Par MURAIL TRISTAN. Le point de départ : une sorte de triangulation, toute personnelle, et spatio-temporelle : Pétrarque, Liszt, Fontaine-de-Vaucluse. Je m'explique : trois pièces des Années de pèlerinage de Liszt sont inspirées de 3 Sonnets de Pétrarque - trois pièces merveilleuses, parmi mes favorites dans ce recueil. Pétrarque vécut de longues années à Fontaine-de-Vaucluse, tourmenté par son amour impossible pour Laure, qui lui inspira son monumental Canzaniere, recueil de 366 poèmes, dont les sonnets choisis par Liszt. Fontaine-de-Vaucluse se trouve à une vingtaine de minutes de voiture de ma résidence actuelle. C'est là que prend source la Sorgue (René Char, Boulez...) dans une résurgence spectaculaire, au fond d'un val fermé par la montagne : la vallée close, vallis clausa en latin, en provençal vau-clusa (fontaine étant à prendre dans son sens étymologique de source, fons en latin). Pétrarque et Liszt, dans leur domaines et époques respectifs, furent de grands innovateurs. La poésie de Pétrarque surprend par son romantisme et l'expression, parfois paroxystique, des sentiments, le piano de Liszt surprend par son audace timbrale et harmonique - et le bouillonnement de la Sorgue à sa résurgence surprend dans un paysage provençal accoutumé à plus de calme et moins d'humidité... Les textes de la pièce sont donc tirés des trois sonnets choisis par Liszt : numéros 47 (Benedetto sia 'I giorno...), 104 (Pace non trovo...), et 123 (I' vidi in terra...). Mais les textes sont entremêlés jusqu'à un certain point, et quelques strophes n'ont pas été utilisées (voir les textes en annexe). Les poèmes sont en toscan ancien, qui diffère légèrement de l'italien moderne. lls sont écrits en vers endécasyllabes, qui s'articulent sur les accents toniques de la langue italienne (ou toscane). Ce qui entraîne quelques conséquences pour la prosodie, et donc le rythme (par exemple, si un mot terminé par une voyelle - ce qui est généralement le cas en italien, sauf s'il y a élision - est suivi d'un mot commençant par une voyelle, les deux syllabes sont réunies et comptent pour un seul pied). Je me suis efforcé, sans systématisme, de tenir compte de ces particularités dans l'écriture vocale. ll n'y a pas de référence musicale précise aux pièces de Liszt, mise à part l'introduction rythmique des cordes dans les sections basées sur Pace non trovo, qui pourrait rappeler les mesures introductives du 104ème Sonnet. / Contemporain / Répertoire / Mezzo-Soprano, Clarinette, Violon, Alto et Violonc

Par PEPIN CAMILLE. Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown. Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : 'Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ('La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique'). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems. Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939). Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse. La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante. Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point. La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro. Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ('L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe'). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. 'Le meilleur ouvrier est mort', mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle. Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers 'I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag' à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle. / Contemporain / Répertoire / Mezzo-Soprano, Violoncelle et Piano

Jenkyns’ songs for young singers can best be described as art songs for the youngest singers. Their ranges and technical requirements are just right for the younger age groups and their lyrics as in The Snowman are perfectly gauged for their performers. Peter Jenkyns was a 20th century British composer singer and educator who wrote a series of songs for primary-aged children sensitively arranged and with appropriate lyrics. Jenkyns was the headmaster of two primary schools outside of London for whose choirs he composed songs for the St Albans’ Schools Music Festival. He was also a highly-regarded Gilbert andSullivan patter-song singer and he founded a local Gilbert & Sullivan society which is still thriving.

Jenkyns’s songs for children can best be described as art songs for the youngest singers. Their ranges and technical requirements are just right for the younger age groups and their lyrics as in The Little Elf are perfectly gauged for their performers.Peter Jenkyns was a 20th century British composer singer and educator who wrote a series of songs for primary-aged children sensitively arranged and with appropriate lyrics. Jenkyns was the headmaster of two primary schools outside of London for whose choirs he composed songs for the St Albans’ Schools Music Festival. He was also a highly-regarded Gilbert and Sullivan patter-song singer and he founded a localGilbert & Sullivan society which is still thriving.

A sourcebook for teachers full of ideas for Primary music lessons. Contains songs dances action poems and more. Includes standard notation and chord symbols with lyrics where appropriate.

A superb four-volume collection of over 180 solos for the intermediate level Pianist. Includes popular film and show tunes - themes and songs from top TV shows - and classical favourites from choral works, concertos, ballets, operas and symphonies. / Piano

Les oeuvres pour 2 bassons, ou 2 violes, ou 2 violoncelles de J. Bodin de Boismortier, regroupées sous une même jaquette. Des oeuvres idéales pour les jeunes élèves des conservatoires.Présentation par Stéphan Perreau : Catalogue général de l'oeuvre de Boismortier / 2 Bassons Ou 2 Violes Ou 2 Violoncelles / 92 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 24 X 33

Nécessités De La Douleur. Par PENARD OLIVIER. Le choix de ces quatre sonnets parmi les vingt-quatre que Louise Labé a rédigé au cours de sa vie est dicté par un enchaînement dramatique rigoureux répondant à ma sensibilité de compositeur. Faisant ainsi écho à mon expérience personnelle, la forme quasi-opératique de ce cycle illustre les différents visages de la passion amoureuse, depuis l'émergence du sentiment jusqu'à sa chute inexorable. Tour à tour emprunte de violence crue et de tendresse, la musique propose une incarnation sonore des vers de 'la belle cordière' où l'érotisme brutal est omniprésent. Composé sans retenue, le premier mouvement expose les éléments récurrents du cycle: tonalité sombre et secrète de mi mineur, plaintes langoureuses du quatuor à cordes, écriture quasi-orchestrale du piano. Il plonge ainsi l'auditeur dans un gouffre de lyrisme exacerbé où le texte de Louise Labé résonne de manière paroxysmique. Le second volet du cycle fait éclater une violente rupture. Acide et énergique, il souligne les licences poétiques du texte construites sur le procédé de l'antinomie inspirée de la manière Pétrarquiste: la voix y souffre et exalte en même temps, la sensualité langoureuse y côtoie la passion animale. Souvenir des plaintes du quatuor, rappel des motifs torturés de l'allegro précédent, la troisième partie agit sur la mémoire: celle de l'être aimé qui est absent, celle du sentiment qui n'a plus de réalité partagée. Une sorte de nostalgie extatique soutient avec tendresse le poème. Le dernier mouvement du cycle est un long récitatif résigné. Le cycle se referme sur lui même par le glas des accords de piano, ne laissant place qu'à une douleur sourde, tragique, se consumant sans proposer d'alternative. / contemporain / Répertoire / Soprano Solo, Quatuor à Cordes et Piano