Violon et marimba. Par TOSI DANIEL. Cette oeuvre de virtuosité s'appuie sur les modèles de l'histoire des musiques du monde... Difficile-très difficile. 10 - 15 mn Mais, c'est surtout l'interactivité d'un objet sonore mouvant qui m'a passionné. Au-delà d'une tonalité simple, il se dégage une multitude d'harmoniques, qui brouillent le schéma habituel. Il ne s'agit pas seulement d'un jeu musical d'exécution transcendantale. La surimpression entre les deux protagonistes est le lieu de rencontre de forces dynamiques autour de diffractions et de mélodies éclatées. L'expression musicale doit naître de ces rencontres de vitesses variables. Tantôt une cellule de base engendre des éléments discursifs de même contenu, tantôt elle fait place à des incrustations curieuses qui détournent le discours vers de brefs imaginaires. Ces dessins juxtaposés ou superposés apparaissent comme reliés par un flux énergétique permanent pour recréer un processus de vie sur des écritures sonores. La mobilité du spectre produite par ces hauteurs vivement étalées m'a poussé à l'alimenter au moyen d'une rythmicité précise, aux accents multiples. Le but final étant de créer un tourbillon électronique aux contours ciselés et au déroulement imperturbable, modifié seulement par les accélérations ou les ralentis - ceux-ci sont notés dans le contenu rythmique et imposent une stabilité hors du temps et ' anti conformiste '. L'ensemble doit s'échapper, s'élever et butiner dans l'air avec légèreté. Le mouvement central rassemble, au contraire, tout un potentiel expressif imaginaire et sous jacent. C'est une sorte d'accompagnement où le chant ne parvient pas à jaillir mais doit s'imposer par le phrasé. Celui-ci éclatera dans le final sous forme d'un jet de poussière exalté. Né en 1953 à Perpignan, Daniel Tosi est aujourd'hui compositeur et chef d'orchestre. Il obtient six premiers Prix au CNSM de Paris. Parallèlement, il accomplit des études à la Sorbonne où, après avoir réussi l'agrégation, il obtient un doctorat es lettres du Troisième cycle (mention Très Bien). Titulaire également de deux Certificats d'Aptitude (Analyse et Direction des Conservatoires Nationaux de Région), il occupe un poste d'inspecteur à la Direction de la Musique et entreprend un travail pédagogique selon sa triple activité de composition, recherche et direction d'orchestre. En 1983, Daniel Tosi obtient le Prix de Rome. Pensionnaire de la Villa Medicis jusqu'en 1985, il reçoit cette même année le prix Georges Enesco décerné par la Sacem. En 1986, il reçoit le Prix de la Villa Medicis Hors les Murs lui permettant de réaliser une oeuvre à l'étranger (Barcelone). En 1999 Daniel Tosi obtient la distinction d'Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres et, plus récemment, reçoit le prix Claude Arrieu (décerné par la Sacem) Ses oeuvres sont régulièrement jouées dans de nombreux festivals de musique contemporaine (Paris, Rome, Strasbourg, Turin, Milan, La Rochelle, Bourges, Perpignan, Caen, etc) par des formations diverses ainsi que par des solistes renommés (Ensemble de l'Itinéraire, les Percussions de Strasbourg, le Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, l'ensemble Solars Vortices, TM +, Jean Lennert, Jean Geoffroy, etc) Outre ses activités de compositeur et chef d'orchestre, Daniel Tosi dirige le Conservatoire Perpignan Méditerranée depuis 1989. / Niveau : Difficile à Très Difficile / Répertoire / Violon et Marimba

Par MURAIL TRISTAN. (...) (Les Sept paroles) bénéficie(nt) des plus récents développements sur le plan de la synthèse vocale. L'intervention de l'ordinateur durant le concert a été remplacé par une collection très élargie d'échantillons que le compositeur a élaborés avec son assistant (Grégory Beller) dans les studios parisiens de l'Ircam. Pendant le concert, les échantillons audio sont activés par un seul clavier situé au centre de l'orchestre. De cette façon, la synchronisation entre musiques acoustique et électronique est parfaite. Cette technique permet de confronter un choeur virtuel au choeur réel. Ceci est de très grande importance, car les chanteurs, si doués soient-ils, sont limités en termes de registre ainsi qu'en capacité d'intonation. Tristan Murail indique : 'A certains moments précis, le choeur virtuel chante dans l'extrême aigu ou dans l'extrême grave et produit des micro-intervalles qui complètent les hauteurs diatoniques du choeur réel. J'utilise également des effets électroniques d'écho et de spatialisation qui présentent des similitudes avec le Requiem de Berlioz.' Mais la référence à la musique de l'époque romantique s'arrête là. Les chanteurs de chair et d'os ne chantent pas une histoire ni ne traduisent d'émotion vive, sauf au milieu de la partie 4, où la partie de choeur atteint un point culminant. A l'échelle de l'ensemble de la pièce, l'orchestre et le choeur sont parfaitement unis. Ceci correspond à la sobriété de l'approche de Tristan Murail qui n'a pas voulu écrire un oratorio, mais 'une oeuvre orchestrale avec voix'. Pour les mêmes raisons, il s'est tout à fait détourné de l'idée d'un soliste qui représenterait le Christ. 'Je voulais absolument éviter le pathos du XIXème siècle. J'espère que l'émotion viendra de la forme musicale et non des mots. Afin de ne pas me laisser entraîner par le récit, j'ai d'abord écrit les notes. Ce n'est qu'ensuite que j'ai réfléchi à la mise en place du texte. J'ai pu ainsi dans mon processus de composition tenir le contenu sémantique à distance.' (Tristan Murail). L'oeuvre commence par une introduction orchestrale de treize minutes qui édifie un décor où sont déjà mis en exergue certains éléments musicaux déterminants. Suivent les sept paroles elles-mêmes (sept parties enchaînées). Afin de fournir à l'auditeur des repères quant au déroulement de la forme, chaque partie est annoncée par des sons de cloches échantillonnés. Les textes de l'oeuvre n'ont pas tant trait aux sept dernières paroles du Christ en elles-mêmes qu'à un besoin spirituel plus général qui correspondrait à la condition humaine. Les mots désespérés du Christ en croix : 'Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m'as-Tu abandonné' (Matthieu, 27-46), sont empruntés à un Psaume dans lequel le croyant se plaint explicitement auprès de l'Eternel : 'Mon Dieu, j'appelle de jour et Tu ne réponds pas - et, de nuit, je ne m'apaise pas.' (Psaume 22-3). Tristan Murail a été touché par cette plainte et par l'interprétation radicale qu'en donnera Nietzsche bien des siècles plus tard : 'Dieu est mort'. Sa composition se termine dans la déception par un choral extrêmement doux, presque murmuré, dans lequel le choeur répète la ligne du Psaume. Dans l'oeuvre de Tristan Murail, la voix humaine joue un rôle discret. Il n'y a pas de chant soliste. Le chant choral intervient trois fois seulement : dans ces Sept paroles, dans leur précédent de 1988 et dans ...Amaris et dulcibus aquis... pièce pour choeur, synthétiseur et électronique de 1994. Est-ce que Tristan Murail cherchera à dépasser à l'avenir l'énorme faille existant entre chant et spectralisme ? Son collègue spectral Gérard Grisey s'est tourné vers la musique vocale dans les dernières années de sa vie de manière très réussie. Tristan Murail nous dit que : 'la voix humaine ne fait partie d'aucun de mes projets pour les trois prochaines années. Il y aura peut-être des possibilités plus tard. Pendant la composition des Sept paroles, j'ai fait des découvertes dans ce domaine. J'ai par exemple été très satisfait du choral spectral qui revient à plusieurs reprises et de la manière dont, dans la cinquième partie, la mélodie vocale est colorée par le son de l'orchestre. Le choeur chante des intervalles simples qui sont perçus différemment grâce aux harmonies spectrales de l'orchestre.' Michel Khalifa, Extrait du programme de salle des ZaterdagMatinee, Concertgebouw Amsterdam, 10 avril 2010 Traduction française : Editions Henry Lemoine / contemporain / Répertoire / Orchestre, Choeur et Electronique

C'est pour enrichir le paysage intellectuel européen d'une nouvelle revue musicale que Filigrane est née. Filigrane se consacrera à la musique considérée comme un champ de forces où s'élabore le sens, une activité métaphorique où l'homme emploie ses facultés à construire tant le monde que lui-même. Les sciences humaines y croiseront donc naturellement la singularité de l'art : une pensée en acte, non discursive, une pensée de l'expérience humaine, médiatisée par l'invention et la disposition d'un matériau dans le temps et dans l'espace. Filigrane souhaite aborder sans esquive les thèmes difficiles et épineux (politiques, sociaux, spirituels et intellectuels) que rencontre la musique et, de ce fait, associera constamment à ses réflexions des chercheurs de toutes disciplines (philosophes, psychologues, anthropologues, sociologues, historiens) aussi bien que des artistes qui témoignent de leur expérience. / Livre

13 missional hymns old and new celebrating the Gospel and the call to sing live and share it with all the world! This songbook matches For the Cause the second release in the Getty Kids Hymnal album series. This is a collection of recordings designed to help disciple children with songs to carry for life. Inspired by many world music sounds this album was recorded by the Getty band and five different children's choirs from Africa America Colombia India and Ireland. Songs include: All Hail the Power of Jesus' Name - By Faith - Compassion Hymn - Facing a Task Unfinished - For the Cause - God So Loved the World - Holy Holy Holy - Jesus Shall Reign - May thePeoples Praise You - Nothing But the Blood - O Children Come - Oh How Good It Is - There Is a Redeemer.

Une collection d'agitation de 100 chansons rares de l'Holocauste. Rédigé en 16 langues différentes, avec des traductions en anglais pour chacun / Divers / niveau : Intermédiaire / Partition + Cd

La quête d'une identité musicale

Mettant à profit la narration d'un parcours d'une vie atypique et engagée, l'auteur rend hommage à deux personnalités de la pédagogie pianistique du XXe siècle: Vincenzo Scaramuzza, musicien italien exilé en Argentine en 1907 et son disciple Thibaut Sanrame - deux destins fort peu connus, l'un sublime, l'autre énigmatique.
L'ouvrage se lit comme un roman - celui d'un séjour en Inde, durant lequel Pierre Tran a érigé une vision de l'art du piano dont il a fait `sa` vérité - et comme un message philosophique et spirituel où le piano, personnifié, révèle sa véritable nature, en même temps qu'il conduit l'auteur à rendre cohérentes et fructueuses des années de doutes et de recherches.
De plus, Pierre Tran nous dévoile avec émotion la complicité à la fois retenue et généreuse qui le liait à son professeur, Thibaut Sanrame.

Tout mélomane, tout pianiste amateur ou professionnel, trouvera entre ces lignes des similitudes à ses propres questionnements et contribuera ainsi, peut-être, à enrichir son cheminement musical. / Méthodes and études instrumentales / Livre /

Discipline / Instrument : piano
Genre : Méthode - études
Média : Livre
Nombre de pages : 124 (150 x 230 cm)
Date de parution : 24/12/2009
La quête d'une identité musicale
Mettant à profit la narration d'un parcours d'une vie atypique et engagée, l'auteur rend hommage à deux personnalités de la pédagogie pianistique du XXe siècle: Vincenzo Scaramuzza, musicien italien exilé en Argentine en 1907 et son disciple Thibaut Sanrame - deux destins fort peu connus, l'un sublime, l'autre énigmatique.
L'ouvrage se lit comme un roman - celui d'un séjour en Inde, durant lequel Pierre Tran a érigé une vision de l'art du piano dont il a fait sa vérité - et comme un message philosophique et spirituel où le piano, personnifié, révèle sa véritable nature, en même temps qu'il conduit l'auteur à rendre cohérentes et fructueuses des années de doutes et de recherches.
De plus, Pierre Tran nous dévoile avec émotion la complicité à la fois retenue et généreuse qui le liait à son professeur, Thibaut Sanrame.
Tout mélomane, tout pianiste amateur ou professionnel, trouvera entre ces lignes des similitudes à ses propres questionnements et contribuera ainsi, peut-être, à enrichir son cheminement musical.

Par LANCELLE MYRTILLE. 5 pièces pour violonistes débutants en pédagogie de groupe. Dans l'idée d'apprendre autrement, de façon ludique et globale, l'auteur propose à l'élève d'accompagner ces 5 chansons, seul ou en groupe. Pour chaque titre, l'élève peut tenir un ou plusieurs rôles musicaux : violon, chant, piano, percussions. Ces chansons peuvent être utilisées en cours individuels, en pédagogie de groupe, mais aussi dans le cadre d'un projet pluridisciplinaire, en école de musique ou école primaire (orchestre à l'école) où élèves violonistes, chanteurs, pianistes et percussionnistes peuvent se rencontrer musicalement (sans limite d'élèves). Les morceaux sont enregistrés sur le CD en version tutti (2 violons, percussion, piano, chant) et en version playback (piano et percussion). Les illustrations de Sophie Beaujard seront à colorier par les enfants pour personnaliser leur cahier./ Recueil / Accompagnement Piano et Chant

Par LANCELLE MYRTILLE. 5 pièces pour violonistes débutants en pédagogie de groupe. Dans l'idée d'apprendre autrement, de façon ludique et globale, l'auteur propose à l'élève d'accompagner ces 5 chansons, seul ou en groupe. Pour chaque titre, l'élève peut tenir un ou plusieurs rôles musicaux : violon, chant, piano, percussions. Ces chansons peuvent être utilisées en cours individuels, en pédagogie de groupe, mais aussi dans le cadre d'un projet pluridisciplinaire, en école de musique ou école primaire (orchestre à l'école) où élèves violonistes, chanteurs, pianistes et percussionnistes peuvent se rencontrer musicalement (sans limite d'élèves). Les morceaux sont enregistrés sur le CD en version tutti (2 violons, percussion, piano, chant) et en version playback (piano et percussion). Les illustrations de Sophie Beaujard seront à colorier par les enfants pour personnaliser leur cahier./ Recueil / Violon

Le trio pour Cor, Violon et Piano de Jacques VEYRIER comble un manque évident dans la littérature, trop peu fournie, destinée à cette formation aux possibilités pourtant si nombreuses. Ce trio se compose de trois mouvements séparés. Le premier, aux importantes dimensions, pourrait à la rigueur être exécuté seul puisqu'il fait alterner un tempo rapide et un 'molto moderato', idée musicale qui sera reprise du reste pour sa conclusion. Le deuxième mouvement, 'Adagio', est une rêverie emprunte de nostalgie où le Cor se fait plus discret. Il laisse ainsi le champ libre au violon dont l'écriture en doubles cordes favorise la richesse des harmonies. Quant au final, 'Vivace' il est d'un caractère rythmique plus affirmé. Outre les thèmes qui lui sont propres on y retrouve des éléments empruntés au 1o mouvement, mais traités d'une manière toute différente. La dynamique rythmique se fait entrainante jusqu'à la conclusion. / Cor En Fa, Violon Et Piano