Par MANTOVANI BRUNO. Après mes Cinq poèmes de János Pilinszky composés en 2004, cette pièce marque mon retour à l'écriture chorale, à la demande de Laurence Equilbey, la dédicataire de l'oeuvre. Il est toujours très délicat de retravailler à plusieurs reprises pour une même formation quand on est un musicien intuitif qui tire ses idées de la nature même de l'effectif choisi. Afin de me renouveler dans ce genre si délicat du choeur, tout en conservant quelques éléments qui sont caractéristiques de mon style (écriture soliste très développée, spacialisation), j'ai décidé de choisir des poèmes particulièrement différents de ceux qui m'avaient inspiré il y a quelques années. Ici, nous sommes bien loin du mysticisme distancié du premier projet : les Poèmes religieux d'Eischendorff (qui ont inspiré Schumann ou Mendelssohn) sont d'une ferveur extrême, presque naïve. Or c'est bien 'contre' le sens du texte que j'ai composé cette oeuvre, non pas dans une logique polémique (ce qui aurait pu être tentant pour l'athée que je suis, mais qui finalement est un point de départ pour la création assez stérile), en essayant de traiter le texte par l'abstraction musicale, afin de sortir de toute logique figuraliste par exemple. Ce sont les sonorités de la langue allemande, la structure des poèmes, et les idées musicales rhapsodiques qui viennent ici tempérer la rhétorique poétique. Les effets de masse, les contrastes entre solistes et choeur, les archétypes instrumentaux adaptés à la voix se déploient donc avec une certaine autonomie, le rapport aux mots étant très libre et global. L'écriture a été guidée par ma volonté de travailler non pas sur la contemplation, mais au contraire sur l'activité, ce qui ajoute un sens assez singulier aux textes d'Eischendorff. Commande du choeur de chambre Accentus, les Vier Geistliche Gedichte ont été créés par Laurence Equilbey à la salle Pleyel en mai 2007. Bruno Mantovani / contemporain / Répertoire / Choeur de Chambre

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Piano reduction from the original version for baritone sax and wind orchestra. Par DE MEIJ JOHAN. In Mondriaan, composer Johan de Meij, producer Rob Hauser and saxophone virtuoso Henk van Twillert are taking their audiences on an adventure of sound, light and movement. The music leads us through various Mondriaan’s style periods: from expressionism and symbolism to new objectivity and abstraction. The quadriptych consists of the following paintings: I) Mill in Sunlight (1908) - II) Evolution (1911) - III) Composition III - Fox-Trot B (1929) - IV) Victory Boogie Woogie (1942 - 44). In the last two movements, hints can be heard to various dance forms, as the titles indicate. Mondriaan was an avid dancer and a great fan of jazz. There is hardly any literature for this specific instrumentation. The saxophone world will be eagerly looking forward to this! - Johan de Meij / Date parution : 2021-12-09/ Répertoire / Saxophone Baryton et Piano

Par JARRELL MICHAEL. [...] Dans un mouvement qui est paradoxalement un adagio final, Staub de Jarrell tend vers la fin dernière. La musique s'y désagrège, devient poussière, corps qui vieillit, puis meurt. Musique dont on ôterait peu à peu la chair, dont il ne resterait que le substrat, des traînées, quelques traces, encore animées de petites chutes de sons produisant de faibles vibrations sur la surface aquatique des haut-parleurs. Au rythme de cette musique qui se désincarne, quatre sujets différents et consécutifs vieillissent, se rigidifient, perdent leur énergie. Ils sont les figures allégoriques de la Matière, de la Forme, de l'Espace et de la Poussière. On voit presque seulement le reliquat de leurs actes, en de brefs flashes, fusées, déambulations décolorées, tentatives inutiles terminant dans le vide. Ces sujets sont déjà des natures mortes, des organismes en voie d'abstraction géométrique. Blanc, noir et rouge dominent. Nous assistons aux quatre derniers repas de l'existence. Tout est consommé. Il ne reste plus que des fleurs saturées de rouge dans la blanche poussière des os. Marc Texier Extrait du programme de l'Abbaye de Royaumont Chute(s) - Spectacle multimédia / contemporain / Date parution : 2009-04-24/ Répertoire / 7 Musiciens et Vidéo

Par LEVINAS MICHAEL. En 1996, Concertation m'avait permis de réaliser une polyphonie de sons tournants évoluant harmoniquement selon le principe d'un choral. Le spatialisateur de l'Ircam permet de superposer des trames (ou des lignes) chantées par quatre voix. Ces trames se propagent et tournent dans l'espace à des vitesses multiples créant ainsi des effets de Doppler et des entrelacements polyphoniques. Ces faisceaux colorés par la percussion et la flûte évoluent selon une trajectoire qui reproduit une relation de 'tonique à dominante'. Il en résulte simultanément une impression de sur place et de cheminement harmonique. Dans Les Lettres enlacées V, en revanche, le principe formel de la pièce naît d'une écriture polyphonique en spirale. La pièce procède par la reproduction en continuelle transposition d'échelles modales qui parcourent les registres des instruments du grave à l'aigu, ou bien de l'aigu au grave selon un système d'altérations asymétriques. Sont aussi utilisés des mouvements contraires. Ainsi, une échelle qui se déroule dans un registre grave va être reproduite une octave au-dessus en subissant une 'altération' similaire à l'effet de Doppler que j'avais utilisé dans Concertation. La genèse du mouvement mélodique provient de cette simulation de l'évolution de l'échelle modale dans l'espace. Le principe de la transposition limitée implicite dans l'altération, dans le temps et dans l'espace de ces échelles constitue une forme giratoire, c'est-à-dire une structure de modulation qui ramène dans le temps à l'échelle modale du début de la pièce. Forme fermée ? Forme giratoire ? La trame harmonique est constituée non seulement par l'échelle modale reproduite à tous les registres des instruments, mais procède aussi d'un mouvement de spirale infinie provoqué par une technique acoustique d'octaviation et de relais. Cette trame harmonique est à la fois statique et mobile. Elle résulte simultanément de la spirale infinie et de l'altération des échelles quand elles passent d'un registre à l'autre. J'ai écrit une suite de pièces sous le titre Les Lettres enlacées. Ce titre traduit la technique d'écriture utilisée pour les cordes. Elle se réfère au chevauchement, à la superposition, au croisement de deux voix d'un seul et même instrument à cordes. L'instrumentiste joue une mélodie en canon de micro-intervalles sur deux cordes simultanément, chaque ligne 'poursuivant' l'autre par une sorte de dédoublement en micro-intervalles. Les figures mélodiques issues de ces modes de jeu peuvent être considérées comme de faux glissandi ou encore comme des effets globaux et paradoxaux obtenus par cette polyphonie en lettres croisées. Dans ce quintette, j'ai rapproché ces lignes mélodiques en faux glissandi des échelles modales altérées. Cette parenté constitue elle aussi la trame évolutive de la pièce dans le temps. La conception du quintette suit une période de composition exclusivement consacrée, depuis Concertation, aux instruments acoustiques et plus précisément aux instruments à cordes. Ce travail m'a amené à réfléchir sur des musiques formelles éloignées de la rencontre avec le modèle narratif. Mais le rôle de l'altération des échelles, la relation entre ces altérations et le temps musical, le concept de transposition limitée, la polyphonie en spirale infinie, les superpositions des mêmes échelles sous forme conjointes et disjointes, m'ouvrent des perspectives dans le domaine de l'invention musicale, qui ne se limitent pas à la pure abstraction de la forme ou à la matérialité de l'organisation du timbre. M.L. / contemporain / Répertoire / Quintette à Cordes

Par MANTOVANI BRUNO / BACH JOHANN SEBASTIAN. ...et de Boulez à Bach Trois nouvelles instrumentations réinventent donc l'Art de la fugue dont on a longtemps pensé qu'il avait été conçu dans une totale abstraction et se prêtait tout autant aux claviers du clavecin ou de l'orgue qu'à divers ensembles. Trois instrumentations, chacune renvoyant à une formation boulezienne différente : pour George Benjamin, la flûte et les huit musiciens de Memoriale - pour Marc-André Dalbavie, l'effectif de Dérive I - pour Bruno Mantovani, les violoncelles de Messaqesquisse, ' la formation la plus facile à traiter car homogène et plus connotée 'baroque'. Sept violoncelles, c'est un 'consort', et du coup, il ne restait qu'à transcrire. Je me suis donc amusé à alterner des passages 'dans le style' (avec utilisation du non vibrato ou du ponticello) avec d'autres plus 'modernes' (pizzicatos, harmoniques, notes figées comme des résonances infinies). En fait, un des enjeux était aussi de souligner les lignes individuelles qui forment la texture contrapuntique, de créer des lignes transversales que l'on perçoit comme des conséquences du contrepoint, et qui sont traitées ici dans leur continuité. Je dirais que c'est tout autant un exercice de perception que d'écriture : ce que je veux 'faire entendre' ce sont les croisements, les échos entre les voix, que je souligne en général par des procédés 'hors style'. ' (Bruno Mantovani) La réécriture ne nous inviterait alors pas tant à entendre une autre forme de l'original, qu'à percevoir différemment cet original en en présentant une autre forme. [...] François-Gildas Tual Note de programme du 16 décembre 2007 Cité de la Musique Du Spirituel dans l'art - Autour de Pierre Boulez / contemporain / Répertoire / 7 Violoncelles

Par THE HOLLIES. Une bande de révolutionnaire avec un style distinctif harmonies vocales, ces envahisseurs britanniques a connu une longue série de hits dans les années 1960 et 70. Toujours d'enregistrement et d'interprétation, ce groupe de légende a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2010. Notre collection comprend 12 de leur mieux: l'air que je respire - Arrêt de bus - Carrie-Anne - Dear Eloise - Il n'est pas lourd, He's My Brother - Just One Look - Long Cool Woman (dans une robe noire) - Long Dark - Route abstraction de toute - Une fenêtre sur un carrousel - Vous rembourser avec intérêts - Stop Stop Stop. / Date parution : 2011-02-16/ Recueil / Piano, Chant et Guitare

Les Six Etudes ont été écrites de 1996 à 1998 et revues pour leurs versions finales en 2012,Elles sont dédicacées à Pascale ROUET, Sylvain HEILI, Aude SCHUMACHER, Pierre PERDIGON et François MENISSIER, Elles constituent des microcosmes singuliers contrastant les uns avec les autres, qui peuvent être joués en tant que suite ou séparément,Les six pièces s'inspirent librement de la musique française, allemande et italienne du XVIIe siècle, en reprenant un certain nombre de traits caractéristiques des formes musicales de cette époque : durée relativement courte de chaque pièce, registration presque unique, virtuosité sans difficulté, abstraction placée au service d'épanchements émotifs et sensibles, aspect essentiellement rhétorique, refus de la lourdeur harmonique au profit de lignes mélodiques travaillées et ornées, Etude 1 : Toccata 3'15''Etude 2 : Anamorphose 3'15''Etude 3 : Récit de Tierce 4'30''Etude 4 : Per Elevazione 4'Etude 5 : Sur la Quinte 3'Etude 6 : Stylus Fantasticus 3'30'' / Orgue

Un enseignement musical de base qui développe la pratique du chant pour le plaisir. Vaste répertoire de chansons traditionnelles et de morceaux classiques. Approche globale s'appuie sur un apprentissage du clavier comme INSTRUMENT DE CONNAISSANCE (rechercher un air connu, improviser un accompagnement, concrétiser une notion de théorie). L'étude de la notation est abordée à son heure, c'est-à-dire après une préparation aux abstractions de la musique. / Formation Musicale