Sébastien Troendlé, pianiste et professeur, a élaboré cette méthode de Boogie-Woogie pour aider les élèves à travailler ce style de musique. Conseils techniques, morceaux sur-mesure, progression maîtrisée permettent de comprendre comment se construit cette musique. Vous mettez en place la rythmique si particulière au Boogie, sans vous crisper. Puis les petites notes ajoutées à la mélodie feront sonner les morceaux. Des vidéos disponibles sur le site de www.sebastientroendle.com proposent de travailler et d'entendre les morceaux en versions lente et normale. Le 2e volume propose les morceaux dans des versions plus avancées, plus abouties. Presse L'auteur s'adresse au pianiste autodidacte débutant qui souhaite s'initier au Boogie-Woogie. Bien sûr, les notions de bases en solfège sont quand même requises, mais la méthode est d'une grande clarté et procède acquis par acquis avec un grand sens pédagogique. Chaque étape est expliquée en détail et la progression est remarquablement graduée. Très prochainement des vidéos de travail seront présentées sur le site de l'auteur : www.sebastientroendle.com L'Education Musicale, n°106 (sept. 2016) Entretien Une nouvelle méthode de Boogie-Woogie Après avoir fait revivre l'âme et l'histoire du boogie-woogie sur scène et au disque, le pianiste Sébastien Troendlé a imaginé une méthode consacrée à ce genre musical. Elle sort, ces jours-ci, aux éditions Lemoine. Quelles sont les origines du boogie-woogie ? C'est le blues, même si celui-ci s'exprime davantage à la guitare et par le chant. Ce style est apparu dans les Barrelhouses, ces ghettos noirs bordant le Mississippi. Cela explique que le boogie-woogie des origines ne tient pas compte de la qualité du piano : cette musique sonne naturellement, si le groove est préservé. En 1928, le pianiste américain Clarence Pinetop Smith (1904-1929) enregistra son célèbre Pinetop's Boogie Woogíe dont le nom s'imposa. Puis, au fil des décennies, ce genre devint plus commercial face au jazz qui, lui, s'imposa. Vous avez réalisé cette méthode. Un simple recueil de pièces n'aurait-il pas suf? ? Jusqu'à présent, on disposait soit de morceaux très simplifiés, agréables, mais musicalement limités, soit de quelques pièces originales réellement dificiles. J'ai donc composé des morceaux que j'ai déclinés en quatre niveaux progressifs, qui correspondent à la classification du répertoire classique. Par exemple, le premier niveau s'adresse aux pianistes qui savent lire les notes et ont une petite aisance au piano. L'écriture rythmique est simplifiée et je valorise la mélodie principale. Les niveaux suivants deviennent de plus en plus complexes et on comprend que cette musique possède certaines clés. ll faut notamment restituer des effets de glissés. Cette écriture comporte aussi quelques risques. En effet, lorsqu'on maîtrise bien la mécanique du morceau, on en oublie le principal, c'est-à-dire la mélodie. Or, le boogie, c'est déjà du blues. Les interprètes qui jouent essentiellement des oeuvres classiques tireront profit de ce répertoire. Ils gagneront une meilleure stabilité rythmique et porteront une attention particulière aux lignes mélodiques de la main droite. Par ailleurs, j'ai réalisé des vidéos - gratuites et disponibles sur internet - de toutes les pièces présentées. Quelle serait la descendance du boogie-woogie, aujourd'hui ? C'est un répertoire qui vit toujours et ne s'est pas refermé sur son patrimoine, même s'il y a de fervents défenseurs de tel ou tel style de boogie. Cette musique supporte mal la simplification à outrance. On ne peut donc que l'enrichir, à partir dictées musicales qui sont nées... il y a un siècle ! Propos recueillis par Stéphane Friédérich Pianiste n°99 (juillet-août 2016)

Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de phrasé qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils techniques expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans Esquisses de Méthode, cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano ou : Le poignet est la respiration dans la voix, Soyez souple jusqu'au bout des pieds. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel (1) Chopin vu par ses élèves, par Jean-Jacques Eigeldinger, 3e édition revue et commentée, 450 pages, La Baconnière, Neuchâtel, 1998. Réédité par Fayard, octobre 2006, 454 pages / et : Chopin : Esquisses pour une Méthode de piano, Textes réunis et présentés par J. Jacques Eigeldinger, Paris, éditions Flammarion, coll. Harmoniques, 138 p. Mars 2010. Presse La Méthode Rose a formé tant de jeunes pianistes. D'autres méthodes d'Alfred Cortot (Principes rationnels de la technique pianistique) ou d'Isidor Philipp sont conçues pour l'acquisition de la vélocité ; celles de Marie Jaëll (1846-1925) et de Blanche Selva (1884-1942), pour la qualité du son. Tout récemment, sont parus les 2 volumes du vaste et original manuel de piano : A Compianon (fin 2018, en 2 volumes, 300 p.) de Stéphan Patin (né en 1966) - pour débutant et pianiste plus chevronné, reposant sur l'apprentissage mental et digital, et l'appropriation formatrice des quelque 200 morcelets très diversifiés. Voici, cette année, (préfacée par J.-J. Eigeldinger, le spécialiste de Chopin), la Méthode Bleue (en 2 volumes, avec illustrations sonores et conseils pédagogiques) d'Alexandre Sorel selon lequel la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches... et qu'il doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer. A cet effet, il propose des morceaux avec des paroles comme des comptines, ce qui facilite la mémorisation. Au fil des 10 leçons, le débutant est appelé à emprunter la marche à suivre claire et bien pensée du pédagogue. L'auteur précède les questionnements de l'enfant et des parents, et y répond, étape par étape. L'imaginaire enfantin est sollicité grâce à la présence d'un bestiaire engageant (puce, chat, chien, tourterelle, écureuil, grenouille, perroquet...). Le tout est joliment agrémenté de médaillons de caractère assez naïf, du meilleur effet. L'auteur cite les conseils donnés par Frédéric Chopin à ses élèves, les intégrant judicieusement dans le cursus pédagogique jalonné par les différentes étapes indispensables à l'autonomisation progressive du musicien en herbe. Mine de rien, lecture des notes, apprentissage rythmique, incorporation de la gestuelle pianistique, développement de l'appropriation musicale se font dans un contexte délibérément rassurant (familial, amical) et un climat de confiance, avec des figures musicales tutélaires (Mozart, Chopin) pour aboutir à quelques pages accessibles du maître franco-polonais : Polonaise en sol mineur, Valse en la mineur... (Voir CD : Chopin à Nanteuil... Récital d'Alexandre Sorel). Edith Weber L'Education musicale n°127 (sept-oct 2019)

Collection 'Carnets du 21e siècle'.6 pièces pour piano solo.- Récit- Mécanisme à 'cinq-huit'- Harmoni(qu)es sympathi(qu)es- Valse esqui(s)se- D'une gondole oubliée - (Des)accords1 à 4 mn par pièce.Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original...Ce recueil, extrêmement varié, permet au pianiste d'aborder un langage contemporain original.Les différentes pièces de Piano Traces font appel à l'essentiel des acquis pianistiques du 2o cycle : notes répétées, études de sonorités, travail rythmique, contrastes dynamiques, exploration de toute l'étendue du clavier (Valse esqui(s)e intègre même un instrument de percussion joué par le pianiste lui-même).Les différentes pièces peuvent être jouées indépendamment les unes des autres ou faire l'objet d'une seule et même oeuvre.Et au-delà des aspects purement techniques, c'est bien de musique qu'il s'agit ! Une musique pour l'oreille, exigeante sans être rébarbative, originale sans être déconcertante.' La vision première de l'oeuvre est sonore, fugace, violente et définitive. Et puis... et puis vient le temps de l'écriture...une errance chargée d'encre et de papier, tentative d'écrire dans sa propre langue ce qu'on ne sait pas encore écrire 'Né en 1960 à Perpignan, Bruno Giner commence ses études musicales à Toulouse, puis dans sa ville natale et à Barcelone. A Paris, il suit régulièrement les cours de Pierre Boulez au Collège de France et travaille la composition (électroacoustique et instrumentale) successivement avec Luis de Pablo, Ivo Malec et Brian Ferneyhough.Aujourd'hui, ses oeuvres sont jouées dans de nombreux festivals français et internationaux, et sont interprétées par différents ensembles de musique contemporaine (Aleph, Sic, Fa, L'instant donné, Grame, Nomos, Motus, Intercontemporain, Quatuor Arditti, Klangheimlich, Frullato, Xasax, Ars Nova Nürnberg, Ixtla, Slowind). ' Ce n'est pas la moindre qualité de la musique de Bruno Giner que de nous permettre de mesurer l'étendue de nos préjugés (enfin, je parle pour moi), a écrit Bertrand Dubedout. Restons à l'écoute. Ce compositeur, dont la réflexion et la démarche se nourrissent aussi bien de Boulez ou Ferneyhough, que de Schaeffer ou de Malec, et qu'une insatiable curiosité conduit aussi bien chez Schumann ou Machaut que chez les Pygmées, nous réserve encore bien des surprises, nous mijote bien des émerveillements 'Son catalogue comporte des pièces pour solistes, des partitions de musique de chambre, de la musique vocale, orchestrale, des oeuvres pour l'apprentissage, etc. Sa musique révèle un caractère charnel, parfois virtuose, une énergie canalisée par la formalisation d'une écriture rigoureuse qui n'empêche pas un travail plus empirique sur la morphologie et la matière sonore.En 1998, Bruno Giner reçoit le Prix Hervé Dugardin décerné par la SACEM pour l'ensemble de son oeuvre.Parmi ses dernières compositions, citons Paraphrase sur ' Guernica ' de Paul Dessau pour clarinette, violoncelle, piano et percussions (2003), TCP 17 pour harpe, guitare et mandoline (2005), Clameurs, concertino pour deux percussions et ensemble à vents (2006), Charlie opéra de chambre d'après Matin brun de Franck Pavloff (2007), Extra pour huit violoncelles (2007-2008), Quatuor #3 pour quatuor à cordes et percussion (2008). Parallèlement à ses activités compositionnelles, Bruno Giner a régulièrement collaboré à différentes revues musicales, encyclopédies ou labels discographiques (The New Grove, La Lettre du Musicien, Les cahiers du CIREM, Musica falsa, Motus, etc). Par ailleurs, il signe trois livres : Musique contemporaine : le second vingtième siècle (Editions Durand, 2000), Toute la musique ? (Editions Autrement Junior, 2003), De Weimar à Térézine 1933-1945 : l'épuration musicale (Editions Van de Velde, 2006). / Clavier, Piano Et Solo

Les recueils de la collection Legendary Piano Series sont un véritable trésor, en nombre limité !

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Legendary Showtunes est un ouvrage qui trouvera sa place dans les meilleures bibliothèques, invitant son possesseur à être joué, lu et relu pendant des années.

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Partitions pour piano avec les paroles et la ligne mélodique du chant des comédies musicales les plus connues au monde. / Variétés / Coffret Partition /

Pendant mes années d'enseignement avec Natalia Flament au CRR de Paris, j'ai apprécié son engagement et sa connaissance de la danse classique. Nous avons recherché ensemble la plus juste harmonie entre le mouvement de danse et la phrase musicale. Chaque exercice à la barre comme au centre possédait son propre caractère : sensibilité, poésie, nuances, dynamiques, couleurs, puissance grâce à la capacité de Natalia de traduire les mouvements chorégraphiques en phrase musicale. Les retenues, les résonances, les accents, les anacrouses étaient en parfaite liaison avec mes explications et mes exigences de qualité de mouvement. La diversité de son accompagnement donnait à chaque cours une ambiance particulière. Le travail avec Natalia à mon sens n'a pu se faire qu'avec une grande complicité et compréhension émotionnelle.

Le premier cahier des Vexierbilder (1991) (Vexierbild se traduirait par attrape , rébus ) exploitait l'idée d'image trompeuse, de référent décalé, se concentrant autour d'un matériau délibérément appauvri. Dans ces trois nouvelles pièces, la musique cherche à se construire autour d'un geste, d'une figuration systématique, d'une forme coupant court à tout développement.

Dans une veine années de pèlerinage , Rome était la matière des images cryptées des trois premiers Vexierbilder. C'est l'art du poète américain Wallace Stevens qui est au centre de ceux-ci, et plus particulièrement son premier recueil Harmonium (paru en 1923), où il tente de trouver, avec des moyens resserrés, le caractère transcendant inhérent à la musique (Claire Malroux). En somme : remplacer le grand orgue de la poésie, devenu inadapté, par un instrument moins noble en apparence, dont le souffle et la portée naîtraient d'une activité têtue, concentrée mais presque dérisoire.

Pratiquant les rappels sacrés, parfois ironiques, Wallace Stevens (1879-1955), par un jeu de degrés étourdissant de raffinement, a porté au plus haut l'art de faire du neuf avec la mémoire.

Speech of clouds
Deux notes - une simple tierce do-la dans le médium - sont sollicitées par une navette de deux mains qui n'en seraient qu'une, sans chant ni harmonie, et sonnent comme un carillon brouillé. Dans la seconde partie de la pièce, après un court récitatif sorti de silence, ces trajectoires virtuoses, ces fusées d'artificier pour solo de concert , régressent, involuent vers une formule égrenée simplement par les cinq doigts, en ombre, ppppp possibile, comme une trame usée, ou un envers montrant la pauvreté de ses noeuds - et de ses ficelles - sur laquelle, au même endroit du clavier, vient se poser un contre-chant, comme si ces deux mains du médium n'appartenaient plus alors au même corps - invention rebrodée ton sur ton où une voix contrepointe l'autre par soustraction.

...An uncertain green,
Piano-polished, held the tranced machine
Of ocean, as a prelude holds of holds.

... Un vert incertain
D'un poli de piano, tenait la machine enchantée
De l'océan comme un prélude tient sans fin.

Negation
Pièce lente qui revient à cet arte povera cherché dans le premier recueil des Vexierbilder. L'objet harmonique est ici donné dans une grande nudité, comme une anti-figure dont le caractère obvi se retournerait en ambiguïté interrogative, et à partir duquel plusieurs ostinati se construisent, s'épuisent sans développement, écho au poème éponyme de Stevens : Hé ! Le Créateur aussi est aveugle / Qui cherche à bâtir son harmonieux ensemble, / Rejetant les parties intermédiaires, / Les horreurs, les faussetés et les maux, / Maître incapable de toute puissance, / Trop vague idéaliste, submergé / Par un souffle qui persiste.

Rondo
Une courte séquence construit la pièce en refrains, comme le titre l'indique, empruntant au contre-chant de la première pièce. Certaines strophes font entendre un précipité des ostinati de la seconde pièce, mais rejetés dans les extrêmes du clavier. Est-ce alors le grave qui vient orner, fouetter l'aigu à contre-emploi? Ces agrégats doivent sonner comme des sacs de grains lâchés par terre. C'est comme un tribut déposé au pied de la rhétorique, un geste d'embrassement qui voudrait naïvement fermer le ban du pianisme. D'autres strophes, plus fugitives, font entendre des sortes de chants d'oiseaux dont la mécanique se serait bloquée. Après un dernier retour du refrain, ourlé de résonances, la pièce se termine par une clausule dansante, livide, itérative, pendant aux Jeux d'os squelettiques qui achevaient les premiers Vexierbilder :

Mow the grass in tue cemetery, darkies,
Study the symbols and the requiescats,
But leave a bed beneath the myrtles.
The skeleton had a daughter and that, a son.

And that one was never a man of heart.
The making of his son was one more duty.
When the music of the boy fell like a foutain,
He praised Johann Sebastian, as he should.

Tondez l'herbe du cimetière, négros,
Examinez les symboles et les requiescats,
Mais laissez un lit sous les myrthes,
Ce squelette avait une fille, et cet autre, un fils.

Celui-là ne fut jamais un homme de coeur
Engendrer son fils ne fut qu'un devoir de plus.
Quand la musique de ce garçon retomba comme un jet d'eau,
Il loua Jean-Sébastien, comme il se devait. / Partition /

Le Petit Pianorama est le répertoire de tous les pianistes débutants.
Vous y trouverez les pièces les plus connues et les plus originales de la musique classique, du jazz, de la variété, des musiques traditionnelle et de la musique de film. Conçu pour favoriser une progression logique et motivante, le Petit Pianorama deviendra vite le compagnon indispensable de tous les apprentis pianistes dans la découverte de l'instrument et du langage musical. / Classique / Jazz / Variétés / Musiqu / Partition CD / Spirale /

La Sonate en Ré majeur est la dernière des six Sonates K. 279?284 que Mozart emporta dans ses valises lorsqu?il s?apprêtait à se rendre vers Paris en septembre 1777. Il rapporta à son père qu?il exécuta ces sonates avec succès déjà à Munich, Augsbourg et Mannheim.

Il les pourvut de nombreuses indications de dynamique et trouva aussi en ce qui concerne leur forme des solutions inhabituelles, comme par exemple le lent Rondeau en Polonaise qui fait office de mouvement central de la Sonate en Ré majeur.

Jusqu?alors réunies dans les recueils (HN 1 et 3), ces six sonates sont désormais éditées séparément avec, en sus, de nouvelles préfaces.

Mozart a dédié cette sonate à un certain Freiherr Thaddäus von Dürnitz, ce qui explique qu?on l?ait souvent appelée la «Sonate à Dürnitz». De ces six premières sonates c?est conteste la meilleure, la plus brillante et celle qui requiert le plus d?habileté technique. On peut comprendre pourquoi Mozart l?affectionnait particulièrement et qu?il ait continué à l?exécuter lui-même.

C?est de cette incomparable lorsqu?elle était interprétée sur un des nouveaux pianofortes de Stein.

1er MOUVEMENT Une première version du début du premier mouvement rédigée sur une page et demie a été supprimée par Mozart. Il a commencé à réécrire la version définitive au bas de cette même page. Le matériau thématique de ce mouvement d?ouverture (et, à un moindre degré, celui des mouvements suivants) est disposé sur une échelle plus vaste, presque plus orchestrale, ce qui constitue une rupture avec le ton d?intimité des premières sonates. L?effet de tremolo dans les mesures 13 à 16 et les annonces répétées à l?unisson du premier thème peuvent très bien se lire comme la réduction d?un tutti orchestral. Le deuxième thème, ligne mélodique plus souple, sans accompagnement dans sa mesure d?introduction, contient une chaîne descendante de premiers renversements ? formule harmonique fort prisée aux siècles baroque et classique (il y a des passages analogues dans les thèmes subsidiaires de l?ouverture de l?Iphigénie en Tauride de Gluck et le premier mouvement du Concerto Italien de Johann Sebastian Bach). Cela fonctionne comme un passage de solo par opposition aux entrées de tutti qui suivent dans la mesure 30. Le développement traverse un cycle de tonalités mineures avant le début de la réexposition dans la mesure 72.

2eme MOUVEMENT Mozart a intitulé le second mouvement: Rondeau en Polonaise. Il s?agit donc d?une danse. Les quatre premières mesures constituent une forme de dialogue (comme le thème du premier mouvement de la sonate précédente en sol majeur) et Mozart les soumet à des variations avec un certain bonheur. Il accentue le contraste entre l?exposition et la contre-exposition par des indications de dynamique.

3eme MOUVEMENT Le dernier mouvement de la sonate est une suite de variations joyeuses qui est un régal pour le pianiste, et présente, jusqu?à la variation en adagio les caractéristiques d?une gavotte. Le don spécial de Mozart pour l?écriture en variations s?y manifeste de la manière la plus brillante. L?impression superficielle de forme diffuse ne résiste pas l?examen approfondi: il ne serait guère facile d?oublier une des douze variations ou d?en ajouter une. La variation Adagio est d?un intérêt tout particulier pour les spécialistes de Mozart, car elle nous donne quelque a perçus de sa conception de l?ornementation impromptue: l?autographe n?est que pudiquement orné et il est probable que Mozart enjolivait son texte lors de l?exécution au gré de sa fantaisie. Mais une version richement ornée a survécu dans la première édition publiée du vivant de Mozart ; et il ne fait pas de doute que cette version enjolivée est l??uvre de Mozart lui-même ? qui d?autre pourrait enjoliver une musique d?une manière aussi ingénieuse? Cela nous éclaire sir les idées de Mozart en matière d?ornementation en général et en particulier. / [Sonate pour piano en Ré majeur K. 284 (205b)] / Classique / Partition / Agrafé /

Léon Tolstoï, écrivain majeur de la littérature russe, a-t-il été un grand compositeur ?
A l?écoute de cette Valse en Fa majeur pour Piano, de part sa simplicité et sa durée, on peut en douter. Et à ce jour, nous n?avons aucune trace d?autres ?uvres composées par Tolstoï.


Vers la fin des années 90, la BBC a diffusé une intervention de Isaiah Berlin (philosophe, président de la British Academy) qui parlait de l??uvre de Tolstoï « La Sonate à Kreutzer », l'histoire d'un homme obsessionnellement jaloux de sa femme, qui tue le violoniste avec qui elle joue juste parce qu?il suppose l?infidélité de son épouse. En aparté de l?analyse, il tint ces propos : « il était très musicien, Tolstoï ! Il a écrit une valse - [...] J'ai entendu dire qu'il l?a joué. Elle est éditée dans un livre. Ma femme l?a joué pour moi, c'est très simple ».



A partir de là, cette valse a été retrouvée, manuscrite, en appendice d?un ouvrage russe intitulé « Leo Tolstoy and Music » (N. Gusev et Gol'denveizer). Lors d?un entretien, Gol?denveizer en parle comme ceci : « Dans sa jeunesse, le conte Lev Nikolaïevitch (Tolstoï) a composé une valse pour le Piano. Lorsque, en 1906, j?étais à Lasnaïa Poliana (Grand domaine familiale des Tolstoï où l?écrivain finit sa vie, et où il y repose), Lev Nikolaïevitch l?a joué devant nous. Nous avons effectué alors le relevé. Ce fut la seule fois que nous avons entendu Lev Nikolaïevitch jouer ».


La Valse en Fa Majeur de Léon Tolstoï vous est proposée là, dans sa plus fidèle transcription réalisée à partir de plusieurs enregistrements. / Classique / Partition / Agrafé /