Study Score. Par DVORAK ANTONIN. Dvorák n'avait que vingt ans quand il écrivit son Quatuor à cordes n o 1 en la majeur, op. 2 (1862). Le travail est considéré comme le deuxième compositeur travail le plus important, après le Quintette à cordes en la mineur op. 1. Dvorák ne sont pas retournés au travail sur op. 2 jusqu'à 1887, quand il a été la révision de ses premières oeuvres. Il a supprimé les sections de ce quatuor substantielle n'épargnant que le Scherzo, les autres mouvements, où tous coupés par près d'un tiers. Le travail a finalement été créée par des musiciens d'orchestre du Théâtre national, mais une édition imprimée n'a pas été publié avant le milieu du 20e siècle. Cette nouvelle édition Bärenreiter présente le texte musical principal de l'édition complète de 1989, qui donne à l'oeuvre dans sa forme définitive, après la révision de Dvorák. L'édition est basée sur le manuscrit autographe et sur les pièces manuscrites. - Avec la nouvelle préface (Cz / Eng / Ger), qui sont basées sur les recherches les plus récentes/ Répertoire / 3 Violons, Alto et Violoncelle

Par DVORAK ANTONIN. Dvorák's 'String Quintet in G major” op. 77, had five movements when it was premiered on 18 March 1876. Its second movement was the 'Intermezzo” from his 'String Quartet in E minor” (1870). Later Dvorák removed this movement from the quintet, expanded it, and published it as a separate 'Notturno” for string orchestra op. 40. The 'Intermezzo” is included in its original version in the appendix of the score. This edition is based on the 'Complete Edition of the Works of Antonín Dvorák”, the principal source being the first edition of 1888, for which Dvorák subjected the work to revision. - Dvorák's famous quintet with double bass - New detailed foreword by Dvorák scholar David Beveridge (Eng/Cz/Ger) - Musical text based on the 'Complete Edition of the Works of Antonín Dvorák” (series IV, vol. 8)/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Arrangeur: Nico Dezaire. Par DEZAIRE NICO. Pour les Ensembles à Cordes qui jouent en instrumentation variable, la collection Flexible String Trios offre de multiples avantages : Le set complet contient un conducteur à trois voix et neuf parties séparées car chaque voix est déclinée pour chacun des trois instruments. Ceci signifie que toutes les combinaisons instrumentales pourront être envisagées. Discover Rock 'n' Roll rassemble une collection des titres les plus populaires de la période Rock 'n' Roll. Les arrangements sont attrayants tout en restant fidèles au style des pièces originales. / Niveau : Intermédiaire / Recueil / Trio Flexible à Cordes

Arrangeur: Z. Veres. Par VERES ZOLTAN. Grâce au compositeur Jean-Claude Soldano, les éditions du même nom ont pu voir le jour dans les années 2000 et ainsi publier des oeuvres de petits compositeurs essentiellement français. C'est le cas du recueil dénommé A Rákóczi nóta de Veres Zoltàn qui a été composé pour Alto / Niveau : 2ème Cycle / Répertoire / Alto et Piano

Par ZEMLINSKY ALEXANDER. La musique d’Alexander Zemlinsky est longtemps injustement restée dans l’ombre de la deuxième École de Vienne, considérée comme «plus progressiste». Certes, Zemlinsky était amicalement très proche de l’une des personnalités les plus en vue de cette école, Arnold Schönberg, mais il n’a jamais franchi le pas de la radicalité dodécaphonique. Il n’en composa pas pour autant des œuvres moins originales ou moins personnelles. Et c’est justement son deuxième Quatuor à cordes, élaboré dans les années 1913-1915, qui conduisit la forme et la tonalité, telles qu’on se les représentait alors, jusqu’à leurs dernières limites. L’œuvre, en un seul mouvement, mais qui comprend plus de 1200 mesures, est d’une grande diversité, et fait partie des contributions les plus frappantes de son époque; elle avait depuis longtemps besoin d’une nouvelle édition critique. L’édition Urtext de la maison Henle corrige un grand nombre de fautes et d’imprécisions figurant dans l’édition originale, qui apparurent lors de la comparaison minutieuse faite avec les sources manuscrites autographes de Vienne et de Washington. Même les indications métronomiques transmises par Zemlinsky dans une seule correspondance épistolaire ont été pour la première fois prises en considération. Ces travaux éditoriaux ont été aimablement soutenus par le Fonds Alexander Zemlinsky de Vienne./ Répertoire / Quatuor à Cordes

Fl Git. Par NEUMANN FRIEDRICH. Ich habe mir das Ziel gesetzt, die Polarisierung von Historismus und Avantgardismus – von Tonalität und Atonalität zu überwinden. Wesentliche Anregungen zu meinem Vorhaben habe ich von meinem Lehrer J. N. David und von Paul Hindemith empfangen. (Der Komponist) / Niveau : Assez Facile / Répertoire / Guitare et Musique de Chambre

Par SCHOENBERG ARNOLD. Cette pièce de musique de chambre, composée en 1907-1908, marque une rupture non seulement dans l??uvre de Schönberg, mais aussi plus largement dans l?histoire moderne de la musique. Le système tonal majeur/mineur qui s?imposait depuis des siècles est, au fil des quatre mouvements, abandonné de manière toujours plus sensible au profit d?une atonalité libre. Cette rupture avec la tradition musico-historique va de pair avec un autre coup porté aux conventions: Schönberg introduit dans les deux derniers mouvements une voix de soprano pour mettre en musique deux poèmes de Stefan George. Avec la transition vers l?atonalité, Schönberg ouvre la voie à un nouveau langage musical, qui aboutira peu de temps après au dodécaphonisme. Pas de doute: son Second quatuor à cordes a marqué le cours de l?histoire de la musique. La nouvelle édition Henle a été réalisée par Ullrich Scheideler, spécialiste de Schönberg, sur la base des recherches les plus récentes. La partition Urtext Henle présente ce «classique de la modernité» dans une nouvelle gravure, très généreusement mise en page. / Date parution : 2022-06-14/ Répertoire / Soprano et Piano

Par CASABLANCAS BENET. Albumblatt für Arriaga, commissioned by the Trio Arriaga and lasting some 7:30 minutes, is the composer's fourth contribution to the classical violin, cello and piano ensemble, for which he has a special esteem. The work was written in homage to the composer Juan Crisóstomo Arriaga, and at the same time as a token of gratitude and admiration for the Trio Arriaga, to whose members the work is dedicated; a double motivation that is reflected in the title of the work. Its course is presided over by a markedly lyrical character that coexists with passages full of energy, rhythmic vivacity and drama. The introduction and epilogue of the work are based on a musical motif derived from the name of the Basque composer (Ju-A-n C-r-I-S-ostomo A-rr-I-A-G-A), made up of the notes A, C, E, Eb, A, E, E, A, G, A, in the manner of a musical acrostic, and from whose nature the harmonic and thematic material of the whole work is largely derived. The premiere of this Trio took place on 5 November 2015 in the Chamber Hall of the Palau de la Música Catalana in Barcelona. / Date parution : 2022-02-03/ Répertoire / Violon, Violoncelle et Piano

Par MENDELSSOHN-BARTHOLDY FELIX. Mendelssohn est considéré comme un compositeur très critique envers lui-même, qui a révisé à de nombreuses reprises ses propres œuvres avant de les juger dignes d’être publiées. La gestation de son premier Trio avec piano fut particulièrement pénible. Ce n’est qu’après plusieurs tentatives qu’il put l’achever au cours de l’été 1839. Après de nouveaux remaniements, il fut publié en 1840. Ce perfectionnisme fut payé de retour, car le Trio en ré mineur de Mendelssohn rencontra un succès immédiat. Robert Schumann écrivit: «Ce trio est une pièce maîtresse de notre époque, comme le furent en leur temps ceux en Si bémol et en Ré de Beethoven, ou celui de Franz Schubert en Mi bémol. Une très belle composition, qui dans des années ravira encore nos enfants et nos petits-enfants.» Il avait vu juste: aujourd’hui encore, il fait partie des ouvrages les plus appréciés du répertoire pour trio. La pièce, extraite du volume: Mendelssohn · Trios avec piano HN 957 est pour la première fois disponible séparément chez Henle dans une édition pratique pour l’exécution./ Répertoire / Violon, Violoncelle et Piano

Demanding salon music for string quartet (with double-bass ad libitum) is provided by Wolfgang Birtel in his 'Latin Dances' with four titles which can be played individually or as a little suite. The first dance is the chorinho 'Não me toques' by Zequinha de Abreu (1880-1935) who not only wrote 'Tico Tico' but also other rousing pieces of music. Ernesto Nazareth (1863-1934) is considered to be the 'inventor' of the Brazilian tango and waltz: He titled the waltz, which follows as second title, 'Ingenious'. These rather unknown titles are followed by two absolute worldwide hits: 'Bolada de Aficionado' by A.G. Villoldo and then the everlasting beguine 'Bésame Mucho' by the Mexican composer Consuelo Velázques (1916-2005). Whether individually or as a 'four-pack' - the fingers will be twitching and the toes will be tingling for this music carries away musicians and audience alike. / Quatuor A Cordes

QUINTET in C Major for 2 Violins, Viola and 2 Violoncellos, Op. 163
QUARTETS for 2 Violins, Viola and Violoncello
N°1
N°2 in C Major
N°3 in B-flat Major
N°4 in C Major
N°5 in B-flat Major
N°6 in D Major
N°7 in D Major
N°8 in B-flat Major, Op. 168
N°9 in G Minor
N°10 in E-flat Major, Op. 125 No. 1
N°11 in E Major, Op. 125 No. 2
N°12 (Quartett-Satz) in C Minor
N°13 in A Minor, Op. 29
N°14 in D Minor ( Death and the Maiden )
N°15 in G Major, Op. 161
TRIOS for Violin, Viola and Violoncello
In B-flat Major
In B-flat Major

Contenu : Sonate n°1 BWV 525 - Sonate n°2 BWV 526 - Sonate n°3 BWV 527 - Sonate n°4 BWV 528 - Sonate n°5 BWV 529 - Sonate n°6 BWV 530 Compositeur/Auteur : BACH Johann Sebastian
Discipline/Instrument : alto et piano Support : Partition
Style/Genre : classique

Par WAKSMAN FABIEN. Que peut signifier la perte de l'audition pour un compositeur ? C'est la question à laquelle j'ai tenté de répondre en composant ce sextuor, écrit en hommage à Beethoven. C'est l'image d'un Beethoven prisonnier de son propre corps qui a été le point de départ de cette pièce. Une prison aux proportions dantesques, à la fois immense et oppressante. Ce monde intérieur, que j'imagine être l'esprit d'un Beethoven sans contact auditif avec l'extérieur, m'a rappelé les gravures de Piranèse. Carcere Oscura, réalisé en 1743, constitue un prélude au cycle des Carceri d'Invenzione, le chef d'œuvre de l'artiste. Cet univers carcéral possède par son caractère monumental un aspect fantastique. Il n'en reste pas moins à jamais clos, inhumain, et par conséquent terriblement effrayant. Pour reprendre les mots de Marguerite Yourcenar, les Carceri évoquent un 'monde factice, et pourtant sinistrement réel, claustrophobique, et pourtant mégalomane (qui) n'est pas sans nous rappeler celui où ! 'humanité moderne s'enferme chaque jour davantage'. Le célèbre motif initial de la Cinquième Symphonie de Beethoven parcourt l'ensemble de la pièce. Son traitement est le plus souvent frénétique, comme s'il semblait courir désespérément dans un labyrinthe en perpétuelle évolution à la recherche d'une sortie, d'un réconfort, d'une lueur. Le décor a beau changer considérablement, le sentiment d'urgence quitte rarement un discours dans lequel l'accordéon parvient peu à peu à prendre son indépendance par rapport à un ensemble à cordes très dense et compact. Après l'apparition d'une nouvelle cellule issue du second thème de la Cinquième Symphonie, le calme apparaît progressivement, toute trace de paniques' efface, la musique se fait plus flottante et méditative : il est temps pour Beethoven d'entrer en lui-même, de chercher d'autres chemins pour trouver la force de surmonter l'épreuve de sa surdité. Subitement, la pulsation frénétique redevient omniprésente, comme si Beethoven avait pris conscience de sa capacité à se transcender et avait hâte de se remettre au travail. La rage n'est plus ici synonym e de désespoir, mais d'impatience. L'accordéon, porté par des cordes obsessionnelles martelant le motif de la Cinquième Symphonie, semble filer vers la sortie du labyrinthe, tel Beethoven vers ses futurs chefs-d'œuvre. Le compositeur a triomphé de sa prison et restera à jamais pour nous un exemple de la capacité humaine à se dépasser au cours des épreuves de la Vie. / Date parution : 2022-11-08/ Répertoire / Accordéon et Quatuor à Cordes

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Volume 1 - Trios N°1 En Re Majeur et N°2 En Sol Mineur. Par CAMBINI GIUSEPPE. Vol. 1 - Trios N°1 En Re Majeur Et N°2 En Sol Mineur / Niveau : Fin 2ème Cycle / Répertoire / Flûte Traversière Hautbois et Basson ou Violoncell