Par MURAIL TRISTAN. Time and Again tente de rompre, partiellement, avec l'esthétique qui domine dans mes oeuvres précédentes, une esthétique de la continuité où la forme est structurée par des processus se déroulant en un flot presque ininterrompu. Ici, la forme musicale cherche à créer une architecture du temps plus complexe, qui joue de flash-backs, prémonitions, boucles..., comme si l'on se trouvait dans une sorte de machine à remonter le temps. Pour néanmoins préserver une sorte de continuité sous-jacente, j'ai d'abord imaginé une structure 'linéaire' pour la pièce, comportant des évolutions progressives et logiques, et j'ai parfois réalisé des fragments de cette pièce virtuelle, puis, un peu comme un cinéaste, j'ai 'monté' la structure de la pièce, en coupant, dupliquant, insérant, collant. A peu près aux deux tiers de la pièce, le temps s'inverse et s'écoule deux fois plus vite - on repasse, plus symboliquement que textuellement, par toutes les étapes des deux premiers tiers, avec parfois des superpositions, des inserts ou des raccourcis. L'orchestration n'est pas tout à fait conventionnelle - les vents et la percussion sont en nombre habituel, mais les cordes sont réduites à environ la moitié de l'effectif normal. J'ai cherché ainsi une qualité particulière du son des cordes moins volumineux, mais plus intense. Les cordes jouent le plus souvent des parties individuelles. Leur emploi principal consiste à colorer ou distordre les sons joués par les autres instruments, ou à construire des spectres sonores complexes. L'orchestre est enrichi par un synthétiseur (un Yamaha DX7) qui a deux principales fonctions. Grâce à son aptitude à synthétiser des sons par modulation de fréquence, il peut émettre directement des spectres riches identiques à ceux que j'utilise dans mon écriture orchestrale. La composition de cette pièce a donc impliqué d'abord la programmation des sons sur le synthétiseur (un seul son peut produire une texture très riche et n'est souvent utilisé qu'une seule fois). Dans d'autres cas, je l'utilise comme un complément de la section des percussions et du piano, le synthétiseur ayant la tâche d'émettre les sons non tempérés. Time and Again est une commande du 'John Feeney Charitable Trust' pour le City of Birmigham Symphony Orchestra, et a été créé à Birmingham le 21 janvier 1986 par cet orchestre, sous la direction de Simon Rattle. La pièce était destinée à être jouée en première partie de la Turangalila Symphonie d'Olivier Messiaen, pour une série de concerts en Angleterre. Cela explique qu'un auditeur attentif trouvera peut-être quelques allusions à cette symphonie dans Time and Again... Tristan Murail Enregistrement: 1 CD Montaigne/Naïve, MN782175 Désintégrations - Gondwana - Time and again Ensemble L'Itinéraire, Orchestre National de France, Yves Prin (direction) - Orchestre Beethoven Halle de Bonn, Karl Anton Rickenbacher (direction) / contemporain / Date parution : 1985-01-01/ Répertoire / Orchestre

Par BORBOUDAKIS MINAS. Constellation by Minas Borboudakis is a 14-minute work for orchestra (4 Horns in F, Timpani, 3 Percussion, Strings – Sampler). 'The first version of Constellation for octet was written in 2002 when Gidon Kremer asked me to write a new piece for the sextet of the Kremerata Baltica during a series of performances of my works in his festival in Lockenhaus', says the composer. In the version for orchestra, glissandi spread out from a single note phrase by phrase. The four horns, placed stereophonically in pairs to the right and left of the conductor, create explosions of sound through repetitive lines and motivic escapades. The premiere took place on 7 January 2011 at the Tonhalle Zurich by the Tonhalle-Orchester Zurich under the baton of Constantinos Carydis. The score (EP 12575) is available for sale as part of the Peters Contemporary Library. The performance material can be hired. / Date parution : 2022-09-07/ Répertoire / Orchestre

Reinforce legato, staccato, and ensemble phrasing with this piece while ushering in the joyous holiday season with musical glee. Opening with a clear unison statement and slowly adding textures and harmonic voices, the work develops to a joyous tutti statement that continues to build in intensity to a glorious conclusion. This arrangement is scored for full orchestra- however, it is also completely playable by string orchestra alone, or with any number of added winds or percussion. (2:30) / Orchestre

Par HAYDN FRANZ JOSEF. One of Haydn's most famous symphonic movements, this selection will give your students a chance to develop a refined, 'Classic' style of playing. It seems like Haydn included everything in this movement---a delicately beautiful main theme, wild, minor-keyed outbursts, military percussion, and a solo trumpet fanfare. No wonder the London audiences went crazy over it! Arranged with the young orchestra in mind, all string parts are in first position. A great introduction to a too-often neglected style. / Ensemble Music, Miscellaneous, Scores / Répertoire / Orchestre

La suite du cycle 'Plöner Musiktag' (1932) a été structurée selon les directives de l'instrumentation exacte du compositeur et complétée par une partie de la percussion ad lib. Attraction particulière est causée par l'instrumentation différente des quatre mouvements qui, comment-jamais, prend en considération les conditions de pratique de l'école. / Orchestre

Haydn a écrit ses six dernières célèbre London Symphonies, nos 99-104, au cours de son deuxième séjour à Londres en 1794/95. Parmi eux, est l'Orchestre symphonique de militaires qui doit son épithète et le succès d'une instrumentation peu commune, qui comprend la percussion prolongée et l'imitation de la musique turque janissaire comme c'était à la mode à l'époque. / Orchestre

Par SCULTHORPE PETER. John Rockwell of The New York Times says 'Lush and pictorial, it consisted of sharply defined sections that courted the charge of mere exoticism - evocations of Oriental musics and sounds, full of throbbing strings, rapidly reiterated percussion and all manner of aural colour presumably inspired by alien cultures. But Mr Sculthorpe is no simple-minded purloiner of sonic artifacts - his piece coheres into a statement by a distinctive composer with something interesting and evocative to say.' 10 June 1984 / Niveau : Assez Facile / Répertoire / Conducteur

Par YUASA JOJI. Détails de la formation instrumentale: 4 (alle auch Picc., 3. u. 4. auch Alt Flûte Traversière ) · 4 (auch Engl. Hr.) · 4 (3. auch Es-Klar., 4. auch Bassklar.) · 4 (3. u. 4. auch Kfg.) - 6 · 6 · 4 (3. u. 4. auch b. Trombone ) · 1 - Percussion (vibr · susp.cym · 6tomt · t.bells · xyl · 6cowbells · marimb · Glsp · claves · tamt · 4cast · w.bl · b.dr · 4Timbales · trgl) (5 players) - harp · piano (auch celesta) - Str. (12 · 12 · 12 · 10 · 8) - Durée: 19' -/ Répertoire / Orchestre

La suite du cycle 'Plöner Musiktag' (1932) a été structurée selon les directives de l'instrumentation exacte du compositeur et complétée par une partie de la percussion ad lib. Attraction particulière est causée par l'instrumentation différente des quatre mouvements qui, comment-jamais, prend en considération les conditions de pratique de l'école. / Orchestre

Pour Grand Orchestre. Par PECOU THIERRY. Orquoy is inspired by the music of ancient Andean civilisations. The work evokes the atmosphere of fiestas and collective rites: bright colours, the movements of bodies, the ritual consumption of alcohol, a sense of vertigo, the shrill flutes and the power of percussion instruments – this all contributes to a permanent saturation of the senses. For the Quechuas, whose music is characterised by pre-Hispanic elements, the composer is a shaman, wandering between the sphere of the supernatural and the human world. He coaxes melodies out of the Gods – this is the meaning of the word 'orquoy'. Thierry Pécou/ Répertoire / Orchestre

Par PART ARVO. A work commissioned by Settembre Musica Torino for the 2006 Winter Olympic Games in Turin became a three-section meditation on The Shroud and the convoluted journey of this enigma from Jerusalem to its preservation in Turin. This piece is Scored for C trumpet, trombone, timpani, percussion, and strings./ Répertoire / Orchestre

Maintenant disponible pour orchestre, ce travail de groupe de concert long-vénéré est basée sur une simple mélodie pentatonique, habilement développé en un puissant mouvement que percussion des fonctionnalités et des techniques de l'orchestration brillant. Arrangement de Robert Longfield capture le plein effet du style exotique et dramatique de le oeuvre originale. / Orchestre

ans cette nouvelle édition de la pièce dramatique maîtresse de Stravinsky, Histoire du soldat, les publicateurs ont cherchés à rationaliser tous les divers et parfois conflictuels amendements faits par le compositeur durant sa vie. Cette édition convient a ceux qui s'intéressent aux grandes pièces musicales du vingtième siècle. A être lue, jouée et dansée en deux parties. Écrite pour clarinette, Basson, Cor, Trombone, Violon, Contrebasse et Percussion. / [Igor Stravinsky: The Soldier's Tale] / Classique / Partition /

Par TURNAGE MARK-ANTHONY. Détails de la formation instrumentale: 3(2a Flûte Traversière, pic).3 (ca).3 (2bcl).2s Saxophone (2barsax).2.cbn-4.4.3 (euph).1-5 Percussion (timp.,sn.dr. (with brushes), large b.d., large pedal b.d., large sus.cym., large w.bl., tamb., large ratch., large gng, large c.b., mar., vib., hand bells, tub.bell, boobams, cong., large metal bar)-pno (cel).hp-Strings (16.16.12.12.8) - Durée: 22' -/ Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre