Pour violes de gambe. Collection Musique d'Aujourd'hui sur Instruments Anciens.Dédié à Marianne Muller.- 1) Premier duo (2 basses de viole)- 2) Les géosophiques (basse de viole solo) A. Sources B. Concordancia discordancium canonum C. Medius D. De l'abrupt E. Coda- 3) Deuxième duo (2 basses de viole)- 4) La clepsydre (Trio : 1 dessus de viole et 2 basses de viole)Topographic Long Range a été enregistré par Marianne Muller sur le cd 'Poeticall Musicke...Topographic Long Range', oeuvres de Tobia Hume et Eric Fischer.20 - 30 mn. Très difficileEcrire pour la viole gambe (ou tout autre instrument dit ancien) n'est en lien avec aucune nostalgie. Par sa lente mise en veille dès le milieu du XVIIIe siècle, la viole réapparait, neuve, comme un trésor de timbres et de textures pour les compositeurs d'aujourd'hui. Grâce à son grain si spécifique qui rend à l'intime sa rugosité, elle parle la langue de notre époque !Les sons produisent à l'intérieur de nous des volumes, des espaces, des distances jusqu'à constituer une cartographie, imaginaire et abstraite, du temps où chaque instant devient un long-terme. Bien sûr, la chose n'est pas à entendre d'un point de vue descriptif mais dans sa nature poétique.La thématique globale de 'Topographic Long-Range' est décomposée en petits modules qui se succèdent, s'imbriquent, se transforment dans un parcours circulaire, et par ce cheminement (qui éclot d'une danse, en tout cas de son énergie, jusqu'au monde suspendu du trio final), se dire à chaque révolution : cela, je ne l'avais pas entendu encore - il ne me sonnera plus jamais ainsi.On pourrait également parler d'une lente mutation d'état intérieur, qui part du minéral et va à la substance aqueuse (dans la terminologie même, puisque le premier duo est un rock et que le trio final se nomme 'la clepsydre' - mais de cela, je ne pris conscience qu'à postériori !). Notre oreille quitte peu à peu l'équilibre d'un tempérament (quel qu'il soit !), perd sa gravité, au sens physique du terme, pour flotter en apesanteur (mélodies en quart de ton, glissandi, longues tenues non mesurées, simultanéité de flux non synchronisés).Ce glissement à peine perceptible tout au long de l'ouvrage, ponctué et nourri de rythmiques répétitives, deviendra flagrant, voire révélé, au deuxième duo, nous remémorant par là même qu'au parfait centre des 'géosophiques', une viole seule nous en avait chanté les prémices dans 'médius'.Puis, par le lent écoulement de la clepsydre, dans cette douceur un peu triste (teinté d'un petit sourire résigné), nos traces et nos gestes s'estomperont au revers des silences dans la rosée de demain. / Cordes Et Viole De Gambe

Discipline / Instrument : voix, ensemble et électronique Nomenclature : 2S / T / B / fl / cl / clav / perc / vl / vla / vlc / electr. Durée : 20' Genre : Contemporain Média : Partition Editeur : Lemoine Date de parution : 17/05/2010 Librettiste : Poèmes de Mathieu Nuss (1980) Commanditaire : Ircam-Centre Pompidou et Ars Musica Création : 07/06/2010 - Paris, Festival Agora, Centre Pompidou - Ensemble vocal Exaudi, l'Instant Donné, Daniel Lévy (mise en espace), Sébastien Roux (Réalisation informatique musicale, Ircam) ISBN / ISMN : 9790230988698 Notice Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les ciels acoustiques, l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce pays-cantate qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à la question de Dieu et au décor planté dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un décor sonore) est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. Jachère aidant La première cantate, sur un texte du poète Mathieu Nuss, écrit spécialement pour cette occasion, est une sorte de cantate express, liquide, changeante, bruissante, parfois fredonnée, chaque unité étant extrêmement brève. Un narrateur semble livrer sa vision de manière joueuse, souvent interrogative. Le découpage est lui-même rapide, comme le story-board d'une histoire à développer, mais donnée là dans l'urgence. L'électronique est liée au clavier de sensations dont j'ai parlé, conçu à partir de bruits quotidiens ou atmosphériques qui, peu à peu, se changent en gammes musicales et en clavier chantant. Gérard Pesson

Discipline / Instrument : voix, ensemble et électronique Nomenclature : S / Hc / T / B / fl / hb / cl / hp / clav / perc / vlc / electr. Durée : 17' Genre : Contemporain Média : Partition Editeur : Lemoine Date de parution : 17/05/2010 Librettiste : Poèmes de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) Commanditaire : Ircam-Centre Pompidou et Ars Musica Création : 07/06/2010 - Paris, Festival Agora, Centre Pompidou - Ensemble vocal Exaudi, l'Instant Donné, Daniel Lévy (mise en espace), Sébastien Roux (Réalisation informatique musicale, Ircam) ISBN / ISMN : 9790230988889 Notice Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les ciels acoustiques, l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce pays-cantate qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à la question de Dieu et au décor planté dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un décor sonore) est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des ciels acoustiques, sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui entame l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson

Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. Gd Mmré La troisième cantate, qui utilise le tutti des instruments et des voix, est sur un texte d'Elena Andreyev (poète et par ailleurs musicienne), Gd Mmré, dont j'ai réalisé, avec son accord et son aide, un découpage. C'est un théâtre choral où la voix parlée, chantonnée (les comédiens Valérie Blanchon et Christophe Brault), donne une dimension dramatique à ce texte convoquant tant d'images, toujours sous la forme d'une introspection ardente, d'un traveling intense, parfois ironique, distancé, souvent questionneur. L'électronique feuillette ici la polyphonie des voix et des paroles - elle dispose les décors nombreux appelés par le texte, qui sont des doublures en plis vifs et cassés, elle ouvre des pistes, qui sont parfois des leurres. L'électronique est la maladresse des mots, sa fragilité digitale. Elle rêve tous les timbres qu'elle synthétise ou qu'elle commente de façon moqueuse, elle 'échantillonne' les résidus de la parole et du souffle, elle s'instille en échos menaçants. L'électronique est le pied de côté, la rime subsidiaire, le sous-titrage asynchrone de ce Grand Murmuré. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des 'ciels acoustiques', sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui 'entame' l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

Par LACOTE THOMAS. A l'origine de Phteggomai se trouve un émerveillement : celui d'écouter la propagation d'un son projeté dans l'espace de la cathédrale de Chartres. Il y a là une expérience qui dépasse le simple plaisir acoustique ou esthétique, pour atteindre une émotion presque surhumaine, tant l'écoute, tout autant et même plus que la vue, nous permet de saisir, et d'être saisi par, les dimensions et la force transcendante de l'édifice. En grec ancien, le verbe 'phteggomai' (f?????µa?) signifie proférer, se faire entendre, proclamer à pleine voix. Ainsi le centre de gravité de l'orgue dans cette pièce est un jeu de cornet, plein et sonore, qui rebondit et se diffracte dans l'acoustique, s'anime, tourbillonne, et se métamorphosera peu à peu en une masse colossale qui semble atteindre les dimensions même de la cathédrale. La trajectoire de la pièce n'a rien cependant d'une trop évidente ligne droite : elle est aussi faite de nombreuses brisures, d'hésitations, de parenthèses. Au halo prolongeant les sons, créé par le lieu et par une forme de 'persistance rétinienne' de l'oreille, je mêle de multiples traînes inventées, comme des queues de comètes imaginaires. C'est la même racine grecque qui est utilisée dans un verset fort mystérieux d'un psaume (Psaume 18, verset 5), évoquant la manière dont les cieux pourraient chanter la gloire de leur Créateur, jusqu'aux limites du monde. Pour les bâtisseurs des cathédrales, celles-ci n'étaient bien sûr pas seulement des temples de pierre : elles étaient aussi l'image même du cosmos. Ainsi, j'ai placé en tête de la partition de Phteggomai l'audacieuse traduction de ce même verset biblique qu'a donnée Paul Claudel : 'J'entends un son qui va jusqu'au bout, une parole jusqu'aux parois de l'univers pour la répercuter.' Phteggomai est une commande de l'Association des Grandes Orgues de Chartres, pour la finale du Grand Prix d'interprétation. Elle est dédiée à Philippe Lefebvre et Patrick Delabre. / Contemporain / Répertoire / Orgue

Collectif d'auteurs dirigé par Janine Delahaye : Olivier Deshayes, Frédéric Ducros, Sophie Guillin, Danielle Lecoq et Anne-Marie Pialloux

Principalement destiné aux professeurs des classes de 3e, Regards est une somme d'exemples d'enseignement transversal au collège, dans le but de concilier les exigences de l'enseignement disciplinaire et les thématiques du programme d'histoire des arts.
Des professeurs d'arts plastiques, d'éducation musicale, d'histoire et de lettres ont croisé leurs regards autour de 12 objets d'études pour illustrer les 6 thématiques du programme d'histoire des arts au collège.

Arts - Créations - Culture
Arts - Espace - Temps
Arts - Etat - Pouvoir
Arts - Mythes - Religions
Arts - Techniques - Expressions
Arts - Ruptures - Continuités

Explorant un vaste champ artistique et dans un souci constant de rester en résonance avec les programmes disciplinaires, les auteurs interrogent aussi bien les oeuvres les plus connues que celles dont la notoriété est plus confidentielle.
Ce choix, non exhaustif, a pour ambition d'inviter les professeurs à une lecture plurielle des oeuvres d'art dont ils sont familiers comme à s'aventurer sur des terrains moins connus. Il s'agit d'offrir des outils pour mieux comprendre les convergences artistiques aux XXe-XXIe siècles, ainsi que les enjeux de la création artistique de cette époque.
Cet ouvrage intéressera également tout lecteur curieux qui souhaite réfléchir aux correspondances entre les arts. / Partition /

Par SPENGLER ALEXANDRE. Les quatre mouvements de cette suite ne sont pas des 'illustrations', musicales descriptives. Ce sont des évocations d'ambiances, traduisant l'esprit et l'atmosphère des quatre ouvrages en question du romancier. C'est même pour cette raison que certains titres ont été modifiés, pour mieux répondre au caractère géneral desdits ouvrages. I - Voyage au Centre de la Terre est Une évocation de monde minéral et de la formidable pesanteur des inébranlables assises de l'écorce terrestre. En outre, l'idée d'une descente progressive des héros du livre à travers les anfractuosités ténebreuses de l'épaisseur granitique y est également évoquée. II - Le Nautilus et son Capitaine Nemo (Mobilis in mobilé) évoque le fabuleux sous-marin le Nautilus se glissant, mobile, rapide, puissant et insaisissable, à travers les couches liquides de l'Océan, - et l'âme indépendante, hardie et investigatrice de son animateur, le légendaire Capitaine Nemo. III - A la Recherche du Capitaine Grant Traduit l'idée-fixe d'une incessante et obstinée recherche pleine de tension angoissée, orientée toujours vers un même but, vers une même esperance, - recherche sans cesse interompue par le même obstacle : la fausse piste. Aprês un ultime et âpre effort pour aboutir, la recherche se termine dans un esprit tranquille et apaisé, - le Capitaine Grant ayant été retrouvé par hasard sur l'île Tabor. IV - Hatteras au Pôle Nord Traduit l'ambiance morne et immaculée des paysages polaires au milieu desquels vogue le navire du Capitaine Hatteras, et l'étrange et navrant drame qui se joue dans l'âme du héros qui, fasciné toute sa vie par l'obsession d'atteindre le Pôle Nord, sombre définitivement dans la démence lorsqu'il l'a atteint. Désormais, - tel une aiguille aimantée, - tout son être ne sera plus attaché qu'à un point de l'espace, un point immuable, géometrique, toujours le même, à l'exclusion de toute autre réalité... Le point qui indique le Nord (fin du morceau : un son mince, persistant, irrémédiablement isolé dans le lointain inaccessible où il se perd, - note longuement tenue par un hautbois tout seul qui finit par s'éteindre). / contemporain / Répertoire / Orchestre

La poésie sur laquelle se fonde cette composition est la Ballade de la vie extérieure ( la Ballade des Äusseren Lebens ) sous la plume de l'auteur viennois Hugo von Hofmansthal ( 1874-1929 ) . Il est connu pour , entre autres choses , son livrets pour les oeuvres de Richard Strauss ( Der Rosenkavalier , Ariadne auf Naxos , Elektra ) et en tant que fondateur du Festival de Salzbourg . Von Hofmansthal était l'un des derniers des symbolistes allemands . Au centre de ce mouvement littéraire a été l'unification des mondes internes et externes . La recherche du sens est une pierre angulaire de ce mouvement fin-de- siècle .Dans la Ballade des Äusseren Lebens ( Ballad of Life externe ) , le non-sens de l'existence est exprimée en limitant , métaphores d'une oppression ambiance qui se reflète dans la musique . En fin de compte , l'homme est capable d'établir l'ordre de paraître le chaos . Le poète exprime puissamment dans une ligne non - rimes de poésie :'Et pourtant , celui qui dit ' soir ', dit beaucoup ,Un mot , dont la profondeur et le débit de la douleur '.Cette composition suit la structure globale de la ballade , qui est écrit en rimes trois lignes rima - verrouillage terza .L' oeuvre chorale peut être effectuée par un choeur de chambre , mais aussi par un ensemble beaucoup plus vaste. Les pièces sont principalement à quatre voix (SATB) , mais il ya aussi six parties ( SAATBB ) . Un accord est prévu pour huit voix .Le compositeur a mené ce travail à sa première , à ouvrir en 2013 Choral International Biennale de Aachen . Le choeur était composé de quatre choeurs de chambre : Aachen Youth Choir , Carmina Mundi , Aachen Chamber Choir et Aachen Madrigal Choir / Choeur Mixte

De l'écoute active au plaisir musical, à l'école primaire.

Guide d'auditions d'oeuvres.

Le titre de cet ouvrage suppose l'idée que toute découverte d'oeuvre musicale est avant tout une échappée dans un monde riche de sensations poétiques. Le chemin qui conduit vers ce moment privilégié est constitué de multiples voies toutes à explorer avec doigté, tact musical et sensibilité.

Chaque jour et en tout lieu, l'enfant et l'adulte baignent dans un environnement sonore divers et complexe. Ce contact permanent avec les bruits et les sons est-il compatible avec une réceptivité réelle ? Comment aider les éducateurs à éveiller et maintenir l'intérêt des enfants lors d'une séance d'audition musicale?

Dans cette optique, loin de toute prétention encyclopédique, les auteurs proposent dix sept analyses d'oeuvres ou de fragments d'oeuvres d'hier et d'aujourd'hui, replacés dans leur contexte historique, esthétique et dans l'évolution de la production du compositeur. Un tableau chronométré fournit le repérage précis des divers éléments musicaux et favorise une écoute affinée. A chaque analyse est associée une démarche particulière facilitant une écoute active, agréable et efficace, ainsi que l'acquisition de quelques jalons culturels.


Micheline Ricavy, agrégée d'Éducation Musicale est professeur honoraire de l'IUFM d'Aix-Marseille. Depuis l'École Normale de Douai (1955) jusqu'à l'Université (Doctorat en musicologie - 1978), elle s'est impliquée à tous les niveaux de l'enseignement.


Margaret Alonso est professeur formateur, responsable de la Filière Éducation musicale et Chant choral et responsable académique de la formation du 1er degré à l'IUFM d'Aix-Marseille. Ses activités, de l'école maternelle jusqu'à l'enseignement supérieur, en passant par des enseignements en école de Musique et en Centre Culturel, lui font conduire une réflexion sur les pratiques musicales avec des publics variés. / Méthodes and études instrumentales / Livre CD /

Arrangements de musique de chambre flexible en quatre volets mettant en vedette un soliste. La série de scène, apportant classiques bien connus des joueurs de niveau de début, est devenu si populaire avec les écoles et centres de musique que les autres titres ont été demandés ! La joie vibrant du monde et de la douce nuit silencieuse sont sans aucun doute favoris de Noël et ferait un excellent choix pour votre concert de Noël.La notation est souple (le 'soliste'dans la partie 1, par exemple, pourrait être pour flûte, hautbois, violon, clarinette ou alto saxophone) et tandis qu'écrite pour un groupe de chambre, grands ensembles peuvent également utiliser Centre Stage avec plus de joueurs se joindre à chaque partie. Une partie de piano facultative a été incluse pour la répétition ou à l'appui de la performance. / Ensemble

Par ROSSINI GIOACHINO. La 'Petite Messe solennelle' est le plus beau travail ces dernières années de Rossini. Il a composé entre 1863 et 1864 à l'âge de 71 ans à titre de commission pour la comtesse Louise Pillet-Will pour la consécration de sa chapelle privée, où le travail a reçu sa première représentation en Mars 1864. Avec le 'Stabat mater', la masse est l'une des oeuvres sacrées mostimportant du compositeur. L'instrumentation inhabituelle avec deux pianos et harmonium est tout à fait conforme à la tradition du clavier napolitaine du 18ème siècle qui a été cultivé en France à l'époque de Rossini. Il forme un contraste frappant avec le style des compositions sacrées de grande envergure comme l'a écrit, par exemple, Liszt et Bruckner. Rossini a expliqué qu'il a écrit la version orchestrale tard du travail datant de 1867 de crainte que s'il ne le faisait pas, d'autres compositeurs pourraient orchestrer la masse trop lourdement dans les accords ultérieurs. La réduction pour piano par Andreas Kohs est très idiomatique et préserve en grande partie le caractère charmant de l'instrumentation inhabituelle. - Basé sur le Urtext de la série 'oeuvres de Gioachino Rossini' - Avant-propos en deux langues (anglais / allemand) - Avec une part d'harmonium séparée et une partie de pianos I et II '... Il est très difficile d'imaginer quelqu'un arriver à un texte plus savante, précis et pratiquement utile que cela.' (Classics aujourd'hui Juillet 2010) 'Aucun compositeur dans la première moitié du 19e siècle a connu la mesure du prestige, la richesse, succès populaire ou de l'influence artistique qui appartenait à Gioachino Rossini. Ses contemporains l'ont reconnu comme le plus grand compositeur italien de son temps. Ses réalisations jeté dans l'oubli le monde de l'opéra de Cimarosa et Paisiello, la création de nouvelles normes par rapport auxquelles d'autres compositeurs devaient être jugés. C'est à la fois Bellini et Donizetti taillé styles personnels est indéniable, mais ils ont travaillé dans l'ombre de Rossini, et leurs personnalités artistiques ont émergé dans la confrontation avec ses opéras. Pas jusqu'à l'avènement de Verdi était Rossini remplacé au centre de la vie de l'opéra italien. ' (Philip Gossett, The New Grove Dictionary of Music and Musicians)/ Répertoire / Chant et Piano

Par EIGELDINGER JEAN-JACQUES. Les 24 Préludes constituent l?une des ?uvres de Chopin les plus significatives et les plus jouées de par le monde. Si les considérations esthétiques ou les analyses musicales ne manquent pas à leur sujet, nulle monographie ne leur a été consacrée jusqu?ici. C?est à combler cette lacune que voudrait s?employer le présent volume. L?histoire de la création des Préludes, de leur achèvement à Majorque, de leur édition et de leur réception est évoquée dans un chapitre initial ; suit un commentaire musical de chacune des vingt-quatre pièces avec, au centre du livre une réflexion sur l?originalité de l??uvre et sa place dans la production de l?auteur. Enfin est présenté ici pour la première fois un panorama de l?influence et de la descendance des Préludes jusqu?en plein xxe siècle. / Date parution : 2024-01-10/ Livre / Piano