Par PESSON GERARD. / contemporain / Répertoire / 4 Voix (S.Mz.T.B) et Ensemble

20 short pieces composed collaboratively by John Cage, Henry Cowell, Lou Harrison, and Virgil Thomson (1949-50) Orchestrated by Robert Hughes / Flûte Traversière(S) Et Autres Instruments

Par DUFOURT HUGUES. Entre 1752 et 1753, Giovanni Battista Tiepolo décora l'immense voûte du Grand Escalier d'Honneur de la Résidence de Würzburg, dont Balthasar Neumann, l'architecte-ingénieur des Schönborn, premier architecte du prince-évêque, avait assumé la construction. Après la paix d'Utrecht, le comte Johann Philipp Franz von Schönborn ouvre l'un des plus importants chantiers de l'époque, celui du château de Würzburg, et le confie en 1719 à Neumann. L'originalité de Neumann consiste en une pensée géométrique particulièrement apte à concevoir et combiner les volumes, à orchestrer les surfaces et les effets de profondeur. Neumann avait reçu une formation d'artilleur et d'ingénieur militaire et nourrissait une passion des synthèses lotharingiennes, quand il n'embrassait pas des projets de 'grande architecture' européenne. Lointain héritier de Guarini, il pousse plus loin qu'aucun autre architecte allemand la réflexion novatrice sur les structures et résout ses problèmes d'espace par ce que les historiens d'art appellent une 'interpénétration syncopée'. Neumann aimait l'ampleur, non la pompe pittoresque. Il voulut édifier à Würzburg un grandiose édifice de portée universelle. En 1752, le prince-évêque Karl Philipp von Greiffenklau confia à Tiepolo l'exécution des fresques monumentales décorant la voûte en ellipse gigantesque de l'escalier d'honneur (30 x 18 m), où le peintre mit en scène l'Olympe et les quatre continents. Tiepolo s'acquitta de sa tâche en deux cent dix-huit journées de travail. La fresque - à l'exécution de laquelle ont contribué Giandomenico Tiepolo, Urlaub et peut-être même Lorenzo Tiepolo - est signée et datée de 1753 sur la corniche, au dessous de l'Asie. La vue d'ensemble du plafond, avec une perspective déformant les bords, est centrée, en plein ciel, sur la figure triomphante d'Apollon, dieu de la lumière. Il s'agit d'une représentation mythologique du lever du soleil. Il se dégage de cette vision de l'Olympe une impression d'émergence aérienne de la profondeur, irrésistible et vertigineuse. Sur la corniche, Tiepolo a représenté les Quatre parties du monde. L'allégorie de l'Afrique se situe à l'Est, du côté intérieur. L'Asie figure à l'Ouest, ornant le côté longitudinal donnant sur la Cour d'Honneur. Le mur ouest est percé de trois fenêtres et s'ouvre sur un horizon dégagé. L'allégorie de l'Asie - emblème de la science et de la monarchie - apparaît en costume d'apparat, assise en amazone sur un éléphant et parée de joyaux somptueux. C'est une figure savante, animée d'un mouvement de torsion. La frise de l'Asie reste une énigme et la signification symbolique des divers personnages du groupe à l'obélisque n'a, par exemple, pas encore été entièrement élucidée. Des mondes historiques coexistent ou s'affrontent: on remarque le Golgotha, les hiéroglyphes de pierre, le serpent d'Esculape, l'obélisque, une pyramide et la princesse d'Egypte, la capture d'une tigresse, le perroquet, illustrant la faune, et surtout, au premier plan, la masse des esclaves enchaînés, des prisonniers gisant au sol ou des sujets prosternés. Cet aspect trouble de la frise a d'ailleurs retenu l'attention des commentateurs. La présence d'une escorte de soldats fait sans doute allusion à l'importance militaire du continent, mais il est manifeste que le thème de la captivité y est traité conjointement à celui de la servitude volontaire. Un esprit nouveau souffle sur cette dernière frise: des figures dramatiques, livides, des plans fragmentés, des situations amèrement réalistes, un enchevêtrement de corps distordus et anonymes. Un vent immatériel semble tout ployer, tout emporter sur son passage, dans l'urgence d'une impérieuse nécessité. L'Asie se souvient des gravures de Rembrandt, retrouve la manière des vingt-quatre hallucinantes eaux-fortes - les Scherzi di fantasia (1739-1757) - de Tiepolo lui-même et annonce les Caprices de Goya. Le capriccio semble le principe formel de cette fresque monumentale: un assemblage fantastique d'éléments disparates, une recomposition insolite de mondes engloutis, une évocation morbide d'espaces cacéraux. Je considère l'Asie de Tiepolo comme une sorte de manifeste anticipé de la musique de notre temps: un monde privé de couleurs, qui tourne au brun et au gris, et néanmoins dominé par une forme d'accélération expressive. Tiepolo a écrit là une sorte d'art poétique de la musique de l'avenir. On y découvre un éventail de vitesses, un spectre de vitesses, des espaces turbulents, des dispositifs en porte-à-faux, un entrelacs d'axes et de boucles. Flux, pivotements, tensions latérales, dilatations, projections, degrés d'éloignement sont les nouvelles catégories de cet art poétique. L'idée principale est qu'il faut s'attacher d'abord aux gestes élémentaires, qui priment la considération toujours seconde des spectres de variation. Ma propre Asie d'après Tiepolo est une commande de la Westdeutscher Rundfunk et de l'Ensemble Recherche, avec le soutien de la Ernst von Siemens Musikstiftung. Elle fait suite à l'Afrique, créée dans les mêmes conditions en 2005 à Witten. J'ai employé dans l'Asie une large palette de percussions d'un type nouveau (gamme chromatique de gongs philippins, de cloches de vache, de rins japonais). J'ai réutilisé le procédé des temporalités paradoxales de Saturne, consistant à rapporter à une mesure métrique et métronomique commune des vitesses de déroulement et des types de développement et d'écriture très différents. La première partie de la pièce fait un emploi systématique des sons multiphoniques des instruments à vent, à la manière d'un continuum électronique. La fin, plus apaisée, gravite autour d'un duo de clarinette contrebasse et de marimba, dont la mélodie est obtenue par un jeu d'archets. Le piano tient d'un bout à l'autre un rôle central, dans une sorte de véhémence acoustique qui ne parviendrait jamais à la formulation subjective. Les cordes sont traitées à la manière d'un trio, avec des textures denses et saccadées. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Ensemble

Par PAUSET BRICE. Il existe, de la main de Roland Barthes, une suite de huit feuillets portant le titre éminemment programmatique de Vita Nova. Ce texte, ou plutôt ces esquisses patiemment ajustées ont le ton d'un mot d'ordre intime, presque Pascalien (Pascal est d'ailleurs cité explicitement dans le texte). La première phrase (le monde comme objet contradictoire de spectacle et d'indifférence) est le lieu d'un étrange mélange de Schopenhauer et de Debord, comme s'il était nécessaire, impérieux, de brouiller les cartes: RB va changer de vie, et lui seul en sera témoin. Le sujet de la nouvelle vie, la littérature, sera la nouvelle vie elle-même ('la littérature comme substitut...'). C'est donc d'une sérénade dont il s'agit: la sérénade hésitante du signe au sens: autant parler d'emblée de chasteté perpétuelle (mieux vaut en général un échec grandiose qu'une réussite mesquine). Dans ce nouveau morceau (que je dois encore composer au moment où j'écris ces lignes), un dialogue d'emblée voué à l'échec tentera de s'imposer malgré tout entre un violon soliste déployant ostensiblement un vaste répertoire d'artifices rhétoriques, et un ensemble conçu comme un choeur de signes vocaux désincarnés. Une collection de sérénades s'agencera alors, quelquefois consécutives, d'autre fois simultanées. Le pincement, cette production sonore propre au trio caractéristique intégré au Nieuw Ensemble (mandoline, guitare et harpe) est une des images sonores les plus chargées de promesses vocales: de la remémoration nostalgique du luth accompagnant les voix renaissantes au vaste registre d'onomatopées qu'elle suscite. On peut difficilement invoquer Roland Barthes en faisant l'économie de son discours critique sur la modernité (littéraire). Depuis mon quintette Les Voix Humaines et ma pièce pour orchestre avec piano principal Der Geograph, je veux placer mon travail sur le double terrain du dépassement de la modernité par les vides qu'elle a elle-même ménagés (le passé, la structure, la déconstruction) et de l'inquiétude que peut engendrer une notion absente du champ musical: l'impossible. Brice Pauset / contemporain / Répertoire / Violon et Ensemble Instrumental

6 Pièces Anonymes Pour Guitare Choisies et Revues Par Marc Bataïni D'Après La Transcription Du Manuscrit Pour Luth De Oscar Chilesotti. Par BATAINI MARC. Les 6 pièces présentées dans ce recueil sont tirées d'un manuscrit pour luth, aujourd'hui disparu, datant du XVIe siècle et transcrit en notation moderne par le musicologue italien Oscar Chilesotti (1848-1916). Nous avons révisé la transcription pour guitare en transposant notamment à l'octave supérieure certaines basses et notes intermédiaires et en complétant librement certains accords, de façon à proposer une version guitaristique, qui tombe sous les doigts, tout en respectant les règles et usages harmoniques en vigueur durant la période Renaissance (accords parfaits assez peu renversés, absence de septièmes de dominante, accords sans tierce...). Les indications métronomiques et les nuances que nous suggérons, permettront sûrement une meilleure compréhension du caractère de chacune des pièces du recueil. Nous espérons donc, par ce travail de révision, redonner une deuxième jeunesse, un nouveau lustre, à ces petits chefs d'oeuvre musicaux de très haute inspiration. La réunion de ces pièces en une petite suite pourrait constituer une introduction idéale lors d'une prestation de soliste en concert. Pour finir, nous dédions ce travail à Oscar Cacérès qui nous a fait découvrir ces petites merveilles musicales. Presse C'est à partir d'un manuscrit pour luth aujourd'hui disparu mais heureusement copié par un musicologue italien que Marc Baïtani a réalisé ses transcriptions. Il ne s'agit d'ailleurs pas d'une simple transcription mais d'une adaptation à la guitare de ces pièces fort intéressantes. Le tout a été fait avec beaucoup de goût et en respectant le style de l'époque. Ces six courts morceaux peuvent très facilement constituer une suite bien agréable pour commencer un concert./ Répertoire / Guitare Classique

Arrangé par Tony Esposito. Plus grands succès de Henry Mancini arrangés pour instruments solo et d'accompagnement au piano par Tony Esposito. Inclut le CD d'accompagnement orchestral. / Trompette

Par MANTOVANI BRUNO. L'enjeu initial de cette oeuvre composée en juin 2006 était de réunir deux problématiques sur lesquelles je travaille depuis mes toutes premières oeuvres : la démultiplication de l'espace et la notion de concerto. Sensible en général à tout ce qui peut générer le conflit, mais voulant sortir de la dialectique soliste-orchestre que j'ai beaucoup développée, j'ai pensé opposer un double-soliste à deux ensembles relativement similaires (comme dans Eclair de lune composé en 2006 où ce sont trois caisses-claires qui occupent trois espaces scéniques différents face à trois petits groupes instrumentaux, ou comme dans le Concerto pour deux altos de 2007). Ici, les deux pianos fonctionnent à la fois dans une logique de relais (et de confrontation spatiale) et d'amplification (un des deux instruments modifiant le timbre de l'autre par la doublure de certaines notes). Le début de la composition de l'oeuvre a été particulièrement difficile pour moi, tant il existait alors un hiatus fondamental entre l'aspect ludique et spectaculaire des confrontations multiples entre solistes et ensembles ou entre groupes scéniquement différentiés, et ma volonté d'écrire une oeuvre intériorisée, condensée. Si la formation initiale pouvait me fournir beaucoup de matériau luxuriant, le travail sur l'élaboration d'une dramaturgie unitaire souffrait du côté rhapsodique induit par le genre-même du double-concerto. Rapidement confronté à l'impossibilité de synthétiser ces deux aspects (fantaisie du matériau, directionalité de la forme) dans un seul et même parcours, je m'apprêtais à remettre en question radicalement le projet lorsque, le 12 juin 2006, est survenue la mort de György Ligeti. Cette disparition m'a évidemment bouleversé, et alors que je repensais aux oeuvres de ce compositeur, je constatais qu'il avait été notamment maître dans l'art de résoudre la problématique qui était alors la mienne. J'ai donc pensé à une dramaturgie qui prendrait comme point de départ des traits de piano fulgurants, des relais rapides, des chocs d'énergies contradictoires, mais qui s'éloignerait progressivement de ces gestes initiaux pour donner naissance à des textures d'attente, plus continues, voire plus statiques. C'est ce parcours qui a déterminé le titre de cette oeuvre, évidemment dédiée à la mémoire de György Ligeti, qui a été commandée par la WDR et par la Sacem, et créée au festival de Witten le 22 avril 2007 par l'ensemble Modern dirigé par Lucas Vis. Bruno Mantovani / contemporain / Répertoire / 2 Pianos et 2 Groupes Instrumentaux