Par TELEMANN GEORG PHILIPP. Musikalische Werke. Urtext/ Répertoire / Soli Et Sonates En Trio pour Instruments Divers

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a proposé de mettre en musique ce recueil de poèmes de James Joyce (1882-1941), j'ai été immédiatement séduite par l'idée. Il s'agissait de mettre en musique ces poèmes en respectant l'ordre original selon lequel ils ont été conçus par James Joyce lui-même lors de la première édition de 1905 [1]. Avec la précieuse aide de Philippe Blanchon [2], j'ai choisi de mettre en musique dix-huit poèmes, conservant ainsi les épisodes incontournables, la trame dramaturgique et l'essence de l'univers Joycien. Ce qui m'a attirée d'emblée, c'est qu'il s'agit d'une véritable histoire : de la naissance de l'amour à la passion déclinante, menant à une éventuelle et tendre amitié entre les deux amants. J'ai donc conçu Chamber Music d'un seul tenant. Au-delà des nombreuses références à la musique et aux sons de la nature - déjà 'musique' en eux-mêmes - l'oeuvre littéraire appelle à la mise en musique par sa forme. En effet, elle est déjà musicale dans sa construction. Les trois premiers poèmes constituent le prélude exprimant la solitude du poète. Nous assistons dans la première partie - crescendo - à la naissance de l'amour entre les deux amants, menant au poème central et point culminant de l'oeuvre : 'My Dove, my beautiful one'. La seconde partie - diminuendo - raconte la passion déclinante des amants qui nous conduit au finale, écho du premier poème et à la solitude du poète. Le prélude musical illustre le paysage - tant visuel que sonore - décrit par James Joyce : 'Strings in the earth and air make music sweet', 'There's music along the river', 'The sighs of harps', 'Soft sweet music in the air'. Inspirées de sonorités traditionnelles irlandaises, les mélodies de la première partie présentent un aspect populaire issu du folklore, comme une ode au monde de la danse - prégnant en Irlande. Ces mélodies modales et mélismatiques semblent improvisées, à la manière du chant gaélique irlandais. Elles se transforment au fur et à mesure en une véritable épopée romantique, expression de la relation passionnelle et charnelle des deux amants : 'Hurry over the dark lands and run upon the sea for seas and land shall not divide us my love and me', 'The odorous winds are weaving a music of sighs'. Ces mélodies extatiques, à la fois tendres et fragiles, tentent d'exprimer cette ivresse, cet état extatique - véritable état de 'transe' qui nous submerge lorsque l'amour envahit notre âme sans que l'on s'en aperçoive. La deuxième partie reprend ces divers éléments musicaux dans leur cheminement inverse. Passés par le filtre de la mélancolie de l'amour déclinant au fil du temps, ils témoignent de la perte de repères après la séparation avec l'être aimé : 'Lay aside sadness and sing how love that passes is enough', 'Love came to us in time gone by'. Enfin, le finale exprime le retour à la solitude du poète, comme une résonance du début de l'oeuvre : 'The voice of the winter is heard at the door', 'My kiss will give peace now and quiet to your heart'. Sans cesse en écho les unes des autres, les mélodies s'entremêlent dans un contrepoint lyrique et sensuel. En effet, le titre même du recueil m'a inspiré une oeuvre où chaque instrument serait d'égale importance. Le lyrisme de l'un ne peut exister sans l'autre. Ainsi, le rôle du quintette n'est pas seulement un accompagnement de la voix soliste. Leurs lignes d'amour se mêlent avec volupté les unes aux autres. Plonger dans l'univers Joycien a impliqué mon immersion totale dans l'oeuvre. Lire ses mots, penser ses images, imaginer ses sonorités, a été un travail passionnant et c'est avec nostalgie que je referme ce recueil aujourd'hui. J'espère cependant avoir su retranscrire son univers poétique au plus proche. Je profite de cette note pour remercier Philippe Blanchon pour son aide précieuse et Claire Bodin [3] pour sa confiance. C'est à la fois un grand honneur et un plaisir immense de rendre hommage à si grand artiste et de voir ce chef d'oeuvre littéraire naître une seconde fois en musique. / Contemporain / Répertoire / Sextuor

Par COLLEDGE HUGH / COLLEDGE KATHERINE. La collection Easy String Music de Boosey & Hawkes, dirigée et composée par Katherine et Hugh Colledge, compte quatre volumes d’un répertoire pour cordes destiné aux instrumentistes débutants et en cours d’apprentissage. Ces titres sont très appréciés des professeurs comme de leurs étudiants en raison de leurs vertus pédagogiques : ils introduisent des techniques nouvelles et proposent doigtés, notes et rythmes conçus pour acquérir la maîtrise nécessaire et poser des fondations solides en vue de la suite de l’apprentissage. Des ressources audio de démonstration et d’accompagnement sont disponibles en streaming ou au téléchargement pour tous les volumes de la série. Chaque titre est disponible en deux éditions – un livre de cordes indépendant pour les élèves ou une édition enrichie comprenant un livret d’accompagnement de piano. Ce livre Stepping Stones présente les cordes à vide et les notes du premier doigt avec des rythmes simple tandis que sa suite. / Date parution : 2023-10-20/ Recueil / Alto

La méthode de chaîne complet qui couvre tout! Une série de succès ensemble de cordes méthode pour salle de classe ou l'étude individuelle. Fournit le joueur chaîne commençant par une base solide dans tous les aspects de cordes jouant avec un accent sur la force rythmique. Les sujets comprennent: Démarrage par coeur Commençant par la note instrument positions poignées Bow le rythme théorie technique gammes majeures Duos / Trios / Rounds Déplacement pour les cordes basses Instrument de soins et l'entretien Glossaire Photographies et des schémas détaillés Score suppléments spéciaux: Conseils pour les enseignants systèmes de comptage Sélection des instruments pour les étudiants Conseils recrutement Bibliographie / Alto / 48 pages / niveau : Débutant / Partition

Les oeuvres de musique de chambre sont parmi les plus réussies de Hindemith oeuvres instrumentales des années 1920. Lors de la première mondiale de 'n o Musique de Chambre. 1 ', le public a même exigé une répétition de la troisième et quatrième mouvements. Mais le titre de la série d'oeuvres composée de sept compositions est tout à fait trompeuse: Les pièces individuelles plutôt ont concertante caractéristiques soliste. #1 est caractérisée par 'instruments', comme une boîte remplie de sable et d'une sirène, ainsi que l'utilisation abondante de la percussion. Les scores sont basés sur le volume IV / 2 (PHA 402) de l'Hindemith Complete Edition, édité par Giselher Schubert. / Viola Seule, Gr. Flûte, Hautbois, 2 Clarinettes (En Mi Bémol Et B), Basseclarinette (En Si Bémol), 2 Bassons, Contrebasson, Cor (En Fa), 2 Trompettes (En Do), 2 Trombones, Bassetuba, 4 Violoncelles, 4 Contrebasses / 102 pages / Partition

Par SMITH MELANIE. Cet ouvrage est conçu comme un classeur pour enseigner la théorie plus particulièrement pertinente à l'alto à un niveau qui est réalisable et stimulante, pourtant amusant pour les jeunes enfants. Il vise à renforcer la confiance et à consolider la relation entre la théorie et de jouer. Enfants apprécieront le dessin et la coloration des activités dans le livre, tout en développant les principes fondamentaux de la théorie de l'alto en même temps. Le livre peut servir à enseigner aux débutants les bases de la théorie ou même à actualiser les musiciens qui pourraient avoir besoin d'une petite revue de la théorie de l'alto. N'importe qui utilise ce livre, il donnera une base solide à la théorie de l'alto et grâce à cette compréhension favorisera un grand amour de jouer. Concepts couverts dans ce livre comprennent : les parties de l'alto, apprendre des notes de ligne et de l'espace, symboles musicaux et comment dessiner la musique d'apprentissage de l'apprentissage. / Niveau : Débutant / All Styles - Theory and Harmony / Méthode / Alto

26 Pieces For Viola Playerswith Piano Accompaniment. Par COLLEDGE HUGH / COLLEDGE KATHERINE. La collection Easy String Music de Boosey and Hawkes, dirigée et composée par Katherine et Hugh Colledge, compte quatre volumes d'un répertoire pour cordes destiné aux instrumentistes débutants et en cours d'apprentissage. Ces titres sont très appréciés des professeurs comme de leurs étudiants en raison de leurs vertus pédagogiques : ils introduisent des techniques nouvelles et proposent doigtés, notes et rythmes conçus pour acquérir la maîtrise nécessaire et poser des fondations solides en vue de la suite de l'apprentissage. Chaque titre est disponible en deux versions : l'une est fournie avec un CD de démonstration et de pistes audio d'accompagnement - l'autre comprend un livret d'accompagnement au piano et l'accès à des ressources audio téléchargeables. Les 26 morceaux de Waggon Wheels constituent le deuxième volume de la série. À l'aide d'une musique simple, l'usage des deuxième, troisième et quatrième doigts ainsi que du lié de l'archet seront exercés lors de l'étude de ces morceaux. / Niveau : Très Facile / Date parution : 2019-10-18/ Recueil / Alto

Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1( picc).1( ca).2( clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt

Par SCHLEE THOMAS DANIEL. For composer Thomas Daniel Schlee, the 'intimate sound possibilities of the string quartet” have the potential 'to formulate an, albeit 'only' individual, solution to the somewhat forlorn condition of new art music within society that we are unfortunately experiencing today.” Schlee's Fourth String Quartet opens with a pure C major sound, out of which he develops a harmonically free band of voices: 'The pure as a source, not pleasing”! After a melodically dominating episode and a continuation of the 'swinging tone-motion from the beginning”, a thematically solidified section follows. It is met by a second, more extensive melodic episode, followed by a 'nightly scene”. Coming full circle, the opening music of the piece finds its continuation, leading into a lament – first articulated by the ensemble, then finally as 'the viola's long, forlorn search for the melody symbolizing a farewell.”/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Par MANTOVANI BRUNO. Une large partie de ma production dans le domaine de la musique de chambre est consacrée à des effectifs 'historiquement référencés'. En effet, outre le quatuor à cordes dont le patrimoine est immense mais qui est aussi une formation très prisée dans la création actuelle, je me suis consacré régulièrement aux genres de la sonate avec piano, au trio avec piano et à d'autres combinaisons instrumentales bien plus en vogue aux XVIIIe et XIXe siècles qu'aujourd'hui. Après un quintette avec piano, un autre à deux altos, c'est en 2016 le quintette à deux violoncelles qui a attiré mon attention. Le modèle schubertien a été évidemment présent à mon esprit pendant toute l'écriture (il s'agit d'aiIleurs de mon troisième opus faisant référence à ce compositeur, après Mit ausdruck pour clarinette basse et orchestre et Huit moments musicaux pour trio avec piano). Si dans une des sections lentes on peut reconnaître les pizzicati issus de l'Adagio de mon illustre collègue, la musique est assez éloignée du Quintette en ut. Cette pièce tente d'unir dans un même élan lyrisme et énergie, gestes instrumentaux naturels et abstraction. La forme tend vers une certaine continuité, soit par la mise en place de processus linéaires (transformations rythmiques, 'morphing' harmonique) soit par le tuilage entre des idées musicales contrastées. Les séquences les plus lentes ne visent à créer aucun sentiment de statisme : en général, la texture est animée par des trémolos, des batteries, les longues durées d'attente (notion très schubertienne) étant toujours habitées par le mouvement. Au milieu d'une texture généralement très dense et très monolithique, de nombreux soli renvoient au genre du concerto grosso. Le Quintette pour deux violons, alto et deux violoncelles est dédié à Henri Demarquette et au Quatuor Danel. Bruno Mantovani/ Répertoire / 2 Violons, Alto et 2 Violoncelles

Par LABROUSSE-BAERT SARAH. Cette méthode regroupe, dans un seul volume, plus de 120 exercices et morceaux destinés à l'apprentissage des démanchés de la 1e à la 5e position. Ces exercices vous permettront d'acquérir de solides bases pour vous déplacer sur la longueur du manche de l'alto. - Formation : Solo - Instrumentation : Alto Solo - Niveau de Difficulté : 2/6 - Facile - Durée : -- - Style Musical : Pédagogique - Catégorie : Composition Originale, Méthode - Compositeur : Sarah LABROUSSE-BAERT - / Niveau : Facile / Pédagogique / Méthode / Alto

Par COLLEDGE HUGH / COLLEDGE KATHERINE. La collection Easy String Music de Boosey and Hawkes, dirigée et composée par Katherine et Hugh Colledge, compte quatre volumes d?un répertoire pour cordes destiné aux instrumentistes débutants et en cours d?apprentissage. Ces titres sont très appréciés des professeurs comme de leurs étudiants en raison de leurs vertus pédagogiques : ils introduisent des techniques nouvelles et proposent doigtés, notes et rythmes conçus pour acquérir la maîtrise nécessaire et poser des fondations solides en vue de la suite de l?apprentissage. Chaque titre est disponible en deux versions : l?une est fournie avec un CD de démonstration et de pistes audio d?accompagnement ; l?autre comprend un livret d?accompagnement au piano et l?accès à des ressources audio téléchargeables./ Recueil / Alto

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Les mélodies de George Gershwin (1898-1937), de comédies musicales 'Porgy and Bess', à partir de pièces orchestrales comme 'Rhapsody in Blue' ou 'Un Américain à Paris', nous les connaissons tous! Mais la carrière du jeune musicien a commencé comme pianiste dans une maison d'édition de musique où il était d'encourager les clients à acheter de la musique en la jouant. Bientôt il a commencé à composer de la musique lui-même et a attiré l'attention de la Broadway, qui a ouvert la voie à sa carrière internationale. Inspiré par Frédéric Chopin 24 Préludes, il a commencé à écrire ses propres préludes 'pour le piano dans les milieu des années 1920: Sur les cinq préludes composées par lui, il a utilisé deux pour' Short Story 'la composition violon et présenté les trois autres à un concert le 4 Décembre 1926. Ces 'Préludes 'allier moments classiques et des éléments de jazz dans un ensemble efficace et peut être joué individuellement ou en sonate peu de jazz (vif - lent - rapide). Merci à l'arrangement actuel, les charmantes miniatures sont maintenant disponibles dans une version pour instrument soliste et piano. / Alto Et Piano