Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Couverture Rigide. Par MARTINU BOHUSLAV. Replaces H 277 The two concertos contained in this volume represent two different stylistic periods within Martinu's work. The 'Concerto da Camera” (1941) is the last of his works inspired by the Baroque concerto grosso. The 'Rhapsody-Concerto”, composed eleven years later (1952), was the first work of his so-called 'fantasia period”, marked by a more open sense of form and an expansion of tonality. The edition of the 'Concerto da Camera' shows, for the first time, the extend of Martinu's modifications to the work since its composition and publication, particularly on the solo violin part. The edition of the 'Rhapsody-Concerto” takes into account, among others, the discovery of previously unknown contemporary performance materials. This volume of the Bohuslav Martinu-Complete Edition (BMCE) is based on a wealth of text and music sources, in particular autographs and contemporary copies that were recognized by the composer and early performers of the works, as well as some first editions created in collaboration with Martinu./ Répertoire / Conducteur

Joseph Haydn
Symphonie en Sol majeur Hob. I:100 (Militaire)
Horst Walter (Editeur)
Heide Volckmar-Waschk (Préface)
Début février 1794, Haydn se rendit à Londres pour son deuxième séjour en Angleterre. Deux mouvements de la Symphonie en Sol majeur Hob. I:100 étaient à ce moment-là déjà terminés, et l’œuvre fut complétée puis exécutée le 31 mars. La fanfare de trompette du deuxième mouvement et l’utilisation des percussions «de Janissaires» sont à l’origine de ce surnom de «Symphonie militaire», que Haydn a même utilisé lui-même. Son succès à Londres fut considérable: rien qu’en 1794/1795, l’œuvre fut jouée neuf fois et fut très vite considérée comme l’une des symphonies de Haydn préférées du public.
Tous ceux qui souhaitent mieux connaître cette symphonie auront à cœur de se procurer cette édition d’étude bon marché - accompagnée de textes fiables consacrés à la naissance de l’œuvre, à ses sources et à l’édition elle-même, et comportant le texte musical irréprochable de l’Édition intégrale des œuvres de Haydn. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / HENLE VERLAG

Firefly was composed by award-winning composer Simon Dobson (b.1981) to provide an entertaining up-tempo concert work for community and youth bands. This arrangement for brass band composed in funk-rock style and is based on the groove beat with which it opens. Dobson says “Firefly was written as a break from my more serious music and as a ‘hat tip’ to the various types of beat orientated music I listen to.” It was first performed by Oslofjord Brass in Norway and in its wind version by Harmonie Shostakovich Switzerland. Duration: 5-6 minutes. INSTRUMENTATION:1 Eflat Sop. Cornet Solo Cornets (4) Bflat Rep. Cornet (1) 2nd Bflat Cornets (2) 3rd Bflat Cornets (2);Flugel horn Solo Eflat Horn 1st Eflat Horn 2nd Eflat Horn; 1st Bflat Bar. 1 2nd Bflat Bar. 1st Trombone 2ndTrombone Bass Trombone; Bflat Euphoniums (2); Eflat Tubas (2); Bflat Tubas (2); 2 percussion

Co-commande du Festival de Quatuors du Lubéron et de Mondsee Musiktage.
Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn.
Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn.
Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce.
Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier !
Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais.
Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) ; des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles ; des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire.
Camille Pépin
Cette pièce a été achevée en mars 2019 à la Maison Messiaen lors de la résidence en partenariat avec l’Agence Iséroise de Diffusion Artistique. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / BILLAUDOT

Alexander Zemlinsky
Quatuor à cordes n° 2 op. 15
Dominik Rahmer (Editeur)
Edition Urtext, Studien-Edition (partition de poche), reliure paperback
Pages 79 (XII+67), Dimension 17,0 x 24,0 cm
La musique d’Alexander Zemlinsky est longtemps injustement restée dans l’ombre de la deuxième École de Vienne, considérée comme «plus progressiste». Certes, Zemlinsky était amicalement très proche de l’une des personnalités les plus en vue de cette école, Arnold Schönberg, mais il n’a jamais franchi le pas de la radicalité dodécaphonique. Il n’en composa pas pour autant des œuvres moins originales ou moins personnelles. Et c’est justement son deuxième Quatuor à cordes, élaboré dans les années 1913-1915, qui conduisit la forme et la tonalité, telles qu’on se les représentait alors, jusqu’à leurs dernières limites. L’œuvre, en un seul mouvement, mais qui comprend plus de 1200 mesures, est d’une grande diversité, et fait partie des contributions les plus frappantes de son époque; elle avait depuis longtemps besoin d’une nouvelle édition critique.
L’édition Urtext de la maison Henle corrige un grand nombre de fautes et d’imprécisions figurant dans l’édition originale, qui apparurent lors de la comparaison minutieuse faite avec les sources manuscrites autographes de Vienne et de Washington. Même les indications métronomiques transmises par Zemlinsky dans une seule correspondance épistolaire ont été pour la première fois prises en considération. Ces travaux éditoriaux ont été aimablement soutenus par le Fonds Alexander Zemlinsky de Vienne. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / HENLE VERLAG

Bien loin de constituer un ouvrage isolé dans l’œuvre de Camille Saint-Saëns, le Chœur de sylphes appartient à un petit ensemble réalisé au début de sa carrière dans le contexte particulier du concours pour le prix de Rome. Institué en 1803, supprimé dans la foulée des événements de mai 1968, ce dernier fut pendant plus d’un siècle et demi le plus convoité des prix français de composition musicale. Organisé par l’Institut, il garantissait à ses lauréats, à défaut de l’assurance d’une future carrière sans embûches, du moins l’entrée par la grande porte dans le monde artistique et quelques années de pension en Italie, à la villa Médicis. De fait, bien peu résistèrent à l’attrait de cette récompense susceptible de marquer avec éclat l’aboutissement de longues années d’études. Qu’une personnalité comme Saint-Saëns s’y soit présenté n’a finalement rien d’étonnant. Mais bien qu’appelé à devenir au tournant du siècle l’un des plus illustres représentants de l’art académique, il n’obtint jamais, malgré deux participations, le fameux premier grand prix. Le concours était alors organisé en deux épreuves distinctes : la première, éliminatoire, consistait en la réalisation d’une fugue et d’un chœur avec accompagnement d’orchestre sur un poème donné, la seconde en la composition d’une grande cantate pour trois voix solistes. Saint-Saëns lui-même en écrira deux, Le Retour de Virginie (1852) puis Ivanhoé (1864).
C’est entre le 5 et le 11 juin 1852, pour sa première participation au concours, que Saint-Saëns composa le Chœur de sylphes. Favorablement accueilli, il permit au musicien d’être placé en tête des six candidats admis pour l’épreuve finale. Mais il est vrai qu’objectivement le poème proposé avait tout pour lui permettre de briller. Tiré d’un livret d’Étienne de Jouy et de Nicolas Lefebvre, Zirphile et Fleur de myrte, déjà mis en musique par Charles-Simon Catel (1818), l’extrait choisi (acte I, scène 4) était particulièrement adapté à l’exercice. En quelques pages fermement tracées, Saint-Saëns parvient à transcrire l’atmosphère merveilleuse, toute en légèreté, du monde des esprits de l’air. Sous bien des aspects, le résultat obtenu n’est pas sans rappeler le « Scherzo » du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn (1843), compositeur auquel il vouait un véritable culte. Certes, comme toute œuvre de jeunesse, le Chœur de sylphes fut écrit sous influence. Dans la perspective du prix de Rome, le morceau avait en outre été pensé pour répondre à diverses exigences que d’aucuns dénoncèrent par principe comme passéistes. Au-delà de ces réserves un peu simplistes, l’ouvrage n’en reste pas moins un exemple abouti de la grande tradition académique française et de son idéal d’élégance et de clarté. Derrière son indéniable maîtrise de la forme et de l’écriture, l’auteur nous dévoile un travail qui, sans être révolutionnaire, recèle d’indéniables beautés.
Cyril Bongers
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / Symetrie

Par DOBSON SIMON. Firefly was composed by award-winning composer Simon Dobson (b.1981) to provide an entertaining up-tempo concert work for community and youth bands. Composed in funk-rock style, and is based on the groove beat with which it opens. Dobson says, 'Firefly was written as a break from my more serious music and as a 'hat tip' to the various types of beat orientated music I listen to.” It was first performed by Oslofjord Brass in Norway and in its wind version by Harmonie Shostakovich, Switzerland. Duration: 5-6 minutes. INSTRUMENTATION: Pic, fl1 (2), fl.2 (2), ob, bsn, Eflat cl., cl. 1 (2), cl.2 (2), cl. 3(2), bass cl. - alto sax (2), tenor sax, bar. Sax - 5 tpts in B flat (5), 4 horns in F (2 optional) (4), 3 tbns, euph (2), tuba)2) - double bass - timp and kit / Répertoire / Conducteur

Couverture Rigide. Par GADE NIELS WILHELM. The four works presented in this volume – 'Frühlings-Phantasie” op. 23, 'Frühlings-Botschaft” op. 35, 'Die heilige Nacht' op. 40 and „ Beim Sonnenuntergang' op. 46 – were composed between 1852 and 1870. All of these works belong to the 'concert piece” genre, as the title pages of the respective first editions suggest. The works' instrumentation is varied: While „ Frühlings-Botschaft ' and „ Beim Sonnenuntergang' are composed for mixed choir and orchestra, 'Die heilige Nacht” calls for an additional solo alto. 'Frühlings-Phantasie” is not scored for choir at all, juxtaposing the orchestra with four solo voices and piano. Gade based his texts on poems by Edmund Lobedanz (op. 23), Emanuel Geibel (op. 35), August von Platen (op. 40), and Andreas Munch (op. 46)./ Répertoire / Conducteur

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Désiré DONDEYNE (Arr. ) / Niveau : Avancé / harmonie avec soliste(s) / Répertoire / Conducteur

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Paul Louis MARTIN (Arr. ) / Niveau : Intermédiaire / harmonie avec soliste(s) / Répertoire / Conducteur

Par NAULAIS JEROME. / Niveau : Intermédiaire / harmonie avec soliste(s) / Répertoire / Conducteur