Par SCHWARZ OTTO M.. Nostradamus a e´te´ l’un des plus grands prophe`tes de l’humanite´. Un grand nombre de ses prophe´ties code´es se sont produites telles que pre´dit. Nostradamus vivait au temps de l’Inquisition. Ses pre´dictions astrologiques et ses traitements e´labore´s en tant que me´decin, lui ont valu d’e^tre pourchasse´ par l’E´glise. Devant les menaces des autorite´s religieuses, il devra fuir a` plusieurs reprises. Sa famille pe´rit dans une e´pide´mie de peste et Nostradamus se consacrera a` la clairvoyance. Il commence alors a` re´diger ses pre´dictions code´es dont certaines de´crivent des faits historiques. Bien qu’il y ait plusieurs lectures et interpre´tations possibles, Nostradamus est toujours conside´re´ comme une personnalite´ unique de notre Histoire. Que ses de´tracteurs de´noncent le charlatan ou qu’il soit, au contraire, conside´re´ comme un mythe, ses prophe´ties ont indubitablement marque´ l’humanite´. Depuis 2001, Otto M. Schwarz compose des musiques de films. Avec son œuvre Nostradamus, il signe le film de la vie de celui qui a e´te´ le plus ce´le`bre prophe`te du mille´naire passe´. / Date parution : 2021-12-09/ Répertoire / Concert Band/Harmonie

Pour orchestre d'harmonie.Conducteur et parties séparées.'Octopus and the Moon': ...pourquoi ce titre?!D'une part, comme beaucoup de gens ( mais peu osent l'avouer), à minuit les soirs de pleine lune, je me transforme en poulpe.D'autre part et d'un point de vue structurel, la pièce enchaîne huit états de son évolution, des vagues, autrement dit flux et reflux, car il ne s'agit pas de développements.Chaque nouvel état sonore émerge puis disparaît.Cet ouvrage n'est pas dans l'usage habituel d'un orchestre d'harmonie mais est à coup sûr ce que j'aimerais souvent lui entendre jouer: un temps suspendu, introspectif voire intime, la richesse de la nomenclature liée à ce type de formation permettant à l'infini la recherche de couleurs sonores et de combinaisons.Eric FISCHER est l'auteur d'environ 200 opus, allant de la pièce pour instrument seul à la forme symphonique, en passant par tout type de nomenclature et d'expériences diverses, musique de chambre, dispositif électronique, oeuvres vocales, musiques de scène, musique improvisée, oeuvre pluridisciplinaires, etc...De fait, sa musique, aujourd'hui régulièrement jouée à travers le monde (USA, Canada, France, Suisse, Belgique, Hollande, Lettonie, Japon?) recherche toujours un espace privilégié avec les artistes qu'il admire, quel que soit leur instrument et l'univers stylistique dont ils sont issus.Entre 1988 and 1991, il dirige l'ensemble à cordes ' Antigone ' avec lequel il crée une partie de son oeuvre concertante, cette forme lui étant spécifiquement inspirante.(Ex : ' concerto pour marimba and orchestre ' 1987, éditions Notissimo - ' les mélodies provisoires ' pour accordéon and orchestre 1991, créée par Richard Galliano à St Eustache Paris - ' Concerto No3 ' pour saxophone soprano and orchestre à cordes, enregistré et créé par J.P.Baraglioli and l'orchestre philharmonique de chambre de Lettonie 1998, CD Daphénéo 9802, éditions Misterioso?)Sa curiosité à tout type de rencontre le mènera à d'autres échanges artistiques tout à fait privilégiés :À noter depuis 1989, un parcours de fidélité réciproque avec le chorégraphe japonais Shiro Daïmon (Dernières créations : ' Oni ', Oguni, Jp, sept.2004 - ' Kou, la lune rouge ' Paris, janvier 2005)Cofondateur du ' Collectif de la dernière tangente ' avec le plasticien Bernard Garo et le comédien François Chattot, proposant d'étonnantes immersions pluridisciplinaires, avec des spectacles comme ' Temps Morts ' (création Far, Nyon, 2003/ théâtre Vidy, Lausanne, 2004/ Scène nationale de Sénart, 2005/ festival de Dijon 2007) et ' 9 pictures from 99 body ritual tales ' (création Far, Nyon, 2005/ tournée automne 2006?)' Wasser wind und Stahl ' en préparation (création prévue saison 2008/2009)Musique de film pour ' l'oeil sauvage ' de Johanna Vaude (2006)Travail régulier avec des poètes, dont Dominique Brand et Emmanuel DamonÀ écrit pour Richard Galliano, David Liebman, François Bou, Jacqueline Méfano, Marianne Muller, le quatuor de Riga, l'ensemble FA 7, Jean-Pierre Baraglioli, le quatuor boréal, le collectif Rock Adélaïde, l'orchestre philharmonique de chambre de Lettonie, Sylvain Kassap?Egalement saxophoniste and claviers, il a joué et/ou enregistré aux côtés de Steve Lacy, David Liebman, Sylvain Kassap, Hozan Yamamoto, Andy Emler, Marc Ducret, Archie Shepp,?oeuvres sur CD :(ordre chronologique)1998 : ' Concerto No3 ' pour saxophone soprano and orchestre à cordessur le CD ' 52 fils tendus ' de J.P.Baraglioli (Daphénéo)2000 : ' le Rituel ' pour 5tet de saxophonessur le CD ' le Pont Mirabeau ' quatuor de saxophones de Riga (Kulturas Parvalde)2001 : ' Concerto Grosso ' (2o and 4o Mouvements) pour orchestre d'harmoniesur le CD ' Changer d'air ' produit par Ariam Ile-de-France/ Cepia2002 : ' Même si la lumière? 'Chamber music, monographie (Daphénéo)En cours de réalisation ' Eau vent acier ' pour quatuor à cordes. Sortie prévue en mars 2008 / Orchestre D'Harmonie

Cette suite est une oeuvre de commande pour l?Orchestre d?Harmonie de la ville de Vivaro située au coeur de la région autonome du Frioul-Vénétie Julienne au nord-est de l?Italie. Pour composer cette suite Franco Cesarini s?est appuyé sur l?immense richesse du patrimoine musical traditionnel de cette région. L?identité frioulane est également associée à la forlane - une danse rapide généralement en 6/8 née au XVIe siècle - et à la musique vocale traditionnelle - dont la villotta est une forme typique. Piccola Suite Italiana est une suite aux couleurs d?une région à forte identité.

(An Overture)-L?objectif de cette composition n?est pas tant de brosser un portrait musical d?une ville à travers des images visuelles que de susciter des images émotionnelles émanant de ces innombrables atmosphères - énergiques dynamiques et intenses - qui rythment la vie quotidienne. Dans la première phase de l?œuvre on sent la ville vibrer de son énergie. Les rythmes sont frénétiques. L?auditeur est facilement immergé dans le chaos du trafic ; on voit des piétons absorbés par leurs tâches quotidiennes marcher prestement. Mais au cœur de chaque ville se trouve un espace préservé alliant calme et sérénité : un parc un jardin caché un petit coin oublié. L?imagination part envoyage et rêve de lointains ailleurs ; une courte pause avant de revenir à la vie chaotique de la ville. D?un point de vue musical la pièce est construite sur un seul thème qui se divise en deux ramifications distinctes et contrastantes. La première est fougueuse et rapide ; la seconde est fluide dans un style cantabile. Vers la fin de l?œuvre les deux ramifications se rejoignent et cheminent unifiées vers leur intensité maximale conclusion pétillante d?une composition brillante.

Jéricho met en musique la célèbre histoire du livre de Josué qui décrit la prise de la ville de Jéricho par les Israélites.La première partie dépeint l?inexorable traversée du désert à destination de la terre promise la terre de Canaan. Une cantilène entraînante célèbre le mal du pays l?envie de mettre fin à une existence faite d?errance.La prise de Jéricho constitue le thème de la deuxième partie. La tâche s?avère difficile ; six jours durant une impressionnante armée commandée par Jéhovah encercle la ville. Le septième jour l?armée fait sept fois le tour de la ville. Les pr?tres soufflent dans leurs trompettes et le peuple crie à tel point que les murs de Jérichofinissent par s?effondrer. Les Juifs en profitent pour prendre la ville d?assaut et en chasser tous les habitants. D?un point de vue musical on reconnaît clairement les bruits de bottes d?une armée marchant au pas et les murs s?effondrer dans un fracas assourdissant et ce bien que l?histoire ne soit pas retracée littéralement.Une mélodie à la fois majestueuse et grandiose traduit le sentiment de victoire ressenti à la suite de la prise de la ville fortifiée (troisième partie).Une oeuvre romancée qui débouche finalement sur une f?te populaire juive (quatrième partie) o? les mélodies virtuoses des bois et les rythmes entraînants renvoient à la musique traditionnelle juive. Tous les thèmes reviennent sous différentes formes dans cette dernière partie souvent m?me tous ensemble dans un contrepoint de contrastes. Au final le thème principal de la première partie revient par bribes en majeur : le calme est retrouvé.

Die Legende von der weißen Jungfrau zur Kugelsburg-Of Castles and Legends (?Châteaux et légendes?) est une œuvre à programme inspirée de la légende de La demoiselle blanche du château du Kugelsburg.Près de la ville de Volkmarsen en Allemagne se dresse au sommet d?une colline l?impressionnant château du Kugelsburg. Jadis des murs épais et des tours solides garantissaient une excellente protection aux familles pieuses qui y vivaient servant l?Église avec fidélité. Mais les temps changèrent. Des chevaliers terribles prirent possession du château. Un jour ils enlevèrent une ravissante jeune fille qui voyageait avec son père un riche marchand alors qu?ils passaient tous deux sur le chemin en contrebas duchâteau. La jeune fille était pieuse et dévote. Elle pria le Seigneur de lui venir en aide. Mais les chevaliers ne modifièrent en rien leur comportement. La jeune fille dut assister à leurs fêtes excessives.Un soir pourtant face aux comportements grossiers des chevaliers elle éleva la voix et demanda à se retirer dans sa chambre. Dans le brouhaha de la fête elle réussit à gagner l?escalier en colimaçon avec l?aide d?un garde bienveillant. Lorsqu?enfin elle trouva la paix et la tranquillité un chevalier mal intentionné pénétra dans sa chambre. Prise de panique elle grimpa sur le rebord de la fenêtre et menaça de se jeter dans le vide. Ivre de vin l?homme s?avança vers elle. La jeune fille se mit à prier et à supplier en vain. Terrifiée elle remit son esprit entre les mains de Dieu et sauta dans les profondeurs de l?abîme.Dès lors elle apparut de temps à autre vêtue d?une robe d?une blancheur éclatante symbole de la joie éternelle et divine. C?est pourquoi on l?appella la « demoiselle blanche ». Chacune de ses apparitions était synonyme de bienfait si bien que personne ne la craignait. Les gens lui accordait même le pouvoir de tenir la mort et la destruction à distance.La légende dit aussi qu?elle serait la gardienne du trésor que les terribles chevaliers auraient enfoui sous le château. Et selon certaines rumeurs la demoiselle blanche

Le terme ?Renaissance? (rinascimiento) est utilisé pour la première fois en 1550 par le peintre architecte et historien florentin Giorgio Vasari. Mais ce n?est qu?à partir de 1860 qu?il sert à définir l?art italien des XVe et XVIe siècles. La Renaissance est une période où s?est manifesté un intérêt renouvelé pour l?art classique fusionnant avec un point de vue plus moderne. Cette composition en quatre tableaux réunit quatre œuvres anonymes de la Renaissance. En exploitant les couleurs actuelles de l?Orchestre d?Harmonie Franco Cesarini recrée l?atmosphère fascinante des fastes de la Renaissance. Le premier mouvement est une pavane intitulée Vive Henri IV(vers 1590). Le second mouvement plus rapide est basé sur la pièce Kemp?s Jig datée vers 1600. Le troisième tableau Canario (vers 1500) débute sereinement puis évolue vers un 6/8 pétillant. Le Bransle de chevaux (vers 1590) quatrième et dernier tableau offre une conclusion résolument spectaculaire.

La clarinette la mandoline le violon les tambourins tambours de basque et le célèbre bouzouki sont les instruments typiques de la musique traditionnelle grecque. Le répertoire de cette musique est partagé en trois catégories principales : les chants traditionnels grecs (le dimotiko) les chants traditionnels des immigrants (le rebetiko) et les chants de compositeurs du XXe siècle. La musique grecque moderne a été rendue célèbre par Mikis Theodorakis compositeur de renom qui parallèlement à ses engagements politiques contre le régime fasciste a contribué à travers ses mélodies à la diffusion des textes de grands poètes grecs modernes. Dans cette suite FrancoCesarini a rassemblé trois chansons appartenant à la tradition musicale ancienne. La première O Haralambis est une chanson typique accompagnant le kalamatianos une danse traditionnelle circulaire en 7/8. Satirique et taquine O Haralambis est interprétée à l?occasion de mariages. Elle relate l?histoire d?un jeune homme qui refuse d?être marié. Le passage central développe un autre air traditionnel intitulé I Voskopula. Le deuxième mouvement Stu Psiloriti fait référence à une ancienne mélodie de l?île de Crète. Le Psiloritis est le point culminant du mont Ida. Le troisième mouvement de la suite est basé sur le chant Vasilikos tha gino un chant très ancien de la région de l?Épire. Certains éléments de ce mouvement nous rappellent le sirtaki la plus célèbre de toutes les danses grecques.

Le point de départ de cette composition est la mystique entourant la vie et la mort. Je souhaitais composer une uvre sans récit et jai plongé dans une sorte de quote musicale vers de nouveaux mondes sonores des enchaînements de mesures originaux des mélodies riches en tensions et des tonalités orchestrales particulières. Ce qui a indirectement donné lieu à cette composition cest la naissance de mon premier enfant qui a eu lieu à peu près au même moment que le décès dun membre cher de ma famille. Et cest dans de tels moments que lon apprend à ses dépens combien la vie et la mort sont intimement liées et combien malgré leur immense contraste elles se ressemblent paressence. Car dune part ces deux événements bouleversants sont des passages vers un nouveau monde et dautre part ils ont tous deux un énorme impact émotionnel. En outre le donneur dordre de luvre est un orchestre qui sappelle « Nieuw Leven » (Nouvelle Vie) et cet orchestre a lui-même perdu un musicien décédé dans un accident davion ce qui ma conforté dans lidée dune parfaite adéquation de ce thème avec lensemble de la situation.Je souhaite ne pas dévoiler les passages de luvre qui parlent de la vie (la naissance) et ceux qui parlent de la mort. Car il me semble justement intéressant de remettre en question la conception traditionnelle y afférente et de laisser la porte ouverte aux auditeurs. Quand vous pensez qu'un passage parle de la naissance et que vous inversez cette donnée cela suscite des questions passionnantes aussi bien sur le plan musical que métaphysique. De façon indirecte mais formidablement pénétrante la musique est capable dexprimer la quote infinie de l'homme. Elle peut si lon peut sexprimer ainsi toucher l'éternité pendant un bref instant et nous donner le sentiment d'être en mesure de dépasser la mort. Cette quote (et aussi cette aspiration) éternelle se retrouve partout dans luvre : aussi bien dans les champs de sonorité et les glissements daccent de la première partie que dans les énormes tensions et les thèmes

from Concerto for Double Bass arranged for Tuba or Euphonium and Concert Band-Le violoniste et compositeur italien Antonio Capuzzi (1er août 1755 - 28 mars 1818) étudie le violon avec Nazari et la composition avec Bertoni. En 1805 il s?installe à Bergame où il devient professeur de violon à l?Instituto Musicale et premier violon de l?orchestre du Teatro Riccardi. Ses talents de pédagogue et de concertiste sont très appréciés. Bien que populaire à l?époque sa musique est en grande partie tombée dans l?oubli ; aujourd?hui son ?uvre la plus couramment interprétée est son Concerto pour contrebasse. Toutes les compositions connues de Capuzzi ont été écrites pendant ses années à Venise. C?est ici qu?il se lie d?amitié avec Domenico Dragonetti le contrebassiste virtuose de Beethoven. Il est tout à fait possible que Capuzzi ait écrit son Concerto pour contrebasse à l?intention de Dragonetti. Gerald Oswald a réalisé un bel arrangement des deuxième et troisième mouvements de ce concerto (Andante et Rondo) pour euphonium ou tuba et orchestre d?harmonie. La partie solo est également disponible dans une édition avec accompagnement au piano.

A Tone Poem after Jane Rice Op. 13-Le roman The Idol of the Flies (L?Idole des Mouches) de Jane Rice (1913-2005) est un classique de la littérature d?horreur. L?auteur raconte l?histoire d?un enfant qui se livre à des actes de cruauté pour tyranniser son entourage. Pour obtenir le soutien des démons l?enfant répondant au prénom de Pruitt invoque rituellement le nom d?une idole ayant l?apparence d?une mouche. L?idole finit par se manifester. Il s?agit de Belzébuth (Béelzébub) le prince des démons.Pour comprendre le lien entre le titre du roman et le nom Belzébuth une petite explication s?impose. Baal Zebul (Baal le prince) était une divinité philistine honorée dans la ville d?Eqrôn. En changeantla dernière lettre du mot les Juifs lui donnèrent le sobriquet de Baal Zebub signifiant « L?Idole ou le Seigneur des Mouches ».Le poème symphonique de Franco Cesarini n?illustre pas le récit mais cherche à reproduire l?atmosphère glaçante et la couleur archaïque du roman. Comme dans de nombreux autres romans d?horreur les éléments de décor les situations et les procédés narratifs sont primordiaux. Par conséquent le récit en lui même est moins important que la manière dont il se déploie.

Le Cortège du Roi Renaud suite en cinq mouvements trouve ses origines dans les légendes contées par les chansons traditionnelles du sud de l?Europe au XVIe siècle. Pour la plupart ces chansons appartiennent au genre de la complainte chanson dont le texte dépeint en général avec précision des événements tragiques ou macabres. Il existe plusieurs complaintes retraçant la légende du Roi Renaud ; la plus connue est Fualdes un poème chanté qui ne compte pas moins de 48 strophes. 1. Le premier mouvement de cette suite s?inspire de La Porcheronne une chanson traditionnelle contant les malheurs d?une jeune femme contrainte par sa belle-mère de garder descochons durant l?absence de son époux parti au combat. Ce n?est qu?à son retour sept ans plus tard qu?elle sera délivrée de ce fardeau. 2. Le deuxième mouvement intitulé La Marquise empoisonnée relate l?histoire tragique d?une marquise devenue malgré elle la maîtresse du roi. Folle de jalousie la reine supprime sa rivale en lui offrant un bouquet de fleurs au parfum mortel. 3. En dépit de son caractère jovial et dansant La Maumariée vengée nous relate les souffrances de la Reine Clotilde persécutée pour avoir refuser d?adhérer aux croyances ariennes. 4. La Belle engloutie fait référence à la jeune épouse du Roi Renaud. Incapable de surmonter l?idée de vivre sans son époux mortellement blessé durant la guerre et lasse de vivre seule elle supplie la terre de s?ouvrir et de l?engloutir afin qu?elle puisse rejoindre son bien-aimé. 5. Le finale aux accents tragiques nous plonge dans un récit semblable à l?histoire de Barbe-Bleue. Le Tueur des Femmes raconte l?histoire d?une jeune femme menacée de subir le même sort que les treize autres épouses qui l?ont précédée mortes noyées par leur mari dans un étang. Usant de subtilité et de finesse elle réussit à renverser la situation et provoque la mort de son criminel époux.

A Centenary Tribute to Holst's First Suite in Eb-En 1909 Gustav Holst composa une œuvre audacieuse et novatrice la Première Suite en Mib Majeur op. 28 n°1 (First Suite in Eb major Op. 28 No. 1) une suite exclusivement écrite pour instruments à vent. À l?occasion du centenaire de cette pièce devenue un classique du répertoire pour Orchestre d?Harmonie Jacob de Haan a composé la Memorial Suite en Ut mineur. Cette composition en quatre mouvements fait référence aux qualités stylistiques de l?œuvre de Holst tout en s?appuyant sur le langage sonore et l?écriture caractéristiques du style de Jacob de Haan. Le résultat est original.Comme Gustav Holst Jacob de Haan a choisi d?ouvrir sasuite avec une chaconne une forme de variation contrapuntique (à l?origine une danse espagnole à trois temps) dans laquelle un thème revient de façon récurrente accompagné à chaque fois par un nouveau contre-chant. Ce thème ostinato est utilisé de différentes manières tout au long des quatre mouvements assurant ainsi l?unité de l?œuvre. Le second mouvement est un scherzo. Par sa progression et son caractère il s?apparente à l?intermezzo central de la suite de Holst. Le troisième mouvement Song Without Words (Chanson sans paroles) porte le même titre que le second mouvement de la Deuxième Suite en Fa op. 28 n° 2 (Second Suite in F Op. 28 No. 1) composée par Holst en 1911. À mi-chemin de ce mouvement très expressif apparaît un solo de saxophone alto. Jacob de Haan conclut son œuvre par une Marche comme le fit jadis Gustav Holst.

S?il est souvent relativement facile de trouver l?œuvre idéale pour ouvrir un concert il n?en va pas de même pour la pièce de clôture. Farewell Medley (?Medley d?au revoir?) de Stefan Schwalgin vous facilitera cette tâche quelquefois ardue.Cet excellent medley qui rassemble trois célèbres airs traditionnels du patrimoine musical anglo-irlando-écossais permet aux musiciens de révéler une toute dernière fois la richesse des couleurs sonores de leur instrument. Danny Boy est un célèbre air traditionnel irlandais mieux connu sous son titre original Londonderry Air. Avec les paroles de Frederic Edward Weatherly (1848-1929) la thématique de la balladechangea pour devenir une ballade d?adieu. C?est ainsi que par extension Danny Boy devint une musique funèbre. En 1772 John Newton écrivit le poème Amazing Grace pour accompagner un traditionel irlando-écossais. On doit les paroles de la vieille ballade écossaise Auld Lang Syne (Ce n?est qu?un au revoir) au poète Robert Burns (1759-1796).L?interlude petit récitatif avant le finale fait sonner la retraite avec The Last Post une sonnerie militaire anglaise. L?anonymat des auteurs est l?élément commun partagé par l?ensemble des mélodies rassemblées dans ce medley.