Edition : Paris, l'Auteur, Foucault, 1719.Présentation de Jean Saint-Arroman : la liste des titresDeux parties instrumentales séparées : partie de viole - partie de basse continue.Un des grands classiques de la littérature musicale pour viole de gambe. Les pièces, de longueurs et de difficultés très variables, s'adressent tantôt à de jeunes musiciens, tantôt à des solistes confirmés. / Viole De Gambe Et Basse Continue / 232 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 23.5 X 31.5

Edition : Paris, 1711Le compositeur présente ici un nombre important de pièces dont les difficultés sont volontairement limitées, et donc à la portée de jeunes instrumentistes. / Viole De Gambe Et Basse Continue / 262 pages / niveau : 1 / Fac-Similés - Format: 23.5 X 31.5

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par BLACKWELL KATHY / DAVID. Il couvre les modèles utilisés dans les doigts Viola Time Joggers et coureurs, et comprend toutes les gammes et arpèges pour les élèves de ABRSM 1 et 2, y compris le mineur naturel Etablit chaque forme avec un tableau de doigté, d'un téléphone 'helpline' pour renforcer le doigté arpège, et un jeu de rythme à pratiquer l'échelle Inclut une variété de pièces amusantes pour chaque touche, et une gamme de puzzles et des jeux de composition L'édition révisée de Viola échelles de temps déborde d'idées créatives et emballé avec des dessins animés imaginatives et amusantes à faire échelles d'apprentissage et d'arpèges faciles. / Niveau : Facile / Etude / Alto

Mon deuxième quatuor à cordes, Crescent Scratches, s'inscrit dans la continuité du premier, Scratches, sans toutefois recourir au dispositif électronique qui, dans le premier quatuor, me permettait d'amplifier les timbres et de transformer le son en temps réel.Le terme de 'crescent scratch' provient des techniques de jeu développées par les DJ sur leurs platines vinyles ('scratch' ou 'scratching') que l'on retrouve dans le hip-hop et les musiques industrielles.Crescent Scratches est conçu à partir de deux principales idées : le glissando saturé (fréquemment pulsé), assimilable au 'scratch', provoqué par l'aller-retour du disque sur la platine, et la notion de boucle qui consiste à reproduire une même séquence, variée ou non. J'ai conçu des boucles et agi sur leur vitesse d'exécution, sur leur superposition en strates et leur traitement par caractéristiques de timbre. Cela finit par rendre quasiment imperceptible le retour des boucles - un phénomène qui m'a particulièrement intéressé dans cette composition. La boucle se meut en micro-élément, moteur d'une intense activité dans une macrostructure, cette macrostructure elle-même étant dès lors perçue comme une masse totalement saturée en évènements.La continuité entre ces deux quatuors se situe pour moi du côté du timbre et plus précisément dans la notation des différentes positions et pressions d'archet engendrant une large palette de sonorités saturées créant comme une aura autour du son des instruments. L'idée de 'scratch' comme onomatopée décrivant une rayure, une éraflure, une rupture ou une déchirure reste également au centre du propos de Crescent Scratches.Au-delà de l'électronique, l'endroit où se décèle la différence entre ces deux quatuors est dans la structuration de la forme et la gestion des événements. Crescent Scratches s'organise en un bloc d'une grande densité dans le traitement simultané des quatre instruments qui s'unissent là où, dans Scratches, j'articulais la forme en une succession de moments en solo, duo, trio et tutti.Yann Robin / Quatuor A Cordes

Les séries de recueils Je commence... mais pas tout seul (8 morceaux) puis, pour des niveaux plus élevés, Je continue... mais pas tout seul (12 morceaux), ont pour objectif de proposer aux petits musiciens en herbe un répertoire ludique, progressif et original à plusieurs, venant en renfort des ouvrages didactiques incontournables de l'apprentissage. Une sorte de récréation musicale à savourer entre élèves, en classe ou en audition, avec la complicité bienveillante du professeur.L'auteur, Yves Callier, figure emblématique de la Formation musicale au sein du Conservatoire de Marseille pendant de très nombreuses années tout autant que musicien émérite dans des formations de musique actuelle, a su trouver dans ces compositions ou arrangements les accents vivants et modernes d'une musique séduisante et susceptible de plaire au plus grand nombre. / 2 ou 3 Altos

Par BERIO LUCIANO. This set of arrangements of Luciano Berio’s “Duetti”, originally for two violins, represents a fascinating expansion of the limited repertoire for two violas. Berio originally conceived these duets as a collection of occasional pieces, each dedicated to someone who was close to him, rather like Elgar’s “Enigma” Variations, but they eventually developed into a full compositional project with pedagogical overtones. As such, there is a wide variation in technical demands, from pieces playable by beginners up to a duet that foreshadows the skills required for Berio’s “Sequenza” for the viola. Taken as a whole, over some years of study, the “Duetti” can gently lead players into the mysteries of contemporary music; however, the composer also envisaged them in a concert performance of the complete cycle with at least 24 players of differing abilities taking turns to play. In this guise, it might be an intriguing idea to mix them with the original version for two violins (UE17757), although it must be understood that the two versions are not mutually compatible to be played as violin/viola duets./ Répertoire / 2 Altos

Editée au cours de l'exercice 2011-2012 par les éditions Fertile Plaine, la partition qui a pour titre 12 petites fantaisies dans le style de Mozart ( alto solo ) du compositeur Naulais Jérôme a été cataloguée sous la référence FP 1333 par l'éditeur. Cette oeuvre est écrite pour Alto. En 3 clics et quelques jours elle peut être chez vous. / Alto Solo / Partition

Demanding salon music for string quartet (with double-bass ad libitum) is provided by Wolfgang Birtel in his 'Latin Dances' with four titles which can be played individually or as a little suite. The first dance is the chorinho 'Não me toques' by Zequinha de Abreu (1880-1935) who not only wrote 'Tico Tico' but also other rousing pieces of music. Ernesto Nazareth (1863-1934) is considered to be the 'inventor' of the Brazilian tango and waltz: He titled the waltz, which follows as second title, 'Ingenious'. These rather unknown titles are followed by two absolute worldwide hits: 'Bolada de Aficionado' by A.G. Villoldo and then the everlasting beguine 'Bésame Mucho' by the Mexican composer Consuelo Velázques (1916-2005). Whether individually or as a 'four-pack' - the fingers will be twitching and the toes will be tingling for this music carries away musicians and audience alike. / Quatuor A Cordes