Création
20/07/2016 - Paris, Archives nationales, Festival Jeunes Talents - Marie-Laure Garnier (soprano), Anna Besson (flûte), Augustin Gorisse (cor anglais), Louise Lapierre (basson), Guillaume Sigier (piano)
Commanditaire
Festival Jeunes Talents 2016
Notice
Textes de Charles Baudelaire (in Les Fleurs du mal)
A une époque où foisonnent de nombreuses et pourtant si diverses esthétiques musicales, aucune direction ne semble réellement s'imposer. Si l'on associe au XXème siècle une période de bouleversements idéologiques, on l'associe également avec des phénomènes de ruptures. Pourtant, Henri Dutilleux, traverse ce siècle avec une grande sérénité. Sans jamais dévier du chemin unique qu'il se trace, il enchaîne les compositions à la fois sublimes et personnelles...
Ses univers poétiques - dont je me sens très proche - se renouvellent sans cesse : nocturnes (La Nuit Etoilée, Ainsi la Nuit, l'Arbre des Songes...), rituels (Incantatoire et Obsessionnel dans ses Métaboles), ou encore son travail sur la lumière (ses magnifiques Shadows of Time). Sa conception coloriste de l'harmonie et la liberté avec il l'emploie, son orchestre foisonnant, ces nappes vibrantes, ce travail si riche sur le timbre et l'espace ou encore ce lyrisme intense mais toujours contenu, participent à l'élaboration d'un langage profondément personnel et prégnant qui traverse l'intégralité de son oeuvre.
La vraie leçon de Dutilleux pour les jeunes compositeurs, c'est - comme Debussy avant lui, ou Thierry Escaich aujourd'hui - la singularité. Ce qui me fascine littéralement chez Henri Dutilleux, c'est la façon dont il s'approprie un héritage musical fort, à la fois par sa sensibilité et au moyen d'un artisanat méticuleux. Et si Dutilleux est un compositeur singulier, il s'agit d'une singularité intemporelle.
Lui rendre hommage est à la fois un honneur, un plaisir immense, mais également l'occasion de rendre hommage à la voie qu'il a ouverte et à l'exemple qu'il représente pour nous aujourd'hui - hommage que je suis ravie de partager avec quatre autres compositeurs.
C'est tout naturellement que je me suis tournée vers la littérature de Charles Baudelaire, correspondant à la fois mon univers et à celui onirique d'Henri Dutilleux.
Mes sonnets sont écrits pour quintette (soprano, flûte alto, cor anglais, basson et piano). La formation instrumentale imposant la famille des bois m'a orientée vers la nature avec La Géante. La Cloche fêlée m'inspirait par son sens et Le Flambeau vivant par son caractère incantatoire.
Les sonnets expriment des visions différentes : la première plutôt fantastique - celle d'une géante magnifique dans la Nature ; la seconde mystique et processionnelle ; et enfin, le spleen intérieur par la métaphore d'une cloche ébréchée. Cependant, je les ai conçus de la même manière : tous trois travaillent ainsi le phénomène de nappes sonores vibrantes et entêtantes. Cela confère à l'ensemble son côté hypnotique, sensation intense que je retrouve à la lecture des sonnets baudelairiens, comme à celle de la musique de Dutilleux.
Camille Pépin (mai 2016) / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Par BRITTEN BENJAMIN. Paramètre de Britten du poème de Edith Sitwell ' Louange nous grands hommes ', a été laissé inachevé à sa mort. Elle a été étant écrite pour Mstislav Rostrpovich d'inclure dans sa première saison avec le National Symphony Orchestra de Washington D.C, en 1977. Le mauscript brise d'après 118 barres, près de la fin de la cinquième une sections dix prévu. Le fragment équivaut donc au plus de la moitié du travail, mais il est entièrement composée. Deux autres bars ont été trouvés esquissé dans l'un des ordinateurs portables de Britten et ont été ajoutées à ce score en 1985, quand elle a été révisée par le compositeur, Colin Matthews, avant de son premier spectacle./ Répertoire / Conducteur

Parmi les compositeurs britanniques modernes les plus populaires et les plus importants, Gustav Holst (1874-1934) était un véritable excentrique, passionné d'enthousiasme étrange et de rêveries mystiques. Sa spectaculaire suite symphonique The Planets, créée pour la première fois en 1918, a établi sa réputation internationale et reste un incontournable du répertoire orchestral à ce jour.Marquée pour d'énormes forces orchestrales et un chœur sans paroles, l'œuvre est divisée en sept mouvements, la musique de chacun incarnant les qualités astrologiques et mystiques d'une autre planète. De la marche menaçante et implacable de Mars, the Bringer of War aux robustes festivités de Jupiter, the Bringer of Jollity et au silence étrange et surnaturel de Neptune, the Mystic , le balayage émotionnel et les techniques innovantes du suite ont ravi et enthousiasmé son vaste public depuis ses débuts spectaculaires. Les musiciens et les mélomanes voudront posséder cette partition complète faisant autorité, joliment publiée et peu coûteuse. Réimpression de l'édition Goodwin & Tabb, Ltd., Londres, 1921. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / DOVER

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Co-commande du Festival de Quatuors du Lubéron et de Mondsee Musiktage.
Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn.
Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn.
Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce.
Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier !
Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais.
Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) ; des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles ; des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire.
Camille Pépin
Cette pièce a été achevée en mars 2019 à la Maison Messiaen lors de la résidence en partenariat avec l’Agence Iséroise de Diffusion Artistique. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / BILLAUDOT

The two-movement, incompletely transmitted Horn Concerto in D major K. 412 was long considered as Mozart?s first horn concerto - it is, however, his last, and was written between March and December 1791. Mozart undertook revisions in the autograph ? which contains the most important orchestral parts next to the entire solo horn part ? in order to adjust the work to the modest technical abilities of the planned soloist Joseph Leutgeb. Mozart revised and completed the first movement, eliminated lower notes in the solo part, rewrote difficult passages and expanded orchestral interludes to give Leutgeb additional breath rests. Mozart also made similar simplifications in the second movement as well, but his early death prevented the completion of the work.Robert D. Levin reconstructed both versions of the concerto on the basis of the autograph. Next to the version revised by Mozart (?post correcturam?), he now presents the original version (?ante correcturam?) for the first time in a musical text revised and supplemented according to rigorous philological criteria. / Conducteur

King Arthur (Arr. Laurie). Par PURCELL HENRY. King Arthur was the only one of Purcell's professionally produced operas to have been designed as a semi-opera - the others were all adaptations of earlier plays. Dryden made a real attempt to integrate the music into the drama, but since he ascribed to the dramatic conventions of the period which virtually confined music to allegorical or supernatural beings and thier worshippers, or servants, shepherds and similar characters, the main action mostly occurs in the spoken sections, and even the two singing characters, Philidel and Grimbald speak more than they sing. / Niveau : Intermédiaire / Rép Classique / Répertoire / Conducteur

Memento Mori is a work for Orchestra from celebrated Australian composer Peter Sculthorpe. The piece features some hauntingly beautiful melodies and striking tonal contrasts. The work is said to be inspired by a visit to Easter Island famous for its great stone heads monuments that can be seen as both an example of the indomitable nature of the human spirit and as part of its great folly -for their making and transportation deforested and impoverished the island.

Par BEATLES THE. In over one thousand pages, the complete music and lyrics, in full 'rock score' transcriptions, of all the 203 songs they wrote and recorded as The Beatles, plus nine by others which they covered on their early albums. All transcribed with separate staves for vocals, each guitar (in tab and standard notation) and all other instruments...the essential Beatles collection. / Niveau : Intermédiaire / Rép International / Recueil / Conducteur