Par BEATLES THE. In over one thousand pages, the complete music and lyrics, in full 'rock score' transcriptions, of all the 203 songs they wrote and recorded as The Beatles, plus nine by others which they covered on their early albums. All transcribed with separate staves for vocals, each guitar (in tab and standard notation) and all other instruments...the essential Beatles collection. / Niveau : Intermédiaire / Rép International / Recueil / Conducteur

The Richard Wagner Complete Edition presents the composer's entire output for the first time in a reliable form. The conductor Michael Balling, in the early years of the 20th century, attempted to make Wagner's work more accessible for research and performance, but the edition only reached 10 volumes - some with grave shortcomings - and was discontinued after Balling's death in 1925. A further attempt at a complete edition by Otto Strobel was abandoned at the preliminary stages.This third attempt at a complete edition will be the first scholarly, critical edition, based on an evaluation of all the accessible source materials and the latest findings of serious Wagner research. As the edition is also intended for practical performance, the musical text has been kept free of philological insertions - these are listed in the appendices of each volume in the Critical Commentary. Numerous, partly unpublished works - some relatively unknown - and variant versions are published here for the first time. The edition presents authentic texts for Wagner specialists and researchers and critically based performing materials. Contrary to widely held opinions, even the well-known works of Wagner are not necessarily available in reliable editions. The genesis, history and performances directed by Wagner himself are extensively documented so as to present as complete an image as possible of Wagner's compositional intentions. / Conducteur

Création
20/07/2016 - Paris, Archives nationales, Festival Jeunes Talents - Marie-Laure Garnier (soprano), Anna Besson (flûte), Augustin Gorisse (cor anglais), Louise Lapierre (basson), Guillaume Sigier (piano)
Commanditaire
Festival Jeunes Talents 2016
Notice
Textes de Charles Baudelaire (in Les Fleurs du mal)
A une époque où foisonnent de nombreuses et pourtant si diverses esthétiques musicales, aucune direction ne semble réellement s'imposer. Si l'on associe au XXème siècle une période de bouleversements idéologiques, on l'associe également avec des phénomènes de ruptures. Pourtant, Henri Dutilleux, traverse ce siècle avec une grande sérénité. Sans jamais dévier du chemin unique qu'il se trace, il enchaîne les compositions à la fois sublimes et personnelles...
Ses univers poétiques - dont je me sens très proche - se renouvellent sans cesse : nocturnes (La Nuit Etoilée, Ainsi la Nuit, l'Arbre des Songes...), rituels (Incantatoire et Obsessionnel dans ses Métaboles), ou encore son travail sur la lumière (ses magnifiques Shadows of Time). Sa conception coloriste de l'harmonie et la liberté avec il l'emploie, son orchestre foisonnant, ces nappes vibrantes, ce travail si riche sur le timbre et l'espace ou encore ce lyrisme intense mais toujours contenu, participent à l'élaboration d'un langage profondément personnel et prégnant qui traverse l'intégralité de son oeuvre.
La vraie leçon de Dutilleux pour les jeunes compositeurs, c'est - comme Debussy avant lui, ou Thierry Escaich aujourd'hui - la singularité. Ce qui me fascine littéralement chez Henri Dutilleux, c'est la façon dont il s'approprie un héritage musical fort, à la fois par sa sensibilité et au moyen d'un artisanat méticuleux. Et si Dutilleux est un compositeur singulier, il s'agit d'une singularité intemporelle.
Lui rendre hommage est à la fois un honneur, un plaisir immense, mais également l'occasion de rendre hommage à la voie qu'il a ouverte et à l'exemple qu'il représente pour nous aujourd'hui - hommage que je suis ravie de partager avec quatre autres compositeurs.
C'est tout naturellement que je me suis tournée vers la littérature de Charles Baudelaire, correspondant à la fois mon univers et à celui onirique d'Henri Dutilleux.
Mes sonnets sont écrits pour quintette (soprano, flûte alto, cor anglais, basson et piano). La formation instrumentale imposant la famille des bois m'a orientée vers la nature avec La Géante. La Cloche fêlée m'inspirait par son sens et Le Flambeau vivant par son caractère incantatoire.
Les sonnets expriment des visions différentes : la première plutôt fantastique - celle d'une géante magnifique dans la Nature ; la seconde mystique et processionnelle ; et enfin, le spleen intérieur par la métaphore d'une cloche ébréchée. Cependant, je les ai conçus de la même manière : tous trois travaillent ainsi le phénomène de nappes sonores vibrantes et entêtantes. Cela confère à l'ensemble son côté hypnotique, sensation intense que je retrouve à la lecture des sonnets baudelairiens, comme à celle de la musique de Dutilleux.
Camille Pépin (mai 2016) / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

The title Cortege does not imply a funeral march but rather a measured processional in which the colours are predominantly sombre and the mood dark and often menacing. One of the most important elements of the work is the sequence of minor triads heard at the outset and dominating the latter part of the work: these do not have a conventional harmonic function but are a background which is suddenly thrown into stark relief to become the foreground.

Just as Serge Rachmaninoff's piano virtuosity ranked him among the greatest pianists of the twentieth century, his compositions for piano and orchestra won him an important position among modern composers. Among the works that ensure his reputation are the first three piano concertos, reprinted here from the authoritative full-score Russian editions.
Rachmaninoff wrote the stirring Piano Concerto No. 1 in the years 1890–91, while he was still a young student at the Moscow Conservatory, and revised it nearly three decades later in 1917, when he began to devote his life mainly to his international career as a piano virtuoso. The immense and enduring success of the Piano Concerto No. 2, completed in 1901, has made this romantic work one of the most performed and recorded in the concerto literature and one of the most familiar compositions in all of music. The powerful and expressive Piano Concerto No. 3 was composed for a concert tour of America, during which Rachmaninoff appeared with great success as composer, pianist, and conductor. Like the first two concertos, it remains a repertoire favorite in concert halls around the world.
All three acclaimed works are reprinted in this finely made yet remarkably inexpensive Dover edition. Musicians and music lovers will find it a convenient single-volume source from which to study intimately three major works of the twentieth century.
Reprint of the State Music Publishers, Moscow, 1965 edition. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / DOVER

Couverture Rigide. Par MARTINU BOHUSLAV. Replaces H 277 The two concertos contained in this volume represent two different stylistic periods within Martinu's work. The 'Concerto da Camera” (1941) is the last of his works inspired by the Baroque concerto grosso. The 'Rhapsody-Concerto”, composed eleven years later (1952), was the first work of his so-called 'fantasia period”, marked by a more open sense of form and an expansion of tonality. The edition of the 'Concerto da Camera' shows, for the first time, the extend of Martinu's modifications to the work since its composition and publication, particularly on the solo violin part. The edition of the 'Rhapsody-Concerto” takes into account, among others, the discovery of previously unknown contemporary performance materials. This volume of the Bohuslav Martinu-Complete Edition (BMCE) is based on a wealth of text and music sources, in particular autographs and contemporary copies that were recognized by the composer and early performers of the works, as well as some first editions created in collaboration with Martinu./ Répertoire / Conducteur

The surviving second and third acts of Catone in Utica, one of Metastasio's most dramatic libretti, premiered in Verona in the spring of 1737 in a setting by Vivaldi, contain some of his finest, most mature, and most original arias, and are published here for the first time. They evince a potential dramatic intensity that makes us regret all the more the loss of the first act. Only one aria of Act I can be definitely recovered from a surviving opera, but the rest has now also been successfully reconstructed by Alessandro Ciccolini, whose intimate knowledge of Vivaldi's working methods, combined with brilliant stylistic insight won universal acclaim for his work on Vivaldi's Motezuma and Ercole sul Termodoonte. Ciccolini has also composed cadenzas and da capo variations for all the arias, published here in an appendix.A complete recording under the direction of Alan Curtis is available from Naïve Records(OP30545).Press Quotes:'[For his completion,] Alessandro Ciccolini, who, mindful that Vivaldi frequently adapted vocal music for his instrumental works and vice versa, has composed the missing passages using themes from the concertos as his starting point. His arias dovetail beautifully with Vivaldi's scheme of things...' The Guardian'Ciccolini and Curtis deserve enormous credit for transforming an incomplete obscurity into a coherent and compelling opera.'Gramophone'The opera survives incomplete, but this is a fascinating and apt reconstruction and there is some marvellous stuff here.' BBC Music Magazine / Conducteur

For Cello and string orchestra and commisioned by the 1985 Kings Lynn Festival with funds provided by the Arts Council of Great Britain. Maw's highly individual musical voice is basically tonal blending the familiar with the unfamiliar and characterised by a natural lyricism. a great many remarkable qualities. . . it contains numerous precise and beautiful images.Paul Griffiths The Times 22 September 1986

Par HINDSON MATTHEW. Whitewater, comme son nom l'indique, est inspiré de l'eau dans les ruisseaux, les rivières et les ruisseaux autour de roches et d'autres obstacles. Le travail a été vaguement structuré autour de la progression d'une rivière - torsion, tournant - il y a parfois des articles comme les autres, d'autres sont apparemment totalement différent, pourtant toujours partie de l'entité. Il y a trois sections principales dans cette pièce surtout rapide. Chacun de ces contiennent solo virtuose jouant comme écriture tutti. Whitewater était une Commission du millénaire de Faber Music. Matthew Hindson a été nommé par Carl Vine./ Répertoire / Conducteur

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT