Lorsque nous aurons réussi à donner à l'enfant une base auditive sensorielle et que nous l'aurons amené à réagir affectivement aux divers éléments sonores, nous pourrons entreprendre le développement musical sans risquer de faire un faux travail. Gamme, sens tonal, intonation, lecture et écriture se révéleront tour à tour comme un épanouissement normal, comme une prise de conscience qui vient à son heure.

Edgar Willems (1)


L'idée d'une base auditive sensorielle représentant un préalable indispensable à toute éducation musicale est sans doute le point commun le plus marquant reliant les courants pédagogiques musicaux du XXe siècle. De Kodály à Willems, de Martenot à Dalcroze, en passant par Orff, toutes ces pédagogies, aux sensibilités pourtant bien différentes, se rejoignent en effet lorsque se pose la question du sens donné à l'enseignement de la musique. C'est bien par le ressenti que l'enfant peut discerner, mémoriser, reproduire pour ensuite analyser, comprendre et même transmettre. Puisque, comme l'écrivait si justement Maria Montessori L'enfant nous demande de l'aider à agir tout seul , nous nous sommes posé, lors de la conception de cet ouvrage, la question suivante : comment proposer à l'enfant, et ce dès le début de son éducation musicale, une méthodologie l'amenant à être le plus autonome possible, à s'ouvrir sans inhibition aux différents paramètres sonores, à découvrir de vastes répertoires, à appréhender de manière ludique l'acte musical, sa lecture, son écriture, pour faire sienne cette maxime de Guillaume de Machaut : Et Musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse ?
Nous avons choisi de structurer cette méthode en chapitres se composant chacun d'une partie rythmique et d'une partie mélodique.

1. Par rythme, nous entendons tout d'abord l'éveil à la pulsation et à la durée, au sentiment mesuré et à la battue de mesure, à la carrure et à la conscience des phrases musicales et de la forme. En ce sens, nous proposons un éveil rythmique axé autour des longues et des brèves ( courtes ) permettant ainsi à l'enfant d'asseoir sa pulsation tout en ancrant les notions de binaire et de ternaire. Cela permet aussi d'éveiller son sens de la prosodie et des métriques dites irrégulières, proches notamment des répertoires populaires de l'Europe de l'Est.
Bien entendu, toutes les formules rythmiques constituant le programme usuel d'une première année sont abordées. Nous tenons à ce que l'élève s'imprègne ainsi du système rythmique au sens large du terme et développe en conséquence une réelle autonomie de jeu et de lecture. Les rythmes sont abordés avec des exemples variés issus de nombreux répertoires. En changeant ainsi les contextes, l'enfant dissocie les notions essentielles du rythme et du tempo qui lui est associé.

2. Les chapitres mélodiques ont pour vocation d'éveiller la vocalité et de développer l'écoute intérieure. Une attention toute particulière est donnée aux textes vocaux, issus notamment des répertoires traditionnels (chansons, comptines...).
La découverte de l'échelle musicale se fait en partant du La du diapason, dont on ne saurait trop encourager l'usage. La lecture se fait en lien direct avec le son : on doit entendre et chanter ce qui est lu. Nous proposons pour cela une écriture ludique constituée de cubes permettant de relier l'oeil à l'oreille de façon plus immédiate. Ne voulant pas bloquer l'enfant dans un seul système de lecture, nous proposons d'axer le travail autour de la lecture relative, qui permet d'être tout de suite à l'aise dans les clés les plus usuelles, tout en montrant l'importance du ressenti de l'échelle diatonique composée de tons et de demi-tons. A ce titre, l'éveil aux différentes modalités nous paraît essentiel - ainsi l'on trouvera nombre de textes issus du répertoire ancien, et grégorien en particulier. Partant de la construction de la portée, ligne par ligne, nous pensons aider l'enfant à se familiariser avec les hauteurs et à comprendre et mieux maîtriser la construction de l'écriture musicale.
La conscience des intervalles est éveillée par la technique de la note imaginaire , qui permet à l'élève de construire l'écart entre les notes, de fixer les hauteurs et de développer une empreinte sonore préalable à l'acte vocal comme à l'acte instrumental.
Des travaux d'écriture sont d'ailleurs proposés tout le long de l'ouvrage : petites dictées, écriture en clés de Sol et de Fa, transpositions... L'oreille harmonique est aussi développée par des jeux autour des cadences qui représentent la ponctuation du langage tonal. Il en va de même pour la conscience des timbres instrumentaux.

Le solfège proprement dit consiste à chanter en nommant les notes et en battant la mesure , écrivait Albert Lavignac ()2. Bien qu'un peu réductrice, cette phrase démontre que la question d'un solfège relié directement à la musique se posait déjà au XIXe siècle, reprenant aussi les idées pédagogiques déjà présentes dès la Renaissance. Nous avons souhaité inclure dans l'ouvrage les données théoriques essentielles, tout en les reliant directement à l'événement sonore. Ainsi, elles prennent du sens et la théorie devient vraiment musicale .
Fruit de notre expérience, de l'étude des courants pédagogiques et d'une recherche de répertoires tant variés qu'appropriés, L'Ouverture à la musique propose au professeur et à l'élève, enfant ou adulte, de débuter son apprentissage musical en se plongeant d'emblée dans la matière sonore, en goûtant au plaisir de la découverte et de l'expérimentation.

Benoît Menut, Pierre Chépélov

(1) Edgar Willems, L'Oreille musicale, tome 1 La préparation auditive de l'enfant, Fribourg, Editions Pro Musica, 1977, p.136.
(2) Albert Lavignac, L'Education Musicale, Paris, Charles Delagrave, 1902, p.24. / Partition CD /

Comment amener un enfant à décrypter le rapport existant entre la musique et l?image ? Comment lui faire ressentir le lien entre une ambiance musicale et un sentiment difficilement palpable ? Comment parler concrètement du travail conjoint d?un réalisateur et d?un compositeur ? Comment montrer à la fois un produit fini et l?envers du décor, de sa conception à sa réalisation ? Comment faire pour répondre à toutes ces questions sans tomber dans un exposé théorique et complexe ? Toutes ces questions ont amené Pascal Thiebaux (réalisateur et story-boarder) et Nicolas Berthe (enseignant et compositeur) à réaliser leur propre concept de film pédagogique : la collection `Musique & Cinéma`.

Pièces Polyrythmiques En Onomatopées. Par POZZI MIRTHA. Onomatotek présente des polyrythmies vocales, faisant parfois intervenir des jeux avec les mains et les pieds, sur place ou en mouvement. La superposition de cellules rythmiques permet un jeu d'ensemble ainsi qu'un travail sur l'écoute individuelle et collective. Le jeu polyrythmique offre la possibilité d'une participation active à la création d'une musique forte et entrainante, impliquant tout le corps dans le processus sonore. L'instrument-voix, les phénomènes vocaux - respiration, phonation, vibrations... - sont mis au service de la production des sons dans l'espace. Cette pratique des polyrythmies est une composante des musiques traditionnelles de percussion en Afrique, Amérique Latine, Inde... mais elle a aussi attiré des compositeurs de musique contemporaine, notamment Steve Reich avec Clapping music, Terry Riley avec IN C, et bien d'autres. Une volonté pédagogique anime en permanence ce projet : donner des outils pour pratiquer le rythme de façon organique, avec une dimension ludique ainsi que de s'épanouir par la pratique de la musique d'ensemble. Les cellules rythmiques sont construites à partir d'onomatopées, d'interjections, de locutions, de mots inventés, de mots en français, de 'mots de bruits', d'expressions empruntées au langage imagé, souvent insolites ou surprenantes. Les mots sont choisis pour leurs sonorités. L'orthographe des mots en français peut être modifiée afin de donner un caractère plus proche de 'l'écriture d'un brui'. Il s'agit d'enlever aux mots leur signification et de les extraire de leurs rôles habituels. Il y a dans ces polyrythmies une absence de hiérarchie entre les parties. Toutes ont la même importance - on peut cependant trouver des degrés de difficultés. Il faut faire comprendre aux musiciens qui la pratiquent que chaque voix appartient à un 'tout'. La difficulté et la complexité ne se trouvent pas seulement dans chacune d'elles mais dans leurs imbrications, la précision de la mise en place et la cohésion de l'ensemble. La méthode conseillée pour l'étude de la partition est : transmission orale / reproduction / critique et autocritique / mémorisation / et finalement la lecture. Si on souhaite aborder les partitions par la lecture (le déchiffrage), cela devrait se faire à haute voix afin d'être d'emblée dans la production de l'univers sonore. Des jeux musicaux préparatoires sont proposés afin de se familiariser avec le matériel musical. Tous les participants sont invités à étudier et pratiquer toutes les parties de la polyrythmie. L'étude des cellules doit précéder celle de la structure. L'écriture des notes est empruntée aux partitions de percussions. Les valeurs de notes sont généralement brèves, la hauteur est indéterminée, proche du langage parlé. La position de notes dans la portée indique des hauteurs relatives. L'indication métronomique peut être observée avec une certaine souplesse. C'est la pratique qui doit la déterminer, en veillant à préserver la force rythmique de l'ensemble. Le caractère répétitif fait partie de cette musique - comme on peut le trouver dans multiples formes de polyrythmies, notamment en percussion. Il faut éviter la mécanisation dans la répétition des cellules, chercher à avoir toujours une écoute vigilante et conserver l'énergie qui nourrit l'ensemble tout au long de l'exécution. La musique est sans cesse recréée.../ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Cet ouvrage s'adresse aux élèves de formation musicale des conservatoires et écoles de musique de niveau fin de 2e cycle. Son objectif principal est la connaissance progressive et la maîtrise des rythmes dans toute la richesse de leur combinatoire et de leur esthétique par : - la mémorisation : outil très puissant permettant l'acquisition rapide et définitive ; - un travail systématique et progressif autour de formules ; - un répertoire choisi pour sa variété rythmique et son intérêt musical, allant du Moyen-Age à aujourd'hui, faisant intervenir toutes les familles d'instruments y compris la voix, présenté dans les quatre clés usuelles (Sol, Fa4, Ut3, Ut4) ; - un travail de réalisation personnelle, en lien avec les formules et le répertoire de chaque leçon, visant l'appropriation du matériau rythmique, le développement de l'expression individuelle ou collective et de l'inventivité rythmique et mélodique. Presse Peut-on faire du rythme une discipline à la fois musicale, excitante et formatrice de l'oreille et de la pensée musicale ? C'est une évidence pour ces deux remarquables pédagogues imprégnés de la pensée de Maurice Martenot. C'est donc une démarche globale s'étalant sur tout le deuxième cycle qu'ils nous proposent ici. Mais attention : il faudra en respecter l'esprit... à la lettre ! La préface indique une vraie méthode de travail qui commence par le sensoriel c'est-à-dire la mémorisation des rythmes avant toute lecture, qui se poursuit par des jeux qui n'ont rien de gratuit, continue par écriture et lecture et aboutit à tout un programme de réalisation personnelle qu'il ne faudra pour rien au monde négliger car il est l'aboutissement de toute la démarche. Comme le disent les auteurs, Ce travail sert à développer : - l'appropriation des connaissances - la mémoire - l'audition intérieure - l'imagination musicale - le rapport à l'écrit. Enfin, il faut mentionner que le tout est effectué avec un savant dosage d'exercices spécifiques débouchant sur de très nombreux textes musicaux, contribuant ainsi à accroître la culture musicale des élèves en ajoutant au travail sur le rythme une possible - et souhaitable - pratique vocale et instrumentale. Que dire de plus sinon recommander chaudement ces trois volumes ? L'Education Musicale, n°94 (Juillet 2015)

« Le jazz, ce n?est pas ce que vous faites, mais la manière dont vous le faites », selon l?excellent mot de Fats Waller.

Jazz vocal vous propose d?appréhender cette « manière de faire » sous un double angle.

? Sous un angle technique d?une part, avec de nombreux exemples et exercices permettant de développer son sens du rythme, son oreille harmonique, son imagination mélodique, sa liberté d?interprétation, sa technique vocale. Car aussi « naturelle » qu?elle soit, la voix ne saurait s?exonérer de l?apprentissage et de la maîtrise de codes, pour mieux libérer l?émotion.
Les Parties I - Rythme et II - Harmonie/Mélodie se proposent de développer votre musicalité et votre autonomie, en se rapprochant de ce que réalisent les instrumentistes

? La Partie III - Improvisation s?appuie sur le travail des deux premières parties pour expérimenter l?improvisation dans un cadre harmo-rythmique ; elle évoque également l?improvisation modale et l?improvisation « libre »

? La Partie IV - Interprétation aborde l?acquisition d?un répertoire, le lien au texte et ce qui en découle en terme de phrasé

? La Partie V - Jazz et Techniques traite de la technique vocale et de la lecture de partitions

? La Partie VI - La scène évoque la question du choix des musiciens, l?organisation d?une répétition, l?arrangement des morceaux, la présence scénique, etc.

La Partie VII s?adresse aux enseignants avec des exercices collectifs et des conseils sur la façon de transmettre cette musique.

? Sous un angle « poétique » d?autre part, au travers de pages de réflexions qui cherchent à exprimer « l?esprit » de cette musique.

Cet ouvrage s?adresse :
? à tous ceux qui veulent chanter du jazz (du débutant au chanteur confirmé), et qui cherchent des outils pour travailler cette musique ;
? aux enseignants en jazz vocal, qui trouveront de quoi construire leur cours, ainsi qu?une réflexion sur la musique qu?ils enseignent ;
? aux chanteurs professionnels ou semi-professionnels, qui y puiseront de quoi aller plus loin dans leur maîtrise, ainsi que des conseils sur la scène ;
? aux musiciens de jazz (instrumentistes) qui se demandent « comment ça marche un chanteur »?


« Ouvrir la voi(x)e à plus d?une voix » ? comme l?écrit David Linx dans sa préface ?, tel est le propos, telle est l?ambition de cet ouvrage qui s?efforce, par son caractère très complet, d?aborder toutes les facettes du jazz vocal soliste.

Un CD (play-backs et exemples chantés) accompagne l?ouvrage pour expérimenter les propositions au fil des pages. / Livre / Agrafé /

`Sur l'Pont du Nord un bal y est donné...`

Tout lecteur, en lisant ces mots, peut mentalement chanter cette chanson traditionnelle. Si, de surcroît, il est enseignant ou éducateur, il l'a probablement fait interpréter par les jeunes enfants dont ils a (a eu, aura) la charge.

Dans ce cas, il a intuitivement mis en jeu des composantes de l'univers musical identifiées par des termes spécifiques comme anacrouse, tempo, pulsation, degré, intervalle, mode majeur, ambitus... autant d'expressions que le néophyte peine parfois à associer à une image sonore.

Rappelant que l'éducation musicale est au coeur des apprentissages fondamentaux, l'auteur souhaite éclairer les enseignants du premier degré sur le vocabulaire le plus usuel touchant aux deux domaines privilégiés en milieu scolaire : le chant et l'écoute active.

Grâce au CD qui accompagne l'ouvrage, un exemple sonore est proposé pour la grande majorité des mots cités. Des incitations à l'expérience personnelle pour l'adulte et des séquences à mettre en oeuvre avec les enfants sont également suggérées. Celles-ci font appel à un `ressenti` corporel à chaque fois que cela est possible.

Les brèves transcriptions musicales qui émaillent l'ouvrage ne s'adressent pas uniquement aux initiés `qui savent lire la musique` ; elles sont intentionnellement destinées à celles et à ceux qui n'ont pas encore accès au décryptage de l'écriture musicale. Elles leur offrent ainsi la possibilité d'infléchir leur regard vers la représentation graphique d'une ligne mélodique et, dans une perception globale, de l'associer aux éléments sonores contenus dans le disque.

L'auteur met également en avant la richesse culturelle que constitue le partenariat avec un musicien intervenant et prône un dialogue enseignant/personne-ressource basé sur des pratiques et un vocabulaire communs.

En naviguant de l'oeil à l'oreille et de l'oreille à l'oeil, on pourra donc voir ce qu'on entend, entendre ce qu'on voit, le comprendre, le nommer, en tirer un plaisir accru et le transmettre pour mieux le partager.


Michel Edelin fut Conseiller Pédagogique en Education Musicale, et se trouve être l'un des meilleurs et rares flûtistes français de jazz. / Méthodes

Ce cahier d'exercices, avec corrections et CD, a pour objectif d'entraîner l'oreille à entendre et distinguer, reconnaitre et différencier les évènements sonores : la pratique de ces exercices facilite l'apprentissage d'une écoute harmonique prédominante. Le cahier débute par des séries d'exercices de reconnaissance, à partir d'une écoute globale et sensorielle, et s'achemine peu à peu vers la pratique de l'écriture du code musical.


Chers collègues, chers apprenants, chers amis...

Dans le processus d'apprentissage il est un écueil que nous avons tous un jour rencontré : comment former une oreille harmonique ?! Bien sûr, il existe bon nombre d'élèves possédant une oreille naturelle et qui se développe sans rencontrer de réelles difficultés... mais les autres ? Tous ceux qui n'ont pas l'habitude de chanter, tous ceux pour qui une hauteur de son ne correspond à rien, et qui paniquent dès qu'ils ont un crayon à la main et une portée vierge devant les yeux ?
C'est en pensant à ces élèves-là que nous avons décidé de proposer une approche plus douce, presque homéopathique à travers un travail au départ uniquement sensoriel puis, au fil des ouvrages, une progression dans le codage jusqu'à aboutir au Saint Graal des musiciens : repiquer un accord en temps réel !
C'est un vaste défi que nous tentons de relever ici, nous en sommes conscientes, tout comme nous savons que d'autres ouvrages pédagogiques ont ouvert la voie avant nous ! Rien n'émerge du néant, et souvent le chemin est emprunté par bon nombre de pédagogues. Aussi, nous vous remercions par avance de tenter l'aventure avec nous...
Toute notre gratitude à nos familles, proches et amis pour leur indéfectible soutien, sans oublier nos merveilleux cobayes ... nos chers élèves !
Amicalement,

Valérie Rousse
Joëlle Zarco / Partition CD /

SongMaker Workshop, c'est votre atelier de création de chansons. C?est un projet novateur et inédit qui encourage et favorise la création personnelle. Il est conçu pour donner à chacun l'opportunité et la liberté de s'exprimer par l'intermédiaire d'un instrument, de sa voix ou de son crayon...
Pour cela, nous avons réalisé spécialement pour vous des titres instrumentaux dans des styles variés. C'est une base de travail qui ne demande qu'à être complétée et enrichie.
Osez, essayez, apprenez, développez, jouez, chantez, écrivez, enregistrez et partagez... / Partition CD /

Par VONDERSCHER OLIVIER. N?oubliez pas votre instrument ! est une série d?ouvrages en 5 volumes, destinés aux classes de Formation Musicale, allant de la fin du cycle I à la fin du cycle II. Chaque volume est organisé en leçons appelées Opus où toutes les activités sont elles aussi dénommées de manière spécifique : Prélude (échauffement instrumental), Cantabile (autour du chant), Intermezzo (relevés, transposition), Con spirito (théorie, analyse), Tutti (en ensemble à l?instrument) ? L?ensemble couvre toutes les matières d?un cours complet : lecture, chant, rythme, audition, écriture, théorie, analyse, culture? et contient de nombreuses approches originales pour lesquelles l?instrument de l?élève sera sollicité le plus souvent possible : différentes situations de jeu et d?apprentissage autour de l?improvisation, de la découverte de l?harmonie par le clavier, diverses formes instrumentales (solo, duo, ensemble), etc. et ce dans une grande diversité de styles, du baroque au jazz, en mêlant oeuvres du grand répertoire et pièces originales. Il est proposé un livre de l?élève avec les activités complètes les partitions arrangées en ensemble (Ut et Instr. transpositeurs), ainsi qu?un livre du professeur contenant les corrigés des activités, les accompagnements de piano et les conseils méthodologiques. Complétant le matériau pédagogique présent dans chaque volume, de nombreux outils et supports sont accessibles depuis l?Espace Éducation de l?éditeur. N?oubliez pas votre instrument ! renouvelle entièrement l?approche de la Formation Musicale de par l?utilisation permanente des instruments et grâce à un matériau complet et « clé en main » servi par une pédagogie vivante et innovante. / Date parution : 2021-11-16/ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

Etude, Méthode, Exercice, tout est bon pour apprendre et perfectionner son apprentissage musical. A travers, cette partition pour Formation De L'Oreille vous pourrez découvrir une des oeuvres de Mabire-Bex Agnes en l'occurence L'OREILLE A L'ECOUTE VOLUME 2 qui a été éditée par la maison d'édition Billaudot. / Formation De L'Oreille / Partition

Notice
DVD inclus

La Direction d'orchestre est un ouvrage qui aborde les bases techniques musicales et artistiques essentielles pour une solide formation de chef d'orchestre, mais aussi une formation vocale ou instrumentale.
Le chef d'orchestre en devenir trouvera dans ce manuel toutes les clés théoriques et pratiques nécessaires au développement de ses connaissances qui lui permettront de conduire l'orchestre avec aisance et passion :

- Technique de base
- Etude et préparation du répertoire
- Les répétitions
- Le concert
- Sur le podium : cas pratique
- Glossaire

Traduction française par Aude Ameille de l'ouvrage En el podio paru aux Editions Boileau.

Presse
Cet ouvrage, éminemment pratique, n'en néglige pas, pour autant, tout l'aspect culturel de la direction. Si il est orienté prioritairement vers la conduite d'un orchestre, il s'attache aussi à la direction spécifique d'une harmonie, ou, encore plus spécifique, d'un choeur. Cet aspect a d'ailleurs été longtemps négligé et tous les chefs de choeur ou choriste ont connu ces chefs d'orchestre qui ne savait pas comment se conduire vis-à-vis d'un choeur lorsqu'ils dirigeaient une pièce pour choeur et orchestre. Bref, l'ouvrage est très complet. Il comporte cinq parties plus l'indispensable glossaire. La première partie est consacrée aux techniques de base correspondant à tout l'aspect corporel, de la tenue aux différentes battues. La deuxième partie est consacrée à l'étude et la préparation du répertoire, exposées très en détail. La troisième est consacrée aux répétitions, la quatrième au concert. La cinquième partie fait en quelque sorte la synthèse en proposant d'appliquer l'ensemble à l'Alléluia du Messie de Haendel. L'ouvrage comporte aussi une copieuse et judicieuse bibliographie. Quant au DVD, il suit pas à pas l'exposé et ne comporte pas moins de trente-quatre chapitres divisés eux-mêmes en plusieurs sections. Il s'agit donc d'un outil de travail tout à fait remarquable et l'auteur explique en détail comment l'utiliser. Cette réalisation est donc une somme que le professionnel aussi bien que l'amateur éclairé pourra lire avec un grand intérêt et un grand profit.

L'Education Musicale, n°94 (Juillet 2015) / Méthodes

Etude, Méthode, Exercice, tout est bon pour apprendre et perfectionner son apprentissage musical. A travers, cette partition pour Cours Complets vous pourrez découvrir une des oeuvres de Allerme Jean-Marc en l'occurence DE L'ELEVE A L'ARTISTE VOLUME 4 - LIVRE DU PROFESSEUR qui a été éditée par la maison d'édition Billaudot. / Cours Complets / Partition

Par SICILIANO MARIE-HELENE. Ce livre est destiné à des élèves de deuxième cycle de formation musicale, 3e et 4e années. Il comporte cinq parties : - Partie 1 : Travail sur oeuvres en 6 leçons Il s'agit de parcourir différentes époques, différentes cultures et différents styles de musique. Chacune de ces leçons comporte de la lecture et de la technique, mais elles ont surtout comme objectif de développer l'écoute, l'oreille harmonique, la retranscription et l'analyse. Il est fortement conseillé de suivre l'ordre proposé de ces leçons. - Partie 2 : Travail de l'oreille au travers de dictées musicales S'appuyant sur le fait que la 'dictée musicale' n'est pas un but en soi mais qu'elle permet d'évaluer et de retranscrire ce que nous entendons et comment nous l'entendons, voici une série de quelques exercices ayant cet objectif. - Partie 3 : Ecoute et lecture musicale La lecture devient active, un vrai moment d'écoute musicale à partir de laquelle on s'imprègne d'un langage propre à un musicien, à un style ou à une époque. - Partie 4 : Travail rythmique Travail oral complet autour de la lecture technique, le frappé, le mélange des deux ainsi que par le chanté. - Partie 5 : Travail chanté Ce travail est avant tout un travail de déchiffrage chanté sur des répertoires divers. / méthode - études / Méthode / Formation Musicale

Notice
Ce manuel s'adresse à des étudiants adultes amateurs ou futurs professionnels.
Trois volumes correspondant aux trois cycles d'une formation complète sont prévus.
Chaque volume se divise en quatre sections complémentaires :

1. Rythme
2. Intonation et Intervalles
3. Harmonie et Improvisation
4. Analyse et Interprétation

Les sections doivent être abordées simultanément, la progression pouvant coïncider d'une section à l'autre.
Marguerite Labrousse et Jean-Paul Despax, professeurs de formation musicale au CRR de Paris, ont conçu cet ouvrage d'après leur enseignement au sein des classes de chanteurs.


Avant-propos

Ce manuel s'adresse à des étudiants chanteurs adultes amateurs ou futurs professionnels.

Les objectifs en sont :
- une formation rigoureuse et systématique à l'intonation et aux principaux langages musicaux rencontrés dans le répertoire vocal (tonalité, modalité, atonalité, sérialisme...)
- une formation rythmique complète axée sur les spécificités de la musique vocale (prosodies dans différentes langues, types d'écriture vocal et instrumental)
- une initiation aux principaux outils d'analyse (phraséologie, analyse tonale et harmonique, structures et formes...)
- une immersion dans la culture du répertoire spécifique du chant (genres vocaux, pratiques d'interprétation, styles et époques variés)

La progression est rapide et permet à l'étudiant d'approfondir les activités effectuées en cours, grâce :
- aux textes du répertoire proposés avec leur accompagnement
- aux encarts théoriques synthétiques et précis
- aux exercices d'application

Trois volumes correspondant aux trois cycles d'une formation complète sont prévus.
Chaque volume se divise en quatre sections complémentaires - les sections doivent être abordées simultanément, la progression pouvant coïncider d'une section à l'autre.

1. Rythme
- Présentation des rythmes
- Mémorisation (reconnaissance et lecture)
- Lecture rythmique sur onomatopées
- Prosodie rythmique (textes du répertoire) avec un texte français, allemand, italien, anglais ou russe
- Lecture complète avec rythmes et paroles (sans accompagnement)
- Créativité : invention d'un rythme sur un texte littéraire proposé

2. Intonation et Intervalles
- Exercices d'intonation à lire et à chanter puis à écrire et à chanter
- Intervalles à lire et à chanter (en variant les clés, les armures, les altérations accidentelles, les rythmes...)
- Extraits du répertoire permettant la mise en pratique directe du travail d'intonation.

3. Harmonie et Improvisation
Les principaux accords sont tout d'abord présentés de manière théorique, en lien avec le travail sur les intervalles.
Sont ensuite proposés à l'improvisation puis à l'écriture différents exercices comme des basses obstinées, du contrepoint improvisé ou des phrases musicales, tous en lien avec un style ou un auteur.

4. Analyse et Interprétation
- Présentation de l'échelle et sélection de vocalises permettant la mise en voix et en oreille , en vue du déchiffrage.
- Questions d'analyse et de style suscitant une lecture approfondie du texte à interpréter.
- Texte musical issu du grand répertoire (mélodie, opéra, musique religieuse...) avec son accompagnement pianistique. / Méthodes

Solfège / Recueil / Les ouvrages écrits par Jean-Marc Allerme procèdent de l'évolution actuelle de la Formation Musicale. Ils permettent d'appréhender de manière efficace le nécessaire apprentissage des disciplines de l'?il (lecture et rythme) et de l'Oreille (chant et dictées), tout en gardant le lien avec la musique, indispensable à la formation des jeunes musiciens. En 21 leçons progressives pour les premiers, ou en 12 leçons pour les derniers, les volumes de la série Lecture/Rythme regroupent des ordonnances, lecture des notes, lectures rythmiques (et dictées dans la version professeur); de même, chaque volume de la série chant/audition/analyse regroupe des lectures chantées originales, des dépistages de fautes, des excercices d'analyse (et des dictées dans la version professeur). Les deux séries utilisées conjointement pour chaque niveau constituent un matériel pédagogique musical et technique, efficace et complet.