Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Ce score étude de 'La clemenza di Tito' est basé sur l'édition à la fois Giegling Franz de 1970, qui a été publié dans le cadre du 'New Edition Mozart', et le commentaire critique à partir de 1994. Les manuscrits autographes de numéros 2, 11 et 12 de l'opéra de Mozart ont été considérés comme perdus après la fin de la Seconde Guerre mondiale. En 1979/80 de ces pièces manuscrites ont été reportés et sont conservés dans le Jagiellonska Biblioteka, Cracovie. L'évaluation de cette source a été publié dans le commentaire critique de 1994 et a été inclus dans la deuxième impression du volume respectif de New Mozart Edition (1997). Le score étude Bärenreiter est basé sur cette nouvelle édition de 'La Clemenza di Tito', tel que publié dans le 'New Edition Mozart'. - Basé sur le Urtext de la 'Nouvelle édition Mozart', reflétant l'état actuel des bourses musicologique - Avec une préface informative/ Répertoire / Orchestre

Commissioned jointly for Colin Currie by the City of Birmingham Symphony Orchestra and the Borletti-Buitoni Trust. First performance on 14th May 2008 at Symphony Hall Birmingham by Colin Currie (percussion) and the City ofBirmingham Symphony Orchestra conducted by Martyn Brabbins.NOTE FOR PERFORMANCEIn table top the unpitched solo percussion part in the 9th movement the scoring was initially left open. The present full score showsa suggested instrumentation  which was devised by Colin Currie in conjunction with the composer. Soloists  should attempt to match the timbres used but should not feel constrained by the  exact choice ofinstruments.COMPOSER’S NOTEThe percussion instruments used in a table of noises in some ways represent the odd things that were on my great uncle Ash’s parlour table that fascinated me as a child. There is even abottle; there was always a milk bottle with the silver top pushed in surrounded by other essentials for his life. From birth he was quite severely handicapped in one of his legs and couldn’t walk too far without his trusty crutch.He kept everything he needed within arm’s length. In the list of instruments for the solo part there’s everything from deep log drum sounds to very high metallic chime sounds. Wood glass metal and a whistle. Mostlysmall-scale things with a large gong behind used sparingly. I think that we managed to keep below 30 instruments in all which I was keen to do. I didn’t want scores of things that are only played once they have to earn theirkeep. I didn’t want to use a marimba but thought that trying to make the xylophone sound in a more expressive way would be more of a challenge. The percussionist sits for much of the time on a Cajon a flamenco instrument which isessentially a wooden box. The player hits the front of the box in various ways rather as you play a conga. There are guitar strings inside and bells to add to the overall colour. I would like to thank Colin Currie for the

Mon Concerto pour orchestre (2007) est une oeuvre de vingt minutes dans laquelle les différentes sections de l'orchestre, ainsi que différents solos et duos du sein de l'orchestre, sont mis en évidence que la musique se déploie. Le travail continue mon intérêt pour les formes à deux mouvement qui a commencé avec mon Concerto pour violoncelle (1991), et plus tard a été développé dans Sortilège (1996) et la Symphonie (Broken Consort) (2004). Dans ces oeuvres, et dans le Concerto pour orchestre, chaque mouvement est le même poids et de l'importance avec le second développement de matériel plus tôt et prendre de nouvelles directions.La forme en deux mouvements du Concerto pour orchestre vient d'une structure symphonique sonate, remodeler la forme en quatre mouvements traditionnels et en combinant cela avec les aspects de la forme sonate, une tradition qui remonte à Liszt, Schoenberg et Sibelius:1er mouvement (i) l'exposition d'idées - dramatique et soudaine (ii) scherzo et développement 1 - résolue2ème mouvement (iii) adagio - calme et tranquille (iv) le développement 2 avec récapitulation - intense et énergiqueLe Concerto pour orchestre a été commandée par le Musikalische Akademie des Nationaltheatre-Orchesters Mannheim avec le soutien de Die Landesbank Baden-Württemberg pour ses deux premières représentations le 31 Mars et 1er Avril 2008 réalisée par Friedemann Layer. La partition est dédiée à l'amitié et l'admiration pour Ronald Zollman. / Orchestre

Score-Morton Gould's Minute Plus Waltz Rag for Orchestra.In honour of their 75th anniversary the Baltimore Symphony Orchestra commissioned a number of composers who had written major works for themin the past to write short musical 'postcards'.'My postcard is called Minute Plus Waltz Rag; it's a slight take-off on The Minute Waltz but with the 'plus' that it's longer than a minute and combines awaltz with a rag pattern in 5/8 time. I wasn't conciously thinking of 1916 when I wrote it but it does actually reflect a flavour of the music of that period' - Morton GouldThe first performance ofthis work took place on October 25 1990 by The Baltimore Symphony with David Zinman as Conductor.

Kongen Af Himmeby-Demo/Utopiaville-Demofor Symphony Orchestra (2009). The Utopiaville-Demo is commissioned by Finn Schumacker for The Odense Symphony Orchestra. Repertoire operas occationally have orchestral suites: Bits and pieces of overture interlude etc. tied up in a bouquet of 'schönste Tränen'. Contemporary opera usually wither after the first season so the focus is on getting people to come and have a sniff before it's too late. Consequently it seemed obvious to me to start making orchestral excerpts from my operas that are meant to be played before the premiere (and after please); I call them 'operatrailers' when they're substantial enough to be considered independent works and 'opera demos' when they're relatively short and more appetizer-ish. The Utopiaville-Demo is a fast-and-furious cinemascope 3D THX-demo for my chamber opera 'The King ofUtopiaville' which is sort of a mix between a reversed revolutionary opera (reversed because it's about a revolutionthat flops) and a rhythm'n blues theatre concert. The opera takes place on the remote tropical island of Honga-Tonga where a mayor form Europe is taking a much needed holiday as far away as possible from his home town Utopiaville. The mayor desperately needs to get away:He has overstepped his authority blatantly and broken every rule of law he felt like in order to create a modern liberalistic society where sanitation medicare hospitals schools the police and all other public institutions are sold to private investors and then leased back by the public - that way noone will ever have to pay taxes because everything finances itself the mayor says and in order to keep reality at a safe distance he drinks massive amounts of insanely expensive french claret all in the best interest of the inhabitants of Utopiaville of course.Honga Tonga can't get any further away from Waikiki Beach: It looks something like the 1933 version of

Premiered at the festival 'Magma Berlin 2002' by the Berlin Philharmonic Orchestra conducted by David Robertson 29th November 2002.3 Flutes 1st and 2nd also Alto Flutes in G 3rd also Piccolo3 Oboes 3rd also Cor Anglais in F3 Clarinets in Bb 3rd also Bass Clarinet in Bb3 Bassoons 3rd also Contra Bassoon4 Horn in F3 Trumpets in Bb3 Trombones1 TubaTimpani4 Percussion four playersPlayer 1 - Vibraphone Glockenspiel Water Chime Bell Tree Japanese Wood Blocks Cymbal (Suspended) TamTam (Medium)Player 2 - Triangle Tubular Bells Crotales Marimba Chinese CymbalPlayer 3 - TamTam (Large) Java Gong(Large very low) Bell Lyra (Handheld) Sizzle CymbalPlayer 4 - Bass Drum Glockenspiel Xylophone1 Harp1 Piano also CelestaStrings - 16/14/12/10/8All transposing instruments are notated in their relevant transpositions.Any accidental apply only to the note that it immediately precedes except tied notes.Naturals appear occasionally 'for safety'.'LISTENING EARTH' is a symphonic drama a one- movement composition in four parts based on the work by two writers Joseph Addison (1672-1719) and W.H.Auden (1907-1973). Joseph Addison is not particularly well known; he was English a classical scholar essayist poet and politician but one of his hymns was used by Benjamin Britten. in his setting of a Thomas Tallis canon.The hymn is singularly beautiful and being a composer always inspired by extramusical stimuli such as poems nature paintings I was immediately convinced when I carne across the Addison hymn that here was exactly what I wanted to use as my major source of inspiration for this piece commissioned by and written for The Berlin Philharmonic. I don't refer to the hymn in its entirety but have chosen the following 3 excerpts all acting as mottos for the first three sections of the piece thus turning the piece into a straightforward tonepoem in the classical

Four Ellington hits - Don't Get Around Much Anymore, Do Nothin' 'Till You Hear from Me, Sophisticated Lady, and It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) - are given special treatment in this monster medley. Full instrumentation is required, and the arrangement is moderately advanced, but the result is great music!

3 Symphonic Sketches-'Maybe you don't know that I was intended for the fine career of a sailor…' was what Debussy wrote in a letter in which he tells about his work on La Mer. His passion for the sea remained despite his different career and brought him to compose the three symphonic sketches for orchestra. The initially conservative criticism of La Mer which can probably be attributed to the difference in style compared to the successful work 'Pelléas' could be reversed through a performance directed by Debussy in 1908 with overwhelming success.

The dramatic music from Evita remains some of Andrew Lloyd Webber's most performed and recorded music. Calvin Custer's arrangement for orchestra includes the Oscar-winning song from the film version You Must LoveMe and also memorable songs from the stage show: Buenos Aires High Flying Adored and Don't Cry for Me Argentina.

Along with Swan Lake The Nutcracker represents one of Tchaikovsky's most popular and most-performed works. Based on E.T.A. Hoffman's The Nutcracker And The Mouse King the piece was commissioned in 1891 and first performed in St Petersberg the following year. The story of enchanted toys and Christmas magic has become a firm favourite and the piece was the first historically to make orchestral use of the Celesta. As a work of previously unrivalled orchestration the piece has become vital reading for those studying the development of the orchestra or important Romantic works.

Søren Nils Eichberg's Symphony No. 2 - 'Before Heaven Before Earth' (2010). Commissioned by The Danish National Symphony Orchestra / DR. Parts are available on hire: hire@ewh.dk Programnote Symfoni nr. 2 er kronen på værket af et helt værkkompleks som Søren Nils Eichberg har arbejdet med siden 2008. På et stipendieophold i Italien fik han så mange idéer fra hånden at selv ikke de tre værker han dengang var ved at komponere kunne udnytte dem alle. Stoffet blev brugt til dobbeltkoncerten til en opera og etorkesterværk bestilt af det tyske Ensemble Modern. Og materialet lever videre i hans Symfoni nr. 2 der afslutter en nærmest eksplosiv fase af kreativitet. Man behøver ikke kende de tre andre værker for at få udbytte af symfonien pointerer Søren Nils Eichberg. Det materiale som værkerne har til fælles fremtræder da også også på vidt forskellig måde. I stykket til Ensemble Modern (In Circles) virker idéerne som rastløse og flygtige indfald mens de i Symfoni nr. 2 bliver anvendt på en mere gennemarbejdet facon. Symfonien varer ca. 25 minutter og spilles i ét uafbrudt forløb. Alligevel er den opbygget efter klassisk model hvor man fornemmer en ”1. sats” en ”langsom sats” og en ”finale” undervejs. Det hele udspringer af to kontrasterende temaer der begge præsenteres to gange i begyndelsen. Det er et symfonisk princip der stammer helt tilbage fra symfonigenrens barndom. ”Dobbelt-præsentationen” er særlig nyttig i musik som lytterne ikke kender på forhånd. Symfoniens første tema er en række akkorder der spilles af violiner og bratscher. Kontrasttemaet er en hurtig rytmisk basfigur som

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par HOFFMANN ROBIN. Une composition émouvante qui explore la beauté et la fugacité de la vie. Basée sur une idée simple de sept notes, l'œuvre évolue d'une ambiance tendre et presque intime vers un point culminant exaltant qui célèbre la joie de vivre. Robin Hoffmann, né en 1984, a étudié la composition et l'arrangement à la Hochschule für Musik Dresden. Depuis 2006, il travaille en tant que compositeur, orchestrateur et arrangeur pour des productions internationales de films et de concerts. En 2010, le London Symphony Orchestra a enregistré son concerto pour violon aux Abbey Road Studios. Ses musiques de film pour HERO et A FATHER'S JOB ont remporté de nombreux prix internationaux. En tant qu'arrangeur pour Alex Christensen, il a été récompensé en 2022 avec un disque d'or. / Date parution : 2023-10-31/ Répertoire / Orchestre