'La Mer?, which is an impressionistic work through and through, was composed between 1903-1905. Debussy however refined this work up until at least 1913. These corrections are found in a score which Debussy gave to his wife as a present for her private library in 1913.The new scholarly-critical edition draws on several important sources previously unavailable to musicologists, resulting in an array of new readings and corrections. In addition, there are many changes, a.o. in terms of articulation and dynamics.This new edition includes the famous 'fanfare? in Movement III, clearly marked in small print and brackets. This fanfare was excised in the 1910 reissue of the work, but was reinstated by a number of great conductors who knew Debussy, i.e. Monteux, Münch, Mitropoulos and Ansermet. They felt that the excision was a misunderstanding and that the fanfare was necessary for the structure of the movement. And so, the Bärenreiter edition presents the revival of a performing tradition which is committed to the fanfare.- New Urtext edition with numerous corrections in comparison to other editions- Important sources which were previously inaccessible have been taken into account- Score and orchestral parts in large format (25.5 x 32.5cm)- Score and orchestral parts with an impeccable generous layout- Includes an informative introduction (Eng/Fr/Ger), facsimiles, source descriptions and a Critical Commentary (Eng) / Violon I

'La Mer?, which is an impressionistic work through and through, was composed between 1903-1905. Debussy however refined this work up until at least 1913. These corrections are found in a score which Debussy gave to his wife as a present for her private library in 1913.The new scholarly-critical edition draws on several important sources previously unavailable to musicologists, resulting in an array of new readings and corrections. In addition, there are many changes, a.o. in terms of articulation and dynamics.This new edition includes the famous 'fanfare? in Movement III, clearly marked in small print and brackets. This fanfare was excised in the 1910 reissue of the work, but was reinstated by a number of great conductors who knew Debussy, i.e. Monteux, Münch, Mitropoulos and Ansermet. They felt that the excision was a misunderstanding and that the fanfare was necessary for the structure of the movement. And so, the Bärenreiter edition presents the revival of a performing tradition which is committed to the fanfare.- New Urtext edition with numerous corrections in comparison to other editions- Important sources which were previously inaccessible have been taken into account- Score and orchestral parts in large format (25.5 x 32.5cm)- Score and orchestral parts with an impeccable generous layout- Includes an informative introduction (Eng/Fr/Ger), facsimiles, source descriptions and a Critical Commentary (Eng) / Alto

'La Mer?, which is an impressionistic work through and through, was composed between 1903-1905. Debussy however refined this work up until at least 1913. These corrections are found in a score which Debussy gave to his wife as a present for her private library in 1913.The new scholarly-critical edition draws on several important sources previously unavailable to musicologists, resulting in an array of new readings and corrections. In addition, there are many changes, a.o. in terms of articulation and dynamics.This new edition includes the famous 'fanfare? in Movement III, clearly marked in small print and brackets. This fanfare was excised in the 1910 reissue of the work, but was reinstated by a number of great conductors who knew Debussy, i.e. Monteux, Münch, Mitropoulos and Ansermet. They felt that the excision was a misunderstanding and that the fanfare was necessary for the structure of the movement. And so, the Bärenreiter edition presents the revival of a performing tradition which is committed to the fanfare.- New Urtext edition with numerous corrections in comparison to other editions- Important sources which were previously inaccessible have been taken into account- Score and orchestral parts in large format (25.5 x 32.5cm)- Score and orchestral parts with an impeccable generous layout- Includes an informative introduction (Eng/Fr/Ger), facsimiles, source descriptions and a Critical Commentary (Eng) / Violon II

Mozart, Wolfgang Amadeus La clemenza di Tito K. 621 Facsimile of Mozart's autograph score The Seven Great Operas in Facsimile Editions of Mozart?s Autograph Scores ?Idomeneo?, ?Die Entführung aus dem Serail?, ?Le nozze di Figaro?, ?Don Giovanni?, ? Così fan tutte ?, ?Die Zauberflöte ?, ?La clemenza di Tito? ? Mozart?s seven great operas, his brilliant contribution to music theatre and world culture, are unequalled in their depth of human characterisation and musical expression. Through happy coincidence, all seven opera scores have survived almost complete in Mozart?s manuscript. The Packard Humanities Institute (PHI, Los Altos , California ) has now embarked on producing a facsimile edition of the seven autograph scores. Mozart scholars, libraries and of course all lovers of Mozart?s stage works now have the opportunity of acquiring these priceless manuscripts in flawless reproductions. At the same time, all risks about preserving Mozart?s legacy for the world of music are taken care of. The Packard Humanities Institute (PHI) charitable foundation, known for its philanthropic programmes in the arts and sciences, has forged an ideal cooperation for the Mozart project. Under the scholarly direction of an editorial board (Ulrich Konrad , David Packard, Wolfgang Rehm , Christoph Wolff; General editor Dietrich Berke) the International Mozarteum Foundation Salzburg and the libraries where Mozart?s manuscripts are held are working together with the Packard Humanities Institute. The production of the volumes is exquisite, for the digitalization of the manuscripts has been undertaken using the latest technology, which allows for an astounding level of authenticity and precision in detail. The printing follows the uncompromisingly high standards demanded by the edition. All seven volumes include essays on the history of literature and ideas by Hendrik Birus , Hans Joachim Kreutzer and Robert Miller as well as musicological introductions by leading Mozart scholars in German and English. The facsimile edition will be distributed by Bärenreiter- Verlag . - consolidation of Mozart manuscripts held in different places - highest level of precision in reproduction and authenticity of colour through use of the latest technology - unique offer thanks to project sponsorship by the Packard Humanities Institute (Los Altos, California) Precision in reproduction thanks to cutting edge technology In preparing the manuscripts for reproduction, equipment was used in line with the highest technical standards currently available. Mozart?s original manuscripts of the seven operas are held by several libraries. For five of the operas, the different acts have even ended up in different libraries following World War II. Thus, the autograph of Act I of ? Così fan tutte ? is in the Jagiellonian Library in Kraków and the second act in the Staatsbibliothek zu Berlin ? Preußischer Kulturbesitz . In order to achieve a uniformly high level of precision in reproduction and authenticity of colour both within a work and for all seven editions, the use of the same technical equipment in all the different places was a prerequisite. Specialist from the Salzburg firm ? Kirchberger Photography? were employed, were provided with the latest equipment by the Packard Humanities Institute and also given special additional training in the modern technology by specialists in the USA. Proofs of each edition were compared with the original in each location and improved until the likeness could not be bettered in all details. Mozart?s music and text notation is reproduced extremely clearly, and even those places where Mozart corrected or had rubbed out marks he had already made, appear in these editions in a previously unmatched transparency.

The first performance of ?Má vlast? as a six-part symphonic cycle took place on 5 November 1882. With the founding of the Czech Philharmonic in 1896 this work received a far greater reception. Since 1952 the music festival ?Prague Spring? has opened with this complete cycle.

This edition is based on the ?Study Edition of the Works of Bedrich Smetana?, vol. 14, supplemented by an up-to-date detailed foreword about the genesis and history of the work by Marta Ottlová.

Contents
Vy?ehrad / Vltava (The Moldau) / ?árka / Z Ceských luhu a háju (From Bohemia?s Woods and Fields) / Tábor / Blaník

? New foreword by Marta Ottlová (Cz/Eng/Ger)
? Urtext based on the ?Study Edition of the Works of Bedrich Smetana?

Detailed instrumentation: Piccolo flute, Flute (2), Oboe (2), Clarinet (in B-flat) (2), Bassoon (2), Horn (4), Trumpet (2), Trombone (3), Tuba, Kettledrum, Triangle, Cymbals, Concert drum, Harp (2), Violin (2), Viola, Violoncello, Double bass / Classique / Partition / Broché /

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par HOLST GUSTAV. Among the most popular and important modern British composers, Gustav Holst (1874–1934) was a true eccentric, given to odd enthusiasms and mystical musings. His spectacular symphonic suite The Planets, first performed in 1918, established hisinternational reputation and remains a staple of the orchestral repertoire to this day. Scored for huge orchestral forces and a wordless chorus, the work is divided into seven movements, the music of each embodying the astrological and mysticalqualities of a different planet. From the ominous, relentless march of 'Mars, the Bringer of War' to the robust festivities of 'Jupiter, the Bringer of Jollity' and the weird, unearthly hush of 'Neptune, the Mystic, ' the emotional sweep andinnovative techniques of the suite have delighted and thrilled its vast audience ever since its spectacular debut. Musicians and music lovers alike will want to own this authoritative, attractively published and inexpensive full score. Reprint of theGoodwin & Tabb, Ltd. , London, 1921 edition. Spectacular symphonic suite, scored for large orchestral forces and a wordless chorus, is divided into 7 movements, the music of each embodying the astrological and mystical qualities of a different planet. Remarkable emotional sweep and innovative techniques have made the work a staple of the orchestral repertoire./ Répertoire / Orchestre

Edizione critica a cura di Gabriele Dotto e Roger Parker (Vol. 1: XLIV, Vol. 2: VIII). Par DONIZETTI GAETANO. Gaetano Donizetti’s Lucia di Lammermoor, written to a libretto by Salvadore Cammarano, was first performed at the Teatro di San Carlo in Naples on 26 September 1835. It has remained in the repertory without interruption as one of Donizetti’s most popular operas throughout its nearly 200-year history. The edition proposes as the principal text a version of the opera that, for the most part, is as near as possible to that given at the premiere in Naples. However, one of the important new features of the edition is that it includes several fully orchestrated passages that, for unknown reasons, were cancelled very close to the time of the first performance. It also features in the third-act mad scene an obbligato part for the glass harmonica, an instrument that Donizetti had chosen for this extraordinary scene, and drafted in his autograph score, but was then constrained to substitute with a solo flute when the glass harmonica player got into contractual difficulties with the theatre. While the glass harmonica part was considered a mere “musicological curiosity” some decades ago, the critical edition now convincingly argues for its legitimate restoration as part of the composer’s preferred concept. The Sources section of the edition includes a detailed examination of all contemporary sources for the opera. The composer’s autograph score is of course the most important of these, but also of great value is the first printed vocal score of the opera, which in some numbers has a piano reduction prepared by the composer and contains many vocal variants (all reported in the score) that will be a great value to performers. There are also a number of early manuscript copies of the full score, several of which are valuable in outlining the first interpretations of Donizetti’s music. The critical edition restores the original keys, thus maintaining Donizetti’s overall harmonic design, but discusses transpositions that later entered the performing and editorial tradition of the opera. Three transposed pieces – which may have had Donizetti’s approval – will be made available available in the material for hire to theatres. / Date parution : 2022-03-05/ Répertoire / Orchestre

Polka Schnell G-Dur. Par ZIEHRER CARL MICHAEL. Die Aufnahme der Polka schnell “Los-lassen” in das Programm des Neujahrskonzertes 1980 der Wiener Philharmoniker war willkommener Anlaß für die Erstellung einer kritischen Ausgabe in Partitur und Stimmen im Rahmen des “Diletto Musicale”./ Répertoire / Orchestre

Par TIPPETT MICHAEL SIR. Détails de la formation instrumentale: 3.2.ca.2.b Clarinette asax.tsax.barsax(ssax).2.cbn-4.4.3.1-5perc(kit (s.d., t.d., cym. (crash and hi-hat), 2 tom-toms, b.d., w.bl., gng., slit dr.), t.d., b.d., brake dr., clash cym., sus.cym., tamb., cast., wh., large tri., lge. tam-tam, xyl., vib., glock., 2 sets of 6 tub.bells (metal rod), claves, rattle)-hp.2e Guitare -Strings (4.4.4.4.2 min)-taped effects (spaceship and distant voices) - Durée: 30' - Format: New Edition landscape/ Répertoire / Orchestre