The improvisational flair and amazing technical skill of the legendary Don Reno are laid bare for you to discover in this DVD tutorial by his very own son Don Wayne Reno. His unique style combines chord-based solos percussive techniques and flamboyant single-string runs.Don Wayne guide you through the distinctive rolls brush techniques walk-downs and chord melodies basing the lesson around eight classic Reno songs. Don Wayne even uses the 1934 Gibson Mastertone that his father received as a trade from the great Earl Scruggs.You won't find a more complete Reno-style Banjo lesson anywhere!

Méthode de 80 pages pour banjo. Inclus un CD avec ralentis et 20 play-backs. Titres : LA MÉTHODE UNIVERSELLE POUR LE BANJO - Histoire du banjo - Tous les conseils pour les réglages de l'instrument - Accessoires (onglets, capodastre...)… - Position des mains - Scruggs style - Technique main droite (roulements de base, arpèges alternés, roulements descendants et ascendants) - Technique main gauche (slides, hammers, pull-off) - Intégration d'une mélodie dans un arpège et synchronisation - Scruggs style avancé - Jeu en position et démanchés - Drop C Tuning - D tuning - D + High A tuning - Back up (accompagnements dÂautres instruments) - Keith style en Sol et en Ré - Reno style Le Répertoire : Tous les standards du Bluegrass et de la Country - Earl Scruggs - Doug Dillard - Sonny Osborne - J.D.Crowe - Eddie Adcock - Jim Mills - Scott Vestal - Tom Adams - Doc Watson - Tony Trischka - Bill Keith - Don Reno - Charlie Cushman - Fred Van Eps BANJO TENOR 4 CORDES - Histoire du banjo - Travail du médiator (alterné, triolets...) - Le banjo irlandais (Airs, Reels, Jigs) - Dixieland (rythmique, chord melody, trémolo, duo style) Le répertoire : Tous les standards Irlandais et Dixieland - John Dunne - Barney McKenna (The Dubliners) - Mick Moloney - Kieran Hanrahan - Gary OÂConnor - Seamus Egan - Johnny St.Cyr - Eddie Condon - Roy Smeck - Des ralentis - Les accords essentiels pour banjo 5-cordes et 4-cordes - 20 play-backs pour jouer live et improviser à volonté Méthode en français Auteur/Interprète : SEGURET CHRISTIAN Instrument : Banjo 4 et 5 cordes Support : Livre + CD

Great Banjo Tunes (formerly titled Advanced Banjo) (Now on DVD). Six challenging new tunes are taught including Don Reno's Limehouse Blues and Dixie Breakdown. Basic melodic licks new chordpositions and jazzy Reno sounds are introduced.Guest teacher for Kansas City Railroad Blues is Casey Henry. No Tab. Also includes The Goldrush Bill Cheatum and Shenandoah Breakdown. (2 hours 15 minutes).

Hot Licks for Bluegrass Banjo. Over 650 bluegrass, blues and jazz licks in Scruggs, single-string and melodic style. Use licks to create solos and play back up and expand your musical understanding and knowledge of the fingerboard. The licks of J.D. Crowe, Bela Fleck, Bill Keith, Alan Munde, Don Reno and Peter Wernick are featured.

Listen étoffe and Learn série renforcer vos compétences tout en bâtissant un répertoire de bluegrass grands morceaux de banjo ! Tony Trischka a personnellement choisi vingt solos de banjo traditionnels qui vont vous apprendre de nouvelles idées et l'ajouter à votre arsenal de licks et techniques. Sur le CD, les Tony effectue lentement, chaque morceau ensuite jusqu'à la vitesse, ce fournissant des explications et des conseils précieuses qui se rend. Au moment où que vous avez maîtrisé tous ces solos, vous allez avoir acquis les compétences de base nécessaires pour jouer dans les styles de Earl Scruggs, Don Reno, Sonny Osborne et autres grands du bluegrass. / Guitare

Flatpicking Guitar has taken an interesting journey since its inception first with Maybelle Carter then Don Reno Doc Watson and Clarence White. Younger players who began by listening to the original masters have melded thoseinfluences with other styles including blues swing classical and even various world music styles.When first listening to Doc Watson and Clarence White Barry Solomon was particularly attracted to their use of swing andjazz licks and phrasing and their choices of songs straight from the Tin Pan Alley and Great American Songbook.Tunes like Limehouse Blues All of Me and Honeysuckle Rose were exciting challenges toexplore after becoming comfortable with bluegrass and fiddle tunes. Barry always thought that bluegrass and jazz were a wonderful combination and the most gratifying challenge has been to create arrangements that meld both stylesin a tasteful and exciting manner.Titles presented in Volume 2 include: The Way You Look Tonight All of Me Oh Baby and Limehouse Blues. Accompanying audio tuition is included.

Get your hands on this classic 1984 tutorial and discover how Bela Fleck has since become arguably the greatest Banjo player of our time! Now on DVD Bela's detailed and expert demonstrations will give you the key to mastering many techniques and disciplines including:Bluegrass pickingKeith/Scruggs tunersDon Reno-style single-string workBlues improvisationCeltic instrumentals...and much moreYou will also learn some complete Banjo pieces including Texas Bar-B-Que and Brilliancy. A must for every aspiring Banjo picker.

Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1(+picc).1(+ca).2(+clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par RENOUVIN DIDIER. Les quatre pièces proposées ici pour une fin de premier cycle ont été écrites tout d'abord en tant qu'oeuvres musicales. Chacune a un climat particulier qu'il est important de ressentir pour en rendre l'esprit. L' ' Hommage à Atahualpa Yupanqui ' donnera, je l'espère, envie de (re)découvrir les oeuvres si chaleureuses de ce guitariste-chanteur. ' Chanson ' et ' Plouztochnitk-danse ' utilisent un langage atonal, mais néanmoins cohérent, un peu dans l'esprit de Leo Brouwer. Quant à ' Orient-Express ', il m'apparaît après coup comme un hommage a Bela Bartok. J'ai voulu donner à ' faire de la musique ' plutôt qu'un échantillonnage où l'apprenti guitatiste doit montrer qu'il sait faire tantôt des gammes, tantôt des arpèges, remettant à plus tard son implication en tant que musicien. / Niveau : Facile / Contemporain / Date parution : 2009-04-30/ Méthode / Guitare

50 chansons classiques pour accompagner les cours de renommée mondiale justinguitar.com pour guitare!Le Songbook Justinguitar.com acoustique est pour tous les guitaristes qui veulent progresser au-delà de niveau débutant. Le livre commence avec du matériel de niveau débutant, avant de passer à des chansons qui va vous apprendre comment utiliser accords plus complexes (y compris les accords barrés), des riffs, des modèles fingerstyle et accordages ouverts.Ce livre contient 50 grandes chansons acoustiques par des artistes tels que The Beatles, Eric Clapton, Johnny Cash, Elliott Smith, Crowded House, Ed Sheeran, Coldplay, Sting, Tom Waits et David Gray.Prenez votre jeu vers l'avant en commençant par les 15 chansons de niveau débutant, puis passer à 15 chansons intermédiaires spécialement choisis pour développer vos accords barrés. Après cela, vous allez apprendre 15 autres chansons qui introduisent de nouvelles techniques intéressantes, les accords et les rythmes, avant de finir avec 5 chansons classiques écrites dans TAB complète!Chaque chanson est accompagnée de conseils de performances et de motifs strumming, souvent avec des diagrammes d'accords et tablatures pour vous aider dans tous les morceaux délicats. Bien plus qu'un simple un recueil de chansons, ce livre contient de précieux conseils et tutoriels qui vous aideront dans tous les aspects de votre jeu.Ce volume tant attendu est vraiment la meilleure Songbook acoustique jamais!'L'un des professeurs de guitare les plus influents de l'histoire' - The Independent / Guitare