acquiring these priceless manuscripts in flawless reproductions. At the same time, all risks about preserving Mozart?s legacy for the world of music are taken care of. The Packard Humanities Institute (PHI) charitable foundation, known for its philanthropic programmes in the arts and sciences, has forged an ideal cooperation for the Mozart project. Under the scholarly direction of an editorial board (Ulrich Konrad , David Packard, Wolfgang Rehm , Christoph Wolff; General editor Dietrich Berke) the International Mozarteum Foundation Salzburg and the libraries where Mozart?s manuscripts are held are working together with the Packard Humanities Institute. The production of the volumes is exquisite, for the digitalization of the manuscripts has been undertaken using the latest technology, which allows for an astounding level of authenticity and precision in detail. The printing follows the uncompromisingly high standards demanded by the edition. All seven volumes include essays on the history of literature and ideas by Hendrik Birus , Hans Joachim Kreutzer and Robert Miller as well as musicological introductions by leading Mozart scholars in German and English. The facsimile edition will be distributed by Bärenreiter- Verlag . - consolidation of Mozart manuscripts held in different places - highest level of precision in reproduction and authenticity of colour through use of the latest technology - unique offer thanks to project sponsorship by the Packard Humanities Institute (Los Altos, California) Precision in reproduction thanks to cutting edge technology In preparing the manuscripts for reproduction, equipment was used in line with the highest technical standards currently available. Mozart?s original manuscripts of the seven operas are held by several libraries. For five of the operas, the different acts have even ended up in different libraries following World War II. Thus, the autograph of Act I of ? Così fan tutte ? is in the Jagiellonian Library in Kraków and the second act in the Staatsbibliothek zu Berlin ? Preußischer Kulturbesitz . In order to achieve a uniformly high level of precision in reproduction and authenticity of colour both within a work and for all seven editions, the use of the same technical equipment in all the different places was a prerequisite. Specialist from the Salzburg firm ? Kirchberger Photography? were employed, were provided with the latest equipment by the Packard Humanities Institute and also given special additional training in the modern technology by specialists in the USA. Proofs of each edition were compared with the original in each location and improved until the likeness could not be bettered in all details. Mozart?s music and text notation is reproduced extremely clearly, and even those places where Mozart corrected or had rubbed out marks he had already made, appear in these editions in a previously unmatched transparency.

D 944. Par SCHUBERT FRANZ. The series of symphonies in the New Schubert Edition is a milestone of modern scholarly-critical editing, lending these works a transparency lacking in earlier editions of a more romantic bent. The eight symphonies trace Schubert 's artistic evolution from the First Symphony, which develops a theme from Beethoven's Eroica, to the Mozartean Fifth and the romanticism of the 'Great' Eighth. Full score, performance material and study score for all symphonies are available for sale. Symphony No. 1 in D major D 82 (BA5601, TP401) Symphony No. 2 in B-flat major D 125 (BA5602, TP402) Symphony No. 3 in D major D 200 (BA5603, TP403) Symphony No. 4 in C minor D 417 Tragic (BA5604, TP404) Symphony No. 5 in B-flat major D 485 (BA5645, TP405) Symphony No. 6 in C major D 589 (BA5646, TP406) Symphony No. 7 in B minor D 759 Unfinished (BA5647, TP407) Symphony No. 8 in C major D 944 The Great (BA5648, TP408)/ Répertoire / Orchestre

Par SCHUBERT FRANZ. The series of symphonies in the New Schubert Edition is a milestone of modern scholarly-critical editing, lending these works a transparency lacking in earlier editions of a more romantic bent. The eight symphonies trace Schubert's artistic evolution from the First Symphony, which develops a theme from Beethoven's Eroica, to the Mozartean Fifth and the romanticism of the 'Great' Eighth. Full score, performance material and study score for all symphonies are available for sale. Symphony No. 1 in D major D 82 (BA5601, TP401) Symphony No. 2 in B-flat major D 125 (BA5602, TP402) Symphony No. 3 in D major D 200 (BA5603, TP403) Symphony No. 4 in C minor D 417 Tragic (BA5604, TP404) Symphony No. 5 in B-flat major D 485 (BA5645, TP405) Symphony No. 6 in C major D 589 (BA5646, TP406) Symphony No. 7 in B minor D 759 Unfinished (BA5647, TP407) Symphony No. 8 in C major D 944 The Great (BA5648, TP408)/ Répertoire / Orchestre

Par SCHUBERT FRANZ. The series of symphonies in the New Schubert Edition is a milestone of modern scholarly-critical editing, lending these works a transparency lacking in earlier editions of a more romantic bent. The eight symphonies trace Schubert's artistic evolution from the First Symphony, which develops a theme from Beethoven's Eroica, to the Mozartean Fifth and the romanticism of the 'Great' Eighth. Full score, performance material and study score for all symphonies are available for sale. Symphony No. 1 in D major D 82 (BA5601, TP401) Symphony No. 2 in B-flat major D 125 (BA5602, TP402) Symphony No. 3 in D major D 200 (BA5603, TP403) SymphonyNo. 4 in C minor D 417 Tragic (BA5604, TP404) Symphony No. 5 in B-flat major D 485 (BA5645, TP405) Symphony No. 6 in C major D 589 (BA5646, TP406) Symphony No. 7 in B minor D 759 Unfinished (BA5647, TP407) Symphony No. 8 in C major D 944 The Great (BA5648, TP408)/ Répertoire / Orchestre

Par SCHUBERT FRANZ. The series of symphonies in the New Schubert Edition is a milestone of modern scholarly-critical editing, lending these works a transparency lacking in earlier editions of a more romantic bent. The eight symphonies trace Schubert 's artistic evolution from the First Symphony, which develops a theme from Beethoven's Eroica, to the Mozartean Fifth and the romanticism of the 'Great' Eighth. Full score, performance material and study score for all symphonies are available for sale. Symphony No. 1 in D major D 82 (BA5601, TP401) Symphony No. 2 in B-flat major D 125 (BA5602, TP402) Symphony No. 3 in D major D 200 (BA5603, TP403) Symphony No. 4 in C minor D 417 Tragic (BA5604, TP404) Symphony No. 5 in B-flat major D 485 (BA5645, TP405) Symphony No. 6 in C major D 589 (BA5646, TP406) Symphony No. 7 in B minor D 759 Unfinished (BA5647, TP407) Symphony No. 8 in C major D 944 The Great (BA5648, TP408)/ Répertoire / Orchestre