Les Editions Lugdivine sont heureuses et fières de vous annoncer la création de Musicologies Nouvelles. Une nouvelle collection qui répond à la volonté d?offrir à tous les professionnels du monde de l?enseignement musical des outils en phase avec leurs besoins, en termes de formation et d?application. Cette collection s?appuie sur la publication annuelle de trois revues spécifiquement dédiées : - au programme d?agrégation (Musicologies Nouvelles Agrégation), - au programme du Bac (Musicologies Nouvelles Bac) - à un dossier spécial (Musicologies Nouvelles Dossier spécial). Toute l?équipe éditoriale, regroupée autour de Mihu Iliescu et Laurence Le Diagon-Jacquin, ainsi que les différents rédacteurs ponctuels apportent toute leur expérience et leurs compétences pour garantir un niveau d?excellence en rapport avec l?ambition de cette publication. Musicologies nouvelles : pourquoi une nouvelle revue ? L'éditorial de Jean-Jacques Nattiez - Professeur émérite de l?Université de Montréal - Président d?honneur du comité de rédaction de Musicologies nouvelles Thèmes Agrégation 2017 Livre 21 X 28 cm 168 pages - Voix de ville et airs de cour : l?avènement de la monodie accompagnée en France (1576 - 1696). - Poème symphonique et identité culturelle. Les auteurs collaborant à ce numéro : Nahéma Khattabi, Alice Tacaille, Catherine Massip, Catherine Deutsch, Olivier Bettens. Laurent Guillo, Marie Demeilliez, Yann Mahé, Robin Joly, Mathilde Vittu, Damien Erhardt, Michael Saffle (article en anglais), Bruno Moysan, Jean-Christophe Branger, Jean-Jacques Velly, Liliana-Isabela Apostu, Antonin Servière... SOMMAIRE La monodie en français avant Chardavoine : plaisirs et pouvoirs de la voix seule Alice Tacaille Université Paris-Sorbonne, IReMus-CNRS, UMR 8223 Les voix de ville recueillis par Jehan Chardavoine : un corpus de chansons à danser Robin Joly Doctorant au CESR de Tours Voix de ville et air de cour : le chant soliste en France à la fin de la Renaissance Nahéma Khattabi Agrégée de musique et docteur en musicologie Les prosodies du français chanté, de Chardavoine à Bacilly Olivier Bettens Le développement de la monodie en France et son rôle dans la sociabilité du XVIIe siècle Catherine Massip IReMus L?air de cour, champ expérimental de l?édition musicale dans le dernier tiers du XVIIe siècle Laurent Guillo IReMus Aria et artifice contrapuntique au tournant du XVIIe siècle en Italie Catherine Deutsch Université Paris-Sorbonne/(IReMus) Quel(s) solfège(s) pour l?air de la seconde moitié du XVIIe siècle ? Théorie et pratique autour de deux manuscrits et d?un air de Sébastien Le Camus Mathilde Vittu Conservatoire de Paris - CNSMDP Tablatures et basses continues : l?accompagnement des airs de cour Marie Demeilliez Université Grenoble Alpes Entre monodie accompagnée et polyphonie : le cas du dernier recueil d?airs de Michel Lambert (1689) Yann Mahé Université de Toulouse Jean Jaurès. Il Laboratorio (EA 4590) Musique et transferts culturels. Le poème symphonique entre la France et l?Allemagne (1854-1914) Damien Ehrhardt Université d?Evry Val d?Essonne / Université Paris-Saclay Liszt, Musical Transnationalism, and the Symphonic Poem Michael Saffle Virginia Polytechnic Institute and State University Frontières, forme et signification dans le Poème symphonique lisztien Bruno Moysan Forme et signification particulières dans le dernier poème symphonique de Liszt Laurence Le Diagon-Jacquin Université de Franche-Comté (ELLIADD) Transcender le message lisztien : Massenet et le poème symphonique. Des suites d?orchestres à Thaïs Jean-Christophe Branger Université de Lorraine À la recherche de l?expression : les poèmes symphoniques de Richard Strauss Jean-Jacques Velly Université Paris-Sorbonne Les poèmes symphoniques de Georges Enesco et Béla Bartók : une marque d?identité culturelle et nationale Liliana-Isabela Apostu Institut für Musik, Oldenburg Tapiola de Jean Sibelius : entre identité nationale et incarnation du Nord Antonin Servière Compositeur et musicologue

Ce manuel a pour vocation de donner des outils au musicien pédagogue, au professeur des écoles, à l'animateur de métier ou occasionnel afin d'offrir aux enfants une éducation musicale ouverte et ludique. Le matériau de base est un répertoire de chansons enfantines qui permettent d'aborder les champs disciplinaires fondamentaux de l'éducation musicale. Chaque chanson fait l'objet d'une fiche qui propose des activités pour développer l'écoute, le chant, la danse et le jeu d'orchestre. Les chansons pourront être présentées en audition ou en concert/spectacle : un groupe d'enfants chante et danse pendant qu'un petit groupe les accompagne, puis on permute les acteurs avec la chanson suivante.Toutes les fiches ont été utilisées en milieu scolaire avec des groupes classes de 25 à 30 enfants de cycle 2 (grande section, CP, CE1) et 1re année de cycle 3 (CE2). Les animateurs d'ateliers périscolaires utiliseront avec profit ces activités ludiques dans le cadre des nouveaux rythmes éducatifs de 2013. Les professeurs des écoles et les musiciens intervenants dans le cadre des heures scolaires trouveront des séquences pédagogiques détaillées toutes prêtes répondant aux dernières instructions ministérielles de l'Education Nationale (BO hors série #3 de juin 2008). Le contenu de ces fiches répond également aux directives des classes d'éveil et d'initiation musicale en école de musique et conservatoire selon le schéma d'orientation pédagogique d'avril 2008 du Ministère de la Culture. Les activités proposées constituent une ouverture à une pratique musicale et instrumentale à venir. C'est d'un terreau musical dont il s'agit.À travers cet ensemble d'activités, on va chercher à développer chez l'enfant le sentiment rythmique et l'aisancecorporelle, le geste vocal, l'ouverture à l'harmonie. La clé qui réunit ces éléments est l'écoute.Le premier objectif est d'amener l'enfant à l'écoute de lui-même par la sensation de son corps. Les jeux dansés, les jeux rythmiques, le contact avec les autres vont l'aider en ce sens.Le deuxième objectif est de favoriser l'épanouissement du geste vocal afin de chanter juste, l'oreille des enfants sera leur meilleur professeur.Le troisième objectif est de jouer, chanter, danser ensemble en trouvant sa place dans le groupe. Il s'agit donc de mettre en oeuvre une écoute globale.L'ouvrage est structuré de la façon suivante. Vous trouverez un descriptif général de la méthode proposée, ainsi que des outils pédagogiques utilisés. Vient ensuite l'ensemble des fiches.Le 1er groupe de chansons est destiné aux enfants de grande section. Ces chants seront toujours bienvenus en CP/CE1 car les enfants, s'ils les connaissent déjà, auront plaisir à jouer avec et à les découvrir autrement. Certaines activités proposées sont d'ailleurs destinées aux plus grands.Le 2e groupe de chansons fait appel à des jeux de motricité plus avancés, des structures et des formes plus élaborées. Il est destiné aux plus grands.Le 3e groupe comprend des chansons destinées à travailler spécifiquement la motricité. Les musiques associées enregistrées à l'accordéon sur le CD serviront de base aux jeux de motricité tant pour les petits que pour les grands, chacun selon ses moyens. Elles peuvent toutes être chantées à l'exception du #14 (Dans la neige).Les chansons sont proposées par niveau à titre indicatif. N'hésitez pas à vous promener d'un niveau à l'autre selon les besoins en motricité, la maturité du groupe, la disponibilité des enfants?À la fin de la majorité des fiches, ' vers la FM ' vous propose des pistes de lecture, codage, jeux d'audition à l'intention des classes d'initiation des écoles de musique ou pour ceux qui veulent aller plus loin.L'ouvrage est accompagné d'un CD. Les chansons sont enregistrées sans accompagnement, chantées par un homme et par une femme afin que l'intervenant apprenne la chanson. Un accompagnement instrumental est toutefois proposé.Il sert à la motricité, aux jeux d'occupation de l'espace, au repérage rythmique et aux transpositions. Les parties depercussions sont également enregistrées à titre d'exemple. / Eveil

Ce manuel s'adresse à des étudiants chanteurs adultes amateurs ou futurs professionnels.

Les objectifs en sont :
- une formation rigoureuse et systématique à l'intonation et aux principaux langages musicaux rencontrés dans le répertoire vocal (tonalité, modalité, atonalité, sérialisme...),
- une formation rythmique complète axée sur les spécificités de la musique vocale (prosodies dans différentes langues, types d'écriture vocal et instrumental),
- une initiation aux principaux outils d'analyse (phraséologie, analyse tonale et harmonique, structures et formes...),
- une immersion dans la culture du répertoire spécifique du chant (genres vocaux, pratiques d'interprétation, styles et époques variés).

La progression est rapide et permet à l'étudiant d'approfondir les activités effectuées en cours, grâce :
- aux textes du répertoire proposés avec leur accompagnement,
- aux encarts théoriques synthétiques et précis,
- aux exercices d'application.

Trois volumes correspondant aux trois cycles d'une formation complète sont prévus.
Chaque volume se divise en quatre sections complémentaires - les sections doivent être abordées simultanément, la progression pouvant coïncider d'une section à l'autre.

1. Rythme
- Présentation des rythmes,
- Mémorisation (reconnaissance et lecture),
- Lecture rythmique sur onomatopées,
- Prosodie rythmique (textes du répertoire) avec un texte français, allemand, italien, anglais ou russe,
- Lecture complète avec rythmes et paroles (sans accompagnement),
- Créativité : invention d'un rythme sur un texte littéraire proposé.

2. Intonation et Lecture
- Exercices d'intonation à lire et à chanter, puis à écrire et à chanter,
- Intervalles à lire et à chanter (en variant les clés, les armures, les altérations accidentelles, les rythmes...),
- Extraits du répertoire permettant la mise en pratique directe du travail d'intonation.

3. Harmonie et Improvisation
Les principaux accords sont tout d'abord présentés de manière théorique, en lien avec le travail sur les intervalles.
Sont ensuite proposés à l'improvisation puis à l'écriture différents exercices comme des basses obstinées, du contrepoint improvisé ou des phrases musicales, tous en lien avec un style ou un auteur.

4. Analyse et Interprétation
- Présentation de l'échelle et sélection de vocalises permettant la mise en voix et en oreille , en vue du déchiffrage.
-Questions d'analyse et de style suscitant une lecture approfondie du texte à interpréter.
- Texte musical issu du grand répertoire (mélodie, opéra, musique religieuse...) avec son accompagnement pianistique. / Méthodes

Les deux tomes des 600 Mots de la musique couvrent l’essentiel du vocabulaire de la musique occidentale dite « savante ». Ce volume A contient les mots concernant la théorie (chromatisme, tonalité), les procédés compositionnels (contrepoint, renversement), les pratiques (basse continue, transposition), les esthétiques et courants musicaux (baroque, style classique, musique spectrale). Le volume B s’attache aux genres et aux structures formelles. Les vocables relatifs à la facture instrumentale, qui appartiennent à un autre domaine, ont donc été écartés, ainsi que la terminologie propre aux traditions orales, musiques extra-européennes et populaires (chanson, jazz, pop, rock, etc.).
Les mots les plus importants donnent leur titre aux entrées. Mais au sein des notices, des termes supplémentaires sont également définis (par exemple, « bécarre » apparaît dans la page consacrée à « altération ») : il nous a semblé plus pertinent de mettre immédiatement en perspective des notions intimement liées et d’éviter la formule du dictionnaire qui aurait entraîné un grand nombre de redites. L’intitulé de quelques entrées associe deux ou trois mots (« ambitus, tessiture, registre », ou « chaconne et passacaille »), lorsqu’il s’avère judicieux de les traiter de conserve.
Un index regroupe la totalité des termes et permet de retrouver aisément ceux qui ne disposent pas d’entrée propre. Dans le corps du texte, le signe ‡ désigne les mots explicités dans le volume A ; l’astérisque *, ceux qui sont commentés dans le volume B. Afin d’alléger la présentation, les mots les moins « techniques » et les plus familiers (tels air, concert, improvisation, romantisme, tempo) ne portent pas systématiquement de signe de renvoi. Ces signes sont également absents des citations et des titres d’œuvres.
Par souci de lisibilité et d’accessibilité, les exemples musicaux des œuvres anciennes sont imprimés en notation moderne et l’orthographe des citations anciennes est actualisée. La date indiquée à la suite d’une oeuvre correspond à l’année de son achèvement. Lorsque la composition s’étend sur un nombre d’années conséquent et qu’il nous semble utile de donner cette information, la date de début de composition est précisée en sus de celle de fin. La date d’édition se substitue à la date de composition lorsque celle-ci reste inconnue. / Méthodes et pédagogie / Formation musicale / Formation musicale - solfège / BILLAUDOT

Le collectionneur de vieux vinyles ou de CD primés, le choriste, l'amateur qui joue pour son plaisir seul chez lui ou qui participe à un petit ensemble, l'instrumentiste professionnel, le chef de choeur ou d'orchestre, le compositeur... Oui, sans doute, mais sont-ils tous de bons musiciens? En réalité, à l'expérience, on ne réserve ce qualifica¬tif qu'à un petit nombre de personnes. Si l'on essaye d'analyser les raisons de ce choix restreint, on finit par s'apercevoir d'une corrélation entre ce qualificatif et une qualité exceptionnelle d'écoute reconnue à ces personnes dans leurs comportements, leurs propos, leurs écrits...Tout l'intérêt du recueil de Pierre Chépélov et de Benoît Menut réside dans cette recherche du développement de l'écoute. De la même manière qu'il existe plusieurs niveaux de lecture, i y a plusieurs formes d'écoute. Elle peut être sélective, globale, analytique, structurelle, formelle... Loin d'une certaine facilité pédagogique, ce recueil allie l'attrait et la connaissance à une rigueur de progression dans l'élargissement de la capacité d'audition. La richesse des propositions musicales doit permettre de cerner et de travailler tous les paramètres du son. Ainsi, les élèves et les étudiants verront leur qualité d'écoute s'approfondir et s'enrichir pour dégager, au-delà de la simple réussite à un examen, le plaisir - à la fois intellectuel et sensuel - d'une audition musicale, au concert ou chez soi dans un fauteuil. Marguerite Labrousse La dictée reste incontournable dans la formation de l'oreille du musicien. Cet ouvrage propose des dictées tirées d'un large répertoire allant du Moyen Age à la musique d'aujourd'hui, utilisant des enregistrements de qualité. Sa division en six chapitres permet de développer l'écoute sous des angles différents - chaque chapitre possédant sa propre progression. Rythme: Dictées mono et polyrythmiques. Mélodie: Dictées monodiques et polymélodiques. Ces deux chapitres demandent à l'élève de percevoir les articulations de la phrase musicale. Harmonie: Différents aspects harmoniques sont abordés dans ce chapitre: écoute intervallique verticale, reconnaissance des accords comme couleurs (chiffrages), et ressenti de la logique fonctionnelle et cadentielle du système tonal. Timbres: A partir d'une réduction ou d'une partition d'orchestre, l'élève est invité à reconnaître les couleurs des instruments, seuls ou mélangés à d'autres. Mélanges: Ils réunissent, sur le modèle de l'habituelle dictée à parties manquantes, les notions des quatre parties précédentes. Dépistages de fautes: Ce travail demande à l'élève d'entendre intérieurement ce qui est écrit, pour pouvoir le comparer avec la version sans erreur exprimée par le disque. C'est le quotidien de l'interprète amené à corriger des partitions parfois truffées d'erreurs... Le CD fourni permet à l'élève de réécouter les dictées traitées en cours, et/ou d'en faire de manière autonome. Ce recueil s'adresse aussi à l'élève désireux de s'entraîner en dehors du cours, à l'étudiant en musicologie, ainsi qu'à l'amateur averti - il est aussi un matériau pratique et efficace pour un cours de soutien, une remise à niveau en vue d'un examen, et peut faire office de cahier de vacances. Bien entendu, ces textes doivent être mémorisés, chantés, joués à l'instrument... Ainsi, l'élève réalise le lien indispensable de l'écrit obtenu à la production musicale individuelle et collective. Benoît Menut - Pierre Chépélov Compositeur/Auteur : CHEPELOV Pierre / MENUT Benoit Discipline/Instrument : dictées musicales Support : Partition Style/Genre : méthode - études Date de parution : août-06

Pièces Polyrythmiques En Onomatopées. Par POZZI MIRTHA. Onomatotek présente des polyrythmies vocales, faisant parfois intervenir des jeux avec les mains et les pieds, sur place ou en mouvement. La superposition de cellules rythmiques permet un jeu d'ensemble ainsi qu'un travail sur l'écoute individuelle et collective. Le jeu polyrythmique offre la possibilité d'une participation active à la création d'une musique forte et entrainante, impliquant tout le corps dans le processus sonore. L'instrument-voix, les phénomènes vocaux - respiration, phonation, vibrations... - sont mis au service de la production des sons dans l'espace. Cette pratique des polyrythmies est une composante des musiques traditionnelles de percussion en Afrique, Amérique Latine, Inde... mais elle a aussi attiré des compositeurs de musique contemporaine, notamment Steve Reich avec Clapping music, Terry Riley avec IN C, et bien d'autres. Une volonté pédagogique anime en permanence ce projet : donner des outils pour pratiquer le rythme de façon organique, avec une dimension ludique ainsi que de s'épanouir par la pratique de la musique d'ensemble. Les cellules rythmiques sont construites à partir d'onomatopées, d'interjections, de locutions, de mots inventés, de mots en français, de 'mots de bruits', d'expressions empruntées au langage imagé, souvent insolites ou surprenantes. Les mots sont choisis pour leurs sonorités. L'orthographe des mots en français peut être modifiée afin de donner un caractère plus proche de 'l'écriture d'un brui'. Il s'agit d'enlever aux mots leur signification et de les extraire de leurs rôles habituels. Il y a dans ces polyrythmies une absence de hiérarchie entre les parties. Toutes ont la même importance - on peut cependant trouver des degrés de difficultés. Il faut faire comprendre aux musiciens qui la pratiquent que chaque voix appartient à un 'tout'. La difficulté et la complexité ne se trouvent pas seulement dans chacune d'elles mais dans leurs imbrications, la précision de la mise en place et la cohésion de l'ensemble. La méthode conseillée pour l'étude de la partition est : transmission orale / reproduction / critique et autocritique / mémorisation / et finalement la lecture. Si on souhaite aborder les partitions par la lecture (le déchiffrage), cela devrait se faire à haute voix afin d'être d'emblée dans la production de l'univers sonore. Des jeux musicaux préparatoires sont proposés afin de se familiariser avec le matériel musical. Tous les participants sont invités à étudier et pratiquer toutes les parties de la polyrythmie. L'étude des cellules doit précéder celle de la structure. L'écriture des notes est empruntée aux partitions de percussions. Les valeurs de notes sont généralement brèves, la hauteur est indéterminée, proche du langage parlé. La position de notes dans la portée indique des hauteurs relatives. L'indication métronomique peut être observée avec une certaine souplesse. C'est la pratique qui doit la déterminer, en veillant à préserver la force rythmique de l'ensemble. Le caractère répétitif fait partie de cette musique - comme on peut le trouver dans multiples formes de polyrythmies, notamment en percussion. Il faut éviter la mécanisation dans la répétition des cellules, chercher à avoir toujours une écoute vigilante et conserver l'énergie qui nourrit l'ensemble tout au long de l'exécution. La musique est sans cesse recréée.../ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Utilisez le jazz pour développer la créativité des enfants ! Ce recueil contient 60 stratégies d\'enseignement basées sur le jazz et conçues pour favoriser la création musicale, le mouvement créatif et l\'improvisation dans les classes de musique de la maternelle à la cinquième année. Ces stratégies innovantes sont fondées sur les meilleures pratiques en matière d\'éducation musicale élémentaire et sont associées à une liste de lecture de musique jazz disponible sur des plateformes de streaming audio. Ces stratégies représentent la musique de près de 80 artistes de jazz emblématiques d\'hier et d\'aujourd\'hui (par exemple Louis Armstrong, John Coltrane, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Quincy Jones, Wynton Marsalis, Sarah Vaughan). Tous les concepts de stratégie d\'enseignement ont été largement testés sur le terrain avec des enfants en classe de musique élémentaire et avec des enseignants du monde entier. Conçues à l\'attention des professeurs de musique, des parents, des écoles traditionnelles, des écoles à domicile et des organisations communautaires axées sur les arts, les stratégies présentées dans ce livre peuvent être utilisées pour susciter l\'intérêt des enfants et les inciter à s\'exprimer de manière créative et originale. Les stratégies comprennent le chant, le jeu d\'instruments, la percussion corporelle, les jeux, les chants et les danses qui soutiennent l\'évaluation individuelle et collective. Des documents d\'accompagnement sont proposés en ligne pour soutenir les stratégies, notamment des vidéos d\'instruction pour les danses, des ressources imprimables telles que des aides visuelles, des cartes de notation, des directives de mouvement et des feuilles de couleur, ainsi que des profils d\'artistes qui fournissent de brèves biographies et replacent chaque musicien dans son contexte historique et musical. Préface du bassiste Victor Wooten ! / Méthodes et pédagogie / Formation musicale / Jazz - improvisation / BERKLEE

Consacré à la nouvelle question d?agrégation 2018 « Les temps de la musique », ce numéro illustre la diversité des problématiques auxquelles seront confrontés les candidats au concours. Il aborde à la fois le temps de la création et celui de l?interprétation, les temporalités des musiques « savantes » et celles des musiques « populaires », réunissant des textes synthétiques et des analyses d?oeuvres, des approches historiques, ethnomusicologiques et esthétiques. Repères historiques Christian Accaoui - Temps, Histoire, Histoire de la musique, Musique de l?histoire Anna Maria Busse Berger - Franco?s concept of time and its reception in the fourteenth century Théodora Psychoyou - Un temps psychologique, nouveau paradigme musical au XVIIe siècle : le cas du Lamento della Ninfa de Claudio Monteverdi Alexandre Chèvremont - La « conscience extensive du temps » dans la musique : une critique de la forme sonate classique Temps de la création François Picard - Remarques sur le temps musical chinois Mihu Iliescu - Xenakis, entre le hors-temps et l?en-temps Léo Larbi - Remarques sur les manières de vouloir dans le Duo pour violon et piano d?Elliott Carter Philippe Lalitte - Temporalité et texture dans Eight Lines de Steve Reich : de la perception locale à la forme expérientielle Laurent Pottier - Le rapport au temps dans les musiques utilisant l?électronique, de l?espace de la composition à l?espace de la diffusion Stéphane Payen, Eric Regnier -Micro-temporalités de la musique : mesures et pulsations Temps de l?interprétation Bernard Sève - Conjuguer les temps. La musique comme pratique collective Matthieu Saladin - Le temps improvisé : une mémoire de l?ici et maintenant Céline Chabot-Canet - Rythmes et libertés : du rythme collectif à l?idiorythmie dans l?interprétation des musiques populaires Philippe Gonin - De l?esquisse à l?oeuvre enregistrée : regard sur une poïétique du rock

ADLER Samuel Etude de l'orchestration Discipline / Instrument : tous instruments Genre : Méthode - études Média : Livre Nombre de pages : 1136 (17,8 x 25,4 cm) Editeur : Lemoine Date de parution : 15/06/2011 ISBN / ISMN : 9790230982122 plus de 150 ans après Hector BERLIOZ, plus de 50 ans après Charles KOECHLIN ou Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV, et quelques années après... un long travail, Les éditions Henry Lemoine ont le plaisir de vous présenter, enfin en langue française, de Samuel ADLER : Etude de l'orchestration TRAITE PRATIQUE Titre original : The Study of Orchestration, traité d'orchestration de réputation internationale Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous la forme d'une édition française, augmentée de 280 pages (+33%) par rapport à la version traduite. En effet, le texte original, déjà riche, est complété : - par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui, - par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine, - de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogique, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier - enfin, d'un index complet et performant (accru de 150%) sans lequel une telle ampleur de contenu se révélerait assez rapidement vaine. Samuel Adler Compositeur et chef d'orchestre américain d'origine allemande parti très jeune aux états-unis, Samuel Adler a composé plus de quatre cents oeuvres publiées, dont cinq opéras, six symphonies, douze concerti, huit quatuors à cordes, quatre oratorios et bien d'autres pièces orchestrales, chorales, vocales ou pour band. Elève notamment de Paul Hindemith, Aaron Copland et Sergei Koussevitski, il enseigna à son tour à l'University of North Texas (1957-1966) puis à l'Eastman School of Music de l'university of Rochester (1966-1995), et depuis 1997 reste membre intervenant à la Juilliard School of Music au sein du département composition. Auteur d'autres ouvrages que celui-ci (Choral Conducting et Sight Singing), Samuel Adler a reçu plusieurs prix et distinctions pour sa contribution exceptionnelle au monde musical comme compositeur, chef d'orchestre et auteur - en 2001, il entre à l'American Academy of Arts and letters. En tant que chef, il s'est produit avec de nombreux orchestres prestigieux, aux états-unis ou ailleurs - plus d'une cinquantaine de ses oeuvres furent enregistrées et sont distribuées par des labels américains ou européens de premier plan. Gilbert Amy Elève de Milhaud et Messiaen au Conservatoire de Paris, Gilbert Amy est un compositeur dont le talent a été salué par de multiples prix et dont les oeuvres sont jouées dans les plus hauts lieux mondiaux de la création musicale. Succédant à Pierre Boulez à la direction des concerts du Domaine musical, Gilbert Amy a ensuite poursuivi une carrière de chef d'orchestre. Fondateur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France, il en sera le premier chef et directeur artistique jusque dans les années 1980. Pédagogue reconnu, il a enseigné la composition et l'analyse musicale à l'Université de Yale puis occupé le poste de directeur du C.N.S.M. de Lyon de 1984 à 2000. Bruno Gillet Compositeur, Bruno Gillet a beaucoup écrit pour la voix, en formations de chambre, en duos avec divers instruments, en ensemble vocal, et avec orchestre. Au théâtre, il a collaboré, entre autres auteurs, avec Italo Calvino et Georges Perec. Au C.N.S.M. de Paris, il a inauguré la classe d'analyse et culture musicale spécialement destinée aux chanteurs, et assuré au C.N.A.D. la formation musicale des acteurs. Philippe Vernier Philippe Vernier se passionne très tôt pour les musiques orales dont il approfondit la connaissance d'abord en autodidacte (chanson, folk music...) puis sous l'impulsion du guitariste Alain Berkès (manouche, blues, jazz...). Après une expérience pop-rock, il étudie la théorie classique, suit l'enseignement des compositeurs Alain Roizenblat, Michel Decoust et Philippe Leroux - il reçoit alors plusieurs Premiers Prix (Orchestration, Composition...) et un D.E.M. en électro-acoustique. Compositeur de pièces pour bande, ensemble, chansons, musiques de film ou de scène, il a remporté le Prix de la Création Musicale au festival Paris-Tout-Court (2002).

Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale

Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale

Par CHAUSSEBOURG A. / LE GUERN D. / GARLEJ B.. Destination Musique vol.3 est une méthode de formation musicale pour la 3e année de cycle 1 de conservatoire, pensée pour être un support de cours pratique et complet : le livre unique de la 3e année de cours en formation musicale. (> pour la 1re et la 2e année, voir 'Destination Musique vol.1 et vol.2') Chaque cours tient sur une double-page, incluant des exercices de lecture de notes, de rythmes lus et / ou frappés, une notion théorique, et un chant avec accompagnement piano - les premières étapes de l'ouvrage récapitulent les acquis de l'année précédente, afin de commencer l'année du bon pied. Tous les quatre cours, une double-page ' escale ' permet de bien réviser les notions des dernières leçons. Enfin, une double-page 'Commentaires d'écoute' permet d'aborder les oeuvres de Beethoven, Fauré ou encore Scott Joplin en classe avec les élèves. Tout en respectant les programmes et la rigueur inhérente à la discipline, cette méthode propose à la fois une progression pédagogique réaliste, et renouvelle l'image d'un apprentissage parfois injustement considéré comme ' ennuyeux ' - très joliment illustrée, elle projette les élèves et le professeur dans un univers de poésie et de bonne humeur ! Enfin, pour faciliter le travail à la maison, les audio correspondants aux cours (chants, exercices de rythmes) sont disponibles librement sur internet (via l'onglet BONUS de notre site). - Pour la 3e année en conservatoire, cycle 1 - Pédagogie progressive et réaliste - Livre unique organisé par cours sur une double-page - Chapitres récapitulatifs et conseils d'écoute - Chants avec accompagnement piano - Jolies illustrations couleur, poétiques et ludiques ! - Audio des leçons sur internet Méthode de 90 pages, conçue et fabriquée en France. Illustrations couleur par Valérie Michel./ Méthode / Formation Musicale