Par RHIM WOLFGANG. Wolfgang Rihm, né en 1952, est l'une des figures majeures de la création musicale. Ce recueil de ses textes, le premier qui lui soit consacré en français, permet donc de faire connaître les idées et les conceptions qui sous-tendent son oeuvre. Aussi bien dans sa musique que dans ses réflexions, Rihm est un anti dogmatique: lors d'une séance d'analyse à  Darmstadt, publiée sous le titre «Le compositeur en état de choc», texte repris dans notre volume, Rihm expliquait que la nature de ses «solutions personnelles» n'avait aucune prétention à  une quelconque universalité de la méthode, mais que seule l'oeuvre achevée avait vocation à  être comprise universellement, et cela «par ses propres forces». On «se trouve donc dans l'impossibilité réjouissante de ne pouvoir faire l'objet du moindre enseignement». La liberté musicale et la subjectivité sont pour Rihm des notions fondamentales, au nom desquelles il n'hésite pas à  explorer des territoires qui ont été longtemps tabous dans le monde de la musique contemporaine. Dès ses débuts, il fut associé au courant de la «Nouvelle Simplicité», avant de se frotter aux extrêmes de l'expérience contemporaine, s'appuyant notamment sur les écrivains de la folie comme Lenz, Hölderlin, Artaud, Wölfli. . . Son goût littéraire très sûr l'a également conduit vers Jean Tardieu, Paul Celan ou Heiner Müller. Il s'est lié d'amitié avec le philosophe Peter Sloterdijk. L'une de ses impulsions les plus fondamentales, dans l'Allemagne ravagée de son enfance, fut l'écoute d'une grande oeuvre d'orchestre de Varêse: «J'avais l'image du son que je désirais; de façon très étrange, il se situait entre sévérité et exaltation, entre austérité et brûlante sensualité. Ces deux pôles m'attirent toujours magiquement, et je recherche l'un dans l'autre.» Dans ses textes, Rihm ne procêde pas par affirmations péremptoires mais use volontiers du paradoxe afin de poser des questions souvent dérangeantes. Dans le choix que nous proposons, il aborde de nombreuses questions: celle de l'humanisme, de la postmodernité, des rapports entre langage et musique, de la tonalité, du thétre musical, de la spiritualité, du progrês. Notre sélection se concentre sur les écrits les plus essentiels, ceux qui révêlent le mieux la pensée du compositeur. Elle s'appuie sur deux recueils parus en allemand: ausgesprochen (édition en deux volumes réalisée par Ulrich Mosch aux éditions Amadeus en 1997), et Offene Enden (réalisée également par Ulrich Mosch aux éditions Carl Hanser en 2002). Une lettre programmatique sur la notion de «ligne» en relation avec les oeuvres de Brahms et un entretien inédit avec le compositeur réalisé pour cette publication par Ulrich Mosch et Pierre Michel constituent les témoignages les plus actuels. Cette pensée en perpétuelle évolution depuis les années 1970 a ainsi accompagné une production musicale impressionnante, qui comporte à  ce jour prês de 350 opus, et où tous les genres musicaux sont abordés, du lied au grand opéra, de la piêce solo au grand orchestre, sans oublier l'oratorio et même une Passion. C'est Martin Kaltenecker, l'un des meilleurs connaisseurs de la musique récente dans les pays germaniques, qui a traduit l'ensemble des textes. Il a déjà  été le traducteur, pour les éditions Contrechamps, de textes fondamentaux comme ceux de Carl Dahlhaus, Theodor W. Adorno, Helmut Lachenmann et Luciano Berio. / Broché / Livre / Livres

Si la frontière entre un Concerto Grosso et un Concerto, une Sonate et une Forme-Sonate vous paraît incertaine, si les mots Suite ou Ondes Martenot se perdent dans le flou ou si vous prenez, en toute bonne foi et comme tant d?autres, le cor anglais et le saxophone pour des Cuivres, la solution est précisément entre vos mains: venez donc parcourir sans douleur 1000 ans de musique instrumentale en savourant les 208 extraits commentés qui sont là pour éclairer votre route.

Juste un petit mot de l'auteur :
A travers le Tome 1 et Tome 2 de ce guide d?écoute, je sais que vous avez, cher lecteur, compris à quel point la route avait été longue pour les compositeurs de musique dite « classique », et combien l?arrivée de chaque instrument avait été un facteur d?évolution pour l?écriture musicale en général : on n?écrit pas pour le piano comme pour le clavecin, ni pour la clarinette comme pour le hautbois.

C?est pourquoi, après avoir brossé une fresque générale des différentes époques musicales, tous genres confondus, et exploré en détail le domaine plus étroit de la Musique Vocale Sacrée, la plus ancienne de toutes, il m?a paru logique ?comme il a paru indispensable à plusieurs de mes lecteurs- d?approfondir de la même façon la musique instrumentale pure ; celle qui ne se sert plus du tout de cette voix humaine qui avait tenu pendant des siècles le haut du pavé, et pour cause : la musique vocale, profane ou sacrée, fut pendant plus de 5 siècles la seule à être notée, et donc à nous être parvenue !

Si l?on en croit Nietszche- « sans la Musique, l?Univers serait une erreur », et il est probable que Cro-Magnon a soufflé dans un roseau et frappé sur un tronc d?arbre dès qu?il a su se tenir debout (nous aurons l?occasion d?en reparler). Malheureusement, il ne nous a laissé aucune trace écrite de ses improvisations sauvages ; pas plus d?ailleurs que les Hébreux, les Étrusques, les Égyptiens, les Celtes, les Grecs, les Perses ou les Romains, peuples hautement civilisés pourtant, mais pour qui la musique était un art réservé aux seuls initiés -qu?elle mettait en prise directe avec les force supérieures- et qu?il ne fallait surtout pas vulgariser par une notation quelconque.

Il a même fallu attendre la fin du Moyen Age pour voir enfin apparaître, en Occident, les premières partitions de musique instrumentale pure, morceaux sur lesquels les gens dansaient d?ailleurs gaiement, au lieu de les écouter avec ce recueillement et cette déférence dont nous faisons preuve actuellement envers la musique « ancienne » ! Et le XVIIème siècle pour assister, dans les différentes cours d?Europe, à la naissance des premiers concerts purement instrumentaux que les gens aient écoutés, enfin assis !

Si elle a donc été appréciée relativement tard en Occident, la musique instrumentale a sans conteste connu à partir de l?époque baroque une très grande vogue qui n?a jamais cessé, car elle est intimement liée aux progrès de la technique : j?ai donc tenu, dans ce Tome 3, à clarifier l?organisation interne et l?apparition progressive de ses différentes formes -suite, musique de chambre, symphonie, concerto, ballet, poème symphonique- et surtout à y mettre en lumière le rôle capital joué par l?arrivée, au fil des siècles, de chaque nouvel « outil ».

Ici encore, de nombreuses illustrations sonores - choisies comme toujours après de cruelles hésitations, tant était large l?éventail des possibilités - vous feront mieux appréhender la manière dont les grands maîtres du lointain passé et de notre présent s?y sont pris, à partir de ces simples objets que sont les instruments de musique, pour dialoguer avec l?impalpable et faire vivre le plus abstrait des arts. / Classique / Livre 3 Cds /

Pièces Polyrythmiques En Onomatopées. Par POZZI MIRTHA. Onomatotek présente des polyrythmies vocales, faisant parfois intervenir des jeux avec les mains et les pieds, sur place ou en mouvement. La superposition de cellules rythmiques permet un jeu d'ensemble ainsi qu'un travail sur l'écoute individuelle et collective. Le jeu polyrythmique offre la possibilité d'une participation active à la création d'une musique forte et entrainante, impliquant tout le corps dans le processus sonore. L'instrument-voix, les phénomènes vocaux - respiration, phonation, vibrations... - sont mis au service de la production des sons dans l'espace. Cette pratique des polyrythmies est une composante des musiques traditionnelles de percussion en Afrique, Amérique Latine, Inde... mais elle a aussi attiré des compositeurs de musique contemporaine, notamment Steve Reich avec Clapping music, Terry Riley avec IN C, et bien d'autres. Une volonté pédagogique anime en permanence ce projet : donner des outils pour pratiquer le rythme de façon organique, avec une dimension ludique ainsi que de s'épanouir par la pratique de la musique d'ensemble. Les cellules rythmiques sont construites à partir d'onomatopées, d'interjections, de locutions, de mots inventés, de mots en français, de 'mots de bruits', d'expressions empruntées au langage imagé, souvent insolites ou surprenantes. Les mots sont choisis pour leurs sonorités. L'orthographe des mots en français peut être modifiée afin de donner un caractère plus proche de 'l'écriture d'un brui'. Il s'agit d'enlever aux mots leur signification et de les extraire de leurs rôles habituels. Il y a dans ces polyrythmies une absence de hiérarchie entre les parties. Toutes ont la même importance - on peut cependant trouver des degrés de difficultés. Il faut faire comprendre aux musiciens qui la pratiquent que chaque voix appartient à un 'tout'. La difficulté et la complexité ne se trouvent pas seulement dans chacune d'elles mais dans leurs imbrications, la précision de la mise en place et la cohésion de l'ensemble. La méthode conseillée pour l'étude de la partition est : transmission orale / reproduction / critique et autocritique / mémorisation / et finalement la lecture. Si on souhaite aborder les partitions par la lecture (le déchiffrage), cela devrait se faire à haute voix afin d'être d'emblée dans la production de l'univers sonore. Des jeux musicaux préparatoires sont proposés afin de se familiariser avec le matériel musical. Tous les participants sont invités à étudier et pratiquer toutes les parties de la polyrythmie. L'étude des cellules doit précéder celle de la structure. L'écriture des notes est empruntée aux partitions de percussions. Les valeurs de notes sont généralement brèves, la hauteur est indéterminée, proche du langage parlé. La position de notes dans la portée indique des hauteurs relatives. L'indication métronomique peut être observée avec une certaine souplesse. C'est la pratique qui doit la déterminer, en veillant à préserver la force rythmique de l'ensemble. Le caractère répétitif fait partie de cette musique - comme on peut le trouver dans multiples formes de polyrythmies, notamment en percussion. Il faut éviter la mécanisation dans la répétition des cellules, chercher à avoir toujours une écoute vigilante et conserver l'énergie qui nourrit l'ensemble tout au long de l'exécution. La musique est sans cesse recréée.../ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Par TUBEUF ANDRE. ' Sans la musique, la vie serait une erreur ' , disait Nietzsche. La musique est mystérieuse : à  la fois légêre et profonde, accordée aux pleurs et aux plaisirs - un reflet de l'existence et le miroir de l'absolu. Au rebours de ce que prétendait Tolstoï, Jankélévitch affirmait que la musique n'est pas tant indicible qu'ineffable. Aussi écrire à  son sujet exige-t-il de celui qui s'y risque qu'il soit, au plus intime, en correspondance avec ce ' je-ne-sais-quoi ' qui se situe au-delà  des mots. Un don des plus rares. Ce don, André Tubeuf l'a reçu en partage avec quelques autres écrivains : Cioran et Suarês, pour se limiter au XXe siècle. Musicographe de premier plan, il a écrit au cours des trente derniêres années au plus prês des compositeurs, de leurs oeuvres et de leurs interprêtes. Il fut l'ami d'Arthur Rubinstein, de Claudio Arrau ou de Rudolf Serkin ; il a côtoyé Régine Crespin et Hans Hotter, mais aussi Elisabeth Schwarzkopf et Dietrich Fischer-Dieskau. De nos jours, sa curiosité le pousse à  se pencher sur les jeunes virtuoses, dont on trouvera dans ce volume, en plus d'autres inédits, plusieurs portraits. A la fois guide, panorama et précis d'art de vivre, L'Offrande musicale réunit pour la premiêre fois des textes inédits ou devenus introuvables, disséminés au gré des publications dans Le Point, Diapason, L'Avant-Scêne et Classica/Répertoire. André Tubeuf a convoqué ses souvenirs les plus précieux, réuni les figures les plus illustres - maestros et divas. Chemin faisant, il dresse une autre histoire de la musique. L'anecdote est relayée par la réflexion, l'intelligence guidée par l'émotion, les artistes surpris en pleine création. Avec une générosité de style qui en fait un interprête à  part entiêre, André Tubeuf nous offre la vision d'une Europe réunie dans un même souffle. Ce qui fait de ce volume une invitation à  retrouver la clef de l'harmonie. Le Prix Pelléas 2008, récompensant un ouvrage littéraire consacré à  la musique, a été décerné à  André Tubeufpour son livre L'Offrande musicale. / Broché / Livre / Livres

 La musique de Mozart oriente l'interprétation vers des interrogations esthétiques, beaucoup plus que celle d'autres compositeurs, Non pas tant parce qu'elle serait plus proche de la beauté ou plus vouée à la perfection, mais parce qu'elle laisse discerner en filigrane une poétique permettant de s'orienter vers des voies de compréhension, En quête d'une représentation de cette poétique, ce livre parcourt la conséquente production du compositeur, en privilégiant deux extrêmes dans l'immensité du champ d'expression mozartien: les récits du bonheur et de la mort,D'un côté l'aspiration au bonheur, tenace et sans cesse renouvelée, de L'Enlèvement au sérail aux Noces de Figaro jusqu'à La Flûte enchantée, vécue à un moment de l'histoire des idées qui en exalte la centralité anthropologique et philosophique, Un bonheur suscité par le désir, mais élaboré au sein d'une complexité de transformations, dans un contexte moral insoupçonné qui ne prononce pas de sentences et connaît le pardon : l'expression la plus élevée de cette pensée extraordinaire et paradoxale qu'est l'humanisme mozartien,De l'autre côté, la mort, dans une confrontation avec le sublime du dix-¬huitième siècle et au seuil du sacré: Idoménée, la Messe en do mineur, Don Juan, Mais surtout une mort ressentie comme séparation, comme renoncement à toute possibilité de rencontre avec une vie heureuse : en pensant moins à ce qui nous attend qu'à ce que l'on abandonne,Voilà donc comment il faut entendre le long itinéraire suggéré par le titre, Vers le Requiem, qui nous mène vers ce travail ultime et inachevé, piégé par les circonstances romantiques de sa commande mystérieuse, mais encore susceptible de troubler le mythe d'une atténuation expressive mozartienne, Le Requiem est observé ici comme un projet parallèle à celui de La Flûte enchantée : la dernière fable illuminée par le bonheur et la rencontre avec la nuit de la mort, les deux réflexions avec lesquelles Mozart prend congé de son siècle, Livre ré-écrit en français avec l'auteur, Angela Cristina, Gianfranco Vinay, Marianne Lyon Collection Musique/Interprétation AVEC L'AIDE DE L'UNIVERSITE DE TURINOUVRAGE PUBLIE AVEC LE CONCOURS DU CENTRE NATIONAL DU LIVRE CNL    / Formation Musicale

Yves Nat est sans aucun doute le plus attachant des pianistes de sa génération. Ce musicien à la sensibilité à fleur de peau respirait l?humilité dans le tourment. Franc et tendre à la fois, Nat était un pianiste en proie au doute qui évoluait entre présence et absence.

Frappé du syndrome de disparition en 1934, il décidait au faîte de sa notoriété de quitter la scène pendant 17 ans. « Désormais, je n?aurai plus besoin de tourner », avait-il avoué. Trop de concerts, trop d?épreuves dues au trac qui le paralysait et trop de voyages en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, eurent raison de son métier de pianiste soliste. Sa nouvelle façon d?exister devait passer par l?enseignement et la composition. Son implication en tant que professeur au Conservatoire fut exceptionnelle.

Avec un dévouement sans fin, il transmit à ses élèves l?art de s?effacer devant la musique. « S?oublier totalement afin que l?oeuvre se resouvienne », demandait le maître. Il renchérissait avec intransigeance : «Une interprétation idéale présuppose un oubli total de la personne au bénéfice de l?oeuvre. » Cet engagement sans ambages posait une problématique de nature schizophrénique.

Avec Nat, la notion de présence de l?interprète acquérait un nouveau sens. « Toujours à l?étroit dans la vie », disait de lui sa femme Elise. Il avait une telle considération de la musique qu?il lui fallait repousser les frontières et franchir les bornes du lieu commun et de la facilité. Yves Nat guerroyait dans la vie comme dans une croisade. « Tout pour la musique et rien pour le piano » était son credo. Mais son orthodoxie n?était pas faite pour la composition. Meurtri par l?incertitude et la douleur, Nat renvoyait le plus souvent ses écrits à la poubelle lorsqu?il n?en faisait pas un autodafé. Il possédait pourtant un don pour la composition depuis sa tendre enfance. C?est même par la composition que sa carrière avait commencé lorsqu?à onze ans à peine il avait dirigé devant Fauré et Saint-Saëns sa « Fantaisie pour Orchestre ».

Mais avec les années, sa quête d?absolu musical l?empêcha de devenir le Chabrier de son époque ou de reprendre le flambeau de son ami Déodat de Severac. Dix années de travail pour des « sommets de douleurs », telle fut la gestation de son poème symphonique intitulé « l?Enfer ». Composé pour choeur et orchestre, avec plus de deux cents exécutants en tout, cette oeuvre dantesque fut créée pendant la Seconde Guerre mondiale, en 1942. L?accueil du public fut poli, mais tous les fanatiques de Nat qui étaient dans la salle auraient préféré l?entendre à son piano.

Il lui fallut dix autres années de labeur et d?autocensure pour aboutir à son « Concerto pour piano », oeuvre modale en quatre mouvements. Le jour de la création, Nat était au piano, un mieux pour son public. Mais il fallait se rendre à l?évidence : seul le pianiste existait et était acclamé. A tel point qu?en 1953, il y eut un récital au Théâtre des Champs-Elysées plein à craquer.

Ses inconditionnels qui l?avaient tant ovationné dans les années vingt, retrouvèrent enfin leur idole. Beethoven, Schumann et la Sonate funèbre de Chopin s?inscrivaient à son programme. À soixante-trois ans, Nat fit de ce récital le couronnement de sa carrière. Trois ans plus tard, il mourut à Paris le 31 août 1956. / Classique / Auber, Chantal / Livre /

Par NONO LUIGI. Tout au long de sa vie, Luigi Nono (1924-1990) a défendu l'idée selon laquelle la musique la plus avancée devait être aussi une musique engagée dans son temps. La sienne fut nourrie par l'esprit de la résistance antifasciste en Italie, élargie aux luttes contre toutes les formes de domination et d'impérialisme dans le monde. Les moyens nouveaux, ceux du sérialisme puis ceux de la technologie, visent une forme d'utopie sensible à  travers laquelle se dessine la possibilité d'une autre société et d'un «homme nouveau». Jusqu'ici, on connaissait les textes dans lesquels Nono traite des questions esthétiques et musicales, même si celles-ci sont toujours traversées chez lui par des considérations politiques. Mais Nono a écrit une quantité considérable d'autres textes qui, aprês sa mort, ont été regroupés et archivés. Certains sont liés à  son activité politique : reportages, prises de position, polémiques, interventions... D'autres traitent de la musique: conférences, présentations, préfaces, discussions... Ils sont publiés ici pour la premiêre fois en français, de même que les textes connus ont été repris à  partir des versions originales, permettant d'enrichir considérablement l'image d'un compositeur qui compte parmi les personnalités les plus importantes de son époque. Cette édition paraît à  l'occasion du trentiême anniversaire de Contrechamps. Elle a été réalisée par Laurent Feneyrou, qui a traduit lui-même l'ensemble des textes. Elle comporte un enregistrement sur CD d'une conférence donnée par Luigi Nono à  la Salle Patino de Genêve lors d'un concert Contrechamps, le 17 mars 1983. / Broché / Livre / Livres

 'Tout art consiste à produire, à exécuter, et à combiner les moyens de donner l'existence à quelqu'une des choses qui peuvent être et ne pas être- et dont le principe est dans celui qui fait, et non dans la chose qui est faite,? (Aristote, Ethique à Nicomaque, Livre VI, IV)De cette nouvelle manière de concevoir l'art nous pouvons inférer :a) La contingence foncière de l'affaire artistique, qui se décline sur ' des choses qui peuvent être autrement qu'elles ne sont ' - ceci donne naissance à une approche de l'art qui analyse les fictions créatrices de réalités virtuelles à la base du processus créatif, en partant de sa genèse et non pas de l'oeuvre comme un résultat parachevé,L'idée peut aller encore plus loin - rien ne nous empêche de considérer toute oeuvre, non pas comme un objet parachevé, mais comme un work in progress, une heuristique de l'action et de la participation qui va au-delà de l'oeuvre et de sa complétude, où tout reste à imaginer et à refaire,b) Rien de ce qui affirme l'oeuvre d'art (théories scientifiques, technologies d'avant-garde, philosophèmes qui cherchent à objectiver l'oeuvre) peut être considéré au premier degré par sa valeur absolue, puisque, à l'instar d'Aristote, le principe de l'art se trouve du côté de l'artiste et non pas dans le résultat de sa création, Ceci sert à mettre en question le modèle expérimental où le travail de l'artiste a du s'abriter pendant toute la deuxième moitié du XXe siècle pour être considéré comme légitime, Avec cette prise de position, Aristote s'éloigne radicalement de la conception platonicienne de Mimesis comme imitation de la nature, exposée dans La République, Pour le Stagirite, la Mimesis n'est pas un simulacre mais une création à part entière par appropriation et reconstruction du modèle (Poétique),Mais, comment l'artiste, en restant ancré dans sa contingence et sa subjectivité, peut-il encore aspirer à l'universalité? À cette question Aristote répond en introduisant la notion de Catharsis ou purgation collective de passions, Voilà une première approche de la communion participative qui va se mettre en place entre le créateur et son public, En effet, l'universalité présuppose une résonance des subjectivités entre l'artiste et son public due à une diversité inépuisable d'images qui se dégagent de l'oeuvre, Grâce à elle, l'art n'a nul besoin d'être autre chose que lui-même pour accéder à une transcendance universelle,Du point de vue de son étymologie, ' Heuristique ' est une dérivation irrégulière du ?? ????? grec, ' je trouve ', Il s'agit de la même racine où dérive le mot ' Eureka ', C'est la discipline qui prépare à l'invention et à la découverte, par le fait d'accepter que tous les arguments sont bons s'ils peuvent réussir à réaliser les buts proposés,Un principe est heuristique donc, quand il est considéré non pas par la vérité qu'il soutient mais pour le fait de contribuer totalement ou partiellement à la réalisation d'un projet quelconque, L'heuristique est action, usage, pratique, Ses antécédents historiques sont divers : sous le nom de heuresis ou d'ars inveniendi nous le trouvons dans la rhétorique d'Aristote et Cicéron, Dans ses multiples variantes, l'ars inveniendi est à la base des travaux combinatoires de Raymond Lulle, des traités mnémotechniques de Giordano Bruno et de dispositifs de calcul de Gottfried Leibniz, Plus proche du domaine artistique, l'heuristique commence à s'appliquer en esthétique à partir d'Alexander Baumgarten, qui propose dans son Aesthetica Teorica de 1750 une réalisation quotidienne et permanente de l'esthétique, entendue comme science du Beau, comme connaissance sensible, à la place d'une simple réflexion théorique,Insérée dans ce contexte, l'Heuristique Musicale est la discipline qui essaye d'impulser, modéliser et étudier l'acte de création musicale, en débroussaillant le monde fictionnel qui lui donne origine et en essayant de saisir le musical par la fluidité de son vécu, Elle devient une nécessité du point de vue musicologique, puisque à la description discontinue de moments saillants propres de l'analyse, l'Heuristique Musicale ajoute comme complément une saisie continue et globale de l'expérience musicale, Ricardo Mandolini Collection Pensée Musicale / Formation Musicale

Par BOULAY CHANTAL. Les acquisitions de A Tempo volume 9 correspondent aux programmes des classes de cycle 3 de Formation Musicale, s?effectuant souvent sur deux ans. C?est pour cette raison que nous vous proposons deux séries 9A et 9B, toujours conçues pour chacune avec un volume ?Oral? et un volume ?Écrit?. Les séries 9A et 9B sont entièrement différentes dans leur contenu, mais abordent des notions similaires. Dans ce volume 9B ?Ecrit? vous trouverez : ? 6 chapitres élaborés chacun autour d'une ou plusieurs ?uvres d'un compositeur, ? un chapitre de synthèse à la fin de l'ouvrage résume l'ensemble des acquisitions de l'année. Chaque chapitre propose des activités de commentaires d'écoute, dictées mélodiques, rythmiques ou harmoniques sous différentes formes, ainsi que des notions de théorie ou d'analyse. Au-delà des extraits présents dans l?ouvrage, nous encourageons les professeurs et les élèves à consulter la partition originale afin de prolonger leur étude. Comme dans les volumes précédents, ces extraits d?oeuvres sont très nombreux afin de susciter l?envie de découvrir différents répertoires. Cependant, en raison des difficultés à obtenir les droits de reproduction pour certains compositeurs du xxe siècle, il ne nous a pas été possible de publier certains extraits toujours protégés. En tant qu?enseignantes, notre démarche est de donner aux élèves des moyens techniques et musicaux leur permettant d?acquérir une autonomie ; c?est cet état d?esprit qui nous a guidées dans l?élaboration de ces ouvrages. Ainsi, en partageant avec vous le fruit de cette expérience, nous espérons contribuer à cette réussite dans vos propres apprentissages./ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

?Je ne suis pas un chef d?orchestre !?
C?est avec cette malice que le grand chef italien Carl-Maria GIULINI aimait se définir... Au lendemain de sa mort peu avant l?été 2005, Jean-Yves Bras propose de (re)découvrir un musicien d?exception à travers un récit plein de passion, illustré de nombreuses photos inédites.

Avec le livre, un CD inédit vous est offert : il s?agit du tout premier enregistrement par Giulini du Requiem de Cherubini. L?occasion d?écouter aussi l?art de ce grand chef italien ainsi qu?un extrait d?interview inédite. / Livre CD /

A la cours de Louis XIV, on pouvait croiser deux personnages incontournables : Jean-Baptiste Lulli qui composait les musiques pour le Roi et le mousquetaire d?Artagnan qui défendait la vie du Roi avec son épée. / Enfance / Livre CD /

Jules Renard mis en chansons par Isabelle Aboulker
Jules Renard goutait fort peu la musique et les musiciens, et c'est avec agacement qu'il notait dans son Journal qu'un jeune compositeur Maurice Ravel, a mis en musique ses Histoires Naturelles.
Jules Renard n'aimait ni la musique ni les musiciens... soit ! Mais il adorait ses deux enfants et m'aurait peut-être pardonné d'avoir composé des chansons pour enfants à partir de vingt-huit textes sur les animaux et - rêvons un peu - aurait écouté avec plaisir des voix d'enfants les interpréter avec tant de grâce.

Isabelle Aboulker


Jules Renard décrit la nature et les animaux de façons drôles, surprenantes et pleines de charme. Les Histoires Naturelles nous donnent à découvrir au delà des apparences l'humour et la poésie de ce qui nous entoure.
De ces musiques composées par Isabelle Aboulker renaissent pour notre plus grand plaisir ce papillon, billet doux cherchant l'adresse d'une fleur, les feuilles qui frissonnent à l'approche de l'hiver, le ver qui ressemble à une vieille nouille, cette chenille qui joue de l'accordéon, une poule qui marche pieds nus, la lune qui cherche le soleil...

Claude Colombini-Frémaux
/ Partition /

La voix de Michael Jackson est censée avoir poussé son premier cri dans une maternité du fond de l'Indiana, un soir d'été 1958. Elle est censée avoir accompagné son dernier soupir, une chaude matinée d'été 2009, sous le ciel lumineux de Californie. Et pourtant...Très vite, on a réalisé que sa voix se ferait entendre encore longtemps, qu'elle hanterait, résonnerait, soutiendrait, accompagnerait, éveillerait, comme elle l'avait toujours fait, nos vies et celles des générations futures. Quelle est cette voix ? D'où nous vient-elle ? Est-ce un cadeau du Ciel et de la Nature ? Est-ce une oeuvre façonnée à force de travail ? Que nous dit-elle ? Quel est son message ? Quels sont ces mots qu'elle a choisi d'incarner ? Quelle est cette bonne parole qu'elle a voulu répandre ?De Motown au studio de l'emblématique Bruce Swedien, ingénieur du son attitré de Michael Jackson, l'auteure nous emmène à la découverte de la voix de l'artiste. Une voix qui a su traverser les carcans, à l'image de l'oeuvre du King of Pop, trans-stylistique, trans-raciale, trans-générationnelle, trans-culturelle et trans-disciplinaire.Entre plume lyrique et analyses plus techniques, l'auteure lève le voile sur un artiste chevronné et travailleur, un génie et un messager, dont le leitmotiv était de respecter ses dons et son public, de gagner et de mériter son amour inconditionnel. Icône profane et éclaireur de conscience, Michael Jackson nous interpelle, nous parle, et sa voix résonnera encore loin et longtemps.. / Livre

Stitched manuscript paper in A4 format. Idea for use in the classroom or for your own creations! Get all those burning ideas down on paper for all to see. / Tout Instrument

SIMON LAKS (1901-1983), ein polnischer, seit 1926 in Frankreich lebender Komponist jüdischer Abstammung, überlebte Auschwitz zunächst als Mitglied, dann als Leiter des Männerorchesters in Birkenau. Seine ergreifenden Erinnerungen erschienen erstmals 1948, dann 1979 in überarbeiteter Fassung. Laks' Buch, das nüchternen Tatsachenbericht mit philosophischer Reflektion vereint, gehört nicht nur zu den wichtigsten Werken über die Rolle der Musik in der Vernichtungsmaschinerie der musikliebenden Nationalsozialisten - als bewegende Studie über das Verhalten von Menschen in Extremsituationen findet es seine Leserschaft weit über die Grenzen des Fachpublikums hinaus. Die seit längerem vergriffene deutsche Übersetzung von 1998 wird mit dieser durchgesehenen und erweiterten Neuausgabe wieder zugänglich gemacht. Nachworte seines Sohnes, des Philosophen André Laks, und des Musikwissenschaftlers Frank Harders-Wuthenow würdigen Laks nicht nur als einen bedeutenden Zeitzeugen, sondern auch als einen wunderbaren Musiker, dessen Oeuvre zunehmend Beachtung im internationalen Musikleben findet. Eine Begleit-CD mit Neuaufnahmen aus den letzten Jahren und Produktionen aus dem Archiv des Polnischen Rundfunks geben Einblick in das Schaffen eines brillanten, der Ecole de Paris nahestehenden Komponisten, in dessen Werk französischer Esprit mit slawischer Innerlichkeit zu einem originellen und universellen Personalstil verschmelzen - und dem mit seiner einzigen Oper L'Hirondelle inattendue (?Die unerwartete Schwalbe') das Unmögliche gelang, nach Auschwitz eine heitere Oper zu komponieren, ein Hymnus auf die Unsterblichkeit der Musik. / Violon