MURAIL Tristan Une relecture des Kinderszenen de Robert Schumann Discipline / Instrument : Relecture pour flûte, violoncelle et piano Création 03/03/2019 - Segry, Abbaye de La Prée - Samuel Bricault (flûte), Marie Ythier (violoncelle), Marie Vermeulin (piano) Notice [...] Enfin, pour bien illustrer cette rencontre qui est le thème de cet album, l'idée a germé, et s'est rapidement imposée, d'une réalisation que je ferais d'une oeuvre de Schumann, et qui constituerait le lien le plus évident entre les deux mondes sonores. Cette réalisation serait donc naturellement écrite pour les trois partenaires du disque, violoncelle, flûte et piano. L'idée m'est vite venue que les Kinderszenen (Scènes d'enfants) seraient parfaites pour ce projet. En effet, les Scènes d'enfants ont un potentiel musical, expressif, évocateur, qui dépasse de loin la réalisation pour piano de Schumann. Sans doute a-t-il voulu rester simple et facile - dans son esprit, les pièces devaient être jouables par des enfants. Je ne suis pas sûr que ce soit vraiment le cas... certaines pièces ne sont pas si faciles, d'autres supposent des écarts inaccessibles à une main d'enfant. Mais presque toutes sont de petits chefs-d'oeuvre, avec une grande puissance imaginative, reposant pourtant sur des idées simples et concises. Comment alors aborder cette réalisation, ou plutôt ce qui deviendra une relecturs : le regard d'un compositeur sur un autre compositeur ? J'ai vite écarté l'idée d'une instrumentation dans un style d'époque plausible - qui n'aurait presque rien apporté aux pièces originales, aussi bien que celle d'une trop profonde réécriture risquant d'aboutir à une trahison. J'ai cherché, finalement, à faire bénéficier les pièces de Schumann d'une mise en couleurs (comme on colorise de vieux films originellement en noir et blanc), d'une amplification des idées et des sentiments, tout en restant le plus fidèle à la lettre comme à l'esprit de la partition. J'ai repensé, toutes choses égales par ailleurs - car nous ne sommes là pas du tout à la même échelle -, à l'exemple magnifique des Tableaux d'une exposition orchestrés par Ravel. Ravel n'avait pas simplement orchestré le piano, il avait cherché à retrouver, cachée derrière la réalisation pianistique de Moussorgski, l'essence même des idées musicales qui avaient en fait préludé à la réalisation pour le piano, qui n'en était clairement qu'une des réalisations possibles. Fort de ces réflexions, je n'ai pas hésité, pour mon regard sur les Scènes d'enfants, à utiliser toute la moderne palette des techniques instrumentales, démultipliant ainsi les timbres disponibles et les effets acoustiques résultants de leurs combinaisons. Le flûtiste joue souvent la flûte alto, au timbre si chaud et expressif, au registre grave qui permet par endroit au violoncelle de chanter la voix supérieure. Le violoncelle est employé dans toutes ses possibilités d'articulations, de timbre, et de registre, changeant très vite d'un mode de jeu et d'une sonorité à l'autre. Réutilisant une approche de l'instrumentation que j'avais déjà mise en oeuvre dans des pièces telles que La Barque mystique, je fais rapidement changer de rôle chaque instrument, donnant ainsi l'illusion d'une orchestration bien plus nombreuse qu'un simple trio. J'ai donc cherché à accentuer le caractère de chacune des pièces, et à retrouver les intentions cachées derrière la simplicité du piano de Schumann, et j'ai ainsi obtenu des contrastes que la version originale ne permet pas - ou permet moins. Pour amplifier le côté enfantin ou féérique de la musique, je me suis autorisé quelques ajouts, que j'évoquerai plus loin ; néanmoins j'ai voulu respecter le texte intégralement, en ce sens que pas une note ne manque de la partition originale, que les harmonies tonales sont intégralement respectées, de même que l'écriture rythmique. En revanche, de concert avec les interprètes, nous n'avons pas toujours suivi les mouvements métronomiques indiqués par Schumann, qui paraissaient souvent trop rapides (il y a d'ailleurs parfois quelques contradictions entre les commentaires de Schumann sur ses pièces, et les tempi indiqués). Les pièces originales, probablement en raison des contraintes mentionnées plus haut, sont cantonnées dans les registres médium et médium-grave. J'ai décidé de les éclaircir par endroit, en ajoutant des résonances ou doublures aiguës, ou à l'inverse d'ajouter quelques notes plus graves pour donner plus de corps à la sonorité. C'est donc ainsi qu'une étrange sonorité (bisbigliando de flûte, trille d'harmoniques du violoncelle) introduit la première pièce, puis plane au-dessus d'elle (Von fremden Ländern und Menschen = Des Pays et des hommes étrangers - ou étranges), que Hasche-Mann (Colin-Maillard) deviendra encore plus furtif, tandis que le Cheval de bois (Ritter vom Steckenpferd) claquera, soufflera et hennira. Fürchtenmachen fera vraiment peur ! Dans l'ultra-célèbre Rêverie (Traümerei), après l'énoncé du thème dans ce registre si expressif de l'aigu du violoncelle, le piano prendra soudain la parole, comme dans un concerto romantique. Comme je le disais plus haut, quelques éléments enfantins viendront, à l'occasion, s'ajouter à la trame sonore : petite boîte à musique (dans l'aigu du piano) dans la première et la dernière pièce, sons percussifs col legno du violoncelle dans Wichtige Begebenheit (Evénement important) - transformé pour l'occasion en marche militaire pour soldats de plomb... Et finalement, l'enfant s'endormira (Kind im Einschlummern), bercé par le violoncelle se balançant entre ponticello et ordinario, et apaisé par les sons éoliens de la flûte... J'espère que les auditeurs partageront le plaisir que j'ai eu à imaginer cette relecture, et que nous avons eu à l'enregistrer ; un grand merci aux trois interprètes, Marie Ythier, Marie Vermeulin, et Samuel Bricault, pour leur participation enthousiaste à cette entreprise, et pour leurs nombreuses et judicieuses suggestions.

Prenez une grande mélodie, une danse complètement fou, un type encore plus fou et tourner une vidéo de YouTube. Plusieurs millions de clics plus tard, le monde entier est fou de STYLE de Gangnam, le hit de Psy rappeur coréen. Le courant de James Bond Skyfall chanson rappelle le légendaire Sondtracks les années 1960 et a le potentiel pour devenir un classique lui-même. Ainsi, Adèle rejoint enfin dans les rangs des grandes divas de l'histoire de la musique. Robbie Williams s'annonce pour le 'bébé casser' de retour en forme familière. Son CANDY unique est un accrocheur sans noeuds et de diffuser un lot de bonne humeur. Carly Rae Jepsen a été découvert dans une émission de talents canadiens. La grande percée internationale est venu avec la composition originale APPELEZ-MOI PEUT-ETRE, aussi grâce à l'appui des fans de premier plan comme Justin Bieber, l'enthousiaste 'tweeté' à ce sujet. Ballade Emeli sable émotionnel lire tout ça offre une mélodie merveilleuse qui se glisse sous la peau. Silbermond prouver la simple OUI une fois de plus que les grandes ballades pop sont leurs points forts. Un conseil spécial pour tous les pianistes!5 livres en un - Le songbook universel pour de nombreux instruments!Paroles et accords: pour guitare et au chant, sans notesAvec toutes les paroles des chansons et accords, des motifs rythmiques simples et finger-picking des chansons, vous pouvez jouer et chanter dans un court laps de temps. Une présentation claire, barres de mesure et d'information de voyage utile pour vous aider lors de la pratique. Tous les accords peuvent être trouvés à un coup d'oeil quand chaque chanson.Pour Piano et Piano numérique: Arrangement PianoLes arrangements pour piano ont été organisées légère à modérée et sont conçus de sorte qu'ils sont optimales au son du piano. Le CD fourni contient toutes les chansons sur le piano de Gerhard Kölbl ont été 'vivent'. Ainsi, tous les morceaux seront entendus avant les Jeux et sont donc plus faciles à jouer et à apprendre.Clavier et C-Instruments: mélodie en utMélodie avec des accords, paroles complètes, les propositions sonores, des notes d'information rythme et le rythme. Convient également pour violon et flûte.Pour trompette, cor ténor, sax ténor et à la clarinette: mélodie BLa mélodie en B correspond à la mélodie en ut est de jouer avec elle, par conséquent, sur la lecture d'un CD supplémentaire pour instruments Sib. Astuce: Si vous voulez jouer avec un clavier, le clavier doit être transposée par les 2 demi-tons plus bas.Pour saxophone alto et clarinette en mi bémol: la mélodie en ellePour les instruments Eb il ya une voix supplémentaire en elle. Le classement sur les notes, les accords sont écrits en C pour le sondage de la guitare. Astuce: Si vous voulez jouer avec un clavier, le clavier doit être transposée par les 2 demi-tons plus bas.Morceaux d'accompagnement professionnelsChaque chanson est une lecture professionnelle sur le CD fourni. Les pistes d'accompagnement sont grands pour chanter ou jouer en même temps. / Variété

Par COMBIER JEROME. Gone fut le premier titre de Solo, monologue écrit par Samuel Beckett en 1979 à la demande de David Warrilow, acteur de l'adaptation anglaise du Dépeupleur crée à New-York en août 1977. Quand Beckett lui demande ce qu'il imagine comme texte, l'acteur répond : 'Je voyais l'image d'un homme debout sur une scène, éclairé par en haut. Il se tient dans une sorte de cône de lumière. On ne distingue pas son visage et il parle de la mort'.* Solo commence par ces mots : 'Sa naissance fut sa perte.' Gone clôt un recueil ouvert en 2006, regroupant quatre pièces de musique de chambre : Noir azur (pour trio à cordes, 2006), Noir gris (pour trio à cordes, 2007), Hors crâne (pour violon, violoncelle et électronique, 2008) et Gone (pour clarinette, piano, trio à cordes et électronique). Peut-être Gone est loin de l'univers de Beckett et de l'entreprise première que je m'étais fixée car loin de l'épure recherchée initialement, le peu d'idée, la restriction des éléments musicaux et surtout la simplicité de leur figuration, mais toutefois je n'ai pas dérogé à la recherche d'une forte contrainte formelle, et numérique à l'origine de toutes les proportions musicales (le temps accordé à telle ou telle idée) et qui reste ainsi la constante de ces quelques pièces. Si le point de départ reste le texte et la fabrication d'une matière musicale mélodique puis harmonique issue précisément des mots ou des bribes de phrases, le texte de Beckett a vite été abandonné dans le cours de la fabrication de la musique. Les échelles de hauteurs construites se sont vite émancipées. Au départ, je me souviens qu'il y avait aussi la recherche d'un timbre précis, d'une qualité de son : une matière noire, profonde, sans repère, ni rythme, ni hauteurs, des bruits de frottements, de souffles, de pression d'archet, comme origine de tout son ou même de toute idée à naître. Ce souffle de l'acteur, David Warrilow prenant sa respiration (rauque et sourde) que l'on entend au début de Solo. L'ajout de l'électronique, s'il m'éloigne incontestablement de la parole parcimonieuse de Samuel Beckett, devrait me permettre en contrepartie d'accéder à ce monde de bruits et de tensions. Plus encore, sa fonction première est de masquer, ou en quelque sorte détruire, ce qui est lisible dans le travail instrumental. Enrichir à ce point le timbre pour que la musique ne soit plus que le fantôme d'elle-même. Jérôme Combier * James Knowlson, Beckett, p. 1038, Actes Sud, Arles 1999, traduction Oristelle Bonis (Damned to fame, The Life of Samuel Beckett, Londres 1996) / contemporain / Répertoire / Ensemble et Electronique

La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d'oeuvres classiques, allant de la Renaissance à l'époque moderne.Proposer tout à la fois des 'incontournables' du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d'une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l'unité, a fait l'objet d'un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l'établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces oeuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d'ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.Les quatre saisons (opus 8, #1-4) est un ensemble de quatre concertos pour violon soliste et orchestre de chambre à cordes, composé par Antonio Vivaldi, et qui ouvre le recueil La bataille entre l'harmonie et l'invention. Bien qu'édité en 1725 à Amsterdam, la composition de ces quatre concertos est certainement antérieure de quelques années.Cette oeuvre est l'une des plus représentative du genre Concerto, c'est aussi certainement la composition la plus connue d'Antonio Vivaldi. Le printemps est le nom que porte le concerto #1 en mi majeur (op. 8, RV 269). Il est se compose de trois mouvements : Allegro, Largo, Allegro.Son introduction, comme le troisième mouvement de l'oeuvre (L'Eté), sont les passages les plus célèbres de cet opus.Sur la partition, le compositeur précise les correspondances avec les poèmes, il va même jusqu'à expliciter certains détails (aboiements de chien, noms d'oiseaux : coucou, tourterelle, pinson...). L'ensemble de l'oeuvre est accompagnée de quatre sonnets décrivant le déroulement des saisons. Voici celui du Printemps :AllegroVoici le Printemps,Que les oiseaux saluent d'un chant joyeux.Et les fontaines, au souffle des zéphyrs,Jaillissent en un doux murmure.Ils viennent, couvrant l'air d'un manteau noir,Le tonnerre et l'éclair messagers de l'orage.Enfin, le calme revenu, les oisillonsReprennent leur chant mélodieux.LargoEt sur le pré fleuri et tendre,Au doux murmure du feuillage et des herbes,Dort le chevrier, son chien fidèle à ses pieds.AllegroAu son festif de la musetteDansent les nymphes et les bergers,Sous le brillant firmament du printemps. / Piano Solo

'Pistacos' : petits diables.'Spices' : les épices.'Les épices des diablotins'...en épis et jubilations, Pistacotiques.Collection 'Percussion Plaisir' proposée par Christian Hamouy.Pianiste, compositeur d'origine portugaise et italo-espagnole, Jean-Marie Machado a passé son enfance au Maroc. Jeune adulte, il étudie la musique auprès de la concertiste classique Catherine Collard et s'initie en autodidacte à la musique pop et au jazz.En 1986, Jean-Marie Machado fait son irruption sur la scène du jazz avec un trio aux conceptions tout à fait originales (Trio Machado avec Louis et François Moutin), et un répertoire entièrement neuf, atteignant, selon Martial Solal, 'un degré de raffinement et de perfection rarement atteint dans ce domaine'. Il est reconnu comme 'l'un des jazzmen les plus inventifs de sa génération'.En 1991, il crée la première version de l'orchestre 'Vibracordes' et enregistre un disque avec le percussionniste Nana Vasconcelos et les cordes du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France.Dès lors, Jean-Marie Machado s'affirme comme un leader talentueux de formations originales au service d'une musique riche de croisements entre les mondes du classique, du jazz et des musiques traditionnelles.'Septuor Vibracordes' réunit entre 1993 et 1998 la fine fleur de la jeune scène du jazz français (Laurent Dehors, Sylvain Beuf, David Chevallier, François Thuillier, Ramon Lopez, Yves Rousseau, Franck Tortiller) et crée en 1996 le spectacle ' Septuor Vibracordes et les musiques de Bretagne ' (Chants de la Mémoire, Hopi, 1997). En mai 1998, le ' French Piano Trio ' réunit trois pianistes : Martial Solal, Jean-Marie Machado et François Raulin autour d'un répertoire entièrement original. Jean-Marie Machado témoigne de son intérêt pour la poésie et la voix en créant à l'automne 2001 un spectacle en grand orchestre intitulé ' La Main des Saisons ', oratorio profane inspiré des poèmes de Fernando Pessoa, avec la collaboration du metteur en scène Philippe Delaigue et du Choeur Les Solistes de Lyon Bernard Tétu (Leve, leve, muito leve, Hortus distrib. Codaex, 2003).Jean-Marie Machado ne délaisse pas pour autant les petites formations : il se produit en solo dans de nombreux festivals, joue et enregistre avec Jean-Marc Padovani en duo et en quartet (Takiya, Tokaya avec Paul Motian et Jean-François Jenny-Clark, Hopi), ainsi qu'en duo avec le batteur Ramon Lopez ou le percussionniste Keyvan Chemirani (Azul, Hopi, 1998).Parallèlement, son activité de compositeur l'amène à multiplier les collaborations : avec les Percussions de Strasbourg, l'Ensemble de Trompettes de Paris, La Maîtrise du Choeur de Radio France (commande du Festival Présence en 2001), pour la danse (Elsa Wolliatson, Compagnie Taffanel, L'Estampe), le théâtre (avec Enzo Corman, La Cie Le Bruit des Hommes), la radio. En 2005, il crée une oeuvre pluri-artistique pour l'Ensemble, Orchestre régional de Basse-Normandie, (Direction Dominique Debard).Entre 1994 et 2001, Jean-Marie Machado participe à des résidences de création et de sensibilisation (à Quimper, Les Ulis, Chelles, Niort, Lannion, Valence, Foix) qui ont donné naissance, entre autres aventures collectives, au ' Chant des Pierres dans l'eau ' (pièce pour quinze pianistes, un choeur d'enfants et un choeur d'adultes, amateurs et professionnels), L'Autre Rive (Hortus, 2005, pièces pour choeur, violon, accordéon, tuba, deux percussions) et à deux grandes pièces pour soliste et ensemble d'harmonie fréquemment re-crées : présentées dans l'album Hymne (enregistré en 2002 par l'Ensemble Instrumental de l'Ariège, direction Eric Villevière).De ses résidences naissent également des formes artistiques pour la jeunesse comme en 1998 le ' musi-contage ' Double Croche et Sortilège avec le conteur Jean-Jacques Fdida (L'Oiseau de Vérité - conte musique - Editions Didier Jeunesse, 2003) puis en 2004 dans une formule musicale étoffée l'Opéra-Conte 'La Fille du Diable' (deux chanteurs, un conteur, piano, violoncelle, percussion).En 2001, Jean-Marie Machado effectue un retour remarqué vers un format plus ' classique ' du jazz avec la création à Banlieues Bleues du Quartet Lyrisme avec autour de Riccardo Del Fra et Jacques Mahieux des solistes tels Paolo Fresu, Andy Sheppard, Glenn Ferris, Sylvain Beuf, Claus Stötter. Cette formation est à l'affiche des plus grands festivals de jazz de l'été 2002 (Jazz à Vienne, Marciac, LaVillette, Orléans) et effectue un grand nombre de concerts sur les scènes nationales. En 2003, le quartet devient sextet pour interpréter une suite instrumentale de jazz d'aujourd'hui dédiée aux grands thèmes de la musique classique et traditionnelle andalouse (Andaloucia, Le chant du Monde - Harmonia Mundi , 2005)En 2003, Jean-Marie Machado crée un magnifique duo avec le saxophoniste américain David Liebman autour d'un répertoire dédié en partie au fado. Le fado est également au coeur de son nouveau répertoire en piano solo et trio intitulé 'Soeurs de sang' avec Jacques Mahieux et Jean-Philippe Viret. En 2004, une nouvelle collaboration voit le jour avec le chanteur Antonio Placer. En 2008 il crée son nouveau grand ensemble : ' Danzas '. / Vibraphone Et Piano

Arcadia is a work for Violin, Soprano Saxophone and Piano, inspired by the painting 'Pastoral for E.W.' by John Craxton. As a painter, John was sometimes dubbed a 'neo-Romantic', but much preferred the term 'Arcadian' - hence the title of the piece. Pastoral for E.W. was painted in 1948 in St John's Wood after one of John's early trips to the island of Crete, and is a homage to Peter Watson, (co-founder of the magazine 'Horizon' and the Institute of Contemporary Arts), who was one of John's early mentors. In a letter in 1986, John recounted that: ''Pastoral for P.W.': was a celebration of the power of music. My sister (the distinguished oboist Janet Craxton) was learning the oboe on the same floor at the time, and the house was full of her scales and exercises coupled with my discovery that goats, which seem to be daemonic, willful and undisciplined, are held in thrall by the sound of a flute - or have I gone a step further and frozen them into my geometry with a paint brush? I suppose the flautist was in origin myself, but a very emblematic me!' Ian Collins in his book 'John Craxton' (2011 Lund Humphries) says of Pastoral for E.W.: 'A pipe-player and a herd of goats are held in a rugged grid of semi-cubist triangles. While references to Dionysus and Orpheus may be noted, it is essentially a fanfare for the ongoing life, light and landscape of Greece'. The music of Arcadia is also Grecian in inspiration. The traditional folk melodies Skaros Epirotikos, Vari Pogonisio, Ouzak To Tragoudhi Tis Xentias and Pentozalis - Pentozalis are present in Arcadia, after I researched the type of music that John would have heard in Crete in the late 1940's. In a letter of 3rd May 1984, John said that he was also listening to Stravinsky's Symphony in 3 Movements 'over and over again at the same time when I first started the painting', and aspects of the beginning of the last section of Arcadia (Allegro Moderato) pay homage to the Stravinsky, in an attempt to create something of the aural landscape that John would have been experiencing during his painting of Pastoral for E.W. As a personal friend, John was always encouraging and colourful in his comments about the music I played at the Craxton house in Hampstead (where I continue to rehearse and teach), and some of the jazzier themes and tonalities in Arcadia are simply the sort of music that would get him enthused, and (almost) dancing. ARCADIA is written for and dedicated to the memory of John Craxton RA (1922 - 2009). JOHN HARLE. The first performance of Arcadia was given by Pavel Spørcl (Violin) John Harle (Soprano Saxophone) and Steve Lodder (Piano) In a concert for The Craxton Trust on September 23rd 2012 at Craxton Studio, Hampstead, London. A recording is available on Sospiro Records. / Violon, Soprano Saxophone Et Piano

Les pratiques collectives représentent des occasions privilégiées pour l'élève musicien de s'épanouir tant artistiquement qu'humainement. Elles contribuent à la motivation dans la pratique par le plaisir de jouer avec d'autres instrumentistes.
Ce recueil de musique d'ensemble propose 5 pièces originales destinées à des élèves débutants, incluant les pianistes, si souvent isolés des pratiques collectives dans les premières années d'apprentissage.
La diversité des styles proposés permet d'aborder des couleurs et ambiances sonores nuancées, dans un souci d'esthétique et d'expressivité. Ceci afin que le musicien débutant développe, outre la technique instrumentale, son potentiel artistique.
Christelle Esteban
Presse
Les professeurs de musique ont vite compris l'importance de la musique de chambre dès les premières années d'apprentissage pour consolider les bases de rythme, de lecture et d'écoute. Or, il n'est pas toujours facile de trouver des partitions adaptées au niveau des débutants, surtout quand il s'agit d'un ensemble d'instruments variés. L'ouvrage conçu par la pianiste et professeure Christelle Esteban vient enfin combler ce vide, en proposant cinq pièces de style divers. Si la partition fait appel à un saxophone, une clarinette, des percussions et deux pianos, la compositrice précise aussi la possibilité de remplacer les deux premiers instruments par le violon et la flûte. Des traits de jazz, ragtime et blues donnent une fraîcheur bienvenue à ces morceaux, tout en explorant des rythmes plus complexes tels la syncope (Funny Rag) et le ternaire (First Blues). Les mélodies, quant à elles, restent simples et ludiques, afin de privilégier le travail d'ensemble. Avant tout. c'est le goût de la musique de chambre qui est transmis à travers cette formidable initiative qui trouvera une place bien méritée dans la bibliothèque des conservatoires et dans celle des professeurs.
Melissa Khong
Pianiste n°129, juil-août 2021
Le recueil comprend cinq morceaux indépendants : Jumpin', Un Dimanche matin, Funny Rag, First Blues, Menuet pour un ensemble avec deux voix de dessus (flûte, violon, saxo alto, clarinette sib...), trois percussions (caisse claire, charleston, wood-blocks) et deux pianos. Les morceaux sont courts (1'30 à 3') et le niveau de facile à... un peu moins facile mais restant dans les limites du Cycle I. Le tout constitue donc un matériel dont des professeurs responsables d'ensembles hétéroclites de jeunes musiciens seront heureux de pouvoir disposer. Et chose pratique, les parties instrumentales sont disponibles à la vente sur le site de l'éditeur.
Jean-Luc Abras
Traversières Magazine n°135
Contenu
1. Jumpin' - 2. Un dimanche matin - 3. Funny Rag - 4. First Blues - 5. Menuet
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Musique de chambre / LEMOINE

Pour la guitare et chanter sans musique: Paroles et AccordsAvec toutes les paroles et les accords, motifs rythmiques et simple doigt choisir les chansons que vous pouvez jouer et chanter dans un temps très court. Un affichage clair, les barres et les informations de voyage utiles vous aideront lors de la pratique. Tous les accords peuvent être trouvés dans plus de un oeil à la tablature. Pour piano et piano numérique: Arrangement Piano Les arrangements pour piano ont été organisées légère à modérée et sont structurés de telle sorte que leur meilleur son au piano. Sur le CD d'accompagnement, tous les morceaux au piano par Gerhard Koelbl 'live' enregistré. Ainsi, toutes les chansons seront entendus avant les jeux et sont donc plus faciles à jouer et à apprendre. Pour le clavier, flûte, flûte à bec, violon: la mélodie en C NOUVEAU: La mélodie en C a été encore optimisé et est maintenant également bien adapté pour flûte à bec! Avec les accords, les paroles complètes, des propositions sonores, des notes d'information rythme et le rythme. Pour trompette, cor, saxophone ténor et clarinette: mélodie en B La ligne mélodique en B correspond à la mélodie à jouer le long de C. Il existe donc des supplémentaires à la lecture d'un CD pour les instruments de Sib. Pour sax alto et clarinette en mi: mélodie en elle Pour les instruments Mib il ya une voix supplémentaire en elle. La date-dessus de la note sonne accords sont répertoriés en C pour la guitare. Lectures professionnelles Pour chaque chanson il ya une lecture de professionnels sur le CD d'accompagnement. Les pistes d'accompagnement sont grands pour chanter ou jouer en même temps / Tout Instrument / Partition + Cd

Nanu - qu'est ce que c'est ? la plupart des flûtistes vont se demander à la vue de cette question . Ca a été une surprise pour garder un haut Dato inconnu Concerto pour flûte de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) dans ses mains , dont une copie à la Bibliothèque royale est situé à Copenhague . Bien sûr, il ya des doutes légitimes si l' auteur de ce 'petit concerto de flûte ' , comme j'aime à l'appeler , de manière à ne pas confondre avec le célèbre 'grand' Concerto en sol majeur .Compte tenu de la durée très courte de la vie , Pergolesi et une période , qui a été limité à environ cinq ans , il est probable , cependant, mais agir dans les nombreux ouvrages qui lui sont attribuées par les oeuvres d' autres compositeurs . Cela peut également s'appliquer à la célèbre Concerto en sol majeur , qui a été découvert dans les années 50 du siècle dernier à Stockholm . Mais le 'petit concerto pour flûte en sol majeur ' semble venir au moins du même compositeur , mais il ya de grandes similitudes dans les motifs .Fait intéressant , ce 'petit concerto de flûte ' est maintenant mais surtout pour le jeune flûtiste qui obtiennent ici un concerto pour flûte , qui est presque sur mesure pour eux - bien jouable en termes techniques et gérable en longueur . Particulièrement belle est le Largo . À ce rythme, il convient de noter que da capo est noté dans le compte rendu à la fin de la phrase , qui se termine le 27 de ce numéro de tact . Depuis cette mise mais pas nécessairement apparaître nécessaire , je n'ai pas fait, pas moins d'éviter un déséquilibre , en particulier pour les très courts dernière phrase .L'orchestre se compose d'une copie d'un premier et second violon , et une voix de basse . / Flûte Et Piano

Par CASTELNUOVO-TEDESCO MARIO. Born into a family of bankers that had lived in Florence since the expulsion of the Jews from Spain in 1492, Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968) studied under Pizzetti at the city' s Conservatoire. He soon became one of the leading members of the young Italian school, which broke with the tyranny of bel canto to return to the instrumental tradition of the Italian masters from the Baroque era. In 1928, Amédée-Landély Hettich, a vocal teacher in Paris, asked Castelnuovo-Tedesco to write a vocalise for the Répertoire moderne de Vocalises-E tudes, the publication of which he was supervising at Leduc. Castelnuovo-Tedesco' s contribution, entitled Vocalise-E tude for Medium Voice, became so popular that it was immediately transcribed several times over. The present adaptation for cello and piano, was created, with prior consent from the composer, by the famous Catalan cellist Gaspar Cassadó in 1930. The works opens with a poignant lamento that grieves the tragic fate of the Jewish people- it is followed by a folk dance whose ' brisk and stubborn” movement marks, with panache, an imperious refusal to yield to resignation. The composer adopted the same proactive stance himself when in 1939, fleeing Mussolini' s antisemitic laws, he decided to emigrate to the United States, a land of refuge to which he would remain faithful until his death some thirty years later./ Répertoire / Violoncelle et Piano

Par PEPIN CAMILLE. Autumn Rhythm est une pièce pour violon et piano. Créée à l'automne 2018, elle s'inspire du travail du peintre expressionniste abstrait Jackson Pollock (1912-1956) et en particulier de son all-over n°30 'Autumn Rhythm' (1950). En abandonnant pinceaux et chevalets, Pollock révolutionne l'art de la peinture avec ses 'drippings'. Pour réaliser sa série de all­over, il étale la toile à même le sol et y projette la peinture par éclaboussures, coulures, gouttelettes et fils entrelacés. Ainsi, différentes strates et enchevêtrements de lignes se superposent pour former des jeux de textures et créer du relief sur toute la surface d'une toile immense (sans jamais privilégier ni oublier aucune zone). Les all-over n'ont donc ni véritable début, ni véritable fin, l'oeil étant 'happé' à l'intérieur du tableau. Dans Autumn Rhythm, les lignes de peinture noire contrastent avec les tâches brunes, ocres et blanches - l'alternance de ces tâches claires et sombres crée des effets de lumière - les éclaboussures se chevauchent. C'est à la fois cette importance accordée à la texture, ces superpositions, le choix des tons, et ces paquets de fils entremêlés qui donnent à la toile son rythme prégnant et envoûtant. J'imagine alors un tourbillon aux couleurs d'automne, comme une forêt d'où des rais lumineux tenteraient de percer à travers les feuillages. C'est ce qui m'a inspirée pour cette oeuvre. D'un seul tenant, elle est conçue comme une fenêtre sur l'intérieur du tableau, comme si nous avions été aspirés dans ses entrailles. Violon et piano - indissociables - s'y entremêlent en différentes strates rythmiques et colorées pour créer diverses textures. Les modes de jeux utilisés (sul tasto, flautando, pizzicati main gauche et main droite, harmoniques, pédale du piano, etc...) ont un rôle important dans ces couches de couleurs, notamment afin d'en faire ressortir certains motifs mélodiques. Dès les premières mesures, le rythme est prégnant et fonctionne sur une 'boucle' répétée inlassablement. Le mouvement ne s'arrêtant jamais véritablement, il contribue à donner une sensation hypnotique et enivrante à cette pièce - la sensation d'avoir plongé au coeur de ce tourbillon automnal nimbé de lumière. Je profite de cette note pour remercier le concours Long-Thibaud-Crespin et tout particulièrement Renaud Capuçon pour leur confiance. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Violon et Piano

For Piano, Violin And Horn (Viola / Violoncello). Par BRAHMS JOHANNES. L' instrumentation inhabituelle de ce trio - cor, violon et piano - a de bonne heure fait l' objet de spéculations au sujet d' un arrière-plan extramusical. Le biographe Max Kalbeck y voyait par exemple une plainte du compositeur, qui venait de perdre sa mère, parce que dans son enfance le petit Brahms aurait joué à celle-ci des chants populaires au cor. Ce qui est indiscutable, c' est que le compositeur adorait la sonorité du cor naturel qui lui a inspiré quelques-unes de ses plus belles mélodies. Son Trio op. 40 est à juste titre porté aux nues par tous les cornistes auxquels l' édition Urtext de Henle offre désormais une base idéale pour étudier et interpréter ce chef-d' oeuvre. L' édition reprend le texte musical des nouvelles oeuvres complètes de Brahms, garantie d' une fidélité aux sources et d' une conformité aux recherches les plus récentes. Le pianiste Klaus Schilde a rajouté de précieux doigtés dans la partie de piano. On trouvera en outre les parties instrumentales des versions alternatives (alto ou violoncelle à la place du cor) qui avaient la bénédiction de Brahms./ Répertoire / Piano, Violon et Cor ou Alto ou Violoncelle