Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par BACH JOHANN SEBASTIAN / BOURIN ODILE (Arr.). Chorals de Johann Sebastian Bach choisis et adaptés pour 4 violoncelles par Odile Bourin. Dans ce second volume de Chorals de Bach pour 4 violoncelles, les premières voix explorent les 5e, 6e et 7e positions ainsi que la position du pouce - les autres, les positions intermédiaires. Dans chacun des Chorals, une des voix est plus simple permettant des ensembles d'âges variés et de niveaux différents. Les harmonies plus complexes que celles du 1er volume ont guidé notre choix. Nous espérons que les violoncellistes plus avancés de même que leurs professeurs auront plaisir à les découvrir et en feront leur miel. Nous proposons le Choral BWV 367 dans 2 tonalités - sol mineur et la mineur - qui correspondent à des niveaux différents. Les instrumentistes pourront apprécier les 2 couleurs musicales. On rapprochera utilement les chorals BWV 89 et 367 (cf BWV 21 et 270 du 1er volume) et BWV 126, 267 et 295. Odile Bourin/ Répertoire / 4 Violoncelles

Par PEPIN CAMILLE. Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn. Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn. Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce. Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier ! Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais. Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) - des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles - des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire. Camille Pépin/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Le Petit Violoncellorama est un répertoire de morceaux pour violoncellistes débutants, permettant de jouer aussi bien du classique que des musiques de films ou de la variété et du traditionnel : la Reine des Neiges, California Dreamin', La flûte enchantée, Go down Moses, Dès que le vent soufflera, Y'a d'la joie, Symphonie n°9 "du Nouveau Monde" etc. Chaque morceau est le fruit d?un travail d?arrangement, précis, adapté à l?instrument et au niveau de l?élève. Ce volume, progressif, présente un niveau de difficulté très faible et aisément accessible pour l?élève. La mise en page, en couleur et très aérée, assure une grande lisibilité. Le CD accompagnant l?ouvrage, de qualité supérieure, a été enregistré par Jean Taverne. Cet enregistrement exceptionnel donnera un exemple et un plaisir musical de choix à tous les apprentis violoncellistes, ainsi qu?à tous les mélomanes. 96 pages, illustrations couleur, papier sans reflet, relié spirale. Parties piano sur cahier séparé (inclus). CD audio.

From Bruno Mars to Skyfall, Keyboard Gefällt Mir! follows on from book one of the ultimate songbook for Keyboard, featuring 50 popular pieces arranged by Hans-Günter Heumann. The second volume of this Keyboard series follows the bestselling success of the first book, with more simple and straightforward arrangements of hits from the charts and movies, ensuring there is something for everyone.Included in the book are some of the biggest hits of today, such as Skyfall by Adele, Lana Del Rey's Summertime Sadness, Carly Rae Jepsen's Call Me Maybe and Lady GaGa's Poker Face. Not only are there a number of contemporary hits included, you will also be able to learn to play many timeless classics, including songs by The Beatles, Michael Jackson, Guns N' Roses and Madonna. Songs from popular films include the Mission Impossible Theme, Pirates of the Caribbean and Ludovico Einaudi's excellent Fly from Intouchables.All songs feature tempo markings, chord symbols and full lyrics, in Heumann's excellent arrangements. / Clavier

10 duets. Par IGUDESMAN ALEKSEY. In his new collection, Aleksey Igudesman goes well beyond where his previous book, Violin

Dans mes cours de violoncelle, je consacre toujours les cinq premières minutes à des jeux de formation de l'oreille que j'ai inventés. Ce rituel est un moment très précieux où l'élève se concentre, ouvre ses oreilles et expérimente son instrument par de nouvelles approches.Ces jeux ont beaucoup de succès auprès des élèves et plusieurs collègues m'ont demandé de les leur transmettre pour les pratiquer dans leurs cours. C'est pourquoi j'ai décidé de les regrouper dans une méthode, s'adressant à tous les professeurs de violoncelle qui cherchent des outils pour aider leurs élèves à progresser et qui souhaitent diversifier leur cours en expérimentant de nouvelles méthodes.Des oreilles magiques est une méthode originale par de nombreux aspects :L'oralitéL'élève ne voit jamais la méthode, qui fait uniquement appel à la transmission orale. Ainsi, l'élève fait vraiment jouer ses capacités auditives.L'apprentissage par le jeuLes jeux rendent le cours vivant et permettent de surmonter les difficultés en les abordant dans un contexte nouveau.La transdisciplinaritéCette méthode fait le lien entre le cours d'instrument et le cours de formation musicale, et permet de faire des progrès dans les deux disciplines.Une progression illimitéeLa plupart des jeux sont déclinés selon cinq niveaux progressifs. Chaque jeu proposé est faisable dès le premier cours de violoncelle et jusqu'aux plus hauts niveaux, et s'adresse aux enfants comme aux adultes.Le cinquième niveau est présenté sur un ton humoristique pour mettre en évidence le caractère illimité des progrès potentiels.Le lien avec le chantCette méthode emploie le chant comme un outil central du travail de l'oreille. Tout au long des jeux, l'élève est incité à chanter pour développer son chant intérieur.Je vous souhaite beaucoup de réussite avec cette méthode, et suis certaine que vos élèves adopteront ces jeux avec autant de plaisir que les miens !Estelle HuetEn 2018, la méthode Des oreilles magiques a remporté le Prix de l'Enseignement Musical de la CEMF.Presse[...] Des oreilles magiques, jeux d'oreille pour le cours de violoncelle d'Estelle Huet, manière ludique et inattendu d'introduire des cours de l'instrument [...]Pierre Jean TribotCrescendo Magazine (6 juillet 2019) / Violoncelle / Lemoine

Par BAUER JOHN. Ce système d'échelle progressive coordonne les concepts de base des échelles élémentaires à avancé en préparation pour le système d'échelle par Carl Flesch. Par certains aspects, il va au-delà de la portée du système Flesch. One-octave échelles sont introduits dans les patrons en mettant l'accent sur les étapes de moitié et rétention de doigt. Les patrons de deux-octave échelle sont non changeante. Trois-octave échelles sont offerts avec doigtés traditionnelles et modernes. L'arrêt double échelles varient en doigtés afin d'enseigner les concepts de base de double-stops. Les harmoniques sont inclus au-delà de la portée du système Flesch, dans une forme de base dont les harmoniques naturelles. / Niveau : Débutant à Intermédiaire / All Styles - Technic / Etude / Violoncelle