Création 04/11/2018 - Cologne (Allemagne), Philharmonie - Anaïs Gaudemard (harpe) Commanditaire Fondation Calouste Gulbenkian et Philharmonie de Paris Dédicace à Anaïs Gaudemard Notice Nighthawks est une oeuvre pour harpe solo. Lorsqu' Anaïs Gaudemard [1] m'a demandé d'écrire cette oeuvre, elle souhaitait l'intégrer à un programme sur le thème des oiseaux. J'ai immédiatement pensé à l'oeuvre Nighthawks (1942) - ou Oiseaux de nuit - du peintre réaliste américain Edward Hopper (1882-1967). Inspirée par cette oeuvre, j'ai conçu la pièce d'un seul tenant comme un voyage au coeur de ce tableau. Hopper y projette un instantané de la vie quotidienne américaine. La scène se déroule à une heure avancée de la nuit et plusieurs atmosphères s'en dégagent. En effet, l'oeil est à la fois attiré par cette rue sombre, déserte, et immaculée d'un centre-ville américain ; intrigué par la situation figée des quatre personnages à l'intérieur d'un diner aux couleurs vives ; et hypnotisé par l'éclat de l'immense vitrine du bar. Contrastante avec l'obscurité de la rue, la lumière de cette vitre éclairée au néon est saisissante. Elle sépare ainsi les deux ambiances du tableau. La vue du spectateur à travers elle se fait de l'extérieur vers l'intérieur du bar. L'absence de porte de sortie donne l'impression que les personnages sont isolés et leur solitude est encore renforcée par cette vitre qui entoure la scène éclairée - comme s'ils étaient sous cloche. A l'intérieur du diner, un homme vu de dos mange ; un couple se tient côte à côte (l'homme fume ; la femme est vêtue de rouge) ; un serveur s'affaire. Nous ne savons rien d'eux. Que font-ils à une heure si tardive ? Où se trouve la sortie ? De quoi discutent-ils ? Se connaissent-ils ? J'ai voulu concevoir musicalement cette scène du point de vue du spectateur, comme si nous étions happés, aspirés à l'intérieur même du tableau. L'introduction - Mystérieux, sombre - fait entendre les douze coups de minuit et nous plonge dans l'obscurité de cette rue typiquement américaine. De cette atmosphère nocturne naît un chant étrange - presque ouaté avec les sons xylophoniques - comme si nous ne pouvions l'entendre distinctement à travers la vitre lumineuse qui sépare la rue et le bar. Happés par cette lumière vive, nous passons à travers la vitrine et rentrons progressivement à l'intérieur du diner au moyen d'une boucle hypnotique répétée inlassablement, comme si nous rentrions dans un état de transe - Hypnotique. C'est la tension sous-jacente de cette situation figée des personnages que j'ai voulu représenter dans le passage central - Rythmique et pulsé. Puis, nous sortons de cette sensation d'hypnose en repassant à travers la vitre du bar et retrouvons l'atmosphère nocturne de cette rue déserte et immaculée - Hypnotique - Mystérieux. Camille Pepin [1] Créatrice et dédicataire de la pièce Presse Que voici une oeuvre tout simplement belle ! Camille Pépin, née en 1990, a eu un parcours marqué par la danse et la composition. Mais on découvre ici tout simplement une artiste, qui nous invite à la contemplation d'une oeuvre du peintre Edward Hopper. Ayant travaillé la composition et l'orchestration aussi bien avec Thierry Perrine qu'avec Thierry Escaich, Guillaume Connesson et Marc- André Dalbavie, elle s'est forgé un langage original qui lui permet ici de nous envouter à la fois par sa musique et par la contemplation du tableau. On pourra en juger par l'interprétation qui est faite de cette pièce sur YouTube qu'on écoutera ainsi en regardant le tableau. Bien sûr, on peut aussi écouter l'oeuvre telle quelle : elle se suffit. Mais avec le tableau... Daniel Blackstone L'Education Musicale n°128 (janv-fév 2020)

Rien de mieux que cette partition pour découvrir le fabuleux instrument de musique qu'est le piano. Vous pourrez ainsi jouer sur cet instrument créé au début du XVIIIème siècle à Florence par Bartolomeo Cristofori VALSE CANARIOTE, OPUS 88 POUR PIANO de Saint-Saëns Camille. Cette partition qui est éditée par les éditions Durand fait partie de la catégorie de la musique Classique Si vous le souhaitez, cette partition de musique qui est pour Piano peut être chez vous dans quelques jours. / Piano / Partition

On raconte que le thème principal de sa Havanaise fut inspiré à Saint-Saëns par le crépitement d'un feu de cheminée dans un hôtel, ceci durant une tournée qu'il entreprit avec Rafael Diaz Albertini, le futur dédicataire de l'oeuvre, à l'automne de l'année 1885. En revanche, on ne peut hélas plus déterminer si le choix qu'il porta sur la Havanaise, cette danse caractéristique à deux temps, lors du remaniement de l'oeuvre deux ans plus tard est une allusion à l'origine cubaine de son ami violoniste. Quoi qu'il en soit, cette oeuvre connut un grand succès dès sa création, tant dans sa version originale que celle pour orchestre. Nous avons eu la chance de pouvoir compter sur Ingolf Turban pour les doigtés de la brillante partie de violon. / Violon Et Piano

His acquaintance with the violinist Sarasate inspired Saint-Saëns to compose virtuoso works in a Spanish style. The finest examples of these works include his Introduction et Rondo capriccioso and Havanaise. / Conducteur De Poche

Les compositions les plus populaires de l?époque romantique enfin pour le piano ! Préservant le caractère original des morceaux tout en restant faciles à jouer pour les amateurs d?un niveau avancé, tant sur le plan de la technique que sur celui de la sonorité, les PIANO Moments proposent un large choix parmi les opéras, les symphonies et les pièces de musique de chambre classiques. Une collection dont on ne se lassera pas de sitôt. Des ?uvres telles que la Moldau de Smetana, la Marche nuptiale de Mendelssohn ou Au matin de Grieg se doivent bien sûr d?y figurer.

Marguerite, Anna, Mathilde, Aude, Aurore, Marine, Cloe, Zoe, Camille, Alice, Lola, Anaïs. Par DI MOSOLE SERGE. Marguerite, Anna, Mathilde, Aude, Aurore, Marine, Cloe, Zoe, Camille, Alice, Lola, Anaïs / Niveau : 1er Cycle / Répertoire / Guitare

Par PEPIN CAMILLE. Pluie, larmes de la Terre est une pièce pour cor et piano. Si la crise sanitaire que nous traversons provoque un isolement forcé, elle est aussi l'occasion de se recentrer sur l'essentiel. Mon besoin de reconnexion avec la nature a alors été plus fort que jamais. En la retrouvant, j'ai réalisé encore plus intensément à quel point elle nous est précieuse. C'est ainsi préoccupée par les dérèglements climatiques que j'ai commencé à travailler sur cette ?uvre. Si le cor est symboliquement un instrument magique, le piano c'est l'eau, c'est Debussy ... J'ai pensé qu'il fallait bien un peu de magie liquide pour préserver cette nature détruite par nos modes de vie. En mélangeant ces deux instruments, je souhaitais explorer des sonorités exprimant mes angoisses : faire pleurer la Terre. L'image de la pluie comme ses larmes n'a cessé de m'habiter durant la conception de la pièce. La première partie est inspirée de la véritable pluie et la seconde par la métaphore des larmes. L'atmosphère est d'abord mystérieuse avec ses sonorités fragiles. Des agrégats graves et profonds posent un paysage inquiétant, en contraste avec de subtils accords lumineux représentant l'espoir. Le piano déploie pas à pas un motif coulant. Le cor, d'une sonorité voilée, entonne le motif fondateur de l'ouvrage. Puis le tapis liquide du clavier emplit progressivement le paysage sonore. Ses accords moelleux sont chaque fois interrompus par un flot de notes rapides qui s'écoule du cor. Ce dernier tente un chant d'espoir mais le même sort lui est réservé. Cette pluie désormais diluvienne devient plus acide. Grâce aux couleurs graves entremêlées des deux instruments, la Terre ronronne, tentant de nous prévenir de la menace. Les gouttes d'eau tombent en un rythme instable et les motifs auparavant liquides deviennent plus incisifs. Enfin, le déluge s'apaise et nous laisse un paysage vide et désolé. Le cor rappelle mélancoliquement les notes fondatrices de l'ouvrage et le piano égrène quelques perles de pluie - dernières larmes versées ' -avant de retrouver la texture initiale. Celle-ci apparaît épurée. Dans un ultime moment suspendu, la Terre attend une lueur d'espoir. L'?uvre est teintée d'une couleur triste. Les modes de jeu utilisés participent à l'élaboration de ce ton particulier. Pour le cor, des sons chantés dans le grave du cor provoquent des battements telle des palpitations du c?ur de la Terre qui souffre ; des notes voilées (demi-bouché) ; ou encore l'intonation imparfaite de ses harmoniques naturelles si belles et rappelant les imperfections de la nature. Le piano, quant à lui, est préparé avec des cordes étouffées rendant les aigus moins lumineux. Il est aussi largement utilisé dans les registres médium et grave tout au long de la pièce. Si l'on se sent souvent impuissant face à la destruction des formes de vie sur notre Terre, je reste persuadée que nous, artistes, en jouant, en chantant, en écrivant, devons véhiculer ce message et espérer éveiller les consciences. Nous avons la chance de vivre sur une planète merveilleuse et il revient à chacun d'en prendre soin. Cette pièce est dédiée à mes amis et musiciens Alexandre Collard et Nicolas Royez, ainsi qu'à leurs enfants Anatole et Nine. Camille Pépin / Date parution : 2022-11-29/ Répertoire / Cor et Piano

Par PEPIN CAMILLE. Ce nonette s'inspire de la série Énergie blanche de Fabienne Verdier. Sur le fond lisse et bleu nuit des toiles viennent contraster des traits de peinture blanche, comme une force opposée. Au fil des tableaux, cette énergie évolue en ondulations nocturnes fluides ou rugueuses, en scintillements légers, en nuages vaporeux ou encore en crépitements. Les toiles semblent emplies de matière en apesanteur et c'est pourquoi j'ai imaginé une musique planante, cherchant un équilibre entre mouvement et immobilité. Pour moi, il se dégage de cette série bicolore l'idée d'une vitalité, d'une force, d'une lumière qui habite le vide infini et lointain du ciel. J'ai recréé cette énergie blanche en aspérités (grains de matière ou frêles touches de lumière) venant perturber ces nappes de bleu vibrant et mystérieux aux valeurs longues et étirées. Mon travail a été d'imaginer des variations de ces deux matière-couleurs grâce à la palette de textures extraordinaire qu'offrent les instruments à cordes. La pièce est ainsi conçue comme un voyage coloré et hypnotique en sept tableaux correspondant chacun à une toile de la série de Verdier. Hors champ est un épisode froid et nocturne au sein duquel de faibles lueurs de lumière tentent à peine de percer l'obscurité de la nuit. Des glissandi inquiétants naissent aux altos et violoncelles en stéréo et présentent le motif qui irriguera toute l'œuvre. La contrebasse émet une pulsation irrégulière et mystérieuse, au loin. Une ondulation douce puis majestueuse s'élève dans Ascendance. Avec l'arrivée des violons, elle traverse la matière sombre en répandant ses faisceaux brillants et lumineux. Turbulence est le lieu des perturbations. L'énergie blanche constituée ici de particules vives et chaotiques se dérègle sans cesse et envahit l'espace. Dans Synchronie I, les violoncelles se partagent le motif fondateur de l'ouvrage en un seul et même souffle, pur et suspendu. Puis, ils s'unissent pour ne former qu'une seule voix et un chant de violon les rejoint. Ce dernier se fait l'annonciateur de lumière durant cette brève accalmie. Mémoires du vent rappelle le début de l'œuvre avec cette palpitation irrégulière de la contrebasse et les glissandi inquiétants des cordes graves. Mais ces mémoires sont aussi l'écho des Turbulences qui se transforment ici en Vortex, dans lequel l'énergie blanche et chaotique devient un véritable tourbillon de lumière liquide. Pour clore la pièce, Synchronie II reprend Synchronie I avec la couleur plus froide et mystérieuse des altos, toujours en stéréo. Les touches de lumière des cordes aiguës s'affaiblissent avant de s'éteindre complètement, au loin. Cette pièce appartient au même cycle que mon quatuor à cordes Feuilles d'eau de Silvacane inspiré par la série du même nom de Fabienne Verdier. Camille Pépin / Date parution : 2022-06-08/ Répertoire / Orchestre à Cordes

Camille Saint-Saëns Havanaise op. 83 Editeur: Christiane Strucken-Paland Doigtés: Klaus Schilde Doigtés vl.: Ingolf Turban Edition Urtext, reliure paperback partie de corde avec ou sans indications de doigté Matériel d'orchestre chez Breitkopf and Härtel Pages: 36 (V, 15, 8, 8), Dimension 23,5 x 31,0 cm N° d'article HN 1037 · ISMN M-2018-1037-9 On raconte que le thème principal de sa Havanaise fut inspiré à Saint-Saëns par le crépitement d'un feu de cheminée dans un hôtel, ceci durant une tournée qu'il entreprit avec Rafael Diaz Albertini, le futur dédicataire de l''uvre, à l'automne de l'année 1885. En revanche, on ne peut hélas plus déterminer si le choix qu'il porta sur la Havanaise, cette danse caractéristique à deux temps, lors du remaniement de l''uvre deux ans plus tard est une allusion à l'origine cubaine de son ami violoniste. Quoi qu'il en soit, cette 'uvre connut un grand succès dès sa création, tant dans sa version originale que celle pour orchestre. Nous avons eu la chance de pouvoir compter sur Ingolf Turban pour les doigtés de la brillante partie de violon.

Par PEPIN CAMILLE. Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown. Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : 'Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ('La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique'). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems. Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939). Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse. La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante. Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point. La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro. Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ('L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe'). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. 'Le meilleur ouvrier est mort', mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle. Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers 'I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag' à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle. / Contemporain / Répertoire / Mezzo-Soprano, Violoncelle et Piano

Extrait N. 9 De Samson et Dalila. Par SAINT-SAENS CAMILLE. POUR MEZZO-SOPRANO ET PIANO (TRADUZ. ITAL. A. ZANARDINI)/ Répertoire / Chant et Piano

Un nouveau Diapason rouge : le volume 6 !
300 chants de variété française et internationale avec accords de guitare.

Jouer ses premiers accords de guitare, accompagner des amis au chant, se retrouver autour d?un feu lors d?une veillée, relire un texte et laisser résonner les mots qu?un autre a écrit... Depuis plus de 25 ans, un Diapason rouge, c?est une malle aux trésors pour de multiples occasions de rêve, de partage et de fou-rires.
Ce volume 6 poursuit l?histoire en se plongeant dans le répertoire des années 1990 à aujourd?hui.

Fréro Delavega, Christophe Maé, Louane, Emmanuel Moire, Ridan, Stromae sont les nouveaux artistes d?années où la chanson française mélange plus que jamais légèreté et engagement.
Diam?s, Abd Al Malik, Grand Corps Malade, HK et les Saltimbanks cisèlent des textes bazookas.

Et comme tout Diapason, le DR6 fait la part belle aux tubes, ceux qui ont saturé les bonnes ondes de ces dernières années.

De quoi lire, rire, chanter, danser... À vous de jouer ! / Variétés / Partition /