Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par CLEMENT NICOLE. Ce recueil contient treize pièces de musique d'ensemble destinée aux débutants en flûte à bec et guitare. Les parties de guitare vont du niveau totalement débutant à un niveau correspondant en moyenne à la fin de la deuxième année, lorsque l'enseignement donné inclut dès le départ l'étude des accords les plus courants. Plusieurs de ces pièces comportent deux parties de guitare (ou plus!) dont l'une est très élémentaire. Ces parties pourront être jouées ensemble ou séparément. Les parties de flûte sont destinées à deux sopranos, ou bien une soprano et une alto, et vont du niveau 'très facile' au niveau 'moyen' (milieu de la deuxième année). Le joueur de flûte alto est supposé savoir déchiffrer à l'octave grave comme à l'octave aiguë. Quand la deuxième voix convient pour soprano ou alto, elle est écrite à l'octave grave pour pouvoir être lue par les deux flûtes. Si elle ne convient que pour la flûte alto, elle est écrite à l'octave aiguë. Dans ce dernier cas, si l'on veut chanter cette partie, il faut bien sûr la replacer à son octave réelle ! Le tempo suggéré au début de chaque pièce est là à titre indicatif, mais il n'a rien d'impératif. La table des matières guidera le choix de l'utilisateur, grâce à ses données pratiques concernant chaque pièce. / Niveau : Débutant / classique / Date parution : 1988-04-01/ Répertoire / Flûte à Bec et Guitare

Avec Variantes, Exemples Et Conseils Pour Jouer Et Improviser Sur Tous Instruments. Par AUTEURS DIVERS. Anne Fuzeau Classique vous propose des ouvrages sur la musique en général.Le présent recueil propose un panorama de ces basses obstinées, chansons et danses de la Renaissance et du Baroque qui circulaient d'une publication ou d'un manuscrit à l'autre, de pays en pays et sur lesquelles, au fil des décades et même des siècles, les compositeurs n'avaient cesse de proposer des variations, les musiciens d'improviser.Se référant aux compilations de ' standards ' utilisés par les jazzmen, Pascale Boquet et Gérard Rebours présentent ici, sur une centaine de pages de musique, 50 pièces dans leur version de base, avec leurs transpositions, et un choix de 210 variantes et airs dérivés les plus significatifs - le tout ponctué d'explications, de commentaires, de références et de notes historiques, et précédé d'une généreuse analyse théorique et pratique de l'improvisation. Sans oublier le glossaire, la liste des sources et la bibliographie.Classées par ordre progressif, les pièces de ce recueil peuvent être utilisées à trois niveaux : - - - - - - Le débutant jouera les airs, souvent faciles, tels quels. - - - - - Le musicien un peu familiarisé avec le sujet pourra commencer à écrire quelques diminutions ou variations. - - - - - L'expérience aidant, il pourra ensuite se lancer dans l'improvisation, ' sans filet ', comme il se doit.De plus, tout instrument et groupe instrumental, ancien ou moderne, pourra aborder ce répertoire dans lequel : - - - - - - Les instruments mélodiques (flûtes, violons, violes, hautbois,...) auront la charge de - jouer et de varier ces airs et ces danses. - - - - - Les instruments polyphoniques (claviers, luths, guitares, harpes) pourront les accompagner de nombreuses façons à partir de la basse chiffrée, mais aussi en réaliser des versions autonomes en jouant et variant les deux parties ensemble. - - - - - Les instruments graves (basse de viole, basson, violoncelle,....) assureront la ligne de basse sans oublier d'y introduire eux aussi variations et diminutions.Enfin, ce sera l'occasion d'explorer une partie conséquente du répertoire de base des XVIe et XVIIe siècles, d'approfondir certains aspects harmoniques, mélodiques et stylistiques propres à chaque époque, chaque pays, voire chaque auteur, et d'élargir son approche de la musique ancienne en y introduisant cette dimension pas encore assez familière : l'improvisation.Sommaire : Avant-ProposGenèse'Standards'Principes éditoriauxImproviser (G.R.)Le geste improvisatoireDiminutions, fredons, passages, gloses, divisionsImproviser, selon les traitésUne leçon de diminutionsConseils pratiques pour improviser (P.B.)Analyse de deux grands standards : - - 1-La Passemezzo (P.B.) - - 2-Les folies (G.R.)50 standards Renaissance et BaroqueGlossaireSources : - - 1-Traités - - 2-Sources musicales - - 3-Compilations musicales manuscritesBibliographieLes auteursRemerciementsIndex des 50 StandardsIndex des compositeurs et des ouvrages / Niveau : Facile / Date parution : 2006-01-01/ Recueil / Traîté

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Partition pour 2 Violons et basse continue Edition : Paris, l'Auteur, Boivin, Leclerc, Castagnery, Roussel, 1753 Ce recueil contient certainement les plus belles sonates en trio du répertoire Français, aux côtés des oeuvres en trio de François Couperin. Présentation de Philippe Lescat et Jean Saint-Arroman : Biographie de Jean-Marie Leclair
Trois parties instrumentales séparées. Compositeur : LECLAIR Jean-Marie
Auteur : LESCAT Philippe - SAINT-ARROMAN Jean
Collection : Musique Française classique de 1650 A 1800 Contenu :
Avertissement de J.M. Leclair - Ouvertura I en sol majeur : Grave ? Allegro ? Andante ? Minuetto, non troppo allegro ? Altro, dolce - Sonata I en ré majeur : Adagio ? Allegro ? Sarabanda, largo ? Allegro assai - Ouvertura II en ré majeur : Grave ? Allegro ? Andante, dolce ? Allegro - Sonata II en si mineur : Largo ? Allegro ma non troppo ? Largo ? Allegro - Ouvertura III en la majeur : Grave ? Allegro ? Largo, dolce ? Allegro assai - Sonata III sol mineur : Adagio ? Allegro ma non troppo ? Aria, gratioso ? Altro ? Allegro. Format : 24 x 33
Nombre de pages : 84
Date de parution : 01/2000

Par MORISOT JEAN-MARC. Au cours de mon enseignement, les générations passant, je me suis rendu compte que les enfants connaissaient de moins en moins les chansons populaires, ancestrales, que nous transmet la tradition. J'ai eu l'idée de m'en servir pour illustrer leçon après leçon, l'évolution de l'apprentissage de la clarinette. D'abord la main gauche jusqu'au sib, puis en ajoutant peu à peu la main droite jusqu'au Sol grave et enfin jusqu'au Mi grave. Les chansons sont présentées dans un ordre de difficulté progressive, aussi bien pour la technique des doigts que par la coordination avec la langue. Les rythmes, en combinaisons binaire/ternaire, ajoutent peu à peu à la difficulté. Les altérations, accidentelles d'abord, sont ensuite indiquées à la clé. Enfin, vers la fin, des doigtés plus complexes donnent encore matière à une évolution raisonnable. Les articulations sont volontairement mélangées afin que l'élève ne s'habitue pas à jouer systématiquement tout lié ! Les tempi indiqués doivent être adaptés aux possibilités de chacun. Ce recueil s'adresse en particulier aux débutants clarinettistes de première et deuxième année, en supplément du travail indispensable de méthode. Jean-Marc Morisot / Niveau : Débutant / classique / Recueil / Clarinette

Volume 1Sonata in G minor after BWV 1001AdagioFugaSicilianaPresto Partita in A minor after BWV 1002AllemandaDoubleCorrenteDoubleSarabandeDoubleTempo di BoreaDouble Sonata in A minor after BWV 1003GraveFugaAndanteAllegro Sonata in A minor after BWV 1003 alternative version in a scordaturaGraveFugaAndanteAllegro Partita in D minor after BWV 1004AllemandaCorrenteSarabandaGigaCiaccona Sonata in C major after BWV 1005AdagioFugaLargoAllegro assai Partita in F major after BWV 1006PreludioLoureGavotte en rondeauxMenuet 1Menuet 2BouréeGigue Suite in C major after BWV 1007PreludeAllemandeCouranteSarabandeMenuet 1Menuet 2Gigue Suite in A minor after BWV 1008PreludeAllemandeCouranteSarabandeMenuet 1Menuet 2Gigue Suite in G major after BWV 1009PreludeAllemandeCouranteSarabandeBourée 1Bourée 2Gigue Suite in B flat major after BWV 1010PreludeAllemandeCouranteSarabandeBourée 1Bourée 2Gigue Suite in A major after BWV 1010 alternative version in a scordaturaPreludeAllemandeCouranteSarabandeBourée 1Bourée 2Gigue Suite in G minor BWV 1011/995PreludeAllemandeCouranteSarabandeGavotte 1Gavotte 2 en rondeauGigue Suite in D major after BWV 1012PreludeAllemandeCouranteSarabandeGavotte 1Gavotte 2Gigue Suite in C major after BWV 1012 alternative version in a scordaturaPreludeAllemandeCouranteSarabandeGavotte 1Gavotte 2Gigue Partita in A minor after BWV 1013AllemandeCorrenteSarabandeBourée Angloise Volume 2 Suite in G minor (BWV 995)PreludeAllemandeCouranteSarabandeGavotte 1Gavotte 2 en rondeauGigue Suite in E minor (BWV 996)Præludio (Passaggio, Presto)AllemandeCouranteSarabandeBouréeGiga Suite in C minor (BWV 997)Fantasia (Prelude)FugueSarabandeGigaDouble Prelude, Fuga and Allegro in E flat major (BWV 998)PreludeFugaAllegro Prelude in C minor (BWV 999)Prelude Fuga in G minor (BWV 1000)Fuga Partita in E Major (BWV 1006a)PreludeLoureGavotte en rondeauxMenuet 1Menuet 2BouréeGigue APPENDIX I: TABLATURES FROM BACH’S CONTEMPORARIES Suite in G minor (BWV 995)PreludeAllemandeCouranteSarabandeGavotte IreIIde Gavotte en RondeauxGigue Suite in C minor (BWV 997)FantasiaSarabandeGiga Fuga in G minor (BWV 1000)Fuga APPENDIX II: SACRED WORKS WITH OBBLIGATO LUTE PARTS AND RELATED WORKS Aria: Komm, süßes KreuzLiuto Arioso: Betrachte, meine Seel’Liuto / Luth / Le Luth Doré

Golden Winds est une commande de l?Harmonie des Jeunes de Schramberg en Allemagne pour marquer son cinquantenaire en 2012. L?orchestre a créé cette pièce sous la direction d?Andreas Hirt lors de son concert de Noël la même année.La pièce s?ouvre sur un thème nerveux et énergique joué dans le registre grave des bois qui se développe en canon et s?amplifie pour arriver à un climax avec l?orchestre entier. L?ambiance s?apaise pour introduire un passage contemplatif qui met en avant d?abord les clarinettes puis un thème opulent en forme de choral qui se transforme en un tutti ardent. Celui-ci mène au corps de la pièce un vivo rythmé qui introduit doucement son thèmeprincipal avant une reprise par l?orchestre entier. Un court passage de transition introduit alors un second sujet musclé qui se développe jusqu?à la réapparition du passage de transition pour mener à une reprise du thème principal. Ce thème se transforme pour annoncer le retour des premières mesures de la pièce qui mènent à une conclusion festive.

Après Excalibur et Stonehenge, Albion est la troisième oeuvre majeure pour Brass Band de Jan Van der Roost inspirée par l’Angleterre du Moyen Âge. Bien que l’oeuvre ne soit pas construite autour d’une histoire précise, ce poème symphonique a toute l’ampleur d’une épopée. L’ouverture de l’oeuvre semble dépeindre la conquête d’Albion (premier nom connu de l’Angleterre), transportant l’auditeur à l’époque du roi Arthur et de ses légendaires chevaliers de la Table Ronde. Trois groupes de cornets dispersés au sein de la formation et trois tambours différents reflètent, en autant de tonalités et de tempos, les périodes de guerre qui plongent l’Angleterredu début du Moyen Âge dans la tourmente. Des accords sombres et majestueux, exposés dans le registre grave, créent un contraste et donnent au son d’ensemble un caractère trouble et confus. Lorsque les tambours se retrouvent dans un même rythme, l’ensemble de la formation interprète pour la première fois à l’unisson le 'Thème d’Albion'. Un allegro energico plein d’agitation apporte soudainement plus d’élan et de dynamisme. Des thèmes virtuoses et guerriers se succèdent, donnant au passage un caractère tumultueux. Cette suite de thèmes se conclut également avec le 'Thème d’Albion', soutenu cette fois-ci par une structure harmonique plus complexe. S’ensuit un passage intermédiaire calme et serein, permettant à plusieurs solistes d’exploiter et de révéler leurs qualités musicales. Après tout, Albion n’a pas connu que des périodes de troubles et de misère. Et le roi Arthur n’est-il pas considéré comme celui qui a apporté paix et stabilité au pays ? Cette lente succession de fragments en solo progresse avec une fluidité presque évidente vers un passage où l’orchestre interprète en choeur les accords majestueux des mesures d’ouverture de l’oeuvre. Le Brass Band sonne comme un orgue et le 'Thème d’Albion' vient tout naturellement conclure cette oasis de paix retrouvée. Dans le finale impressionnant, plusieurs éléments thématiques / Date parution : 1905-06-25/ Accessoire / Brass Band

The Finest Sonatas for Treble Recorder and Basso continuo-Schott Recorder Library The Finest Sonatas for Treble Recorder and Basso Continuo - score and parts. Contents: - G. Finger: Sonata D minor (Adagio) Allegro Adagio (Un poco allegro) - J.C. Pepusch: Sonata C major: Adagio Allegro Adagio Allegro - G.B. Bononcini: Divertimento G major: Affettuoso Allegro Lento Allegro - D. Bigaglia: Sonata G minor: Adagio Allegro assai Siciliana Giga (Allegro) - A. Vivaldi; Sonata F major RV 52: (Siciliana) Allemande Aria di Giga (Allegro) - J-B. Loeillet: Sonata C major op.3/1: Largo Allegro Affettuoso Allegro - G.P. Telemann: Sonata C major TWV 41:C5:Adagio/Allegro/Adagio/Allegro Larghetto Vivace - G.P. Telemann: Sonata D minor TWV 41:d4: Affettuoso Presto Grave Allegro - G.P. Telemann: Sonata F major TWV 41:F2: Vivace Largo Allegro - G.F. Händel: Sonata F major op.1/11: Larghetto Allegro Siciliana Allegro - G.F. Händel: Sonata G minor op. 1&2: Larghetto Andante Adagio Presto - B. Marcello: Sonata D minor op. 2/2: Adagio Allegro Largo Allegro - N. Chédeville: Sonata G minor: Vivace Allabreve Largo Allegro ma non presto

« Jello... The Colours of my Soul » est une composition écrite en hommage à la mort prématurée et dramatique d?un jeune enfant. L?oeuvre est née des nombreuses conversations qu?ont eu le père et le compositeur le résultat final devant ?tre considérée comme une tentative du compositeur de traduire en musique les sentiments des parents.La première partie du titre « Jello » est la contraction des noms des deux enfants de l?homme qui a commandé le morceau à savoir Jelle et Lobcke « the Colours of my Soul » symbolise les « couleurs de l?âme » des parents qui malgré la perte de l?un de leurs enfants continuent à chérir leurs deux enfants. L?introduction recrée l?ambiance o? deuxparents pleurent la perte de leur enfant utilisant des quintes justes pour rendre la proximité avec la nature telle que nous la connaissons par les symphonies de Bruckner. Un peu plus loin l?auteur met en avant un aspect du premier thème qui se transforme en une véritable marche funèbre.Le Dies Irae tel qu?il se retrouve notamment dans la Symphonie fantastique de Berlioz (Fa Mi Fa Ré Mi Do Ré) apparaît pour la première fois mais constitue un fil conducteur à travers toute l?oeuvre pour symboliser la lutte constante entre la vie et la mort.Juste avant le passage de la temp?te (pour lequel l?auteur fait appel à une machine à vent) qui laisse présager un malheur des extraits de chansons enfantines accompagnés d?un choral crescendo depuis derrière le podium intensifient la confrontation imminente avec la mort. Après une longue introduction consacrée à la présentation des deux thèmes vient un passage rapide o? sont évoqués divers bons souvenirs. On raconte on rit on danse. L?une des précédentes chansons enfantines y est également citée. Mais le Dies Irae résonne sans cesse m?me si cette fois c?est de façon brève et rapide.Les éléments gais sont peu à peu déformés jusqu?à ce que le grave réapparaisse comme un mal inévitable que rien ne peut arr?ter.Tout s?intensifie comme si un grand climax allait suivre. A cet instant toutefois un très long

« Jello... The Colours of my Soul » est une composition écrite en hommage à la mort prématurée et dramatique dun jeune enfant. Loeuvre est née des nombreuses conversations quont eu le père et le compositeur le résultat final devant ?tre considérée comme une tentative du compositeur de traduire en musique les sentiments des parents.La première partie du titre « Jello » est la contraction des noms des deux enfants de lhomme qui a commandé le morceau à savoir Jelle et Lobcke « the Colours of my Soul » symbolise les « couleurs de lâme » des parents qui malgré la perte de lun de leurs enfants continuent à chérir leurs deux enfants. Lintroduction recrée lambiance o? deuxparents pleurent la perte de leur enfant utilisant des quintes justes pour rendre la proximité avec la nature telle que nous la connaissons par les symphonies de Bruckner. Un peu plus loin lauteur met en avant un aspect du premier thème qui se transforme en une véritable marche funèbre.Le Dies Irae tel quil se retrouve notamment dans la Symphonie fantastique de Berlioz (Fa Mi Fa Ré Mi Do Ré) apparaît pour la première fois mais constitue un fil conducteur à travers toute loeuvre pour symboliser la lutte constante entre la vie et la mort.Juste avant le passage de la temp?te (pour lequel lauteur fait appel à une machine à vent) qui laisse présager un malheur des extraits de chansons enfantines accompagnés dun choral crescendo depuis derrière le podium intensifient la confrontation imminente avec la mort. Après une longue introduction consacrée à la présentation des deux thèmes vient un passage rapide o? sont évoqués divers bons souvenirs. On raconte on rit on danse. Lune des précédentes chansons enfantines y est également citée. Mais le Dies Irae résonne sans cesse m?me si cette fois cest de façon brève et rapide.Les éléments gais sont peu à peu déformés jusquà ce que le grave réapparaisse comme un mal inévitable que rien ne peut arr?ter.Tout sintensifie comme si un grand climax allait suivre. A cet instant toutefois un très long

 Dans mon quotidien d'enseignant, il arrive souvent que je donne un exemple 'improvisé sur le vif' à un élève, Je suis donc parti de ces exemples comme point de départ pour composer ces pièces, car je trouvais intéressant de pouvoir les interpréter dans un contexte plus musical qu'un simple exercice technique, 1, Mon moustique a un tic (durée 01'00'')Ce morceau permet une exécution sur une position de mains autour du do central, sans déplacements, Il permettra également de travailler le jeu legato, et l'indépendance des mains (lié/détaché) dans les mesures 9 à 12,Niveau : 1ère année, 2, Un crapaud sur le do (durée 0'45'')Ce titre demande un travail d'accords jusqu'à 4 sons à la main droite (timbre et poids des main/poignet/avant-bras), et d'indépendance pour conduire de 2 voix à la mesure 15, La main gauche quant à elle conduit le thème du début à la fin, avec une articulation marquée,Niveau : 2ème année, 3, Le rag du mulot (durée 1'00'')Retrouvons l'esprit du ragtime avec cette pièce qui propose une main gauche à la difficulté progressive : peu de déplacements au début, intervalles ne dépassant pas l'octave ensuite, et enfin double-notes alternées à une basse, La mélodie à la main droite doit s'accommoder des diverses liaisons et altérations accidentelles,Niveau : 3ème année, 4, Le reflet de la limace (durée 1'38'')Introduction avec une citation de la célèbre ' Lettre à Elise ', Le style s'éloigne tout de suite de Beethoven avec des harmonies plus modernes (souplesse du poignet de main gauche avec un index souvent utilisé comme pivot), une pédale de sustain omniprésente, et des changements de tonalité (jusqu'à 4 dièses), Le point d'orgue mesure 32, axe de symétrie de la pièce, marque le ' reflet ', C'est ainsi que des mesures 33 à la fin, la musique se ' rembobine ',Niveau : 6ème année, 5, La toile d'araignée (durée 4'10'')Dans cette pièce d'esthétique moderne, les changements de tempo, nuances et tonalités sont de mises, La main droite doit conduire 2 voix simultanément, et passer parfois la voix inférieure à la main gauche (mesure 20 par exemple), Le clavier est largement utilisé, dans l'aigu comme dans le grave, Appoggiatures et articulations précises (staccato, accents) enrichissement une musique rythmée et variée,Niveau : 7ème année,? / Piano