Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série 'Roulement de timbales', j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie 'paradis céleste incommensurable' en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s. Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand. Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois 'à nu', parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse. Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda. Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un 'mur du son' résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière. La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante. La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse. Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage. Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière. Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus Così fan tutte K. 588 Facsimile of Mozart's autograph score

The Bohuslav Martinu Complete Edition III/1/5. Par MARTINU BOHUSLAV. “Incarnation” (1956), Bohuslav Martinu’s fourth piano concerto, follows an atypical two-movement structure. It was composed for Martinu’s friend Rudolf Firkušný, who played from a copy of the autograph until 1970, when the composition was first put into print. The next work, “Concerto in B flat major for Piano and Orchestra”, known under the name “Fantasia Concertante”, was to be Martinu’s very last concert work. The concerto in three movements, composed at the request of Swiss pianist Margrit Weber, is quite different from the previous work in terms of its compositional means. In this case, Martinu strongly influenced the edition of the work. The present volume of the Complete Edition of works by Bohuslav Martinu is based mainly on contemporary copies containing the composer’s own modifications. The edition presents numerous new findings about the genesis of both works./ Recueil / Orchestre

Carl Maria von Weber's fame rests mainly on ?Der Freischütz'. The unprecedented success of this opera overshadowed all his other works and contributed to their increasing fall into oblivion. Certain works such as ?Preciosa', ?Oberon', and ?Euryanthe', the overtures, solo concertos and piano sonatas, the lieder and chamber works enjoyed great popularity and were widely known in Germany and abroad as late as the second half of the 19th century. However, any chance of a revival of Weber's influential and substantial oeuvre was wasted in the 1920s, when a complete edition - begun by Hans Joachim Moser and with potential contributors including Wilhelm Kempff, Hans Pfitzner, Max von Schillings, Fritz Stein and Richard Strauss - failed after the third volume.Ever since there have been numerous attempts to restart a complete edition of Weber's works, but as this kind of project would have required the co-operation of scholars from both sides of the inter-German border, the political situation after 1945 was not conducive to any such enterprise. Careful negotiations led to the first tangible steps in the 1980s. The intention, right from the beginning, was to place Weber's work in context, and not to separate his musical output from his influential work as a writer, critic and organiser in the musical field, but to publish his compositions together with his letters, diaries and other literary output as the best way to document the cross-fertilisation between his musical, literary and practical activities.Since the German re-unification both working-parties concerned - at the Staatsbibliothek zu Berlin, and at the Musikwissenschaftliches Seminar, Detmold/Paderborn - have co-operated on the complete edition of the musical works (c. 45 volumes in 10 series: sacred music - cantatas, odes and other occasional works - stage works - lieder and vocal works - orchestral works - chamber music - music for piano - piano reductions - miscellanea, arrangements and orchestrations - works of doubtful attribution). The diaries (6-8 vols.) are edited in Berlin and the letters (8-10 vols.) and other writings (2 vols.) in Detmold. This complete edition aims to be a reliable basis of scholarly debate as well as for the authentic performance practice of Carl Maria von Weber's music. Conforming to the standards of recent historico-critical editions, the textual material will be based on all available authentic sources, accompanied by a detailed documentation of the genesis and a list of variants for each work. The musicological importance of the works will be evaluated by placing them in their historical context, the presentation of their genesis, history and Critical Commentaries. The letters, writings and diaries will be treated as inter-related and relevant to each other in the commentaries, therefore readers should benefit from a wealth of concise information and cross-references. / Score

Malcolm Arnold's one act ballet score Homage To The Queen was commissioned in 1953 by the Royal Opera House Covent Garden to celebrate the coronation of Her Majesty Queen Elizabeth II. The ballet was conceived and choreographed by Frederick Ashton with designs by Oliver Messel and was danced by the full company of the Sadler's Wells Ballet with an illustrious cast that comprised Nadia Nerina as Queen of the Earth Violetta Elvin as Queen of the Waters Beryl Grey as Queen of Fire and Margot Fonteyn as Queen of the Air. The conductor of the ROH orchestra was Robert Irving. Homage to the Queen was first performed on the night of the coronation 2June1953.One of the towering musical figures of the 20th century Sir Malcolm Arnold has a remarkable catalogue of major concert works to his credit including nine symphonies seven ballets two operas one musical over twenty concertos two string quartets and music for brass band and wind band. He has also written over 132 film scores and among these are some of the finest works ever composed for the medium: Bridge On The River Kwai Inn Of The Sixth Happiness Hobson's Choice Whistle Down The Wind and David Copperfield.

o.Op. 82 TrV 133- We are grateful to the University of Edinburgh Library Centre for Research Collections for providing us with access to a manuscript of this work. At shelf-mark Mus.M.645 is a set of parts in the hand of an unknown copyist annotated by John Parr (the bassoonist of Sheffield) who also wrote a full score and second copies of the bassoon and bass parts. The score is dated 1930 and the bassoon part 1934. It is here entitled merely 'duet for flute and bassoon with orchestra' and ascribed to R. Strauss.   We are also grateful for advice from Dr Christian Wolf of the Richard-Strauss-Institut in Munich whohave access to a copy of  'der Zweikampf' made by Cl. Schubert but the Richard-Strauss-Archiv in Garmisch-Partenkirchen will not permit them to make a complete copy for us but has permitted sample pages to be copied confirming the identity of the music. They also affirm the considerable doubt as to Richard Strauss being the composer however no other composer has been suggested in his stead.  In the Strauss bibliography a date of composition of 1884 is given when he was twenty years old.   We would also like to acknowledge with thanks the help of Drs Jenny Nex and Lance Whitehead of Edinburgh in deciphering the manuscript and advising on the piano reduction.   In editing the work we have corrected a few evident errors and made the dynamics consistent. There was no given tempo indication in some of the parts but Parr added 'allegro moderato' which is also the tempo indication in the Munich manuscript.  He also suggested the bass pizzicato in most of the polacca but perhaps this was intended only for the double bass should one be present. There are some discrepancies between the Edinburgh score and parts which we have resolved somewhat arbitrarily on musical grounds.  The differences between the Munich and Edinburgh versions are mostly small as far as we can discern; the

Vol. 10/II - Edizione critica a cura di Alessandro Borin-David Bryant (testi in italiano e inglese). Par GABRIELI ANDREA. Vol. 10 of the Complete Works, articulated in two parts, contains the music found exclusively in manuscript and printed anthologies compiled prior to the great sixteenth-century Venetian composer?s death in 1585. Broadly speaking, Gabrieli?s contributions to collective anthologies fall into the following categories: 1) celebratory compositions, in several cases conceived as individual contributions to madrigal cycles by various composers in honour of more or less prominent Venetian or other personalities; 2) compositions originating in social and cultural circles close to Gabrieli; products of the composer?s habitual interaction with patrons, poets and musicians in mid sixteenth-century Venice, these compositions are published in anthologies containing similar works by other composers in Gabrieli?s milieu; 3) individual madrigals inserted in generic multi-author anthologies. Vol. 10/I features eight compositions on texts in Latin, Italian and ?stradioto? dialect (a linguistic concoction in which words of Greek origin appear against a background of simulated Venetian dialect). These include Gabrieli?s contribution to a Corona of nine sonnets by various composers on the death of Annibale Caro, the celebrated man-of-letters whose production comprises a highly successful Italian translation of Virgil?s Aeneid. The entire Corona is edited in the Complete Works. Gabrieli?s presence in multi-author anthologies follows a predictable pattern. The young composer?s earliest madrigals appear in editions of music by well-established authors (Vincenzo Ruffo, Cipriano de Rore) or collective anthologies edited by enterprising local musicians or other cultural figures (Giulio Bonagiunta, a singer at St Mark?s; the Venetian poet, actor and musician Antonio Molino). These give way to anthologies of music by highly celebrated composers, to which Gabrieli, his reputation now secure, accedes by invitation; and, beginning in 1583, non-Italian publications (increasingly common in the years following the composer?s death). / Date parution : 2022-04-26/ Recueil / Orchestre

The standard edition!Now that all the scores, Critical Commentaries and complete performance materials have been published for Beethoven's five Piano Concertos(BA 9021-9025), Bärenreiter are now presenting the five study score editions in a boxed set. The musical text reflects a judicious study of every surviving source, producing an Urtext edition at the very highest level.Rounding off the edition are an informative Introduction by Beethoven scholar Barry Cooper on the genesis of the works and a Foreword by the renowned editor Jonathan Del Mar describing the sources and the editorial approach.- Bärenreiter Urtext edition at the cutting edge of scholarship- The standard edition for pianists, students, conductors and libraries- Attractively priced boxed setThe study scores are not available separately at present. / Conducteur De Poche

Two Colours Of Dawn, Per Grande Orchestra - Partitura. Par FRANCESCONI LUCA. Langue: English(US)/Deutsch/Français/Nederlands/Nihongo / Musique contemporaine / Date parution : 1905-06-30/ Répertoire / Orchestre

For Chamber Orchestra (Flute Oboe Cor Anglais Basson Horn in F Trumpet in C Strings: [5.4.3.2.1])Composer's Programme Note:Points of View is a work about the different musical elements which arepersonified by soloists from the orchestra all unifying at the end in a passionateclimax.The first section ‘Mysterious’ features a solo horn and also establishes tonality [Bflat] texture and harmony. The harmonies are often chordal 6-note clusters andthey are an important binding articulating and textual element throughout thework.A solo trumpet joins the solo horn and as the chordal clusters disappearintothe stratosphere initiates the rhythm of a light-hearted scherzo ‘Lively’. Thetrumpet’s rhythmic figure is echoed and developed by the winds.The solo oboe and cor anglais now introduce a very lyrical melody in fallingthirds ‘Sensuous’. The chordal clusters as well as the trumpet’s rhythmic figureeventually reappear to accompany this melodic theme and then the violinspassionately respond by taking it over ‘Passionato’. All the elements thusunifying to culminate in the coda.These elements could also perhaps be described in non-musical terms as‘imagination’ [solo horn] ‘action’ [solo trumpet] ‘emotion’ [solo oboe and coranglais] which eventually combine in the climax [violins].

Commissioned jointly for Colin Currie by the City of Birmingham Symphony Orchestra and the Borletti-Buitoni Trust. First performance on 14th May 2008 at Symphony Hall Birmingham by Colin Currie (percussion) and the City ofBirmingham Symphony Orchestra conducted by Martyn Brabbins.NOTE FOR PERFORMANCEIn table top the unpitched solo percussion part in the 9th movement the scoring was initially left open. The present full score showsa suggested instrumentation  which was devised by Colin Currie in conjunction with the composer. Soloists  should attempt to match the timbres used but should not feel constrained by the  exact choice ofinstruments.COMPOSER’S NOTEThe percussion instruments used in a table of noises in some ways represent the odd things that were on my great uncle Ash’s parlour table that fascinated me as a child. There is even abottle; there was always a milk bottle with the silver top pushed in surrounded by other essentials for his life. From birth he was quite severely handicapped in one of his legs and couldn’t walk too far without his trusty crutch.He kept everything he needed within arm’s length. In the list of instruments for the solo part there’s everything from deep log drum sounds to very high metallic chime sounds. Wood glass metal and a whistle. Mostlysmall-scale things with a large gong behind used sparingly. I think that we managed to keep below 30 instruments in all which I was keen to do. I didn’t want scores of things that are only played once they have to earn theirkeep. I didn’t want to use a marimba but thought that trying to make the xylophone sound in a more expressive way would be more of a challenge. The percussionist sits for much of the time on a Cajon a flamenco instrument which isessentially a wooden box. The player hits the front of the box in various ways rather as you play a conga. There are guitar strings inside and bells to add to the overall colour. I would like to thank Colin Currie for the

Suite for Group and Orchestra (1975). Par LORD JON. Full Score and Study Score of this work are available for sale. A set of individual parts are for rental only, not for sale. Prices and conditions are available on request. Please contact: Hal Leonard Europe Distribution BV - Rentaldepartment E-Mail: rental@halleonardeurope. nl Sarabande de Jon Lord fut composé en 1975 et sorti comme disque solo l’année d’après. Cette nouvelle édition révisée, basée sur la version deconcert du compositeur de 2010, est la toute première version publiée de l’oeuvre. Lord l’avait conçue pour accompagner son Concerto for Group and Orchestra lors d’interprétations en direct. Un morceau virtuose qui combine les forces de groupede rock et d’orchestre, inspiré par les suites pour clavier de Jean-Sébastien Bach. Cette nouvelle édition complète est éditée par le chef d’orchestre Paul Mann, collaborateur musical de Jon Lord depuis longtemps. Elle se repose sur de nombreusessources qui étaient indisponibles auparavant, comme le manuscrit de la version originale, ainsi qu’une copie de la partition corrigée en consultation avec le compositeur après la première de 2010. Par conséquent, cette édition est sans doute unereprésentation aussi précise que possible des dernières réflexions de Jon Lord sur cette oeuvre./ Répertoire / Orchestre

The first published edition of Malcolm Arnold's playful 1956 overture written for the Gerald Hoffnung Festival. The orchestral score includes parts for three vacuum cleaners, an electric polisher and four rifles. / Orchestre

Par PEREZ-RAMIREZ MARCO-ANTONIO. Le titre de cette nouvelle pièce s'est imposé tout naturellement au moment où je lisais cette phrase d'Antonin Artaud 'Du corps, par le corps, depuis le corps, avec le corps et jusqu'au corps'. J'avais déjà commencé à écrire cette pièce pour orchestre, je cherchais des aspérités, des volumes antagonistes, des sons âpres, rauques, une forme sans concession, des accélérations et ralentissements du matériau, je voulais dévier, dériver, m'enfoncer, repartir, déraper, foncer, revenir... J'éprouvais des sensations tactiles très fortes au moment de l'écriture, des sensations de contact direct, immédiat, physique. J'essayais de laisser une trace dans l'espace. Un peu comme dans les tableaux d'Antoni Tapiès avec ces graffitis ou éraflures, '...comme si une mémoire avait pu reprendre corps à partir de ces surfaces graveleuses...' (Jorge Semprun). Aujourd'hui plus j'avance dans mon travail et plus cette idée du corps, devient présente dans ma musique. Ecrire de la musique est devenu une expérience du corps tout entier. Un corps qui est pensée, connaissance et sensations. Tout ce que j'écris passe par mon corps. Je mime, chantonne, ronronne ma musique. Je me lève, me rassois, tourne autour de ma table pour calmer ma main et ma tête qui parfois vont trop vite. Par ce contact direct, physique, j'essaye que ma musique garde en mémoire le geste qui la fait naître. Au-delà de cette 'physicalité', les réflexions sur le corps m'ont permis de faire le lien avec ces idées chères à Bergson sur le Temps, la durée réelle, sur l'Instinct et l'Intuition. Toutes ces notions se croisent dans mon esprit, se mélangent dans ma musique, et plus particulièrement dans cette nouvelle pièce. Du Corps... est dédiée à René Koering, car c'est après avoir entendu le final, extrêmement étrange, de son 3e quatuor à cordes que j'ai eu envie d'écrire les premières mesures de cette pièce. Marco-Antonio Perez-Raminez / contemporain / Répertoire / Orchestre