This work was commissioned by Yutaka Fujishima and the Xebec Hall. It was first performed by Ryoichi Fujimori in Mito Japan on 10th November 1996. Duration: 8 minutes 10 seconds. The following equipment is required: 1full-size CD player (not a portable) with a clearly readable time counter display set next to the cellist 1 microphone for the cello 1 digital reverb 1 mixing desk 1 stereo amplifier at least 2 high qualityloudspeakers.Quoting Karen Tanaka: The title comes from the Song of Solomon of the Old Testament which is a beautiful song of love.I have attempted to project this sensual song of love onto the sound of cello and computer.My intention was to weave color and scent into the sound while blending the ancient story and today's technology. The sound of cello is consistently gentle and tender.CD Rom available separately for sale.

D'allure tout à fait classique, les Variations en forme de chaconne furent interprétées en première audition le 23 février 1902 par Gaston Courras, violoncelliste de l'opéra de Paris, et l'auteur au piano. Cette pièce s'inscrit dans le mouvement de redécouverte des maîtres clavecinistes du Grand Siècle qui s'opère au tournant des xixe et xxe siècle. On sait par ailleurs l'intérêt que portait La Tombelle à des compositeurs comme Couperin ou Rameau, les exécutant lui-même souvent en concert. D'autres 'uvres de ce compositeur font également référence de manière explicite à une certaine forme de classicisme hérité du passé. Pensons par exemple à la Passacaille ou à l'Air varié dans le style ancien pour violon et piano, à la Toccata dans le style ancien de la Suite d'orgue pour le temps de Noël ou encore à la Suite pour 3 violoncelles. Pièce brillante de concert, ces Variations en forme de chaconne allient l'apparente simplicité du matériel de base employé à une grande virtuosité mettant en avant l'interprète.

Par CLARKE JEREMIAH. This arrangement of 'The Prince of Denmark March,' or 'Trumpet Voluntary,' provides the perfect setting for advocacy and striving for excellence since it is so recognizable. Three different versions of the final 8 bars, containing incorrect notes, are included. Each version contains an increasing percentage of correct pitches. Each represents a different letter grade. Play all four versions and then explain to parents and administration that the A+, 100% correct version is what we do every day in orchestra. All sections play the melody in this piece, still providing a solid musical setting in a novelty piece. Audience members are sure to recognize it which makes it perfect for finding 'errors.' Along with the 'real' music for the final 8 bars, three other versions are included. The first version has 80% of the correct notes and 20% incorrect. The next has 90% correct notes and 10% incorrect. The next has 95% correct notes and 5% incorrect. The final, 'real' version has 100% correct notes. The 100% version should be played first for the audience explaining this version would get an A+ in an academic setting. Then play the 80% or B- version, then the 90% or A- Version, and then the 95% A version. Then explain to parents and administration that the only version that is acceptable is the 100% version and that is what we do every day in orchestra. This provides a perfect advocacy moment to discuss the benefits of music education with parents and a tangible explanation of striving for excellence to parents and students. Includes an educational packet with each part that features technical exercises, history, theory, composition, and more. Correlated to Sound Innovations, Book 1, Level 5. (2:00) / Date parution : 2022-10-12/ Répertoire / Orchestre à Cordes

Instrument/Discipline : Violoncelle Style/Genre : Musique de film Support : Livre CD Auteur/Compositeur : WILLIAMS JOHN Ce livre fait parti d'une série instrumentale arrangée pour flûte, Clarinette, Sax alto, Sax ténor, trompette. Cor en Fa et trompette. Les arrangements sont compatibles avec chacun et peuvent être joués en groupe ou en solo. Chaque livre contient une partie pour joueur de niveau 2-3, ainsi qu'un CD. Celui-ci inclus une piste démo pour chaque chanson ainsi qu'une piste playback pour s'exercer. Partitions pour violoncelle et piano. Inclus des photos du film en couleurs et NandB. Contenu : Star Wars (Main Theme). Jar Jar's Introduction. Augie's Great Municipal Band. Qui-Gon's Funeral. Duel of the Fates. Anakin's Theme. The Flag Parade. Across the Stars (Love Theme). The Arena. The Meadow Picnic. Battle of the Heroes. Cantina Band. The Throne Room. The Imperial March ( Darth Vadre's Theme). May the Force Be With You. Princess Leia's Theme

Arrangeur: M. Hubicki. Par MAX W. / HUBICKI M.. Everyone wants to play carols at Christmas, and not only on the keyboard. Here are 16 favourite carols in easy, attractive arrangements for Cellists of elementary standard. The simple Piano accompaniments are designed for the parent or teacher of modest Keyboard skills. / Niveau : Facile / Recueil / Violoncelle et Piano

Bien qu?ils ne constituent pas une unit? ferm?e du point de vue stylistique les cinq quatuors ? cordes de Beethoven r?unis dans ce volume sont g?n?ralement appel?s ?quatuors du milieu?. Plus de trois ans s?parent la composition des trois quatuors op. 59 (1806) et celle du quatuor op. 74 (1809/10). Les quatuors op. 59 contiennent quelques th?mes issus de chansons populaires russes ? un hommage au prince Razoumovski qui en ?tait le commanditaire ? qui leur valent ?galement l?appellation de ?quatuors russes?. Le quatuor suivant op. 74 en Mi b?mol majeur a lui aussi un surnom: en raison de quelques longs passages en pizzicato dans le premier mouvement il est souvent appel? ?quatuordes harpes?. Enfin le manuscrit autographe du quatuor en fa mineur op. 95 le d?signe comme ?quatuor serioso?. Tous ces quatuors sont des chefs-d??uvre de la maturit? du compositeur d?une grande com-plexit? technique et d?interpr?tation.

Par LEVINAS MICHAEL. En 1996, Concertation m'avait permis de réaliser une polyphonie de sons tournants évoluant harmoniquement selon le principe d'un choral. Le spatialisateur de l'Ircam permet de superposer des trames (ou des lignes) chantées par quatre voix. Ces trames se propagent et tournent dans l'espace à des vitesses multiples créant ainsi des effets de Doppler et des entrelacements polyphoniques. Ces faisceaux colorés par la percussion et la flûte évoluent selon une trajectoire qui reproduit une relation de 'tonique à dominante'. Il en résulte simultanément une impression de sur place et de cheminement harmonique. Dans Les Lettres enlacées V, en revanche, le principe formel de la pièce naît d'une écriture polyphonique en spirale. La pièce procède par la reproduction en continuelle transposition d'échelles modales qui parcourent les registres des instruments du grave à l'aigu, ou bien de l'aigu au grave selon un système d'altérations asymétriques. Sont aussi utilisés des mouvements contraires. Ainsi, une échelle qui se déroule dans un registre grave va être reproduite une octave au-dessus en subissant une 'altération' similaire à l'effet de Doppler que j'avais utilisé dans Concertation. La genèse du mouvement mélodique provient de cette simulation de l'évolution de l'échelle modale dans l'espace. Le principe de la transposition limitée implicite dans l'altération, dans le temps et dans l'espace de ces échelles constitue une forme giratoire, c'est-à-dire une structure de modulation qui ramène dans le temps à l'échelle modale du début de la pièce. Forme fermée ? Forme giratoire ? La trame harmonique est constituée non seulement par l'échelle modale reproduite à tous les registres des instruments, mais procède aussi d'un mouvement de spirale infinie provoqué par une technique acoustique d'octaviation et de relais. Cette trame harmonique est à la fois statique et mobile. Elle résulte simultanément de la spirale infinie et de l'altération des échelles quand elles passent d'un registre à l'autre. J'ai écrit une suite de pièces sous le titre Les Lettres enlacées. Ce titre traduit la technique d'écriture utilisée pour les cordes. Elle se réfère au chevauchement, à la superposition, au croisement de deux voix d'un seul et même instrument à cordes. L'instrumentiste joue une mélodie en canon de micro-intervalles sur deux cordes simultanément, chaque ligne 'poursuivant' l'autre par une sorte de dédoublement en micro-intervalles. Les figures mélodiques issues de ces modes de jeu peuvent être considérées comme de faux glissandi ou encore comme des effets globaux et paradoxaux obtenus par cette polyphonie en lettres croisées. Dans ce quintette, j'ai rapproché ces lignes mélodiques en faux glissandi des échelles modales altérées. Cette parenté constitue elle aussi la trame évolutive de la pièce dans le temps. La conception du quintette suit une période de composition exclusivement consacrée, depuis Concertation, aux instruments acoustiques et plus précisément aux instruments à cordes. Ce travail m'a amené à réfléchir sur des musiques formelles éloignées de la rencontre avec le modèle narratif. Mais le rôle de l'altération des échelles, la relation entre ces altérations et le temps musical, le concept de transposition limitée, la polyphonie en spirale infinie, les superpositions des mêmes échelles sous forme conjointes et disjointes, m'ouvrent des perspectives dans le domaine de l'invention musicale, qui ne se limitent pas à la pure abstraction de la forme ou à la matérialité de l'organisation du timbre. M.L. / contemporain / Répertoire / Quintette à Cordes

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par O'LOUGHLIN SEAN (Arr.). This engaging string orchestra medley from the hit television show Stranger Things uses the eerie main theme as bookends framing songs from the 1980s by Journey, Metallica, The Clash, and Kate Bush that feature prominently in the show. Both contemporary and nostalgic, this is sure to be a hit with your students and their parents! / Date parution : 2023-03-11/ Répertoire / String Ensemble

for Violoncello and Piano-Young cello players (and their teachers and parents) will enjoy the musical stroll through the zoo. Animals from A to Z help in a playful manner to learn the manner in which a cello is to be played and technical skills

The study of string instruments should include ensemble playing at the earliest possible stage. There is much to be gained from the playing of duets. Each player learns how to listen to the other, and in a short time develops an awareness of balance, musical phrasing, intonation, and tone quality. This type of training is excellent preparation for participation in large groups. These four volumes of duets for two violins will help fill the need for early ensemble experience in the public schools. They should be used in string classes as a supplement to any of the standard string methods. They will also encourage music making outside of the school, with parents or with other students. These duets are ideal for recitals in the public schools and in public school festivals. They may be played by two performers, or by multiple performers on each part, with or without piano accompaniment.

Ecrite à l'origine pour huit violoncelles cette oeuvre de huit minutes est dédiée à la mémoire des parents du compositeur. Pour employer ses propres mots : la pièce reflète leur amour pour la musique lyrique et est légèrement teintée par l'influence des harmonies de jazz qui émergent sous le phrasé et la ligne élégiaque du violoncelle.

Contains all the piano accompaniments for Cello Time Runners (the cello duets are unaccompanied and so printed in the cello book only). Characterful and easy to play these piano parts provide the perfect stylish accompaniment to the cellist's first tunes and help capture the spirit and mood from jazz to calypso folk to rock. Essential for teachers and musical parents these books will help motivate all young cellists as they learn to play.

The study of string instruments should include ensemble playing at the earliest possible stage. There is much to be gained from the playing of duets. Each player learns how to listen to the other, and in a short time develops an awareness of balance, musical phrasing, intonation, and tone quality. This type of training is excellent preparation for participation in large groups. These four volumes of duets for two violins will help fill the need for early ensemble experience in the public schools. They should be used in string classes as a supplement to any of the standard string methods. They will also encourage music making outside of the school, with parents or with other students. These duets are ideal for recitals in the public schools and in public school festivals. They may be played by two performers, or by multiple performers on each part, with or without piano accompaniment.