Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par MANTOVANI BRUNO. Lorsque Frank Madlener m'a proposé le projet de confronter un orchestre symphonique avec la lutherie électronique, j'ai tout de suite accepté ce défi sachant qu'il me faudrait rapidement fixer des contraintes très fortes, tant le champ des possibles, qu'il soit instrumental ou électroacoustique, était infini. Mon idée initiale était d'utiliser pour la première fois des transformations en temps réel, afin d'assouplir les rapports de verticalité et d'utiliser l'informatique comme un moyen d'orchestration. Celle de Frank était de se demander comment l'électronique pouvait créer l'illusion d'un orchestre déployé dans l'espace, entourant le public, et créant des configurations acoustiques inouïes. Afin de travailler sur cette problématique, j'ai décidé d'utiliser une formation orchestrale défective, ou certains instruments (notamment ceux qui étaient les moins localisables à l'écoute, comme le basson ou le cor) seraient absents et 'remplacés' dans la texture générale par l'ordinateur. Qui dit 'illusion' dit aussi 'surprise', et j'avais besoin, pour élaborer la forme de l'oeuvre, de prendre comme point de départ une source qui ait à la fois une grande diversité interne (une succession d'instants pourraient être traduits musicalement par autant de configurations acoustiques) et une cohérence. Rapidement, il m'est apparu que mes recherches étaient finalement très similaires à celles de l'immense chef espagnol Ferran Adrià, dont la cuisine joue en permanence sur le conflit entre connu et inconnu, entre référence et invention abstraite, et dont les menus sont 'composés' avec un sens de la forme absolument saisissant. Très régulièrement, je tente d'établir des liens entre la musique et les arts de la bouche (gastronomie, oenologie), par l'improvisation au piano sur des vins ou des mets, et par l'écriture (notamment d'un duo pour alto et piano, Quelques effervescences, qui s'inspire de vins pétillants du monde). Les deux univers me semblent intimement liés, dans l'immédiateté de la réception, et dans le parallélisme entre les sensations éprouvées (de nombreux musiciens font appel à des métaphores gustatives pour parler de leur travail : un accord 'épicé', une sonorité 'grasse', une orchestration 'acide'...). Le menu que j'ai eu l'honneur de déguster en 2007 au restaurant 'El Bulli' s'articulait autour de 35 plats que j'ai utilisés chronologiquement, tant l'articulation entre le salé et le sucré, les mets marins et terriens, le végétal et l'animal était, en soi, une dramaturgie parfaite. L'illusion était présente dès le premier instant. Ainsi, 'l'olive sphérique' qui débutait ce repas jouait sur le contraste entre un objet visuellement identifiable (une olive) et son 'interprétation' surprenante (il s'agissait en fait d'une reconstruction visuelle de l'olive, mais qui n'était autre que de l'huile d'olive emprisonnée dans une fine couche gélatineuse verte : aspect et goût étaient en phase, mais la texture, elle, était inouïe). Musicalement, la traduction de ce plat était assez évidente : un impact reprenant l'explosion de cet met en bouche débute la pièce, et une texture plus continue vient évoquer le déploiement de l'huile dans la bouche. Certains plats sont assez unitaires, d'autres contiennent en eux un parcours que j'ai fidèlement reproduit (par exemple la 'framboise au wasabi', qui se déguste en trois temps successifs). J'ai aussi mis en relation certains plats entre eux, afin de créer des 'retours' qui permettent à la structure musicale de sortir d'une logique de catalogue (par exemple, une fleur de capucine, dégustée avant les desserts, renvoie gustativement, et donc musicalement, à une amande fraîche qui, elle, est présente dans le premier quart du repas). Ce 'livre' s'achève sur la texture aérienne d'un papier effervescent au cassis qui conclut de façon suspensive une pièce particulièrement animée, où les masses sonores s'opposent de façon frontale, et viennent occuper tout l'espace de la salle de concert. Commande de l'Orchestre de Paris et de l'Ircam, le Livre des illusions (hommage à Ferran Adrià) est dédié à Marie Linden et Grégoire Biasini. Cette oeuvre a été créée à la salle Pleyel le 11 juin 2009 sous la direction de Jean Deroyer. Bruno Mantovani Liste des plats au menu du restaurant 'El Bulli' de Ferran Adrià, illustrés dans l'oeuvre de Bruno Mantovani: - Olives sphériques - Gin Fizz - Chocolat sans chocolat #1 (pistache) - Snack doré - Mercedes - Frites d'ananas lyophilisé - Chocolat sans chocolat #2 (ananas) - Meringue de betterave au yaourt - Boule de cacao amer - Chocolat sans chocolat #3 (cassis) - G.P. - Galette curry/cacahuètes - Meringue à la pistache avec espuma de yaourt - Eponge de sésame - Dacquoise de pignons - Framboise au wasabi - Fleur de horchata - Amande fraîche et huile d'amande - Haricot géant à l'ail japonais - Meringue au Schweppes avec fraises lyophilisées - Anchois à la fleur de basilic - Assiette italienne - Risotto de pamplemousse - Gnocchi de polenta - Ravioles de graines de pimientos del Padron - Couteaux aux algues - Caviar d'escargots - Concombres de mer avec cannelloni d'algues - Anguille à la moelle/fleur de capucine/concombre - Barbe à papa, glace à la banane - Mûres à la liqueur de mûre - Dessert blanc - Fraises au vinaigre de Jerez - Sablés mandarine/thé vert/menthe - Papier effervescent au cassis / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par CANAT DE CHIZY EDITH. Le point de départ de cette pièce fut le tableau de Van Gogh: Champ de blé avec corbeaux, l'un des tout derniers qu'il a peints avant son suicide le 27 juillet 1890, et que l'on a souvent considéré comme annonciateur de ce geste désespéré. Ce tableau m'a immédiatement rappelé ces vers français de Rainer Maria Rilke dans les Quatrains valaisans: 'Chemins qui ne mènent nulle part, entre deux prés, que l'on dirait avec art de leur but détournés, / Chemins qui souvent n'ont devant eux rien d'autre en face / Que le pur espace et la saison.' Des vers qui, eux-mêmes, ont donné leur titre à un ouvrage du philosophe Martin Heidegger, Chemins qui ne mènent nulle part, dont je pourrais dire qu'il est à l'origine de ma vocation: c'est après avoir découvert, durant mes études de philosophie, ce livre, dans lequel Heidegger parle de la dimension métaphysique de la poésie, notamment à partir de l'oeuvre de Rilke, que j'ai choisi d'entrer au Conservatoire de Paris et de me consacrer à la composition. A mes yeux, la musique possède une dimension métaphysique au même titre que la poésie: comme le dit Heidegger 'L'oeuvre d'art ouvre à sa manière l'être de l'étant.' Toutes mes oeuvres tendent à évoquer cette 'troisième dimension' de la musique. L'essentiel d'une oeuvre réside toujours pour moi dans cette tentative de suggérer un autre monde, cet 'ailleurs' qui nous dépasse. A cet égard, Omen fait intervenir - dans son inspiration, non dans son écriture proprement dite - tout un réseau de correspondances qui offre en quelque sorte, une synthèse de ma démarche et de mes préoccupations. L'allusion au tableau de Van Gogh tout d'abord, inscrit cette partition dans la lignée de celles qui m'ont été inspirées par la peinture: mon concerto pour alto était centré autour de Nicolas de Staël, et je viens d'achever une composition pour flûte et ensemble à partir d'un tableau de Turner. Ensuite, il y a la figure même de Van Gogh: son parcours spirituel, tout comme celui de Staël, en font l'une de ces 'comètes', venues d'un autre monde, dont parle la poétesse Marina Tsvetaïeva. Le titre de Omen, qui signifie 'présage' en anglais de même qu'en latin, évoque ainsi le mystérieux et funeste destin de ce peintre visionnaire. Cette idée de 'trajectoire' (qui rejoint ici l'image du 'chemin') est un autre des thèmes qui me sont chers, et elle est également à l'oeuvre dans Omen. L'écriture pour orchestre reste mon mode d'expression privilégié de par la réflexion sur l'organisation de l'espace sonore, sa profondeur, et le travail sur les timbres qu'elle induit: dans cette pièce, l'orchestre devient un univers de mouvement propre à traduire cette idée de tournoiement (la dialectique entre mouvement et immobilité est un autre axe de mon travail depuis quelque temps, notamment avec les cordes) qui, dans le tableau de Van Gogh - avec le vol des corbeaux, ce ciel renversé - revêt une signification évidemment dramatique, et prémonitoire. / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par HAENDEL GEORG FRIEDRICH. ?Giulio Cesare in Egitto? is by far Handel?s most frequently performed opera owing its success not least to its subject matter, one of the best known love stories in world history. Already during Handel?s lifetime the popular work was often staged and therefore adapted by Handel for each of the performance conditions. The editor Hans Dieter Clausen has succeeded in editorially defining and practically presenting these adaptations ? essentially four versions ? on the basis of a meticulous study of the sources within the framework of the ?Halle Handel Edition?. The new edition allows for a performance of each of the four versions. The version of 1725 is particularly noteworthy because Handel newly devised the role of Sesto for the famous tenor Francesco Borosini. The libretto shows the Roman dictator Cesar in a friendly light. He instructs his enemy, the Egyptian tyrant Tolomeo, how to treat adversaries: he reconciles the widow and son of his enemy Pompeo who was murdered by Tolomeo: he is generous and just, hands on, but also diplomatic, thoughtful, aware of the limits of his power, and susceptible for art and nature. However, the actual protagonist of the opera is Cleopatra. In a masterly way Handel develops her character musically. In his extensive Foreword Hans Dieter Clausen not only decribes the genesis, historical background, reception and the edition of the opera, he also examines the musical and dramaturgical reworking of individual numbers in ?Giulio Cesare?. Handel was such an expert in adapting arias for new purposes and other characters that he did not only meet the needs at hand but often the new version surpassed the original. In this way, the reader gains, in passing, a well-founded insight into Handel?s work methods when designing and redevising his characters. The detailed Critical Commentary includes information on the comprehensive and highly complex source situation as well as on individual editorial decisions./ Répertoire / Chant et Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus La clemenza di Tito K. 621 Facsimile of Mozart's autograph score The Seven Great Operas in Facsimile Editions of Mozart?s Autograph Scores ?Idomeneo?, ?Die Entführung aus dem Serail?, ?Le nozze di Figaro?, ?Don Giovanni?, ? Così fan tutte ?, ?Die Zauberflöte ?, ?La clemenza di Tito? ? Mozart?s seven great operas, his brilliant contribution to music theatre and world culture, are unequalled in their depth of human characterisation and musical expression. Through happy coincidence, all seven opera scores have survived almost complete in Mozart?s manuscript. The Packard Humanities Institute (PHI, Los Altos , California ) has now embarked on producing a facsimile edition of the seven autograph scores. Mozart scholars, libraries and of course all lovers of Mozart?s stage works now have the opportunity of acquiring these priceless manuscripts in flawless reproductions. At the same time, all risks about preserving Mozart?s legacy for the world of music are taken care of. The Packard Humanities Institute (PHI) charitable foundation, known for its philanthropic programmes in the arts and sciences, has forged an ideal cooperation for the Mozart project. Under the scholarly direction of an editorial board (Ulrich Konrad , David Packard, Wolfgang Rehm , Christoph Wolff; General editor Dietrich Berke) the International Mozarteum Foundation Salzburg and the libraries where Mozart?s manuscripts are held are working together with the Packard Humanities Institute. The production of the volumes is exquisite, for the digitalization of the manuscripts has been undertaken using the latest technology, which allows for an astounding level of authenticity and precision in detail. The printing follows the uncompromisingly high standards demanded by the edition. All seven volumes include essays on the history of literature and ideas by Hendrik Birus , Hans Joachim Kreutzer and Robert Miller as well as musicological introductions by leading Mozart scholars in German and English. The facsimile edition will be distributed by Bärenreiter- Verlag . - consolidation of Mozart manuscripts held in different places - highest level of precision in reproduction and authenticity of colour through use of the latest technology - unique offer thanks to project sponsorship by the Packard Humanities Institute (Los Altos, California) Precision in reproduction thanks to cutting edge technology In preparing the manuscripts for reproduction, equipment was used in line with the highest technical standards currently available. Mozart?s original manuscripts of the seven operas are held by several libraries. For five of the operas, the different acts have even ended up in different libraries following World War II. Thus, the autograph of Act I of ? Così fan tutte ? is in the Jagiellonian Library in Kraków and the second act in the Staatsbibliothek zu Berlin ? Preußischer Kulturbesitz . In order to achieve a uniformly high level of precision in reproduction and authenticity of colour both within a work and for all seven editions, the use of the same technical equipment in all the different places was a prerequisite. Specialist from the Salzburg firm ? Kirchberger Photography? were employed, were provided with the latest equipment by the Packard Humanities Institute and also given special additional training in the modern technology by specialists in the USA. Proofs of each edition were compared with the original in each location and improved until the likeness could not be bettered in all details. Mozart?s music and text notation is reproduced extremely clearly, and even those places where Mozart corrected or had rubbed out marks he had already made, appear in these editions in a previously unmatched transparency.

Carl Maria von Weber's fame rests mainly on ?Der Freischütz'. The unprecedented success of this opera overshadowed all his other works and contributed to their increasing fall into oblivion. Certain works such as ?Preciosa', ?Oberon', and ?Euryanthe', the overtures, solo concertos and piano sonatas, the lieder and chamber works enjoyed great popularity and were widely known in Germany and abroad as late as the second half of the 19th century. However, any chance of a revival of Weber's influential and substantial oeuvre was wasted in the 1920s, when a complete edition - begun by Hans Joachim Moser and with potential contributors including Wilhelm Kempff, Hans Pfitzner, Max von Schillings, Fritz Stein and Richard Strauss - failed after the third volume.Ever since there have been numerous attempts to restart a complete edition of Weber's works, but as this kind of project would have required the co-operation of scholars from both sides of the inter-German border, the political situation after 1945 was not conducive to any such enterprise. Careful negotiations led to the first tangible steps in the 1980s. The intention, right from the beginning, was to place Weber's work in context, and not to separate his musical output from his influential work as a writer, critic and organiser in the musical field, but to publish his compositions together with his letters, diaries and other literary output as the best way to document the cross-fertilisation between his musical, literary and practical activities.Since the German re-unification both working-parties concerned - at the Staatsbibliothek zu Berlin, and at the Musikwissenschaftliches Seminar, Detmold/Paderborn - have co-operated on the complete edition of the musical works (c. 45 volumes in 10 series: sacred music - cantatas, odes and other occasional works - stage works - lieder and vocal works - orchestral works - chamber music - music for piano - piano reductions - miscellanea, arrangements and orchestrations - works of doubtful attribution). The diaries (6-8 vols.) are edited in Berlin and the letters (8-10 vols.) and other writings (2 vols.) in Detmold. This complete edition aims to be a reliable basis of scholarly debate as well as for the authentic performance practice of Carl Maria von Weber's music. Conforming to the standards of recent historico-critical editions, the textual material will be based on all available authentic sources, accompanied by a detailed documentation of the genesis and a list of variants for each work. The musicological importance of the works will be evaluated by placing them in their historical context, the presentation of their genesis, history and Critical Commentaries. The letters, writings and diaries will be treated as inter-related and relevant to each other in the commentaries, therefore readers should benefit from a wealth of concise information and cross-references. / Score

Par LARUETTE JEAN-LOUIS. D'un petit volume déniché un peu par hasard à la bibliothèque de l'Arsenal a germé, après un jeu de piste passionnant, un opéra-comique : Cendrillon. C'est une ?uvre à tiroir, reflet d'une époque très particulière de la musique française, se glissant entre la fin du baroque flamboyant et le classicisme naissant. Le compositeur mêle des airs célèbres d'opéras (qu'il emprunte à des compositeurs comme Jean-Philippe Rameau, Egidio Duny, les parodiant parfois), à des chants populaires (les vaudevilles qui, par référence au texte original, permettaient le jeu de mot, le double sens) et compose ses propres pièces, qu'il adapte parfaitement au texte du librettiste Louis Anseaume. Rejouée pour la première fois en 2005 en version concert par l'ensemble Les Monts du Reuil à Vincennes, cette Cendrillon de 1759 n'a pas été sans poser beaucoup de questions. Nous tenions à respecter l'esprit d'une interprétation « baroque » attentive, tout en acceptant l'espace de liberté et de création suggéré par le genre. Nos choix s'appuient sur les conseils de musicologues et nous assumons la part évidente d'incertitude inhérente à l'interprétation d'un opéra-comique en vaudevilles de cette période. Soulignons que c'est devant la grande qualité du livret de Louis Anseaume et des airs de Jean-Louis Laruette que nous avons entrepris ce travail : Cendrillon nous dévoile un compositeur sensible qui s'exprime en demi-teintes et nous touche par ses mélodies tendres et délicates./ Répertoire / Conducteur

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Ce score étude de 'La clemenza di Tito' est basé sur l'édition à la fois Giegling Franz de 1970, qui a été publié dans le cadre du 'New Edition Mozart', et le commentaire critique à partir de 1994. Les manuscrits autographes de numéros 2, 11 et 12 de l'opéra de Mozart ont été considérés comme perdus après la fin de la Seconde Guerre mondiale. En 1979/80 de ces pièces manuscrites ont été reportés et sont conservés dans le Jagiellonska Biblioteka, Cracovie. L'évaluation de cette source a été publié dans le commentaire critique de 1994 et a été inclus dans la deuxième impression du volume respectif de New Mozart Edition (1997). Le score étude Bärenreiter est basé sur cette nouvelle édition de 'La Clemenza di Tito', tel que publié dans le 'New Edition Mozart'. - Basé sur le Urtext de la 'Nouvelle édition Mozart', reflétant l'état actuel des bourses musicologique - Avec une préface informative/ Répertoire / Orchestre

Le 29 mai 2013 voit le 100e anniversaire de la première à Paris d'un travail une fois-dans-un-siècle: Igor Stravinsky 'Le Sacre du Printemps'. Cette date, qui est monumentale pour la musique et le ballet historiographie semblables, marque la percée de l'ère moderne.Pour marquer cet événement, la Fondation Paul Sacher à Bâle qui maintient la succession Stravinsky publie une édition anniversaire en trois volumes: deux fac-similés annotés - la partition autographe ainsi que la version pour piano à quatre mains - et un livre avec des contributions par des chercheurs de pointe. Un enrichissante, sinon édition indispensable pour tous ceux qui s'intéressent à la musique et de l'art moderne! / Orchestre

Par HAYDN FRANZ JOSEF. Les douze «Symphonies de Londres» constituent le sublime accord final dans l’œuvre symphonique de Haydn. Elles furent composées pour l’impresario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations alors qu’il demeurait pour un certain temps dans la métropole anglaise dans les années 1791-92 et 1794-95. La Symphonie n° 96 en Ré majeur de 1791 fait partie des premières symphonies conçues à Londres, pour Londres. Elle a été postérieurement surnommée «Le miracle», mais ce surnom lui a été affecté par erreur car si un miracle a bien eu lieu, épargnant les auditeurs lors de la chute d’un lourd candélabre sans que personne de l’assistance ne fût blessé, ce fut à l’occasion d’un concert où était jouée une autre symphonie de Haydn. Elle n’en reste pas moins un miracle d’esprit musical: du raffinement des rapports harmoniques des motifs en accords parfaits par lesquels commence chacun des quatre mouvements, jusqu’aux changements d’atmosphère virtuoses résultant de surprenantes modulations harmoniques, Haydn livre ici une véritable parade démonstrative du développement de ses idées musicales. L’édition d’étude reprend le texte de l’édition complète des œuvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir./ Répertoire / Orchestre Symphonique

Vol. 10/II - Edizione critica a cura di Alessandro Borin-David Bryant (testi in italiano e inglese). Par GABRIELI ANDREA. Vol. 10 of the Complete Works, articulated in two parts, contains the music found exclusively in manuscript and printed anthologies compiled prior to the great sixteenth-century Venetian composer?s death in 1585. Broadly speaking, Gabrieli?s contributions to collective anthologies fall into the following categories: 1) celebratory compositions, in several cases conceived as individual contributions to madrigal cycles by various composers in honour of more or less prominent Venetian or other personalities; 2) compositions originating in social and cultural circles close to Gabrieli; products of the composer?s habitual interaction with patrons, poets and musicians in mid sixteenth-century Venice, these compositions are published in anthologies containing similar works by other composers in Gabrieli?s milieu; 3) individual madrigals inserted in generic multi-author anthologies. Vol. 10/I features eight compositions on texts in Latin, Italian and ?stradioto? dialect (a linguistic concoction in which words of Greek origin appear against a background of simulated Venetian dialect). These include Gabrieli?s contribution to a Corona of nine sonnets by various composers on the death of Annibale Caro, the celebrated man-of-letters whose production comprises a highly successful Italian translation of Virgil?s Aeneid. The entire Corona is edited in the Complete Works. Gabrieli?s presence in multi-author anthologies follows a predictable pattern. The young composer?s earliest madrigals appear in editions of music by well-established authors (Vincenzo Ruffo, Cipriano de Rore) or collective anthologies edited by enterprising local musicians or other cultural figures (Giulio Bonagiunta, a singer at St Mark?s; the Venetian poet, actor and musician Antonio Molino). These give way to anthologies of music by highly celebrated composers, to which Gabrieli, his reputation now secure, accedes by invitation; and, beginning in 1583, non-Italian publications (increasingly common in the years following the composer?s death). / Date parution : 2022-04-26/ Recueil / Orchestre

Par SORENSEN BENT . When it comes to titles, almost all the works I have composed have found their title before or at the same moment I started them. That is why it was also surprising - not to say transgressive - for me that my work for 9 instruments for Ensemble MidtVest was completely untitled until the last bar. Then it dawned on me that the titlelessness was a natural result of the music's volatility. It was - and is - as if the music was constantly escaping from itself. The beginning of the work is definitely an escape into a new chapter, and that feeling runs through the entire work. In a longer section, the music flies towards a Barcarole, where the piano has a soloist role, and this is probably a result of my recurring dream of Venice - the gondolas in the swaying rhythms of the canals. Hence the Italian title, 'Fuggitivo' - fugitive. The work was composed for and commissioned by Ensemble MidtVest with support from the Danish Arts Foundation. / Date parution : 2023-10-31/ Répertoire / Orchestre

Britannia a été écrit en 1994 que la célébration d'une force majeure dans notre vie musicale, l'orchestre britannique. Le travail Remplir une commande de British Telecommunications plc avec l'Association de la Colombie-Orchestres dans le cadre de la série BT célébration, et fournit tous les grands orchestres du Royaume-Uni avec une nouvelle ouverture de concert pour la performance de la saison 1994/95.Britannia est un fantasme de dix minutes orchestrale basée sur des 'thèmes patriotiques. Il n'existe aucun programme de recherche, mais que l'histoire de la tapisserie de mélodies populaires et des allusions de résonance, compte tenu de leurs contextes nouveaux et inconnus, peut provoquer certains scénarios surprenant dans l'esprit de l'auditeur, en particulier à un moment où le chauvinisme petite menace à l'arrière une fois de plus dans toute l'Europe. La pièce se développe sur un court sketch écrit plus tôt cette année, Mémoire Impériale, qui est basé sur un air de mars par le général Reid, à l'officier britannique du 18e siècle, l'armée qui a créé le département de musique de l'Université d'Edimbourg. Ce thème et le 'impériale' d'Elgar et de thèmes Arne sont jetés dans une concoction volatile avec d'autres matériaux - une bobine irlandaise (qui devient un gabarit), une chanson à boire Cockney, des airs d'autres mars et une modalité brumeux celtique.Toutes les idées principales sont présentées dans une succession rapide et forte au cours de la section d'ouverture rapide. La partie lente milieu commence avec un canon sereine qui est progressivement Minée par gradés de l'armée et des percussions sur des allusions. Cette confrontation conduit à l'apogée du travail, suivie d'une coda en suspens.Britannia est dédié à Libby MacNamara de l'Association des orchestres britanniques. / Orchestre

for Orchestra Full Score. Par PENG-PENG GONG. “In celebration of the 40th anniversary of China-U.S. diplomatic relations and in hope to support the promotion of Chinese culture abroad, Peng-Peng Gong's (b. 1992) Tenth Symphony, subtitled 'Peking Fantasy' (Op. 55) was co-commissioned by the Philadelphia Orchestra and the Shanghai Philharmonic Orchestra in 2017. The world premiere of the 2018 original version was presented by the SPO in April of the same year in Shanghai, while the world premiere of the 2019 revised version was presented by the Philadelphia Orchestra in January at its home venue with the combined forces of both orchestras side-by-side. Inspired by the artistic power of Peking Opera ?the crowning heritage of Chinese traditional performing arts, the symphony strives to translate the emotional and philosophical experience of the art form for international audiences and to explore the Western orchestra's expressive abilities in capturing the Eastern spirit. The 2018 original version ran as long as 76 minutes, before the composer extensively revised the score down to 40 and presented it in a single movement without pause. The work is scored for a huge orchestra of over 100 players. Main materials that inspired the music are from the traditional Peking Opera repertory: The Drunken Beauty, Farewell My Concubine, In Pursuit of the General, and The Chancellor and the Advisor (lit. Cao Cao and Yang Xiu). 'Peking Fantasy' is in a sweet, direct musical language ...It's a work of highly original sounds presented in a series of vivid episodes.” -Peter Dobrin, The Philadelphia Inquirer Please note: this item will be printed at the time of ordering and will ship as soon as possible, usually within 2-3 weeks. / Date parution : 2022-01-18/ Répertoire / Orchestre

Based on the Critical Edition- Orchestra material on hire. Par MAHLER GUSTAV. The large-scale form of 'Symphony No. 9' is unusual in a number of ways. It reminds in no way of the ninth symphonies of famous predecessors. Two slow movements, an Andante comodo at the beginning and an Adagio at the end, form the frame for two of the most parodistic and embittered inner movements that Mahler ever wrote - a ländler-waltz combination, and the 'Rondo-Burleske', a bitter, ironic movement that is derisively dedicated 'to my brothers in Apollo'. The most extraordinary part of Mahler's last completed symphony must certainly be the slow finale - a 20-minute long intensively singing movement laden with conflict that includes references to earlier works by Mahler, in slow motion as it were ('Urlicht',' Ablösung im Sommer', the 'Scherzo of Symphony No. 3', 'Der Abschied' from 'Das Lied von der Erde', and 'Oft denk' ich, sie sind nur ausgegangen' from the 'Kindertotenlieder'); it indeed seems that a circle is being closed. (Reinhold Kubik) Universal Edition continues its new study score standard. These completely redesigned scores offer an unparalleled insight into the music of the last hundred years. Great care has been taken to select the best available content for this journey through music history, and every score has been edited according to the latest quality standards./ Répertoire / Orchestre