Présentation Ces vocalises sont faites pour trouver la virtuosité de sa voix, et sa fluidité dans une écriture d'aujourd'hui. Vous y trouverez quelques fondamentaux comme les grands intervalles, la longue tessiture, pour toutes les voix, le chromatisme, le tempo rapide vocalisé, les slanci ou glissati, les quarts de tons, les nuances ainsi que les tenuti pianissimi ou encore le decrescendo finissant sur un fil di voce. La valeur ajoutée sur le plan rythmique habituera le chanteur à combiner les textes sur une pulsation interne permanente malgré l'exécution de la mélodie étudiée. Les tenuti ouvriront l'imaginaire du chanteur en y plaçant le texte, ad libitum. Les respirations inaudibles pour certains textes - proches de la mélodie ou du récitatif - côtoieront quelques inspirations et expirations audibles, ou sons-bruits fantômes. J'accorde beaucoup d'importance à l'articulation du texte en bouche, et à la place des lèvres dans l'acoustique du son. En effet, le chanteur transporte son propre théâtre à l'italienne partout et son palais devient alors le fin connaisseur de la place des aigus et sur-aigus. Le chanteur est un gourmet de sa bouche et de tout son appareil phonatoire et respiratoire. Le sprechgesang aura une large part dans ces vocalises. Quelques nouvelles idées d'écritures apparaissent comme celles des agrégats ou arpèges, les pleurs, les rires, la main devant la bouche, le rauco, les sons soufflés, le bruit des lèvres, la langue sortie roulée sur la lèvre supérieure, les claquements de langue, le vibrato glottique. La présence du chanteur sera indispensable pour donner du sens aux textes empruntés au répertoire des opéras classiques choisis. Ces Airs connus par coeur par chaque chanteur, que ce soit Carmen, Adolar, Méphistophélès, Mab, Pédrillo, Marina, Anna Bolena, Lucrezia, Philippe II, Urbain, La Reine de la nuit, Vulcain, Sarastro ou Erda, pour n'en citer que quelques-uns, glisseront peu à peu dans des traitements - stylistiques et vocaux - déformés par tout ce que j'ai cité plus haut : à savoir que la virtuosité prend le pas sur la texture du texte et de la voix : des phonèmes en lien avec la compréhension du texte, ou non, agrémenteront la réactivité du chanteur, vers une attitude ludique, inventive et drôle, bien que précise et technique. La sûreté des attaques sera appréciée, comme l'apprentissage des différents effets vocaux (une vingtaine, en tout) et de leurs cryptogrammes respectifs. Si cette collection s'adresse à des chanteurs expérimentés et sûrs de leur technique globale, elle provoquera certainement des prises de conscience sur le couple voix et répertoire, peu évident à mettre en place chez de jeunes artistes, appelés à mûrir, à expérimenter, donc à évoluer dans leur répertoire, et leur confort d'émission. La beauté de l'instrument est indispensable pour défendre le cadre scénique de chaque vocalise : j'invite les jeunes chanteurs à croiser la voix, sa technique avec le jeu, l'amusement et sa virtuosité. La soif et le bonheur de chanter se mesureront à la discipline de l'apprentissage. Jeunes artistes doués et patients, devenez ces êtres-bouches à la fois chanteurs-conteurs-hypnotiseurs et connaisseurs alchimiques du pouvoir colossal de la voix humaine. Ouvrez vos cerveaux et vos bouches : le monde vous réclame ! La préoccupation qui fut la mienne concernant les voix de contre-ténors et hautes-contre est de montrer l'exceptionnelle capacité de ces voix, autant esthétiques que techniques, voire pyrotechniques. Je reste frappée par la curiosité doublée du sens du risque que possède la plupart de ces artistes, avec un A majuscule. En effet, pour chanter de la musique d'aujourd'hui, le contre-ténor et la haute-contre doivent être des excellents émetteurs de sons classiques avec tout l'éventail des non vibrati et des ornements baroques avec, en plus, une soif de gourmets vocaux. Seules cette soif, cette vivacité d'esprit et cette prise de risque ouvriront la voie aux effets vocaux précis, au service de la dramaturgie sonore, sans geste. C'est pourquoi j'ai écrit des textes où la voix chante en solo, sans accompagnement. La voix est seule à bord, suave peut-être, mais technique, sûre et exigeant une grande présence. Or, cette présence semble attachée à cette tessiture rare, servant à la fois l'époque baroque et le répertoire contemporain. Les langues utilisées ici sont l'allemand, le latin, l'italien et le français. Il y aura aussi des vocalises avec piano, sur des modes vocaux et stylistiques connus où le chanteur issu du baroque se retrouvera aisément, malgré l'écriture contemporaine qui filtre peu à peu, avec son chapelet de cryptogrammes et d'effets. Ces vocalises seront en anglais, italien et français. Messieurs, débutants et professionnels, restez ces torches vivantes, enthousiastes. La variété de votre ambitus fait aussi partie de votre singularité et de l'hypnose que vous exercez auprès du public. De nombreux compositeurs d'aujourd'hui sont attirés par vos facettes et écrivent pour vos instruments : sollicitez-les ! Contenu I. O solitude - II. Erbarme dich - III. Sweet nightingale - IV. Infirmata, vulnerata - V. Nacht und Träume - VI. Eternita - VII. Puisque j'ai mis ma lèvre - VIII. Bella amorosa - IX. Artabano - X. Alto giove

Baroque allemand poésie me fascine depuis longtemps. Lorsque vous organisez le livret de mon opéra de chambre Dafne (d'après Martin Opitz, écrit en 2005), j'ai intégré plusieurs poèmes de Opitz dans son jeu, et c'était aussi la première fois pour moi de composer des passages de choeur prolongées. Après avoir terminé ce travail, j'ai ressenti le besoin d'explorer la combinaison de choeur et les textes baroques dans un plus, la composition chorale indépendante. J'ai choisi des poèmes de Christian Hoffmann von Hoffmannswaldau, Andreas Gryphius, Martin Opitz, Georg Philipp Harsdörffer, Barthold Brockes Hinrich und Friedrich von Logau. En dehors de Trost aphoristique von Logau, les textes ont été raccourcies et réorganisé en profondeur. Les sujets similaires, en utilisant aussi des manières étroitement liées d'expression, et la tendance à des structures redondantes - souvent, une pensée à plusieurs reprises formulé de différentes façons - en fait des lignes de change, même possibles entre les différents poèmes.La façon dont les textes sont examinés les changements entre cadre cohérent et la langue en utilisant comme matière sonore et l'élément structurel. Un aspect important est la technique de laisser mots ou des syllabes tourner à travers tout le choeur, qui - soutenus par différents niveaux dynamiques et d'un unisono souvent légèrement imprécise - crée un effet panoramique comparables. Le moins son temps difficiles de la langue baroque, riche en consonnes, les métaphores lourdes, mais aussi les ondulée, parfois des expressions bizarres sont le plus souvent mis en musique plutôt discrète. Surtout, une duplication du caractère déclamatoire est évité, tandis que quelques belles images sont ramassés et transformés en sons. Le son choeur en tant que telle reste la plupart du temps 'intacte' au sens traditionnel- du brai est même traitée de manière très restrictive - un seul passage (le début du mouvement IIIe) fait usage de la pleine échelle chromatique. L'abstinence de spectaculaires effets attire l'attention sur compréhensibles structures harmoniques, les nuances dynamiques, un large éventail de combinaisons de voix et de registre et les variations subtiles des textes dans les différentes pièces.Formellement, l'ensemble du cycle de sept pièces sont regroupées en grandes sections de plusieurs mouvements. La devise en forme de début se transforme à la fois du texte et de l'harmonie dans le mouvement Gryphius dans laquelle le choeur est progressivement étendue d'une région à moyen terne à plus de registres contrastés jusqu'à ce que les fondus sonores away 'wie Rauch' [comme] la fumée et se transforme en fines pétille. Un petit interlude - la seule section qui présente le quatuor de cuivres - mène à Echo Opitz ', qui se déplace d'un endroit sombre, pesante, son dissonant des voix d'hommes dans une atmosphère de plus en plus léger, qui est ensuite repris par le plutôt simple , paysage d'automne mélancolique de Harsdörffer. La pièce maîtresse du cycle suivant, basé aussi bien sur le poème d'automne par Brockes, contraste fortement avec la simplicité du mouvement précédent. L'image d'une douche à effet pluie de feuilles qui tombent, méditative qui tournent autour lui-même, est transféré dans une longue et complexe 'spirale' paysage sonore sans cesse en rotation dans un maximum de 16 pièces individuelles, chacun d'entre eux d'explorer une version légèrement différente du texte du poème. Tandis que le choeur se développe pour le plus grand nombre de registres et de plus forte densité de la pièce, l'expression, dans le style de la langue Brockes ', reste plutôt affectée. La dernière section reprend le slogan du début, en explorant les deux enlacés textes Hofmannswaldau de manière plus approfondie, et conduit à la court épilogue qui sert comme un commentaire ironique sur baroque lassitude du monde sous la forme d'une merry-go-round avec les syllabes du poème de rotation spirituellement rapide grâce à la chorale.Le quatuor de cuivres partie soutient, accompagne et complète en partie le choeur d'une façon presque totalement la fusion. Il ya à peine une note qui n'est pas directement associée à l'une des voix de la chorale. Cependant, l'utilisation ou ommitting les cuivres affecte également la Charakter de la performance de la chorale - de cette manière, deux versions égales de la pièce sont combinés en un seul score, et vergehn wie Rauch peut être effectuée a cappella à la fois l'original et d'aujourd'hui les sens du terme.- Benjamin Schweitzer / Choeur Mixte (SSAATTBB), Trompette En Sib, Cor En Fa, Trombone Et Tuba

Partition pour pianoNombre de pages : 48 Niveau : 3La collection DECOUVRIR LES GRANDS COMPOSITEURS présente aux jeunes pianistes débutants les œuvres des plus célèbres compositeurs par l'intermédiaire de compositions originales et d'arrangements pour piano par H.G. Heumann. Elle propose aux jeunes pianistes et à tous ceux qui commencent le piano un voyage dans l'œuvre et la vie des compositeurs pour mieux connaître et aimer les grands artistes qui ont fait l'histoire de la musique. Ce volume est consacré à Jean Sébastien Bach, l'un des plus grands compositeurs de l'époque baroque (vers 1600-1750). Comme Georg Philip Telemann l'écrivait très justement dans un sonnet dédié à Bach: (il était) un grand maître dans l'art du contrepoint et de l'orgue, un improvisateur inventif et un grand professeur pour ses fils talentueux et ses élèves. Dans cette édition, nous avons repris les indications d'exécution de Bach, aussi bien dans les pièces originales que dans les arrangements. L'on pourra ainsi constater combien les musiciens baroques faisaient l'économie de conseils concernant le tempo, la dynamique ou le phrasé. Nous vous souhaitons beaucoup de plaisir dans la découverte de ce génie musical. (Hans Günter Heumann).Contenu :Menuet BWV anh. 132 - Préludes BWV 999, 927 et 846 - Inventions à 2 voix BWV 772 et 779 - Aria (Variations Goldberg BWV 988) - Polonaise (Suite française n°6 BWV 817) - Jesus bleibet meine Freude BWV 147 - O Haupt voll Blut un Wunden (Passion selon St Matthieu) - Bereite dich, Zion (Oratorio de Noël) - Toccata et Fugue BWV 565 - Concerto brandebourgeois n°3 - Badinerie BWV 1067 - Air de la suite orchestrale n°3 BWV 1068 - Concerto pour clavecin BWV 1052 - Chaconne de la Partita n°2 BWV 1004 - Bourrée de la 1ère Suite pour luth BWV 966

 J'ai eu l'idée d'écrire une oeuvre pour basson et orgue suite à une série de concerts donnés avec le bassoniste Franck Leblois et pour éviter d'élargir le répertoire au-delà des transcriptions habituelles de pièces baroques, L'ensemble basson et orgue fonctionne à merveille et l'orgue n'est pas restreint à un bourdon 8, il peut même s'exprimer pleinement sur un instrument moyen type 2 claviers et pédalier,Le premier mouvement de Strate, enjoué, fait intervenir le basson seul exposant des cellules morcelées issues du futur second thème principal qui sera exploité dans son intégralité à partir du troisième mouvement, Après un long silence, le basson reprend seul son discours pour exposer enfin le premier thème vif et joyeux, tout en staccato, évoquant le célèbre Noël populaire 'bon Joseph, écoute moy', L'orgue rejoint le basson sur des fondamentales au pédalier pour aboutir au second mouvement, dansant, ou les deux instruments paradent au rythme d'une bourrée,Le troisième mouvement, libre et inspiré, expose au basson un thème orné et mélancolique, dialoguant sur un contre chant à l'orgue appuyé par la suite d'une fondamentale au pédalier, Une cellule rythmique surgit à la main gauche de l'orgue et égaye l'ensemble pour l'entraîner à une nouvelle danse en ¾, Après un retour à la mélodie ornée, la cellule rythmique se développe dans un joyeux désordre pour plonger rapidement dans une partie irréelle ou le basson utilise des glissando sombres et mystérieux, Le thème orné est exposé après cela à l'orgue sur une succession de gammes au basson, Une période contemplative le fait à nouveau entendre au basson sur des accords répétés à l'orgue, Une hybridation s'opère alors entre les deux thèmes pour former un nouveau thème, Le basson conclu ce mouvement sur le retour du thème principal,Le quatrième mouvement mélancolique, expose une mélodie au basson accompagné par un ostinato de croches régulières à l'orgue, Cette mélodie, issue du thème principal du troisième mouvement, est reprise à l'orgue puis rejointe au basson, Une nouvelle cellule thématique, construite sur un chromatisme retourné, intervient à partir de la moitié de ce mouvement,Le dernier mouvement vif, s'enchaîne immédiatement sur le motif chromatique précèdent et le combine aux deux instruments, Au cours de ce déchaînement, le thème de Noël est déclamé par le basson ainsi que le thème orné, L'ensemble se rejoint par un important rituendo sur le motif chromatique dans un dernier épisode dramatique au cours duquel le basson chante à nouveau le thème orné, plus étiré encore, et conclu l'oeuvre dans le mystère, / Basson Et Instruments Divers

Comme à notre habitude, nous profitons d'une large distribution éditoriale pour mettre à la fois au programme de ce recueil des airs très connus de Lully, Rameau ou Charpentier, mais aussi révéler les talents de Boismortier, Mondonville, Collasse, etc. grâce à des compositions tout à fait remarquables et bien entendu à découvrir.
Un problème concernant le maintien de la tonalité originale s'est tout de suite posé. En effet, le diapason étant plus bas à l'époque d'un demi, voire d'un ton, devait-on garder la tonalité d'origine ?
Nous avons pris la décision de jouer la carte de la sécurité vocale et ainsi dans bon nombre de cas de transposer les airs lorsque ceux-ci sont trop tendus pour le diapason d'aujourd'hui (ce recueil étant avant tout destiné à un public le plus large possible).
Notons pour anecdote que l'air de Titon (et l'Aurore) de Mondonville n'a pas eu besoin d'être abaissé. En effet, le chanteur vedette de l'époque - Jélyotte -était en fin de carrière et ne possédait plus les superbes aigus* qu'il déployait auparavant dans les oeuvres de Rameau (Dardanus ou Platée).
Nous recommandons vivement aux interprètes avant de chanter, de déclamer le texte, dans les oeuvres du XVIIe siècle et les récitatifs des airs du XVIIIe afin de dégraisser la voix de l'emprise du son.
Le texte (et sa parfaite compréhension) est essentiel, il fait partie intégrante de la composition elle-même voulue par le compositeur.

Dr. Michel Verschaeve


* Avis très important :
- La voix de Haute-Contre à la Française est en fait une voix de Ténor léger qui mixe ses aigus et qui dans cette tessiture n'utilise absolument pas à l'époque son registre de poitrine. Le premier contre-ut (français) de poitrine sera poussé en 1831 par le grand ténor romantique Gilbert-Louis Duprez dans Guillaume Tell de Rossini...
- Nous avons respecté l'orthographe et la ponctuation originales des manuscrits et éditeurs de l'époque. / Partition /

Une matière sonore qui circule sans cesse au sein de l'orchestre, des échos multiples qui jaillissent de toutes parts, une recherche de textures sonores aux couleurs les plus diverses : c'est avant tout ce qui caractérise ce concerto, poème symphonique concertant qui se déploie d'un seul tenant bien que structuré en trois mouvements. Le premier s'ouvre sur des espaces sonores aux couleurs sombres et inquiétantes d'où émerge la clarinette avant de se diffuser en échos multiples dans les bois de l'orchestre. Entre ces éléments de flux et de reflux scandés par de denses accords répétés, la clarinette impose progressivement des mélismes aux contours néo-baroques avant que ne s'engage une partie plus motorique en crescendo constant conduite par un martèlement obsédant de motifs staccatissimo. Après une lente transition où le discours s'apaise, le second mouvement débute par une longue mélodie descendante de clarinette ponctuée par un accompagnement chromatique lentement égrainé au piano. Cette mélodie semble dialoguer avec son double dans un enchevêtrement de lignes contrapontiques comme si l'on regardait au loin se déployer des polyphonies de la Renaissance. Après un renforcement expressif de cet épisode plus mélodique, commence une longue passacaille, au thème mécanique presque burlesque, distribué à tout l'orchestre comme dans une gigantesque Klangfarbenmelodie, qui avec ses différentes variations exploitera de multiples combinaisons instrumentales entre la clarinette et des groupes instrumentaux de l'orchestre comme les cuivres bouchés ou les percussions - bref une sorte de concerto grosso en perpétuel renouvellement, passant de réminiscences jazzy à des bouffées expressionnistes. / Clarinette Et Piano

Collection Répertoire 1 fournit 45 morceaux supplémentaires explicitement liés à des niveaux de progression (en commençant par les débutants) trouvés dans 1 livre de la méthode, fournir un plus large éventail de belles pièces pour le pianiste solo.Ce livre est un excellent complément à 1 du livre Méthode si vous voulez des morceaux plus agréables qui aideront votre apprentissage à chaque étape de votre développement.En ligne avec la méthode classique Piano, les pièces sont tirées principalement du répertoire classique, et comprennent également un certain nombre de folk et de pièces contemporaines dans des arrangements intéressants et variés.Ce livre est, bien sûr, aussi une collection très utile autonome du répertoire progressivement gradué-dans son propre droit, en fournissant répertoire pertinent que les jeux de la pianiste se développe. Convient aux pianistes dans les premiers stades de l'apprentissage à jouer.À propos de La Méthode de piano classique:Cette fonction est idéale pour les adultes et les jeunes qui cherchent à apprendre le piano à partir de zéro, ou pour ceux qui retournent au piano après une rupture substantielle de jouer.Comme l'apprenant, vous gagnerez une traditionnelle, technique classique, et sera présenté à la intéressants, variés et bien connu des morceaux classiques dès le départ.La méthode est sympathique et est soigneusement conçu pour progresser par petites étapes gérables, en commençant par les modèles simples et des exercices de doigté, de passer à quelques-unes des plus belles mélodies et des pièces des époques baroques, classiques et romantiques: comme l'Ode à la Joie, Für Elise et le Beau Danube bleu.Les Livres de méthode vous conduira à travers une gamme d'exercices, des morceaux du répertoire pour apprendre, les chèques théorie, des instructions claires et diagrammes de jouer et de la technique, des conseils sur la pratique, et des biographies de compositeurs. Ils ont également joindre un CD sur lequel vous pouvez écouter tous les morceaux joués sur un piano à queue par un pianiste de concert, ainsi que quelques pièces supplémentaires d'accompagnement que vous pouvez utiliser comme jouer-le long des voies. L'apprentissage est fait intéressant, éclairé et amusant.1 Livre Méthode comprend des leçons sur la posture, les positions des mains, des bâtons, clefs, accords ....2 Livre Méthode comprend des leçons sur les intervalles, en changeant la position des mains, des cadences, des inversions, des triplés, des syncopes, 6/8 ... / Piano

À partir de 1651, John Playford a publié une série d'instructions de danse avec des mélodies correspondantes. Après leur succès initial, il les nomma 'Le Maître à danser'. Editions continué d'être publié jusqu'à 1728. Ils ont incorporé traditionnelle ainsi que des thèmes nouvelle chanson de la journée avec de puissantes mélodies baroques et mémorable.La plus belle de ces chansons ont été arrangées pour flûte à bec ici déchant ou les aigus et un accompagnement au piano. Compris, entre autres, sont 'Newcastle', 'noir et gris' et 'Jigg Y'a personne'.Les ententes comprennent une partie optionnelle pour une deuxième flûte.le rédacteur en chefNikolaus Newerkla, est un réalisateur cembalist, arrangeur et ensemble. Il a fondé et dirige l'ensemble de musique de renommée internationale précoce 'Quadriga Consort'. / Flûte A Bec Et Piano

Par LEVY ERNST. Ernst Levy a constitué au fil du temps une réflexion importante sur des aspects de la musique abordés d?une manière sensible et originale. Des notes ont été rédigées en français sous le titre Connaissance Harmonique, traduites par Sigmund Levarie qui en a tiré un ouvrage devenu un classique A Theory of Harmony. Malgré des démonstrations parfois complexes et des postulats qui bousculent quelque peu notre approche habituelle de l?harmonie, Levy ne perd jamais de vue que la musique, avant tout, se passe dans l?âme. À quelque chose d?intérieur, de spirituel, correspond un quelque chose d?extérieur, de physique : le son. Et la musique se produit lorsque les deux sont en harmonie. Il aborde ainsi une étude sur les propriétés du son via le sonomètre et la table de Pythagore. À partir de la série des harmoniques, il propose une série imaginaire symétrique par inversion des intervalles, qui aboutit à ce qu?il appelle les harmoniques inférieures. De cette série naîtra la conception de l?harmonie négative. Elle s?applique aussi bien aux accords qu?aux gammes (phrygienne, éolienne?), mais aussi aux cadences. Le cycle des quintes nous sera d?une grande utilité pour trouver toutes les correspondances de l?harmonie négative. L?auteur établit ensuite l?importance de la tierce au sein de la triade. Ainsi que les relations mineures-majeures, avec une exploration des chaînes de cadences ? coté négatif, contre-direction, symétrie, accords réciproques avec réciprocité absolue des mineur et majeur. Levy explique aussi sa conception des accords consonants et dissonants, lesquelles dissonances sont illimitées/ Théorie / Harmonie

S'il est une notion fondamentale en musique, c'est bien celle de la justesse. Et, dès que l'on s'y intéresse d'un peu plus près, surgit, surtout pour celui qui se consacre à la musique ' ancienne ' mais aussi pour le musicien ' moderne ', la question des tempéraments. Ces mal-aimés et incompris de la théorie de la musique ouvrent cependant tout un univers dans l'expression musicale, trop souvent laissé de côté.Par une présentation claire et riche en illustrations, par l'aller-retour continuel entre théorie et pratique au moyen de nombreux exercices, et enfin par plusieurs niveaux de lecture possibles (de l'explication pour le néophyte jusqu'à l'analyse chiffrée de certains traités baroques), cette méthode d'accord du clavecin vous permettra de comprendre en profondeur les problèmes de l'accord, et de réaliser d'oreille des tempéraments conformes à vos envies musicales. Pour le non-claviériste, elle permettra de comprendre et d'envisager d'une nouvelle façon la question de la justesse. / Livre

Pour la série Easy Concert Pieces, la pianiste et pédagogue expérimentée Monika Twelsiek a compilé des pièces pour pianistes débutants simples et agréables et les a classées dans un ordre progressif en trois volumes.Les recueils sont pensés comme des compléments aux méthodes de piano et sont particulièrement adaptés aux auditions dans les écoles de musique, aux examens et aux concours tels que Jugend musiziert. Le répertoire est varié et propose un grand choix de pièces baroques, classiques, romantiques et modernes.Le troisième volume s'adresse aux élèves d'un niveau avancé, qui veulent travailler l'expressivité de leur jeu et leur interprétation. Les pièces mettent en place certaines exigences au niveau de la fluidité du jeu, de la rythmique, de l'articulation et du phrasé, du jeu polyphonique (plusieurs voix sur une seule main) et de la différenciation des mouvements.Le volume 1 (ED 22547) contient des pièces faciles sur l'ambitus d'une quinte et d'une octave facile. Les autres critères de choix des pièces ont été une rythmique basique et des accords très simples. Le positionnement du pouce, la polyphonie et la pédale ne sont pas encore abordés. / Piano

Pour venir en aide aux guitaristes, nombreux, qui aiment le répertoire baroque mais ne possèdent ni guitare baroque, ni luth baroque, ni théorbe, il était nécessaire de réaliser cet ouvrage. Les danses de la suite française (Allemande, Courante, Sarabande, Menuet, Gavotte, Bourrée, Passacaille, Chaconne, Gigue?) y sont présentées d'abord globalement puis, pour chacune d'elles, on découvre l'origine qui date souvent de la renaissance, la structure rythmique type avec sa dynamique et une évaluation du tempo le plus raisonnable. De nombreux exemples courts (huit premières mesures) ou plus longs (premières parties) permettent de définir un archétype de chaque danse que l'on peut appliquer, à la fin de l'ouvrage, à une ' suite puzzle '. Cette suite est artificiellement construite avec des danses composées par des musiciens différents : Robert de Visée, Francesco Corbetta, François Lecocq, Ludovico Roncalli, Jacques Gallot, Henri Grénerin, Charles Mouton, François Campion? A l'évidence, cette recherche destinée aux guitaristes devrait aussi rendre quelques services à tout instrumentiste amoureux du grand siècle : claveciniste, flûtiste, violoniste, gambiste, etc. / Littérature Musicale

Vingt-deux pièces de compositeurs baroques édité par Richard Jones, pour l'ABRSM. Comprend des oeuvres de Vivaldi, Corelli et Telemann. / Violon / niveau : Intermédiaire / Partition