SKU: HL.49012047
ISBN 9790001100809. UPC: 888680633165. 9.0x12.0x0.135 inches.
This work was written for the Donaueschingen Musiktage of 1926 and given its first performance there together with Paul Hindemith's 'Konzertmusik' and Ernst Toch's 'Spiel' for wind band. Until a few years ago the score was thought to be lost. This first edition reproduces the original Version but it has been carefully extended so that it can be played by the usual combination of Instruments now found in a wind band. The work is suitable for advanced wind bands and those at the highest level, and is one of the first original compositions for this form of ensemble.Hans Gal was born in Vienna where he studied composition and musicology and then taught at the university. From 1929 until 1933 he was Director of the Musikhochschule in Mainz. He then had to return to Vienna and he emigrated to Edinburgh where he was a university lecturer and conductor. Together with Eusebius Mandyczewski he published the collected works of Brahms1 Piccolo-Flote, 2 Floten, 1 Oboe ad lib., 1 Fagott ad lib., 1 Klarinette in Es, 3 Klarinetten in B, 1 Bass-Klarinette in B ad lib., 2 Alt-Saxophone in Es ad lib., 1 Tenor-Saxophon in B ad lib., 1 Bariton-Saxophon in es ad lib., 3 Horner in F, 2 Trompeten in B, 3 Posaunen, 2 Flugelhorner in B, 2 Tenorhorner in B, 1 Bariton, 2 Tuben, Pauken, Schlagzeug: kleine Trommel, grosse Trommel, Tamburin, Triangel, Becken).
SKU: HL.49012048
ISBN 9790001100816. UPC: 884088158811. 8.25x11.75x0.634 inches.
SKU: BT.DHP-1115104-140
9x12 inches.
Odelettesis the title of a cycle of poems by the 19th-century French writer, Gérard de Neval. In his work, Trois Odelettes, Jacob de Haan set three of de Neval’s poems to music for soprano voice and concert band: Une Allée du Luxembourg describes a fleeting moment of love; Espagne is a typically sounding ode to Spain; and Chanson Gothique describes the joy of life itself. Odelettesis de titel van een reeks gedichten uit de negentiende eeuw van de Fransman Gérard de Nerval. Met Trois Odelettes verklankte Jacob de Haan speciaal voor sopraan en orkest drie gedichten uit de cyclus. UneAllée du Luxembourg beschrijft een vluchtig moment van liefde. Espagne is een ode aan Spanje met een Arabisch tintje. Met Chanson Gothique koos Jacob de Haan tenslotte een gedicht over de levensvreugde. Alle drieprachtig!Odelettes ist der Titel einer Gedichtreihe des Franzosen Gérard de Nerval aus dem 19. Jahrhundert. Jacob de Haan vertonte in Trois Odelettes drei Gedichte aus diesem Zyklus für eine Sopran-Singstimme und Blasorchester: Une Allée du Luxembourg beschreibt eine flüchtigen Moment der Liebe, Espagne ist eine typisch spanische - mit einem arabischem Hauch - vertonte Ode an Spanien. Mit Chanson Gothique wählte Jacob de Haan zuletzt ein Gedicht über die Lebensfreude.Odelettes est le nom du recueil de poèmes de Gérard de Nerval, poète français du XIXe siècle. Souffrant les tourments de la psychose, Nerval, poète maudit, vivait dans le royaume de son imagination, s’identifiant des princes de contes de fées et des héros orientaux. Son oeuvre restreinte, mais sublime, a profondément inspiré les poètes symbolistes et surréalistes. Jacob de Haan a composé des thèmes en osmose avec les rythmes des poèmes : Une Allée du Luxembourg, Espagne et Chanson Gothique, pour soprano solo et orchestre d’harmonie.Odelettes è il titolo di una serie di poemi del XIX° secolo di Gérard de Nerval. Jacob de Haan ha raccolto in Trois Odelettes altrettanti poemi da questo ciclo per soprano solo e banda. Une Allée du Luxembourg descrive un momento sfuggevole dell’amore, Espagne è un omaggio tipicamente spagnolo, ma con accenti arabi, alla Spagna. Con Chanson Gothique Jacob de Haan ha scelto un racconto sulla gioia di vivere.
SKU: BT.DHP-1115104-010
Odelettesis the title of a cycle of poems by the 19th-century French writer, Gérard de Neval. In his work, Trois Odelettes, Jacob de Haan set three of de Neval’s poems to music for soprano voice and concert band: Une Allée du Luxembourg describes a fleeting moment of love; Espagne is a typically sounding ode to Spain; and Chanson Gothique describes the joy of life itself. Odelettesis de titel van een reeks gedichten uit de negentiende eeuw van de Fransman Gérard de Nerval. Met Trois Odelettes verklankte Jacob de Haan speciaal voor sopraan en orkest drie gedichten uit de cyclus. Une Alléedu Luxembourg beschrijft een vluchtig moment van liefde. Espagne is een ode aan Spanje met een Arabisch tintje. Met Chanson Gothique koos Jacob de Haan tenslotte een gedicht over de levensvreugde. Alle drie practig!Odelettes ist der Titel einer Gedichtreihe des Franzosen Gérard de Nerval aus dem 19. Jahrhundert. Jacob de Haan vertonte in Trois Odelettes drei Gedichte aus diesem Zyklus für eine Sopran-Singstimme und Blasorchester: Une Allée du Luxembourg beschreibt eine flüchtigen Moment der Liebe, Espagne ist eine typisch spanische - mit einem arabischem Hauch - vertonte Ode an Spanien. Mit Chanson Gothique wählte Jacob de Haan zuletzt ein Gedicht über die Lebensfreude.Odelettes est le nom du recueil de poèmes de Gérard de Nerval, poète français du XIXe siècle. Souffrant les tourments de la psychose, Nerval, poète maudit, vivait dans le royaume de son imagination, s’identifiant des princes de contes de fées et des héros orientaux. Son oeuvre restreinte, mais sublime, a profondément inspiré les poètes symbolistes et surréalistes. Jacob de Haan a composé des thèmes en osmose avec les rythmes des poèmes : Une Allée du Luxembourg, Espagne et Chanson Gothique, pour soprano solo et orchestre d’harmonie.Odelettes è il titolo di una serie di poemi del XIX° secolo di Gérard de Nerval. Jacob de Haan ha raccolto in Trois Odelettes altrettanti poemi da questo ciclo per soprano solo e banda. Une Allée du Luxembourg descrive un momento sfuggevole dell’amore, Espagne è un omaggio tipicamente spagnolo, ma con accenti arabi, alla Spagna. Con Chanson Gothique Jacob de Haan ha scelto un racconto sulla gioia di vivere.
SKU: BT.DHP-1064049-010
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
The French-speaking Flemish singer, composer and lyricist Jacques Brel was born in Brussels in 1929. In the 1950s, he broke away from his bourgeois social background of his family and started an artist’s life in Paris, where he initially wrote chansons and earned a living by performing in small cabarets and bars. Over the following years he achieved worldwide fame with his chansons, which were alternately harsh and melancholic Roland Kernen has selected a number of the wonderful chansons written by this most creative artist to produce this unforgettable chanson medley.De Franstalige Vlaamse zanger, componist en tekstschrijver Jacques Brel (1929-1978) spreekt ook vandaag de dag nog tot de verbeelding en zijn muziek is nog altijd geliefd. In zijn Brel-medley voor harmonieorkest verwerkte RolandKernen een aantal van de prachtige chansons die deze onvergetelijke artiest schreef: Vesoul, Amsterdam, Ne me quitte pas (Laat me niet alleen) en La valse mille temps.Mit seinen Chansons, die mal barsche, mal melancholische Töne aufweisen, erlangte der flämische Sänger, Komponist und Lyriker Jacques Brel in den fünfziger und sechziger Jahren des vergangenen Jahrhunderts Weltruhm. Auch weit über seinen Tod im Jahr 1978 hinaus kennt und liebt die Welt seine Lieder. In seinem Medley für Blasorchester verarbeitete Roland Kernen einige der wundervollen Chansons dieses unvergessenen Künstlers. Auteur, compositeur, chanteur, acteur, cinéaste mais avant tout poète, Jacques Brel (1929-1978) a magnifié la chanson française.Par la justesse de ses textes, par son talent d’interprétation, cet artiste - obsédé par la mort et amoureux de la vie - a su trouver les mots qui, génération après génération, continuent de nous toucher. Près de trente ans après sa mort, sa voix, sa désespérance et sa rage résonnent toujours en nous. Autore, compositore, cantante, attore, cineasta ma soprattutto poeta, Jacques Brel (1929-1978) ha rappresentato magnificamente la canzone francese. Con i suoi testi, il suo talento di interpretazione, questo artista - ossesso dalla morte e innamorato della vita - ha saputo trovare le parole che continuano a commuoverci anche trent’anni dopo la sua morte.
SKU: GI.G-125927
ISBN 9781574633986. UPC: 884088993788.
The second edition of Music for Concert Band is a new and comprehensive anthology of meticulously selected and graded literature for wind band. It contains hundreds of outstanding works appropriate for elementary through professional-level ensembles and will acquaint directors with a wide spectrum of quality literature both standard and new. Each recommended work contains pedagogical, stylistic and form indicators. In addition, the text contains a section on recommended marches and optional concert material.
SKU: BT.1750-10-010-MS
Four unforgettable disco songs come together in one stunning medley. Up fi rst is the 1979 dance floor hit I’m in the Mood for Dancing by The Nolans. Next the medley quiets down with a charming love song, Lovin’ You, a song Minnie Riperton dedicated to her daughter. You Can’t Hurry Love was a huge success for The Supremes in 1966 and Phil Collins repeated their success in 1983 making the song immortal. This exciting medley ends with Olivia Newton-John’s hit-song Xanadu, from her 1980 musical of the same name.Vier disco-evergreens in één medley voor harmonieorkest. Het begint gelijk al goed! I’m in the Mood for Dancing van de gezusters Nolans uit 1979. In alle windstreken kregen zij met dit nummer mensen de dansvloer op. Hiernavolgt de betoverende lovesong Lovin’ You. Minnie Riperton droeg het in 1975 op aan haar toen tweejarige dochtertje. You Can’t Hurry Love was zowel voor de Supremes in 1966 als voor Phil Collins een geweldige hit. Xanaduvan Olivia Newton-John uit de gelijknamige musical van 1980 besluit deze boeiende medley van Naohiro Iwai. Dat wordt swingen!Vier Evergreens aus der Disco-Ära in einem Blasorchester-Medley: Den Anfang macht I’m in the Mood for Dancing, mit dem die Geschwister- Combo The Nolans 1979 auf vier Kontinenten die Menschen auf die Tanzflächen jagte. Danach folgt als Ruhepunkt das bezaubernde Liebeslied Lovin’ You, das Minnie Riperton 1975 ihrer kleinen Tochter widmete. You Can’t Hurry Love war in der Originalversion von 1966 für die Supremes ein Riesenhit - Phil Collins wiederholte diesen Erfolg 1983 und machte den Song unsterblich. Den Abschluss von Naohiro Iwais mitreißendem Medley bildet Olivia Newton-Johns Hit Xanadu aus dem gleichnamigen Musical von 1980.Ce medley tonique, signé Naohiro Iwai, réunit quatre standards des années disco. I’m in the Mood for Dancing, des sœurs Nolan (The Nolans Sisters), ouvre la série. Sortie en 1979, cette chanson a fait bouger des générations de danseurs. La musique s’apaise sur les notes délicieuses de la ballade Lovin’ You, que Minnie Ripperton dédia sa fille. Au cours de l’été 1966, The Supremes connaissent la gloire, avec la version originale du titre You Can’t Hurry Love. En 1983, Phil Collins renouvelle le succès des Supremes et rend la chanson immortelle. Pour clore son medley, Naohiro Iwai a choisi Xanadu (1980), la chanson phare de la comédiemusicale éponyme, qui prolongea le succès d'Olivia Newton-John. Questo medley racchiude quattro standard degli anni della musica disco: I’m in the Mood for Dancing delle Nolan Sisters anticipa le deliziose note della ballata Lovin’ You di Minnie Ripperton. Nel 1966, The Supremes conoscono la gloria con la versione originale di Can’t Hurry Love. Nel 1983, Phil Collins replica il successo dei Supremes e rende la canzone immortale. Per concludere il suo medley, Naohiro Iwai ha scelto Xanadu (1980) la canzone della commedia musicale interpretata da Olivia Newton John.
SKU: BT.DHP-1064174-140
In 1958, Domenico Modugno (1928-1994) song Nel blu dipinto di blu (or Volare) was the Italian entry at the Eurovision Song Contest. Modugno did not win the contest (he became third) but the song - a true sing-along - turned out to be a worldwide hit. In the course of decades, Volare has been translated into various languages, and performed by many artists of repute, like The Gipsy Kings, Dean Martin, Louis Armstrong, Petula Clark, and David Bowie. With this catchy arrangement, Lorenzo Bocci has given Volare a wonderfully fitting Concert Band sound.Nel blu dipinto di blu, besser bekannt als Volare, gewann 1958, im Jahr seiner Entstehung das Festival von San Remo, wurde im selben Jahr Zweiter beim Grand Prix d’Eurovision und danach, in viele Sprachen übersetzt und von berühmten Künstlern gesungen, zum Welthit. Mit dieser eingängigen Bearbeitung des Ohrwurms verlieh Lorenzo Bocci Volare einen wunderbar authentischen Blasorchesterklang. En 1958, après avoir remporté le Festival de San Remo avec la chanson Nel blu dipinto di blu, plus connue sous le titre Volare, Domenico Modugno (1928-1994) représente l’Italie au Concours Eurovision de la Chanson. Volare ne se voit attribuer que la 3ème place du Concours, mais fera le tour du monde et sera chantée par des générations entières. Pendant les décennies qui suivirent, la chanson italienne fut traduite en de nombreuses langues etreprise par des artistes de renom tels que les Gipsy Kings, Dean Martin, Louis Armstrong, Petula Clark et David Bowie.Nel 1958, Domenico Modugno partecipò all’Eurovision Song Contest con Nel Blu Dipinto Di Blu. La canzone non vinse il concorso ma il suo motivo è oggi una delle melodie più note al mondo. Nel corso degli anni ha ricevuto il tributo di interpreti di altissimo profilo che vanno da Louis Armstrong a David Bowie, passando per Dean Martin, Gipsy Kings e Petula Clark. Grazie all’arrangiamento di Lorenzo Bocci, anche la tua banda potr reinterpretare questo grande classico della canzone italiana.
SKU: BT.1750-10-140-MS
SKU: BT.DHP-1064174-010
In 1958, Domenico Modugno (1928-1994) song Nel blu dipinto di blu (or Volare) was the Italian entry at the Eurovision Song Contest. Modugno did not win the contest (he became third) but the song - a true sing-along - turned out to be a worldwide hit. In the course of decades, Volare has been translated into various languages, and performed by many artists of repute, like The Gipsy Kings, Dean Martin, Louis Armstrong, Petula Clark, and David Bowie. With this catchy arrangement, Lorenzo Bocci has given Volare a wonderfully fitting Concert Band sound.In 1958 behaalde Domenico Modugno met Nel blu Dipinto di blu (oftewel Volare) voor Italië de derde plaats tijdens het Eurovisie Songfestival. Sindsdien is deze meezinger wereldberoemd. In de loop der decennia is Volarevertaalsin diverse talen en uitgevoerd door vele artiesten van naam, zoals The Gipsy Kings, Dean Martin, Louis Armstrong, Petula Clark en David Bowie. Met dit aanstekelijke arrangement heeft Lorenzo Bocci Volare ineen perfect passend jasje voor harmonieorkest gestoken.Nel blu dipinto di blu, besser bekannt als Volare, gewann 1958, im Jahr seiner Entstehung das Festival von San Remo, wurde im selben Jahr Zweiter beim Grand Prix d’Eurovision und danach, in viele Sprachen übersetzt und von berühmten Künstlern gesungen, zum Welthit. Mit dieser eingängigen Bearbeitung des Ohrwurms verlieh Lorenzo Bocci Volare einen wunderbar authentischen Blasorchesterklang. En 1958, après avoir remporté le Festival de San Remo avec la chanson Nel blu dipinto di blu, plus connue sous le titre Volare, Domenico Modugno (1928-1994) représente l’Italie au Concours Eurovision de la Chanson. Volare ne se voit attribuer que la 3ème place du Concours, mais fera le tour du monde et sera chantée par des générations entières. Pendant les décennies qui suivirent, la chanson italienne fut traduite en de nombreuses langues etreprise par des artistes de renom tels que les Gipsy Kings, Dean Martin, Louis Armstrong, Petula Clark et David Bowie.Nel 1958, Domenico Modugno partecipò all’Eurovision Song Contest con Nel Blu Dipinto Di Blu. La canzone non vinse il concorso ma il suo motivo è oggi una delle melodie più note al mondo. Nel corso degli anni ha ricevuto il tributo di interpreti di altissimo profilo che vanno da Louis Armstrong a David Bowie, passando per Dean Martin, Gipsy Kings e Petula Clark. Grazie all’arrangiamento di Lorenzo Bocci, anche la tua banda potr reinterpretare questo grande classico della canzone italiana.
SKU: BT.DHP-1104969-140
This beautiful duet was an appropriate way to mark the end of Henry Maske’s career and simultaneously introduce Andrea Bocelli to the international music scene. His collaboration with Sarah Brightman resulted in an unforgettable performance. Perfect for ending or providing an intimate moment during your concert, this arrangement exhibits the high standards the New Sounds for Concert Band series is known for. Met dit meeslepende duet brak Andrea Bocelli in 1996 internationaal door als tenor. Hij zong dit onvergetelijke lied samen met Sarah Brightman. Time to say Goodbye is het ideale werk om als slot van uw uitvoering, als afscheidsliedof gewoon als rustig moment in uw concert te programmeren. Kwaliteit zoals u dat gewend bent in de serie New Sounds for Concert Band!Dieses mitreißende Duett wurde 1996 zur Hymne zum Abschluss der Karriere von Henry Maske und markierte gleichzeitig den internationalen Durchbruch des Startenors Andrea Bocelli, dessen Auftritt mit Sarah Brightman unvergessen ist. Zum Abschluss Ihres Konzerts, zum Abschied oder einfach nur als gefühlvoller, ruhiger Programmpunkt eignet sich diese Bearbeitung in gewohnter Qualität der Reihe New Sounds for Concert Band ideal! Collection NEW SOUNDS FOR CONCERT BANDRemarqué par le grand Luciano Pavarotti dont il devient le protégé, Andrea Bocelli se fait connaître dans le monde entier avec Con te partirò (Time to Say Goodbye), une chanson écrite par Francesco Sartori et Lucio Quarantotto pour le Festival de San Remo 1995. Ténor d’inspiration lyrique, il chante, la fois, la musique pop et classique. Il est l’artiste classique avec le plus d'albums vendus son actif, soit plus de 70 millions d'exemplaires dans le monde. Time to Say Goodbye : un must au répertoire de votre formation.Questo coinvolgente duo del 1966 cantato per onorare la fine della carriera di Herny Maske ha anche segnato il debutto internazionale di Andrea Bocelli, la cui interpretazione al fianco di Sarah Brightman resta indimenticabile. Un brano ideale per concludere il vostro concerto, ma anche come brano di sicuro eff etto del vostro programma.
SKU: BT.DHP-1104969-010
This beautiful duet was an appropriate way to mark the end of Henry Maskeâ??s career and simultaneously introduce Andrea Bocelli to the international music scene. His collaboration with Sarah Brightman resulted in an unforgettable performance. Perfect for ending or providing an intimate moment during your concert, this arrangement exhibits the high standards the New Sounds for Concert Band series is known for. Met dit meeslepende duet brak Andrea Bocelli in 1996 internationaal door als tenor. Hij zong dit onvergetelijke lied samen met Sarah Brightman. Time to say Goodbye is het ideale werk om als slot van uw uitvoering, als afscheidsliedof gewoon als rustig moment in uw concert te programmeren. Kwaliteit zoals u dat gewend bent in de serie New Sounds for Concert Band!Dieses mitreiÃ?ende Duett wurde 1996 zur Hymne zum Abschluss der Karriere von Henry Maske und markierte gleichzeitig den internationalen Durchbruch des Startenors Andrea Bocelli, dessen Auftritt mit Sarah Brightman unvergessen ist. Zum Abschluss Ihres Konzerts, zum Abschied oder einfach nur als gefu?hlvoller, ruhiger Programmpunkt eignet sich diese Bearbeitung in gewohnter Qualität der Reihe New Sounds for Concert Band ideal! Collection NEW SOUNDS FOR CONCERT BANDRemarqué par le grand Luciano Pavarotti dont il devient le protégé, Andrea Bocelli se fait connaître dans le monde entier avec Con te partirò (Time to Say Goodbye), une chanson écrite par Francesco Sartori et Lucio Quarantotto pour le Festival de San Remo 1995. Ténor dâ??inspiration lyrique, il chante, la fois, la musique pop et classique. Il est lâ??artiste classique avec le plus d'albums vendus son actif, soit plus de 70 millions d'exemplaires dans le monde. Time to Say Goodbye : un must au répertoire de votre formation.Questo coinvolgente duo del 1966 cantato per onorare la fine della carriera di Herny Maske ha anche segnato il debutto internazionale di Andrea Bocelli, la cui interpretazione al fianco di Sarah Brightman resta indimenticabile. Un brano ideale per concludere il vostro concerto, ma anche come brano di sicuro eff etto del vostro programma.
SKU: BT.DHP-1115043-010
The Loco-motion was the hippest dance routine to hit the clubs in the 1960s. In contrast to many songwriters who write songs after a trend has taken off , singer/songwriter partners and couple Gerry Goffi n and Carole King wrote the song that kicked off the entire dancesong craze. Little Eva was the fi rst of several artists to reach the top of the US charts with this hit in 1962. Let your band rise to new heights with Hideaki Miuraâ??s funky arrangement! The Loco-motion was een bijzonder geliefde manier van dansen in de jaren zestig. Gerry Goffin en Carole King waren met hun gelijknamige hit de trendsetter van deze muziek- en dansstijl. Dit in tegenstelling tot wat veel songwritersdoen: pas bepaalde muziek schrijven als het al een trend is. De eerste die het nummer vertolkte was Little Eva en zij scoorde er een nummer één hit mee. Hierna werd de song nog vaak en succesvol gecoverd. En nu is er dusook een lekker vlotte versie voor harmonieorkest van Hideaki Miura.The Loco-motion war ein Modetanz in den 1960er-Jahren. Entgegen der weit verbreiteten Annahme sprang aber nicht das Songwriter-Ehepaar Gerry Goffin und Carole King mit ihrem gleichnamigen Hit auf diesen Zug auf, sondern sie waren tatsächlich diejenigen, die mit dem Titel den Trend erst auslösten. Nach dem Nr. 1-Erfolg der ersten Interpretin Little Eva wurde der Song oft und erfolgreich gecovert und liegt nun in einer flotten Blasorchesterbearbeitung von Hideaki Miura vor.Au début des années 1960, le couple dâ??auteurs succès, Gerry Goffin et Carole King, compose la chanson, The Loco-motion, qui sera lâ??origine dâ??un phénomène qui va balayer tous les pays, le locomotion, un twist en ligne avec des mouvements de bras imitant le va-etvient des bielles de locomotives vapeur. Immortalisée aux Ã?tats-Unis par Little Eva, la chanson sera reprise en France par Henri Salvador, puis par Sylvie Vartan, lâ??égérie des années yé-yé. Hideaki Miura en a réalisé un arrangement pour Orchestre dâ??Harmonie, aussi twistant que la version originale.The Loco-motion è stato un ballo di moda negli anni â??60. Al contrario di molti autori che scrivono canzoni utilizzando trend gi esistenti, la coppia Gerry Goffin e Carol King fu lâ??artefi ce di questo ballo di successo. La prima interprete della canzone fu Little Eva che nellâ??ormai lontano 1962 raggiunse la vetta delle canzoni più vendute. Un tuff o nel passato con questo arrangiamento molto riuscito fi rmato Hideaki Miura.
SKU: BT.DHP-1115043-140
The Loco-motion was the hippest dance routine to hit the clubs in the 1960s. In contrast to many songwriters who write songs after a trend has taken off , singer/songwriter partners and couple Gerry Goffi n and Carole King wrote the song that kicked off the entire dancesong craze. Little Eva was the fi rst of several artists to reach the top of the US charts with this hit in 1962. Let your band rise to new heights with Hideaki Miura’s funky arrangement! The Loco-motion was een bijzonder geliefde manier van dansen in de jaren zestig. Gerry Goffin en Carole King waren met hun gelijknamige hit de trendsetter van deze muziek- en dansstijl. Dit in tegenstelling tot wat veel songwritersdoen: pas bepaalde muziek schrijven als het al een trend is. De eerste die het nummer vertolkte was Little Eva en zij scoorde er een nummer één hit mee. Hierna werd de song nog vaak en succesvol gecoverd. En nu is er dusook een lekker vlotte versie voor harmonieorkest van Hideaki Miura.The Loco-motion war ein Modetanz in den 1960er-Jahren. Entgegen der weit verbreiteten Annahme sprang aber nicht das Songwriter-Ehepaar Gerry Goffin und Carole King mit ihrem gleichnamigen Hit auf diesen Zug auf, sondern sie waren tatsächlich diejenigen, die mit dem Titel den Trend erst auslösten. Nach dem Nr. 1-Erfolg der ersten Interpretin Little Eva wurde der Song oft und erfolgreich gecovert und liegt nun in einer flotten Blasorchesterbearbeitung von Hideaki Miura vor.Au début des années 1960, le couple d’auteurs succès, Gerry Goffin et Carole King, compose la chanson, The Loco-motion, qui sera l’origine d’un phénomène qui va balayer tous les pays, le locomotion, un twist en ligne avec des mouvements de bras imitant le va-etvient des bielles de locomotives vapeur. Immortalisée aux États-Unis par Little Eva, la chanson sera reprise en France par Henri Salvador, puis par Sylvie Vartan, l’égérie des années yé-yé. Hideaki Miura en a réalisé un arrangement pour Orchestre d’Harmonie, aussi twistant que la version originale.The Loco-motion è stato un ballo di moda negli anni ’60. Al contrario di molti autori che scrivono canzoni utilizzando trend gi esistenti, la coppia Gerry Goffin e Carol King fu l’artefi ce di questo ballo di successo. La prima interprete della canzone fu Little Eva che nell’ormai lontano 1962 raggiunse la vetta delle canzoni più vendute. Un tuff o nel passato con questo arrangiamento molto riuscito fi rmato Hideaki Miura.
SKU: BT.AMP-340-140
Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains was commissioned by the Northern California Band Directors' Association to honour their 50th Anniversary in 2012. The first performance was given by the Association’s 2012 Honor Band, conducted by Dr Royce Trevis, in the Harlen Adams Theater, California State University, Chico, California, on 4th February that year.The brief for the commission asked for a piece that celebrated the United States’ natural resources and composer Philip Sparke turned to Katharine Lee Bates’s lyrics for the song America the Beautiful, of which the first and last verses are:O beautiful for spacious skies,For amber waves of grain,For purplemountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaThe three movements each take their title from these verses:1. O Beautiful for Spacious Skies: Opening with filigree woodwind figuring, this movement aims to recreate the light and lightness of a spring sky, birds and blossoms floating on gentle breezes.2. From Sea to Shining Sea: A vivacious celebration of water bubbling in streams, rivers and lakes.3. For Purple Mountain Majesties: A slow final movement representing an awe-inspiring range of mountains Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains is geschreven in opdracht van de Northern California Band Directors' Association, ter gelegenheid van het vijftigjarig jubileum van deze organisatie, dat in 2012 werd gevierd. De première werd op 4 februari van dat jaar onder leiding van dirigent Royce Trevis uitgevoerd door de Association’s 2012 Honor Band, in het Harlen Adams Theater, California State University, Chico, Californië.De componist kreeg het verzoek een werk te schrijven dat een lofzang zou zijn op alles wat de natuur van Verenigde Staten te bieden heeft. Philip Sparke gebruikte de tekst van Katharine Lee Bates voor de song America the Beautiful, waarvan heteerste en laatste couplet als volgt luiden:O beautiful for spacious skies,For amber waves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaDe titels van de drie delen van de compositie zijn ontleend aan deze coupletten:1. O Beautiful for Spacious Skies: Dit deel, dat opent met verfijnde figuren in het hout, is een poging om het licht en de lichtheid van een lentehemel te herscheppen, met vogeltjes en bloesems die wiegen in een milde bries.2. From Sea to Shining Sea: Een levendige ode aan water dat stroomt in beken, rivieren en meren3. For Purple Mountain Majesties: Een langzaam laatste deel waarin het beeld wordt opgeroepen van een indrukwekkende bergketen Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains wurde von der Northern California Band Director’s Association (Dirigentenverband Nord-Kaliforniens) zum 50-jährigen Jubiläum im Jahr 2012 in Auftrag gegeben. Die Uraufführung mit dem Ehrenorchester 2012 des Verbands fand am 4. Februar desselben Jahre unter der Leitung von Dr. Royce Trevis im Halen Adams Theater an der California State University, Chico Kalifornien) statt.Der Kompositionsauftrag verlangte ein Stück zu Ehren der Reichtümer der Natur Amerikas. Der Komponist Philip Sparke wählte daher die erste und letzte Strophe aus Katherine Lee Bates’ Text zum Lied America the Beautiful, die da lauten:O beautiful for spaciousskies,For amber waves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining seaDie Titel der drei Sätze stammen alle aus diesen Strophen:1. O Beautiful for Spacious Skies (O wunderschön, der weite Himmel): Mit filigranen Figuren im Holz beginnend, will dieser Satz das Licht und die Leichtigkeit des Frühlingshimmels, die Vögel und von einer sanften Brise getragene Blüten zum Leben erwecken.2. From Sea to Shining Sea (Vom Meer zum strahlenden Meer): Mit lebhafter Musik wird hier in Flüssen, Bächen und Seen sprudelndes Wasser zelebriert.3. For Purple Mountain Majesties (Die Erhabenheit der purpurrot leuchtenden Berge): Der langsame Schlusssatz richtet den Blick auf ehrfurchtgebietende Gebirge. Of Skies, Rivers, Lakes and Mountains est une commande de la Northern California Band Directors' Association pour marquer son 50e anniversaire, en 2012. Cette œuvre a été créée par le Honor Band 2012 de l’Association sous la direction du Dr Royce Trevis au thé tre Harlen Adams de l’université de Californie Chico, Californie, le 4 février de cette même année.La commande stipulait que la pièce devait célébrer les ressources naturelles des États-Unis. Le compositeur Philip Sparke s’est donc inspiré des paroles de Katharine Lee Bates pour la chanson America the Beautiful, dont voici les premier et dernier couplets :O beautiful for spacious skies,For amberwaves of grain,For purple mountain majestiesAbove the fruited plain!(Oh belle pour tes vastes cieux,Tes vagues de grains ambrés,La majesté de tes montagnes violettesDominant des plaines fruitées !)America! America!God shed His grace on thee,And crown thy good with brotherhoodFrom sea to shining sea(Amérique ! Amérique !Dieu t’a donné sa gr ceCouronnée de la fraternité des hommesDe la mer la mer étincelante)Les trois mouvements empruntent chacun leur titre ces couplets :1. O Beautiful for Spacious Skies: S’ouvrant avec des figures en filigrane jouées par les bois, ce mouvement cherche recréer la lumière et la légèreté d’un ciel printanier, d’oiseaux et de fleurs flottant au gré d’une douce brise.2. From Sea to Shining Sea: Plein de vivacité, ce mouvement évoque les frémissements de l’eau des ruisseaux, des rivières et des lacs.3. For Purple Mountain Majesties:Le dernier mouvement, lent et majestueux, dépeint une impressionnante chaîne de montagnes.
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The 1937 Walt Disney-film Snow White and the Seven Dwarfs has fascinated and touched many generations with its unforgettable fairy tale figures. The timeless music is also captivating with the catchy song Whistle While You Work being a song know by young and old alike throughout the world. This version for concert band will ensure your audience leave the concert hall with a spring in their step! De Walt Disney-film Snow White and the Seven Dwarfs (Sneeuwwitje en de zeven dwergen) uit 1937 heeft met zijn onvergetelijke sprookjespersonages al verschillende generaties geboeid en vertederd. Ook de tijdloze muziekis nog altijd de moeite waard: de aanstekelijke song Whistle While You Work brengt de luisteraar meteen in een goed humeur!Whistle While You Work ist eines der bezaubernden Lieder aus dem Walt-Disney- Filmklassiker Schneewittchen von 1937. Schneewittchen war weltweit der absolut erfolgreichste Film der 30er Jahre und wurde erst von Vom Winde verweht übertroffen. Mit Ich pfeif ein kleines Lied, wie der Gesang der sieben Zwerge in der deutschen Fassung heißt, könnaen Sie nun in einer unterhaltsamen Bearbeitung fröhlich stimmen. Pièce maîtresse de l’industrie cinématographique, Blanche-Neige et les Sept Nains, premier long métrage d’animation de Walt Disney a su capter l’imagination et toucher des générations entières de spectateurs. L’animation est pleine de gr ce et de finesse. Les personnages sont, chacun dans leur registre, inoubliables. La musique est délicieuse et certaines chansons dont Whistle While You Work (Siffler en travaillant) sont d’ailleurs devenues des hymnes la bonne humeur.Uno dei film tra i più conosciuti dell’industria cinematografica, Biancaneve e i Sette Nani, primo lungometraggio della Walt Disney, ha saputo catturare l’immaginazione di intere generazioni. L’animazione è piena di grazia e finezza e i personaggi, ognuno a modo proprio, restano indimenticabili. La musica è deliziosa e alcune canzoni tra le quali Whistle While You Work sono divenute inni al buonumore.
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Naohiro Iwai, the master of entertaining concert band arrangements, has selected four songs from the wide repertoire of George Gershwin for this wonderful medley. A fitting tribute to one of the all time jazz masters. De componist Naohiro Iwai gebruikte vier hitsongs van Georg Gershwinvoor deze prachtige medley: Swanee, Gershwins eerste grote hit uit 1924, Oh, Lady Be Good - onvergetelijk in de uitvoering van Ella Fitzgerald - evenalsSomeone to Watch Over Me en S’ Wonderful.Naohiro Iwai, der Meister der unterhaltsamen Blasorchesterarrangements wählte vier Songs von George Gershwin für dieses wundervolle Medley: Swanee, Gershwins ersten großen Hit von 1924, Oh, Lady Be Good - unvergessen in Ella Fitzgeralds Interpretation - sowie Someone to Watch Over Me und S’ Wonderful, die beide ins Great American Songbook aufgenommen wurden. George Gershwin (1898-1937) commença sa carrière de musicien dans les milieux du music-hall avant d’être admis dans la sphère ‘classique’ gr ce au succès retentissant de Rhapsody in Blue (1924). Naohiro Iwai conjugue quatre chansons de cet éblouissant pianiste de jazz et mélodiste de génie dans un medley enchanteur et pétillant. George Gerswhin (1898-1937) iniziò la sua carriera di musicista nelle music-hall prima di essere ammesso nella sfera “classica†grazie al successo di Rhapsody in Blue del 1924. Naohiro Iwai raccoglie quattro canzoni di questo indimenticabile pianista jazz in un medley che incanter il pubblico.
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Als die alte Mutter (Songs My Mother Taught Me) is the fourth of Anton n Dvo_ák’s Gypsy Songs (Opus 55), a cycle he composed in the year 1880. This moving song was written to a German poem by Adolf Heyduk, and in the course of time, it has been performed and recorded by great singers like Nellie Melba, Joan Sutherland and Renée Fleming. The appealing melody is known to a large public. In this edition, two versions have been combined: an instrumental adaptation of the song, and an adaptation for soprano with a concert band accompaniment - both made by Tohru Takahashi.Als die alte Mutter (Songs My Mother Taught Me) is het vierde van Anton n Dvoøáks Zigeunerliederen (opus 55), een cyclus die hij componeerde in het jaar 1880. Het ontroerende lied is geschreven op een Duits gedicht van AdolfHeyduk en het is in de loop der tijd uitgevoerd en opgenomen door grote zangeressen als Nellie Melba, Joan Sutherland en Renée Fleming. De aansprekende melodie is bekend bij een groot publiek. In deze uitgave zijn twee versies gecombineerd:een instrumentale uitvoering van het lied en een uitvoering voor sopraan met begeleiding van harmonieorkest - beide van de hand van Tohru Takahashi.Als die alte Mutter ist der vierte Titel aus Anton n Dvoráks Liederzyklus Zigeunermelodien (opus 55) von 1880. Über die Jahre hinweg wurde die Melodie von großen Sängerinnen, wie Joan Sutherland und Renée Fleming weithin bekannt gemacht. Hier wurden zwei Versionen kombiniert: eine instrumentale Bearbeitung des Liedes und eine für Sopran mit Blasorchesterbegleitung - beide stammen von Tohru Takahashi. En 1880, Anton n Dvorák compose un cycle de mélodies inspirées par la vie rurale auquel il donne le titre de Mélodies tziganes Op. 55. Als die alte Mutter (Songs My Mother Taught Me - Chansons que ma mère me chantait) est le quatrième des sept chants du cycle. Cette mélodie profonde et émouvante souligne toutes les inflexions du poème en langue allemande du célèbre poète tchèque Adolf Heyduk. Plusieurs générations de brillantes sopranos dont Nellie Melba, Joan Sutherland et Renée Fleming ont interprété et enregistré cette mélodie, si bien qu’elle est connue d’un large public.Cette édition combine deux versions : une version purement instrumentale et uneadaptation pour Soprano solo et Orchestre d’Harmonie. Les deux versions ont été réalisées par Tohru Takahashi.
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For Une Belle Histoire, Roland Kernen took his inspiration from the seventies French singer and composer Michel Fugain and his troop of singers and dancers known as “Le Big Bazarâ€. The cheerful melodic line of his 1972 hit Une belle histoire lends itself perfectly for brass band. Add a little French charm to any concert with this throwback to the hippy period of the early seventies. In 1972 werd het gezelschap Michel Fugain et le Big Bazar opgericht, een kleurrijk geheel van muzikanten, zangers en dansers met een hippieachtige uitstraling. Met deze formatie bracht Fugain tot eind jaren zeventig veel vrolijkeen mooie hits uit, waaronder Une belle histoireM. Roland Kernen schreef een fraai arrangement van deze levendige en tijdloze hit. De melodieuze muziek zal elk concert voorzien van een vleugje Franse charme.Mit Une belle histoire (Eine schöne Geschichte) kam die französische Gruppe Michel Fugain et le Big Bazar“ - ein bunter Haufen aus Tänzern und Musikern im Hippie-Stil - in den siebziger Jahren groß heraus. Roland Kernen schrieb diese reizvolle Bearbeitung des lebhaften, zeitlosen Hits. Die melodische Musik verleiht jedem Konzert etwas vom Charme Frankreichs und der fröhlichen, schönen Hippiemusik der Siebziger. Michel Fugain est un auteur-compositeur et interprète français, né en 1942 Grenoble. Il débute sa carrière dans l’industrie du cinéma tout en écrivant plusieurs chansons pour Michel Sardou. Son talent musical s’impose alors comme une évidence. En 1969, il enregistre son tout premier album Je n’aurai pas le temps. Trois ans plus tard, en 1972, il crée la célèbre troupe du Big Bazar, composée de musiciens, chanteurs, comédiens et danseurs aux couleurs hippies. Ensemble, ils sortent le single Une belle histoire qui connaît un immense succès. Jusqu’ la fin des années 1970, la troupe va égrener quelques tubes, avant de se séparer. Dans les années 1980, MichelFugain se diversifie et se lance dans l'animation télé. Si pour la grande majorité du public, il est resté le leader du Big Bazar, Michel Fugain a néanmoins réussit son renouveau artistique après plusieurs années d’absence.Roland Kernen a réalisé un charmant arrangement du premier grand succès du Big Bazar, Une belle histoire. La mélodie, délicieusement légère, chemine sur des notes au charme et aux parfums de France.
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For Une Belle Histoire, Roland Kernen took his inspiration from the seventies French singer and composer Michel Fugain and his troop of singers and dancers known as ?Le Big Bazar?. The cheerful melodic line of his 1972 hit Une belle histoire lends itself perfectly for brass band. Add a little French charm to any concert with this throwback to the hippy period of the early seventies. In 1972 werd het gezelschap Michel Fugain et le Big Bazar opgericht, een kleurrijk geheel van muzikanten, zangers en dansers met een hippieachtige uitstraling. Met deze formatie bracht Fugain tot eind jaren zeventig veel vrolijkeen mooie hits uit, waaronder Une belle histoireM. Roland Kernen schreef een fraai arrangement van deze levendige en tijdloze hit. De melodieuze muziek zal elk concert voorzien van een vleugje Franse charme.Mit Une belle histoire (Eine schöne Geschichte) kam die französische Gruppe Michel Fugain et le Big Bazar“ - ein bunter Haufen aus Tänzern und Musikern im Hippie-Stil - in den siebziger Jahren groß heraus. Roland Kernen schrieb diese reizvolle Bearbeitung des lebhaften, zeitlosen Hits. Die melodische Musik verleiht jedem Konzert etwas vom Charme Frankreichs und der fröhlichen, schönen Hippiemusik der Siebziger. Michel Fugain est un auteur-compositeur et interprète français, né en 1942 Grenoble. Il débute sa carrière dans l’industrie du cinéma tout en écrivant plusieurs chansons pour Michel Sardou. Son talent musical s’impose alors comme une évidence. En 1969, il enregistre son tout premier album Je n’aurai pas le temps. Trois ans plus tard, en 1972, il crée la célèbre troupe du Big Bazar, composée de musiciens, chanteurs, comédiens et danseurs aux couleurs hippies. Ensemble, ils sortent le single Une belle histoire qui connaît un immense succès. Jusqu’ la fin des années 1970, la troupe va égrener quelques tubes, avant de se séparer. Dans les années 1980, MichelFugain se diversifie et se lance dans l'animation télé. Si pour la grande majorité du public, il est resté le leader du Big Bazar, Michel Fugain a néanmoins réussit son renouveau artistique après plusieurs années d’absence.Roland Kernen a réalisé un charmant arrangement du premier grand succès du Big Bazar, Une belle histoire. La mélodie, délicieusement légère, chemine sur des notes au charme et aux parfums de France.
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The melody of Fascination was composed in 1905 by Dante Pilade“Fermo“ Marchetti. In the 1930s it was successfully performed inFrench and English and in 1957 it again became famous when itwas used in the soundtrack of the American movie Love in theAfternoon. This piece has been loved by many generations andToshio Mashima’s arrangement will without doubt bring joy to allmembers of your audience! De melodie van Fascination werd al in 1905 gecomponeerd door Fermo Dante Marchetti. In de jaren dertig werd er zowel een Franse als een Engelse tekst op gezongen. In 1957 werd het lied opnieuw bekend doordat het werd gebruiktvoor de Amerikaanse film Love in the Afternoon, met onder anderen Audrey Hepburn en Gary Cooper. Daarna bleef ¬Fascination opeenvolgende generaties fascineren. Toshimo Mashima’s bewerking is daarvan een fraai bewjs.Die Melodie von Fascination wurde schon 1905 vom U-Musik-Komponist Dante Pilade Fermo“ Marchetti komponiert. In den 30-Jahren wurde sie erfolgreich auf Französisch und Englisch gesungen und erreichte 1957 erneut großen Ruhm durch den amerikanischen Film Love in the Afternoon und mehrere darauf folgende Aufnahmen. Fascination, das tatsächlich schon mehrere Generationen fasziniert hat, wird auch in Toshio Mashimas Blasorchesterbearbeitung überzeugen!En 1904, Dante Fermo Marchetti (1876-1940) compose son plus grand succès, la valse lente Fascination (sous-titrée « valse tzigane »). Dans les années 30, Maurice de Féraudy écrira un texte français pour accompagner la musique. C’est néanmoins dans sa version anglaise que la chanson connaîtra un immense succès en 1957, après avoir été intégrée dans la bande originale de la comédie romantique Ariane (Love in the Afternoon) avec Audrey Hepburn et Gary Cooper. Fascination a fasciné des générations d’auditeurs. L’arrangement de Toshio Mashima est aussi délicieusement charmant que la version originale.
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De Braziliaanse componist Antônio Carlos Jobim (1927-1994) schreef een aantal heuse standards. Zijn beroemdste stuk is The Girl from Ipanema, dit nummer betekende de doorbraak van de zangeres Astrud Gilberto. Kenmerkendvoor de muziekvan Jobim zijn het meeslepende, vaak relaxte ritme en de stijlvolle harmonieën, de melodielijnen waren vaak heel origineel. Desafinado - de titel betekent ‘ontstemd’ oftewel ‘vals’ - is bekend geworden doorde uitvoering van tenorsaxofonistStan Getz. Dit stuk, uit de jaren zestig, was de eerste grote bossanovahit. Naohiro Iwai arrangeerde Desafinado voor harmonieorkest.Lieder wie The Girl from Ipanema oder eben Desafinado haben den brasilianischen Pianisten und Komponisten Antonio Carlos Jobim weltberühmt gemacht und sind mittlerweile Jazz-Standards, die in einem Atemzug mit Titeln von GeorgeGershwin, Cole Porter und Irving Berlin genannt werden. Die bekannteste Interpretation von Desafinado - was soviel wie schräg klingend“ heißt - ist sicherlich die des Saxophonisten Stan Getz. Naohiro Iwai schrieb diese gelungeneBlasorchesterbearbeitung des Latin-Jazz-Klassikers. Avec Vicinius de Moraes et João Gilberto, Antonio Carlos Jobim (1927-1994) est considéré comme le père de la bossa nova, un style musical qui se caractérise par un souple balancement et qui évolue sur les rythmes de la samba brésilienne. Carlos Jobim a composé de nombreuses chansons qui sont devenues la fois des classiques de la musique populaire brésilienne et du jazz : Corcovado, Chega de Saudade, The Girl From Ipanema et Desafinado (1959) qui connut un succès planétaire.
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De Braziliaanse componist Antônio Carlos Jobim (1927-1994) schreef een aantal heuse standards,. Zijn beroemdste stuk is The Girl from Ipanema, dit nummer betekende de doorbraak van de zangeres Astrud Gilberto. Kenmerkendvoor de muziekvan Jobim zijn het meeslepende, vaak relaxte ritme en de stijlvolle harmonieën, de melodielijnen waren vaak heel origineel. Desafinado - de titel betekent ‘ontstemd’ oftewel ‘vals’ - is bekend geworden doorde uitvoering van tenorsaxofonistStan Getz. Dit stuk, uit de jaren zestig, was de eerste grote bossanovahit. Naohiro Iwai arrangeerde Desafinado voor harmonieorkest.Lieder wie The Girl from Ipanema oder eben Desafinado haben den brasilianischen Pianisten und Komponisten Antonio Carlos Jobim weltberühmt gemacht und sind mittlerweile Jazz-Standards, die in einem Atemzug mit Titeln von GeorgeGershwin, Cole Porter und Irving Berlin genannt werden. Die bekannteste Interpretation von Desafinado - was soviel wie schräg klingend“ heißt - ist sicherlich die des Saxophonisten Stan Getz. Naohiro Iwai schrieb diese gelungeneBlasorchesterbearbeitung des Latin-Jazz-Klassikers. Avec Vicinius de Moraes et João Gilberto, Antonio Carlos Jobim (1927-1994) est considéré comme le père de la bossa nova, un style musical qui se caractérise par un souple balancement et qui évolue sur les rythmes de la samba brésilienne. Carlos Jobim a composé de nombreuses chansons qui sont devenues la fois des classiques de la musique populaire brésilienne et du jazz : Corcovado, Chega de Saudade, The Girl From Ipanema et Desafinado (1959) qui connut un succès planétaire.
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Als die alte Mutter (Songs My Mother Taught Me) is het vierde van Anton n Dvoøáks Zigeunerliederen (opus 55), een cyclus die hij componeerde in het jaar 1880. Het ontroerende lied is geschreven op een Duits gedicht van AdolfHeyduk en het is in de loop der tijd uitgevoerd en opgenomen door grote zangeressen als Nellie Melba, Joan Sutherland en Renée Fleming. De aansprekende melodie is bekend bij een groot publiek. In deze uitgave zijn twee versies gecombineerd:een instrumentale uitvoering van het lied en een uitvoering voor sopraan met begeleiding van harmonieorkest - beide van de hand van Tohru Takahashi.Als die alte Mutter ist der vierte Titel aus Anton n Dvoráks Liederzyklus Zigeunermelodien (opus 55) von 1880. Über die Jahre hinweg wurde die Melodie von großen Sängerinnen, wie Joan Sutherland und Renée Fleming weithin bekannt gemacht. Hier wurden zwei Versionen kombiniert: eine instrumentale Bearbeitung des Liedes und eine für Sopran mit Blasorchesterbegleitung - beide stammen von Tohru Takahashi. En 1880, Anton n Dvorák compose un cycle de mélodies inspirées par la vie rurale auquel il donne le titre de Mélodies tziganes Op. 55. Als die alte Mutter (Songs My Mother Taught Me - Chansons que ma mère me chantait) est le quatrième des sept chants du cycle. Cette mélodie profonde et émouvante souligne toutes les inflexions du poème en langue allemande du célèbre poète tchèque Adolf Heyduk. Plusieurs générations de brillantes sopranos dont Nellie Melba, Joan Sutherland et Renée Fleming ont interprété et enregistré cette mélodie, si bien qu’elle est connue d’un large public.Cette édition combine deux versions : une version purement instrumentale et uneadaptation pour Soprano solo et Orchestre d’Harmonie. Les deux versions ont été réalisées par Tohru Takahashi.
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Diptyque is the French word for “diptych,†meaning a hinged two-part image. The first section of this two-part musical painting has an Oriental feel, with characteristic pentatonic melody lines and chords. The second section is a cheerful Saltarello dance that brings out the subtleties of the woodwind section. A juxtaposition of Eastern and Western music, Diptyque reminds listeners of the power of music in transcending all cultural, religious and political boundaries.Diptyque is het Franse woord voor ‘diptychon’, een ander woord voor tweeluik. Het eerste deel van dit muzikale beeld heeft oriëntaalse flair. Karakteristieke pentatonische melodielijnen en akkoorden voeren de boventoon. Hettweede deel vormt qua stijl en karakter een groot contrast, het is een levendige saltarello waarin de kwaliteiten van de houtblazers goed naar voren komen. En de muzikale boodschap? Deze prachtige combinatie van oosterse en westersemuziek neemt alle culturele, religieuze en politieke grenzen weg!Diptyque ist das französische Wort für Diptychon“, ein zweiteiliges Bild. Der erste Teil dieses zweiteiligen musikalischen Bildes hat ein orientalisches Flair mit charakteristischen pentatonischen Melodielinien und Akkorden. Im Kontrast dazu ist der zweite Teil ein heiterer Saltarello-Tanz, der die Finessen der Holzbläser hervorhebt. Die Botschaft dieser Nebeneinanderstellung östlicher und westlicher Musik ist, dass die Musik alle kulturellen, religiösen oder politischen Grenzen aufzuheben vermag!Diptyque est un titre parfaitement adapté cette composition en deux parties. Le premier tableau, majestueux, s’inspire d’une ancienne chanson enfantine intitulée Akkatobai, et dont l’origine est rattachée la ville de Nagasaki. Le second tableau offre un joyeux contraste en termes de style et tempo. Gai et lumineux, il reflète l’île méridionale de Kyushu, où se trouve Nagasaki. Une légère et allègre saltarelle met en valeur lavirtuosité des bois. La juxtaposition des deux volets de ce diptyque symbolise l’entente.Diptyque è un titolo perfetto per questa composizione in due parti. La prima, dal carattere maestoso, s’ispira ad un’antica canzone per bambini chiamata Akkatobai, originaria della citt giapponese di Nagasaki. Il secondo affresco offre un vivace contrasto in termini di stile e tempi. Gaio e luminoso, esso riflette l’isola di Kyushu nel sud del Giappone. La giustapposizione delle due parti di questo dittico vuole rappresentare l’intesa tra oriente e occidente, evocando al contempo l’universalit della musica.
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Diptyque is the French word for “diptych,†meaning a hinged two-part image. The first section of this two-part musical painting has an Oriental feel, with characteristic pentatonic melody lines and chords. The second section is a cheerful Saltarello dance that brings out the subtleties of the woodwind section. A juxtaposition of Eastern and Western music, Diptyque reminds listeners of the power of music in transcending all cultural, religious and political boundaries.Diptyque is het Franse woord voor ‘diptychon’, een ander woord voor tweeluik. Het eerste deel van dit muzikale beeld heeft oriëntaalse flair. Karakteristieke pentatonische melodielijnen en akkoorden voeren de boventoon. Hettweede deel vormt qua stijl en karakter een groot contrast, het is een levendige saltarello waarin de kwaliteiten van de houtblazers goed naar voren komen. En de muzikale boodschap? Deze prachtige combinatie van oosterse en westersemuziek neemt alle culturele, religieuze en politieke grenzen weg!Diptique ist das französische Wort für Diptychon“, ein zweiteiliges Bild. Der erste Teil dieses zweiteiligen musikalischen Bildes hat ein orientalisches Flair mit charakteristischen pentatonischen Melodielinien und Akkorden. Im Kontrast dazu ist der zweite Teil ein heiterer Saltarello-Tanz, der die Finessen der Holzbläser hervorhebt. Die Botschaft dieser Nebeneinanderstellung östlicher und westlicher Musik ist, dass die Musik alle kulturellen, religiösen oder politischen Grenzen aufzuheben vermag!Diptyque est un titre parfaitement adapté cette composition en deux parties. Le premier tableau, majestueux, s’inspire d’une ancienne chanson enfantine intitulée Akkatobai, et dont l’origine est rattachée la ville de Nagasaki. Le second tableau offre un joyeux contraste en termes de style et tempo. Gai et lumineux, il reflète l’île méridionale de Kyushu, où se trouve Nagasaki. Une légère et allègre saltarelle met en valeur la virtuosité des bois. La juxtaposition des deux volets de ce diptyque symbolise l’entente.Diptyque è un titolo perfetto per questa composizione in due parti. La prima, dal carattere maestoso, s’ispira ad un’antica canzone per bambini chiamata Akkatobai, originaria della citt giapponese di Nagasaki. Il secondo affresco offre un vivace contrasto in termini di stile e tempi. Gaio e luminoso, esso riflette l’isola di Kyushu nel sud del Giappone. La giustapposizione delle due parti di questo dittico vuole rappresentare l’intesa tra oriente e occidente, evocando al contempo l’universalit della musica.
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England enjoys a rich folk song tradition. Composers such as Cecil Sharp and Vaughan Williams rekindled an interest in this heritage at the beginning of the 20th century by arranging numerous songs, some of which were transcribed for the _x001F_first time. Philip Sparke selected three songs from the 18th and 19 century for his Three Folk Song Miniatures: the _x001F_shermanâ??s song Dance to Your Daddy, the love song O Waly, Waly and Bobby Shafto, a song from the northwest of England.Engeland heeft een rijke traditie op het gebied van volksmuziek die door de jaren heen een beetje in de vergetelheid raakte. Componisten als Cecil Sharp en Vaughan Williams brachten hierin verandering door voor het eerst talloze liederen bundelen en soms zelfs voor het eerst tenoteren in modern notenschrift. Philip Sparke koos voor dit werk drie liederen uit de 18e en 19e eeuw: het visserslied Dance to Your Daddy, het liefdeslied O Waly, Waly en Bobby Shafto, een lied uit het Noord-Westen van Engeland.England kann auf eine lange Volkslied-Tradition zuru?ckblicken. Komponisten wie Cecil Sharp und Vaughan Williams weckten Anfang des 20. Jahrhunderts erneut das Interesse an diesem Erbe, indem sie zahlreiche Lieder sammelten und teilweise erstmals notierten. Philip Sparke wählte fu?r seine drei Volkslied-Miniaturenâ?? drei Lieder aus dem 18. und 19. Jahrhundert: das Fischerlied Dance to Your Daddy, das Liebeslied O Waly, Waly und Bobby Shafto, ein Lied aus dem Nordwesten Englands.Comme beaucoup dâ??autres pays, lâ??Angleterre jouit dâ??une longue tradition de chansons traditionnelles transmises oralement au _x001C_fil des siècles. Three English Folk Song Miniatures rassemble trois airs populaires (Dance to you Daddy, O Waly, Waly et Bobby Shafto), prodigieusement arrangés pour orchestre junior ou formation incomplète. Comme dans toutes les publications de degré de diffi_x001F_culté 1 1 ½ des éditions Anglo Music, les parties des registres ténor et basse peuvent être jouées par diff_x001B_érents instruments, ce qui permettra aux orchestres incomplets de toujours produire un son ample et généreux.Lâ??Inghilterra è una nazione ricca di canti popolari. Allâ??inizio del XX secolo, compositori quali Cecil Sharp e Vaughan Williams risvegliarono lâ??interesse verso questa preziosa eredit raccogliendo e in parte arrangiando numerosi canti. Philip Sparke ha scelto per le sue â??tre miniatureâ?, altrettanti canti del XIII e XIX secolo: la canzone dei pescatori Dance to Your Daddy, O Waly, Waly, una canzone dâ??amore e Bobby Shafto, un canto proveniente dalla parte nord-occidentale del paese.
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