Une partition complète orchestrale d'une Suite de merveilleuse de la musique du film Harry Potter. Entièrement autorisé par le compositeur John Williams, la musique ici est la véritable score et fonctionnalités dans le cadre de la série Signature de la magnifiquement gravés John Williams. Définissez en quatre mouvements : Hedwig du thème, Nimbus 2000, sorciers Stone et de Harry monde merveilleux. Un ensemble de score et id de pièces disponible séparément en utilisant le numéro de commande HL04490213. / Conducteur

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

La magie de Harry Potter contient des thèmes des huit films de la série Harry Potter. Les thèmes abordés sont 'Thème d'Hedwige' et 'Nimbus 2000' de Harry Potter et l'école des sorciers ', Fawkes the Phoenix' de Harry Potter et la Chambre des Secrets, 'Double Trouble' de Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban, 'Poudlard 'Hymne' de Harry Potter et la Coupe de Feu ', l'Armée de Dumbledore' de Harry Potter et l'Ordre du Phénix ', Harry et Hermione' de Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé ', Ministère de la Magie' de Harry Potter et les reliques de la mort, partie 1, 'Showdown' de Harry Potter et les reliques de la mort, partie 2, et 'Leaving Poudlard', qui est apparu à la fin des deux premiers films et le dernier. Cet arrangement est écrite pour grand orchestre, mais il est tout à fait jouable par cordes seules. (6:00) / Orchestre

Par STORY MICHAEL (Arr.). A must for any regal ceremony. The traditional 'Pomp and Circumstance' has been scored for young full orchestra or strings alone. It includes a processional and the majestic 'Rondeau' from Premiere Suite as the recessional. This arrangement would be an outstanding graduation choice for any level orchestra performing without graduating seniors. A welcome necessary arrangement for every library. (3:45) This title is available in SmartMusic. / Date parution : 2022-10-12/ Répertoire / Orchestre Flexible

Par GRIEG EDVARD / BERNOTAS CHRIS (Arr.). A stunning arrangement of the incredible masterwork Peer Gynt Suite No.1, Op. 46! It is perfect for string orchestra alone, or with added instruments up to a full orchestra. This setting, by Chris M. Bernotas, offers the opportunity to explore the entire suite. All four movements are presented in approachable keys and are abridged to the perfect length and difficulty level for your next concert. (5:30) / Date parution : 2022-10-12/ Répertoire / Orchestre

2nd Movement. Par BEETHOVEN LUDWIG VAN / MEYER RICHARD (Arr.) . This theme and variations from Beethoven's Seventh Symphony is one of the most famous slow movements in the entire symphonic repertoire. Because of its somber minor key and quiet rhythmic pulse, it has been likened to a procession through the catacombs. Your students will love the wide variety of emotions included here in Richard Meyer's arrangement. Every section plays an integral role in the slow and mysterious unfolding of Beethoven's masterpiece. Percussion parts for four players have been tastefully added to the original. / Date parution : 2022-10-12/ Répertoire / Orchestre

A haunting and beautiful melody acknowledges that Jesus carried the cross for us. An optional C instrument obbligato is included with this choral score but a full orchestral version is also available. Composer Edwin Willmingtonbrings an artistic flare to his message instilling a heartfelt gratitude to this Communion or Lenten selection. Includes part for C Instrument. Full orchestration also available.

Score + Parties. Par SHORE HOWARD / WHITNEY JOHN (Arr.). / Répertoire / Orchestre

This edition is faithful to Parry's original orchestration with the exception that the Clarinets were in A and the Trumpet parts were originally written in F. Here Bb copies have been provided for both. The work may be played by orchestra alone or with the addition of a solo voice or a choir. We do not publish vocal or choral copies of this work but this orchestral edition is fully compatible with the original vocal and unison choral editions published by Roberton Publications and readily available.Duration: 2½ minutes Orchestration 2 Flutes 2 Oboes 2 Clarinets in Bb 2 Bassoons4 Horns in F 2 Trumpets in Bb 3 Trombones TimpaniStrings (Violin 1 Violin 2 Viola Cello Bass)Voice or chorus (optional)

Music Of Our Time. Par SCHNEBEL DIETER. In this work Schnebel attempts to apply the idea of the Baroque canon - as exemplified in Bach’s ‘Art of Fugue’ - to modern concepts of tonal colouring. The ‘Motu proprio’ of the 7 mixed groups of orchestral instruments intensifies within 28 short emotional sections to the Baroque ‘Motu contrario’. In ‘Diapason’, literally translated ‘in the octave’ but in the ancient Greek music tradition taken to mean ‘through or across everything’ among other things, the orchestra is arranged into 13 groups according to families of instruments and tonal colour. Schnebel alternately uses the term ‘fugue’ in the strict sense of the Baroque period and in its more general, purely architectonic meaning./ Répertoire / Orchestre

Score-Roy Harris (1898-1979) was an American composer who often wrote on American subjects. His Ninth Symphony (1962) was dedicated to the city of Philadelphia and took inspiration from the Philadelphia Convention using phrases from the preamble to the U.S. Constitution as subtitles for each movement. Harris was a major force behind the creation of the home-grown American symphonic style that endures to this day. While he best remembered for his 3rd Symphony his later orchestral works provide perhaps even more reward for the listener. His Ninth reflects the perceived decline in morals among 20th Century America and as such is heavier and more angst-driven than many of his earlier works. While this is initially disconcerting it provides this piece with a unique character and sets it aside from and above its contemporaries.

L'assistant qui vit! Quelques-uns des thèmes les plus belles et passionnantes de tous les films Harry Potter sont joliment disposés dans un travail accessible. (11:35) / Orchestre