Par DUFOURT HUGUES. Entre 1752 et 1753, Giovanni Battista Tiepolo décora l'immense voûte du Grand Escalier d'Honneur de la Résidence de Würzburg, dont Balthasar Neumann, l'architecte-ingénieur des Schönborn, premier architecte du prince-évêque, avait assumé la construction. Après la paix d'Utrecht, le comte Johann Philipp Franz von Schönborn ouvre l'un des plus importants chantiers de l'époque, celui du château de Würzburg, et le confie en 1719 à Neumann. L'originalité de Neumann consiste en une pensée géométrique particulièrement apte à concevoir et combiner les volumes, à orchestrer les surfaces et les effets de profondeur. Neumann avait reçu une formation d'artilleur et d'ingénieur militaire et nourrissait une passion des synthèses lotharingiennes, quand il n'embrassait pas des projets de 'grande architecture' européenne. Lointain héritier de Guarini, il pousse plus loin qu'aucun autre architecte allemand la réflexion novatrice sur les structures et résout ses problèmes d'espace par ce que les historiens d'art appellent une 'interpénétration syncopée'. Neumann aimait l'ampleur, non la pompe pittoresque. Il voulut édifier à Würzburg un grandiose édifice de portée universelle. En 1752, le prince-évêque Karl Philipp von Greiffenklau confia à Tiepolo l'exécution des fresques monumentales décorant la voûte en ellipse gigantesque de l'escalier d'honneur (30 x 18 m), où le peintre mit en scène l'Olympe et les quatre continents. Tiepolo s'acquitta de sa tâche en deux cent dix-huit journées de travail. La fresque - à l'exécution de laquelle ont contribué Giandomenico Tiepolo, Urlaub et peut-être même Lorenzo Tiepolo - est signée et datée de 1753 sur la corniche, au dessous de l'Asie. La vue d'ensemble du plafond, avec une perspective déformant les bords, est centrée, en plein ciel, sur la figure triomphante d'Apollon, dieu de la lumière. Il s'agit d'une représentation mythologique du lever du soleil. Il se dégage de cette vision de l'Olympe une impression d'émergence aérienne de la profondeur, irrésistible et vertigineuse. Sur la corniche, Tiepolo a représenté les Quatre parties du monde. L'allégorie de l'Afrique se situe à l'Est, du côté intérieur. L'Asie figure à l'Ouest, ornant le côté longitudinal donnant sur la Cour d'Honneur. Le mur ouest est percé de trois fenêtres et s'ouvre sur un horizon dégagé. L'allégorie de l'Asie - emblème de la science et de la monarchie - apparaît en costume d'apparat, assise en amazone sur un éléphant et parée de joyaux somptueux. C'est une figure savante, animée d'un mouvement de torsion. La frise de l'Asie reste une énigme et la signification symbolique des divers personnages du groupe à l'obélisque n'a, par exemple, pas encore été entièrement élucidée. Des mondes historiques coexistent ou s'affrontent: on remarque le Golgotha, les hiéroglyphes de pierre, le serpent d'Esculape, l'obélisque, une pyramide et la princesse d'Egypte, la capture d'une tigresse, le perroquet, illustrant la faune, et surtout, au premier plan, la masse des esclaves enchaînés, des prisonniers gisant au sol ou des sujets prosternés. Cet aspect trouble de la frise a d'ailleurs retenu l'attention des commentateurs. La présence d'une escorte de soldats fait sans doute allusion à l'importance militaire du continent, mais il est manifeste que le thème de la captivité y est traité conjointement à celui de la servitude volontaire. Un esprit nouveau souffle sur cette dernière frise: des figures dramatiques, livides, des plans fragmentés, des situations amèrement réalistes, un enchevêtrement de corps distordus et anonymes. Un vent immatériel semble tout ployer, tout emporter sur son passage, dans l'urgence d'une impérieuse nécessité. L'Asie se souvient des gravures de Rembrandt, retrouve la manière des vingt-quatre hallucinantes eaux-fortes - les Scherzi di fantasia (1739-1757) - de Tiepolo lui-même et annonce les Caprices de Goya. Le capriccio semble le principe formel de cette fresque monumentale: un assemblage fantastique d'éléments disparates, une recomposition insolite de mondes engloutis, une évocation morbide d'espaces cacéraux. Je considère l'Asie de Tiepolo comme une sorte de manifeste anticipé de la musique de notre temps: un monde privé de couleurs, qui tourne au brun et au gris, et néanmoins dominé par une forme d'accélération expressive. Tiepolo a écrit là une sorte d'art poétique de la musique de l'avenir. On y découvre un éventail de vitesses, un spectre de vitesses, des espaces turbulents, des dispositifs en porte-à-faux, un entrelacs d'axes et de boucles. Flux, pivotements, tensions latérales, dilatations, projections, degrés d'éloignement sont les nouvelles catégories de cet art poétique. L'idée principale est qu'il faut s'attacher d'abord aux gestes élémentaires, qui priment la considération toujours seconde des spectres de variation. Ma propre Asie d'après Tiepolo est une commande de la Westdeutscher Rundfunk et de l'Ensemble Recherche, avec le soutien de la Ernst von Siemens Musikstiftung. Elle fait suite à l'Afrique, créée dans les mêmes conditions en 2005 à Witten. J'ai employé dans l'Asie une large palette de percussions d'un type nouveau (gamme chromatique de gongs philippins, de cloches de vache, de rins japonais). J'ai réutilisé le procédé des temporalités paradoxales de Saturne, consistant à rapporter à une mesure métrique et métronomique commune des vitesses de déroulement et des types de développement et d'écriture très différents. La première partie de la pièce fait un emploi systématique des sons multiphoniques des instruments à vent, à la manière d'un continuum électronique. La fin, plus apaisée, gravite autour d'un duo de clarinette contrebasse et de marimba, dont la mélodie est obtenue par un jeu d'archets. Le piano tient d'un bout à l'autre un rôle central, dans une sorte de véhémence acoustique qui ne parviendrait jamais à la formulation subjective. Les cordes sont traitées à la manière d'un trio, avec des textures denses et saccadées. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Ensemble

Quand Tom Adès et le Los Angeles Philharmonic m'a demandé quelque chose, je l'ai dit The Importance of Being Earnest. J'ai toujours aimé les sens extatique Wilde de non-sens - comme Alice au pays des merveilles en quelque sorte. Wilde a un humour noir indifférent, un délice dans le mensonge - et c'est ma maison. Je ne sais pas si c'est une chose irlandais ou pas - tout ce que je sais, c'est que c'est tout ce que je sais. - Bien que je coupe les deux tiers environ de la pièce, je n'ai pas coupé toutes les références à la nourriture et l'alimentation, et il ya beaucoup de personnes dans l'original. Les hommes sont aussi intéressés à la nourriture car ils sont dans les femmes. Il ya un moment étrange quand Cecily répond Algernon pour la première fois dans l'acte 2, et à l'improviste, dit-il, 'j'ai faim'. La mise en scène dit: 'Ils passent dans la maison.' C'est étrange. Vous ne savez pas ce qui pourrait arriver. Et quand Lady Bracknell dit: 'J'ai eu quelques crumpets avec Lady Harbury, qui semble vivre uniquement pour le plaisir maintenant', l'orchestre est soudainement silencieuse et sombre. Il ya quelque chose d'innommable là. Je dirais que si vous n'aviez jamais lu la pièce avant, et lire mon dernier tiers, vous ne savez pas tout ce qui manquait. Il montre comment la structure forte de Wilde est. Les os du jeu sont unshatterable. Ma version est une radiographie de celui-ci. Sa mise était dur et étrange de commencer et une joie après. Au début, je me demandais comment gérer les lignes comme 'Un homme qui se marie sans savoir Bunbury a un moment très pénible de lui.' J'ai décidé de les traiter comme des chorals chantés par un choeur, comme dans la Passion selon saint Matthieu, ou comme des slogans détenues par les manifestants. Mais après avoir utilisé la chorale pendant environ 90 secondes, j'ai vu le texte plus clair et distribués avec eux. C'est pourquoi ils n'apparaissent que dans l'acte 1 et jamais plus. Ils sont préenregistrées et sont comme des messages des Dieux. Les deux Lady Bracknell et Miss Prism sont germanophiles, alors j'ai fait les compositeurs. Ils ont tous deux se rendre à chanter leurs propres paramètres de Ode à la Joie de Schiller, et quand Lady Bracknell s'emballe, elle rompt naturellement en allemand. - Quand Miss Prism est invité à identifier le sac à main, elle entre dans un état de retrait de l'inspection, naturellement fredonner l'hymne national allemand, car l'Allemagne est crucial pour elle et Lady Bracknell. Par le troisième acte, Lady Bracknell est plus déséquilibré. Elle peut se concentrer, et poser des questions, mais si les réponses sont plus que son cerveau ne peut supporter, elle les ignore et passe à autre chose. - J'entre dans la folie de la pièce à des degrés divers tout au long. L'un d'eux est l'endroit où le Dr Chasuble dit: 'Tout est quasiment prêt pour les baptêmes'. Au lieu du texte de Wilde en réponse à Chasuble, l'ensemble du casting répondre aux glissandi vocale répétée. Ils sont comme une ménagerie d'animaux criant, au-delà des mots. - Les gens m'ont dit que la comédie est la chose la plus difficile. Je ne pense jamais à ce sujet. Je viens de jouer. Mes actes corporels, mon système nerveux. Les choses se passent. Quand le public se mit à rire à Los Angeles j'ai été surpris de commencer. Je riais seul à ce que j'avais fait, mais il n'est jamais venu à l'esprit que mon rire privée serait rendue publique. - Dans la scène de l'Acte 2 entre Cecily et Gwendolen, où ils lancent des insultes à l'autre, 40 assiettes sont cassées. Je pensais, à l'exception de tuer quelqu'un, ce qui est une bonne expression de la colère. Et bien sûr, casser des choses en est une. C'est comme ça que c'est arrivé. Et parce que la méchanceté et le fascisme ne font qu'un, j'utilise cloutés bottes jack marche aussi bien. Et comme je me sentais plus a été nécessaire, j'ai les filles tuer un autre à la fin de la scène. Ayant fait cela, ils vont juste à prendre le thé l'après-midi, parce qu'ils sont les morts-vivants. - La chanson Auld Lang Syne traverse l'opéra. Algernon joue son propre réglage de celui-ci hors de la scène au début. Il ya donc trois compositeurs de l'opéra! J'ai oublié de lui. - Le solo est pré-enregistré par moi. Il est vraiment difficile et je ne la joue pas avec précision. Il a été commandé par Betty Freeman peu de temps avant sa mort. J'utilise Auld Lang Syne que je pourrais utiliser une tasse à boire de. Dans l'opéra, c'est un objet entouré d'un monde parallèle tourbillonnant retiré. Ils se déplacent ensemble, mais n'ont rien à voir avec l'autre. La mélodie est à la base du duo d'amour entre Jack et Gwendolen, et le duo entre Jack et Algernon, et est habituellement utilisé par le majordome Lane et Merriman d'annoncer personnes. C'est donc un pilier structurel en son genre. - Les différents types de musiques utilisées dans les travaux Earnest dans la façon dont nous nous sentons, voyons, entendons myriades de choses tout le temps, qui n'ont pas de lien évident. Ils sont la vie. - Lors de l'utilisation de ces musiques il ya une raison sous-jacente en général. Au lieu de la musique dite série après le début de l'opéra, j'avais écrit à l'origine profonde (bien sûr!) Musique et quand je l'ai mis avec le texte, ça sonnait faux. Et quand j'ai remplacé la musique sérielle faux, c'était vrai. Je pense que la raison est quelque chose comme: texte de Wilde est incroyablement artificielle, et quand je suis allé à la vitesse supérieure pour le faire correspondre avec l'originalité même, il était trop sincère et devient insipide. Il a trahi le texte de Wilde - ce qui en fait ordinaire. La tension a disparu. Quand j'ai adapté artificialité de Wilde, avec le sérialisme très artificiel, les deux étaient à l'aise avec l'autre, et il n'y avait aucune fausse note. On était comme des faux (artificielle) que l'autre. Ils étaient heureux ensemble surréaliste. - Peut-être que c'est que Wilde + Emotion conventionnel est moins bonne que Wilde + Artifice. Et considérant qu'il ya tromperie tant dans le jeu, et sa propre vie est remplie d'elle, mon sérialisme faux était plus fidèle à son monde de trucage. - Gerald Barry (2012) / Ensemble

Par HUREL PHILIPPE. 'Ecrire avec un matériau 'thématique' le plus simple possible et réagir pas à pas (step by step), tels furent les objectifs compositionnels de cette pièce. Par ailleurs, la composition au même moment clé D'un trait pour violoncelle, pièce organisée à partir de gestes instrumentaux, fut aussi déterminante dans l'écriture de Step. Après une première partie très contrapuntique dans laquelle les quatre instruments jouent en imitation, le long solo de clarinette basse ornementé par une flûte nerveuse souvent proche du bruit et par quelques sons de temple blocs et de piano, n'est pas sans rappeler l'écriture incisive et gestuelle de D'un trait. Step est une sorte d'aller-retour entre l'écriture libre et gestuelle et l'écriture contrainte et contrapuntique - les opérations étant alors calculées avec le programme Openmusic -, le seul matériau les unissant, à l'exception des champs harmoniques communs dans lesquels elles se développent, étant une simple tierce mineure qui se glisse entre les instruments et qui, incrustée dans la texture, reste souvent comme un souvenir lointain. Cette pièce, comme Cantus (2006) et D'un trait (2007), diffère de mes pièces antérieures, d'abord sur le plan rythmique. car la pulsation y est moins présente, et puis sur le plan instrumental, les instruments ayant ici une individualité plus marquée sur le plan des gestes et des modes de jeu. Mais on retrouve cependant un traitement harmonique hérité du travail sur les spectres et une volonté de changement rapide des couleurs, un désir de mouvance permanente et de modulation.' Step est dédiée au New York new music ensemble. Philippe Hurel / contemporain / Répertoire / Ensemble

Par ROBIN YANN. Übergang II, tout comme Übergang I, s'appuie sur cette notion d'état transitoire provenant du Livre Tibétain des Morts, le Bardo Thödol, qui signifie 'la libération par l'écoute dans les états intermédiaires' : bardo (état intermédiaire) thö (entendre), dol (libérer). Le Bardo Thödol décrit les états de consciences et de perceptions se succédant pendant la période qui s'étend de la mort à la renaissance. Cette idée de libération par l'écoute est au centre de ce projet. Le son, et les énergies qui s'en dégagent ont des vertus libératrices. Le son libère notre esprit, notre imaginaire - il le fait voyager. L'expérience de l'écoute a un puissant impact sur notre temps biologique et nous place dans un état intermédiaire, transitoire, au regard du grand continuum qui est la vie. Übergang II, pour 13 instrumentistes, se veut être une expérience sensorielle au travers du son, une expérience limite à même le timbre où tout n'est que passage... / Contemporain / Répertoire / Ensemble

Diese Sammlung aus der beliebten Reihe der Schulorchester-Hits beinhaltet 27 Arrangements von Susato bis Verdi in unterschiedlichen Schwierigkeitsgraden und flexiblen Besetzungsmöglichkeiten - vom Trio bis hin zum Klassenorchester. Darüber hinaus stehen sämtliche Einzelstimmen als PDF zum Download zur Verfügung. / Ensemble

Cette oeuvre en trois mouvements reflète le caractère de la wunderkammer, ou le Cabinet des Curiosités, qui a prospéré entre le 16ème au 18ème siècle: 'dans ce paysage labyrinthique, j'ai trouvé un cadre naturel pour construire ma propre collection privée d'objets musicaux, des chiffres, et des citations . Les textures volatiles et virtuose du travail sont créés en exigeant l'agilité soliste de chaque interprète. Tout en étant nécessaire pour s'intégrer parfaitement ensemble pour former des surfaces complexes musicaux les musiciens sont également définir les rôles belliqueux stridents et dramatique. La forme du concerto (Kammerkonzert) s'est révélée une arène naturelle pour ces tensions contradictoires qui cherchent résolution par la métamorphose.(Kenneth Hesketh) / Ensemble

Par VIENNE BERNARD DE. Ensemble Le Concert Impromptu, Bruno Belthoise (piano) Label : Coriolan / contemporain / Accessoire / Ensemble

Stringpack. Par CURNOW JAMES. FANFARE PRELUDE: O GOD OUR HELP IN AGES PAST is based on the hymn-tune “St. Anne, ” which was used by G. F. Handel in the Chandos anthem “O Praise the Lord, ” and by J. S. Bach in his triple fugue in E-flat “The St. Anne Fugue. ” James Curnow’s FANFARE PRELUDE: O GOD OUR HELP IN AGES PAST captures the thoughts of this magnificent hymn, which speaks of our country’s reliance upon God. The unusual 4/4 meter setting with artfully crafted re-harmonizations and lush counterpoint gives each listener cause to reflect on the importance and meaning of this melody to patriotic Americans everywhere. Inspired! / Niveau : 4 / Hymnes et chorals / Répertoire / Ensemble

Le terme 'drones' est emprunté à l'anglais et désigne littéralement un 'bourdonnement', un bruit parasite. L'origine de ce mot se situe au Moyen-Âge où ce mot est associé à la musique et caractérise la technique du fauxbourdon, à l'aube de la polyphonie. Il désigne également les avions furtifs, exploités dans les conflits modernes. En outre, on emploie souvent 'drones' pour évoquer les soubassements sonores qui hantent les films de David Lynch... C'est l'ensemble de ces significations qui trouve de nombreux échos dans cette musique.Pierre Jodlowski / Ensemble

Arrangeur: Sy Johnson. Par MINGUS CHARLES. Cette composition Mingus classique est censée être effectuée avec un sentiment d'un ' colère 'ou le sarcasme et projets définitivement une nervosité. Le sax bari et os basse auront plaisir avec l'ouverture et il ya beaucoup pour le reste de l'ensemble pour obtenir enthousiasmés par ainsi que dans cette romp swing moyennes. / Jazz / Recueil / Ensemble

Edith Canat de Chizy n'a jamais quitté le monde des cordes. C'est à partir de cette couleur de base que semble prendre naissance toute la palette de ses timbres. Vibratile, irisée, insaisissable, sa musique délivre une énergie joyeuse et bondissante. Les arabesques de l'écriture, autres feux follets aux contours imprécis, ne s'interdisent en effet aucun lyrisme, aucun geste expressif, et s'élancent parfois, comme une irradiation de l'âme, vers ce qui souvent nous dépasse: les aériennes figures de l'émotion et de la grâce. / Ensemble

Par JOLIVET ANDRE. André Jolivet's Defile. / Classique / Répertoire / Ensemble

Extrait Du 14 Juillet De Romain Rolland. Par IBERT JACQUES. Jacques Ibert's Ouverture Extraite Du 14 Juillet De Romain Rolland. / Classique / Répertoire / Ensemble