Nécessités De La Douleur. Par PENARD OLIVIER. Le choix de ces quatre sonnets parmi les vingt-quatre que Louise Labé a rédigé au cours de sa vie est dicté par un enchaînement dramatique rigoureux répondant à ma sensibilité de compositeur. Faisant ainsi écho à mon expérience personnelle, la forme quasi-opératique de ce cycle illustre les différents visages de la passion amoureuse, depuis l'émergence du sentiment jusqu'à sa chute inexorable. Tour à tour emprunte de violence crue et de tendresse, la musique propose une incarnation sonore des vers de 'la belle cordière' où l'érotisme brutal est omniprésent. Composé sans retenue, le premier mouvement expose les éléments récurrents du cycle: tonalité sombre et secrète de mi mineur, plaintes langoureuses du quatuor à cordes, écriture quasi-orchestrale du piano. Il plonge ainsi l'auditeur dans un gouffre de lyrisme exacerbé où le texte de Louise Labé résonne de manière paroxysmique. Le second volet du cycle fait éclater une violente rupture. Acide et énergique, il souligne les licences poétiques du texte construites sur le procédé de l'antinomie inspirée de la manière Pétrarquiste: la voix y souffre et exalte en même temps, la sensualité langoureuse y côtoie la passion animale. Souvenir des plaintes du quatuor, rappel des motifs torturés de l'allegro précédent, la troisième partie agit sur la mémoire: celle de l'être aimé qui est absent, celle du sentiment qui n'a plus de réalité partagée. Une sorte de nostalgie extatique soutient avec tendresse le poème. Le dernier mouvement du cycle est un long récitatif résigné. Le cycle se referme sur lui même par le glas des accords de piano, ne laissant place qu'à une douleur sourde, tragique, se consumant sans proposer d'alternative. / contemporain / Répertoire / Soprano Solo, Quatuor à Cordes et Piano

Par GRAU JEAN-PIERRE. Un bon maître incite plus qu'il n'enseigne. Il offre moins un savoir que les outils permettant de les acquérir. Yi Jing, Le livre des changements Voici un formidable ouvrage préparé avec rigueur et maîtrise par l'excellent guitariste et compositeur Jean-Pierre Grau. Ces volumes pour une technique instrumentale virtuose de la guitare forment un parcours d'une précision rare et pensé avec minutie. Ils apparaissent aujourd'hui comme une référence absolue, un condensé historique et projection de l'avenir. Les exemples précis faciliteront la progression des 'apprentis', dans la plus grande clarté et la plus indispensable nécessité. Jean-Pierre Grau offre au monde des guitaristes leur fondamentale bible aux ramifications essentielles. Daniel Tosi La plupart des musiciens entretiennent une relation ambiguë à l'instrument, mêlée d'exaltation, mais aussi d'appréhension et de frustration. Ils doivent rendre la qualité, l'énergie et la justesse d'une oeuvre tout en cherchant le plaisir d'être en profonde unité avec l'instrument, le bonheur de l'ouverture à l'émotion sans barrières physiques. C'est le travail mené auprès de mes élèves qui a été le moteur constant de mes recherches vers une voie de réalisation, une démarche uniquement instinctive au départ, mais qui a évolué avec le temps vers une volonté en conscience de changement et d'amélioration : que faire pour aller plus loin, se révéler à soi-même ? Cette méthode de technique instrumentale allie les bases classiques (gammes, extensions, accords...), quelques axes de travail digital peu ou jamais traités (passage de corde, déplacements main droite, gammes à trois doigts main droite, coordination des deux mains...) à des exercices de travail corporel pour diminuer voire supprimer les tensions du musicien et aller plus loin dans l'expression instrumentale. Le corps est l'aboutissement de l'émotion. Il témoigne du bonheur et de l'exaltation du jeu. Pourquoi accepter la souffrance physique, le mal de dos ? Ces deux recueils prendront toute leur signification quand ils seront liés à une recherche constante et consciente de décontraction et d'équilibre postural. Les problèmes récurrents des instrumentistes sont la plupart du temps liés à des tensions corporelles non conscientes (voir les écrits de Wilhelm Reich et d'Alexander Lowen sur les cuirasses musculaires et émotionnelles), qui empêchent l'expression de soi libre et spontanée. Un travail de technique instrumentale de haut niveau, non lié à cette exigence de détente générale, ne peut que provoquer à la longue un surcroît de tensions musculaires pouvant amener le musicien apprenti ou professionnel à des problèmes corporels aigus (douleurs musculaires, tendinites...). La recherche de la sensation corporelle dans les exercices me semble également être une piste de travail intéressante - la question 'quelle est ta sensation ?' a pris de plus en plus de place ces dernières années dans mon enseignement. La pratique du chant intérieur est un axe majeur de travail - le chant est l'outil essentiel de la transmission, ce par quoi un travail digital passe à l'expression de l'humain. Il est aussi le véhicule privilégié par lequel l'être raconte son histoire, son vécu intérieur. A la question 'que veux-tu exprimer et de quelle manière ?', la réponse a pratiquement toujours été donnée par la pratique du chant. Le chant accorde le geste et l'intention musicale, il permet de dire également : 'voilà mon propos', et comment le matérialiser techniquement en transformant la musique en geste vocal. J'espère que le fruit de ces recherches permettra à tous ceux qui sont dans une démarche qui implique l'être dans sa globalité, d'aller jusqu'au bout de leurs possibilités, et comblera certaines attentes ou questionnements qui m'ont accompagnés tout le long de ma vie d'instrumentiste. Jean-Pierre Grau / Niveau : A Partir Du 2ème Cycle / méthode - études / Méthode / Guitare

Ce premier volume de Choeurs d'opérettes françaises comprend des extraits d'oeuvres connues (Véronique, Les Saltimbanques, Les cloches de Corneville ou La Mascotte) et d'autres très peu jouées ou injustement oubliées (Le puits qui parle, François les bas bleus ou Les travaux d'Hercule).Les 15 pièces rassemblées sont courtes, aux thèmes ludiques, humoristiques ou plus légers - l'amour et la table étant des thèmes récurrents dans la musique de cette époque. Les choeurs (à 4 voix mixtes ou voix égales d'hommes ou de femmes) ont été choisis pour leur qualité musicale, mais aussi pour pouvoir être abordés par des choeurs de tous niveaux. Ce florilège permettra aux chefs de choeurs de constituer des programmes originaux et éventuellement d'aller plus loin dans la découverte de ces pages immortelles de la musique vocale de la deuxième moitié du 19ème et du premier tiers du 20ème siècle, véritable âge d'or de l'opérette. / Choeur Mixte Et Piano / 104 pages / Partition

'L'air de la musique de la simplicité se démarque clairement des embarcations doué, des arpèges de harpe récurrents du mouvement de poing à l'entraînement rythmique de la deuxième et l'accord majeur éhonté qui a terminé le troisième'Delia Casadei, revue de critique musicale (création mondiale) / Flûte, Alto Et Harpe

Le titre date de 1968, du mois de mai pour être précis. J'avais noté, à l'époque, une figure rythmique qui me semblait intéressante et puis elle était restée oubliée dans mes carnets, jusqu'au moment où, en octobre 1985 j'ai eu à écrire le répertoire du futur Orchestre National de Jazz. Cette cellule rythmique est donc devenue un des éléments récurrents de cette composition.Aux fins d'analyse, je renvoie le lecteur à l'excellent mémoire de maîtrise soutenu en Sorbonne en 1996 et consacré à cette oeuvre. J'indiquerai seulement l'une des particularités de ce morceau, qui est également l'une de ses difficultés : il s'agit du tutti d'orchestre situé de H1 à H3, conçu comme une improvisation écrite et orchestrée. D'autre part, il n'est pas interdit de voir dans la partie finale, à partir de la lettre L, un hommage au Miles Davis des années 1980.Jazz Lacrymogène a été l'un des titres du répertoire de l'ONJ 86 le plus souvent utilisé, quasiment à chaque concert. Je souhaite que le plaisir que vous aurez à le jouer soit égal à celui qui fut le nôtre. (François Jeanneau) / Big Band

for Piano solo. Par EINAUDI LUDOVICO. SEVEN DAYS WALKING est le titre du nouvel album de Ludovico Einaudi, sorti le 15 mars 2019, trois ans et demi après \'Elements\' et une tournée mondiale triomphale. Bien que l\'instrumentation sur l\'album est pour piano, violon, alto et violoncelle, les recueils correspondants ont été arrangés pour piano solo. SEVEN DAYS WALKING est divisé en sept épisodes, sept jours (Day One, Day Two, etc. jusqu\'au Day Seven). Cette première édition contient la musique de \'Day One\', du premier jour. Chaque mois, une nouvelle partition sera éditée (jour deux, jour trois'). Chacun des sept épisodes de SEVEN DAYS WALKING reprend divers thèmes récurrents de manière très différente: sept variations qui suivent un même chemin imaginaire. Einaudi raconte que l\'inspiration pour l\'ensemble du projet lui était venue lors de promenades hivernales dans les montagnes: \'En janvier de l\'année dernière, je faisais souvent de longues promenades dans les montagnes en suivant plus ou moins le même chemin. Un jour il neigeait abondamment et j\'ai laissé libre cours à mon esprit dans cette tempête dans laquelle tous les contours, mis à nu par le froid, perdaient leurs contours et leurs couleurs. C\'était peut-être ce sentiment d\'extrême originalité qui a initié cet album. \' Le premier chapitre, le premier jour, regroupe déjà tous les thèmes principaux qui, de suite, réapparaissent sous différentes formes dans les chapitres suivants - sept variations qui suivent le même itinéraire imaginaire. Ou le même itinéraire, parcouru en sept jours différents .../ Recueil / Piano

Par GALLOIS PASCAL. This new Bassoon method by the celebrated Bassoonist, Pascal Gallois, outlines for the first time extended techniques and different ways of creating sound on Bassoon. An indispensable and practical tool for composers, performers and teachers. Topics covered: Traditional Effects and Current Sounds; Spectral Effects; Percussive Effects; Effects Without the Reed; Vibrato; Air Noise / Pédagogie / Répertoire / Basson

Tone Poem for Band. Par HOSAY JAMES L.. The mighty conflict between the great Civil War ships, the Monitor and the Merrimac, plays out once again on your concert stage! Dramatic and inventive, heroic themes and rhythmic undercurrents bring the historic battle to life. It's a programmatic work with powerful percussion, effective use of dissonance, and distinguished writing for the entire band. It's also quite playable for bands at the medium-easy level! / Niveau : 2.5 / Pièce de concert / Répertoire / Concert Band

Par NATTIEZ / BOULEZ. La musicologie est entrée dans une période d'éclatement. Pour rendre compte des oeuvres et des styles, le chercheur doit-il mettre l'accent sur leurs structures ou sur les réseaux de significations de tous ordres qui s'y rattachent: historiques, culturelles, psychologiques, esthétiques, etc. ? Et pour chacun de ces angles d'attaque, quelle méthode d'analyse choisir et quel paradigme explicatif privilégier, alors qu'ils conduisent souvent à  des résultats différents, voire concurrents? En examinant les diverses approches analytiques, historiques et herméneutiques appliquées à  la mélodie du berger entendue dans le Tristan et Isolde de Wagner, l'auteur propose un guide méthodologique qui permettra tant aux spécialistes qu'aux étudiants de se repérer dans la prolifération des diverses orientations de la musicologie. Les modêles de Schenker, Ruwet, Meyer et Lerdahl sont discutés. Les esquisses inédites de cette musique sont ici publiées pour la premiêre fois. Les investigations de la psychologie expérimentale et de la psychanalyse sont présentées. L'examen des sources musicales (les chants de gondoliers de Venise et les chants de bergers helvétiques) entraîne le lecteur du côté de Rousseau, de Goethe et surtout de Schopenhauer. Le livre débouche sur une interprétation originale des rapports entre musique vocale et musique instrumentale à  travers Tristan. / Broché / Livre / Livres

Tone Poem for Band. Par HOSAY JAMES L.. The mighty conflict between the great Civil War ships, the Monitor and the Merrimac, plays out once again on your concert stage! Dramatic and inventive, heroic themes and rhythmic undercurrents bring the historic battle to life. It's a programmatic work with powerful percussion, effective use of dissonance, and distinguished writing for the entire band. It's also quite playable for bands at the medium-easy level! / Niveau : 2.5 / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Par RASCH TORSTEN. Was bedeutet die Bewegung… a Mendelssohn song cycle for baritone and strings was premiered in 2012 by the renowned baritone Matthias Goerne. This is no workaday transcription: in addition to skilfully arranging seven Mendelssohn songs for strings and voice, Rasch has created a number of striking interludes to link the songs together. These interludes, written in Rasch's own post-Romantic voice and containing modern techniques including glissandi and snap-pizzicati, add a whole new dimension to the 25-minute cycle, startlingly revealing its dark undercurrents and psychologies./ Répertoire / Chant et Piano

International Guitar Competition Winners. Par ZANON FABIO. Cette compilation DVD présente cinq membres de l'élite GFA gagnants cercle effectuant tous deux bien connus et des exemples moins connus du répertoire de la guitare classique. Les gagnants de concours de guitare International de GFA présentées ici sont : Denis Azabagic (1998), Martha Masters (2000), Lorenzo Micheli (1999), Juhel Perroy (1997) et Fabio Zanon (1996). Vivement recommandé pour les concurrents actuels et futurs, ou pour l'amateur de guitare classique ! / Classic - Concert/Documentary / Accessoire / Guitare Classique