SKU: BT.DHP-1216336-215
English-German-French-Dutch.
From the beginning of the Middle Ages, we have known performance practices in which the duration of the notes can differ from the actual notation. In some cases, binary written melodies were performed in a ternary way. This isalso the case in the present-day shuffle: the written quavers are performed in a long-short system in which the ratio is 2:1. In other words, the performance practice is based on a triplet feel. In this composition, allingredients of the shuffle are featured: a vigorous swing rhythm, a walking bass, the successions of thirds in the accompaniment and the frequent use of triplets. To make sure that the binary written rhythms in the accompanimentsare performed in the correct ternary manner, Peter Kleine Schaars has notated the melody themes in triplets as much as possible. Thus, this composition is a very useful exercise for the swing development of your ensemble.Additionally, the work is a treat to listen to, so your audience will really appreciate this up-tempo big band like composition. All ternary rhythmic cells 17 till 24 pass in revue, furthermore much attention had been paid to acorrect performance of cell 4 in swing feel. Al vanaf het begin van de middeleeuwen kennen we uitvoeringspraktijken waarbij de lengte van de noten anders kan zijn dan de daadwerkelijke notatie. Zo werden in sommige gevallen binair uitgeschreven melodieën ternair uitgevoerd.Dat is ook het geval bij de hedendaagse shuffle: de geschreven achtsten worden uitgevoerd in een lang-kortsysteem waarbij de verhouding 2:1 geldt. Oftewel de uitvoeringspraktijk is gebaseerd op een triolenfeel. In deze compositiekomen alle ingrediënten van de shuffle aan bod: een stevig swingritme, een walking bass, oplopende tertsenreeksen in de begeleiding en veelvuldig gebruik van triolen. Om ervoor te zorgen dat de binair genoteerde ritmieken in debegeleidingen op de juiste ternaire wijze worden uitgevoerd, heeft Peter Kleine Schaars de melodiethema’s zoveel mogelijk uitgeschreven in triolen. Hierdoor is deze compositie een zeer bruikbare oefening voor de swingontwikkelingvan uw ensemble. Daarnaast is het werk een feest om naar te luisteren en zal het publiek deze uptempo bigbandachtige compositie zeker waarderen. Alle ternaire ritmische cellen 17 tot 24 passeren de revue, daarnaast is er veelaandacht voor een juiste uitvoering van cel 4 in swingfeel. Seit Beginn des Mittelalters sind uns Aufführungspraktiken bekannt, bei denen die Dauer der Noten von der tatsächlichen Notation abweichen kann. In einigen Fällen wurden binär geschriebene Melodien ternär gespielt. Dies ist auchbeim modernen Shuffle der Fall: Die notierten Achtelnoten werden in einem Lang-Kurz-System“ im Verhältnis 2:1 ausgeführt. Mit anderen Worten, die Aufführungspraxis basiert auf einem Triolengefühl. In dieser Komposition sind alleZutaten des Shuffle enthalten: ein kräftiger Swing-Rhythmus, ein Walking Bass, eine Abfolge von Terzen in der Begleitung und die häufige Verwendung von Triolen. Um sicherzustellen, dass die binär geschriebenen Rhythmen in denBegleitungen ternär ausgeführt werden, hat Peter Kleine Schaars die Melodiethemen so weit wie möglich als Triolen notiert. Daher eignet sich diese Komposition zum Üben des Swings. Darüber hinaus hört sich das Stück so schön an,dass Ihr Publikum von dieser schnellen Big-Band-ähnlichen Komposition begeistert sein wird. Die ternären Rhythmus-Einheiten 17 bis 24 kommen alle vor, außerdem wurde ein Schwerpunkt auf die korrekte Umsetzung der Rhythmus-Einheit4 im Swing-Stil gelegt.Si nous remontons au début du Moyen ge, nous savons que, selon certaines coutumes d’interprétation, la durée des notes pouvait différer de la notation. Parfois, des mélodies écrites en binaire étaient même interprétées enternaire. C’est le cas de ce shuffle contemporain : les croches écrites sont jouées selon un système long-court où le rapport est de 2:1. Autrement dit, en pratique, l’interprétation est fondée sur un ressenti ternaire. Tous lesingrédients du shuffle sont présents dans cette composition : un rythme de swing vigoureux, une basse walking, les successions de tierces dans l’accompagnement et l’emploi fréquent de triolets. Pour s’assurer que les rythmesécrits en binaire dans l’accompagnement soient interprétés en ternaire, Peter Kleine Schaars a, dans la mesure du possible, noté les thèmes de la mélodie en triolets. Cette pièce forme donc un exercice très utile pour permettre votre ensemble d’apprendre le swing. En outre, son écoute est un vrai plaisir, et votre public appréciera pleinement cette pièce de style big band au rythme enlevé. Toutes les cellules rythmiques ternaires 17 24 sont passées enrevue et une grande attention a été portée l’interprétation correcte de la cellule 4, donc avec un ressenti swing.
SKU: HL.44002765
UPC: 073999027655. 9.5x13.5x0.97 inches.
This piece was commissioned by the 'Concert Band Vlamertinge' and is a plea for peace: the title translates as 'Peace on Earth'. This is expressed by means of the vocal contribution expected from the performers. In various places of the piece you can recognize, the words 'Et In Terra Pax' - an appeal for peace - at first jumbled together but later more rhythmically structured, developing into synchronized massed voices.The work starts with a pentatonic theme based on the notes D, E, G, A and C (taken from 'ConCErtbAnD VlAmErtinGE' and the name of the conductor, NiCk VAnDEnDriessChe). A somewhat sad melody is developed during an orchestral climax which leads to the firstexplosion of sound (measure 62 onwards). Suddenly the opening measures are recaptured, albeit with a differently colored sound: the words 'Et In Terra Pax' bring the first movement to a close. A restless Allegro follows which abruptly stops and is replaced by a calming cho-rale-like passage. A narrator reads aloud the poem 'Sonnet' by the young poet Charles Hamilton Sorley, who was killed during World War I. This poem fittingly puts into words the cruelty and senselessness of war. After the expanded recapitulation of the allegro, the broad, almost infinite atmosphere of the beginning returns. Clarinet and English horn play the pentatonic opening theme once more, this time broadly, while the words 'Et In Terra... Pax' are repeated again and again by the rest of the orchestra.The composer has purposely avoided all forms of aggression and bombastic sounds regularly used in works about war. Fear of violence and destruction can be heard and felt during the allegro passages. The charged opening makes way in the end for hope: May peacefulness replace cruelty in everyday life, too. Dieses Werk wurde im Auftrag der Concert Band Vlamertinge geschrieben und ist ein Pladoyer an den Frieden: Der Titel bedeutet dann auch 'Frieden auf Erden'. Dies kommt unter anderem im vokalen Anteil der Ausfuhrenden zum Ausdruck. An verschiedenenStellen des Werkes erklingen, anfangs durcheinander dann zu einem rhythmischen und strukturierten Synchrongesang vereint, die Worte 'Et In Terra Pax' wie ein flehendes Gebet fur den Frieden.
Ein pentatonisches Thema formt den Anfang dieses Werkes, basierend auf den Noten D, E, G, A, und C, die dem Namen: 'ConCErtbAnD VlAmErtingE' und dem Namen des Dirigenten NiCk VAnDEnDriessChe entstammen. Wahrend der orchestralen Klimax, die zu einemersten Klangausbruch fuhrt (ab Takt 62), entsteht eine etwas traurige Melodie. Plotzlich werden dann die Eingangstakte wiederaufgenommen, wenn auch mit einer veranderten Klangfarbe; die Worte 'Et In Terra Pax' runden den ersten Teil daraufhin ab. Esfolgt ein unruhiges Allegro, das uberraschend durch eine Choralartigen Passage voller Ruhe unterbrochen wird. Eine Sprechstimme liest wahrenddessen das Gedicht Sonnet des jungen Dichters Charles Hamilton Sorley vor, der im ersten Weltkriegfiel. Es findet fur die Grausamkeit und Sinnlosigkeit des Krieges die passenden Worte. Nachdem das Allegro, diesmal mit einigen Ausbreitungen, wiederholt wird, kehrt die weite, beinahe unendliche Atmosphare des Beginns wieder zuruck. Klarinettenspielen zusammen mit einem Englischhorn das pentatonische Eingangsthema ein letztes Mal in ausgebreiteter Fassung, wobei das Et In Terra Pax' durch den Rest des Orchesters stets wiederholt wird.Der Komponist hat bewusst auf jegliche Form der Aggression oder bombastischen Vertonung, die in so vielen Werken uber den Krieg zu finden ist, vermieden. Dennoch ist die Angst vor Gewalt und Zerstorung vor allem in den Allegro-Passagen deutlich zuhoren und zu fuhlen. Am Ende macht die anfangliche Spannung jedoch der Hoffnung Platz: Moge die Friedlichkeit auch im taglichen Leben die Grausamkeit verbannen...
SKU: BT.DHP-0981118-010
This piece was commissioned by the ‘Concert Band Vlamertinge’ and is a plea for peace: the title translates as ‘Peace on Earth’. This is expressed by means of the vocal contribution expected from the performers. In various places of the piece you can recognize, the words ‘Et In Terra Pax’ - an appeal for peace - at first jumbled together but later more rhythmically structured, developing into synchronized massed voices.The work starts with a pentatonic theme based on the notes D, E, G, A and C (taken from ‘ConCErtbAnD VlAmErtinGE’ and the name of the conductor, NiCk VAnDEnDriessChe). A somewhat sad melody is developed during an orchestral climax which leads to the firstexplosion of sound (measure 62 onwards). Suddenly the opening measures are recaptured, albeit with a differently colored sound: the words ‘Et In Terra Pax’ bring the first movement to a close. A restless Allegro follows which abruptly stops and is replaced by a calming cho-rale-like passage. A narrator reads aloud the poem ‘Sonnet’ by the young poet Charles Hamilton Sorley, who was killed during World War I. This poem fittingly puts into words the cruelty and senselessness of war. After the expanded recapitulation of the allegro, the broad, almost infinite atmosphere of the beginning returns. Clarinet and English horn play the pentatonic opening theme once more, this time broadly, while the words ‘Et In Terra... Pax’ are repeated again and again by the rest of the orchestra.The composer has purposely avoided all forms of aggression and bombastic sounds regularly used in works about war. Fear of violence and destruction can be heard and felt during the allegro passages. The charged opening makes way in the end for hope: May peacefulness replace cruelty in everyday life, too. Dieses Werk wurde im Auftrag der Concert Band Vlamertinge geschrieben und ist ein Plädoyer an den Frieden: Der Titel bedeutet dann auch ‘Frieden auf Erden’. Dies kommt unter anderem im vokalen Anteil der Ausführenden zum Ausdruck. An verschiedenenStellen des Werkes erklingen, anfangs durcheinander dann zu einem rhythmischen und strukturierten Synchrongesang vereint, die Worte ‘Et In Terra Pax’ wie ein flehendes Gebet für den Frieden.
Ein pentatonisches Thema formt den Anfang dieses Werkes, basierend auf den Noten D, E, G, A, und C, die dem Namen: ‘ConCErtbAnD VlAmErtingE’ und dem Namen des Dirigenten NiCk VAnDEnDriessChe entstammen. Während der orchestralen Klimax, die zu einemersten Klangausbruch führt (ab Takt 62), entsteht eine etwas traurige Melodie. Plötzlich werden dann die Eingangstakte wiederaufgenommen, wenn auch mit einer veränderten Klangfarbe; die Worte ‘Et In Terra Pax’ runden den ersten Teil daraufhin ab. Esfolgt ein unruhiges Allegro, das überraschend durch eine Choralartigen Passage voller Ruhe unterbrochen wird. Eine Sprechstimme liest währenddessen das Gedicht Sonnet des jungen Dichters Charles Hamilton Sorley vor, der im ersten Weltkriegfiel. Es findet für die Grausamkeit und Sinnlosigkeit des Krieges die passenden Worte. Nachdem das Allegro, diesmal mit einigen Ausbreitungen, wiederholt wird, kehrt die weite, beinahe unendliche Atmosphäre des Beginns wieder zurück. Klarinettenspielen zusammen mit einem Englischhorn das pentatonische Eingangsthema ein letztes Mal in ausgebreiteter Fassung, wobei das “Et In Terra Pax’ durch den Rest des Orchesters stets wiederholt wird.Der Komponist hat bewusst auf jegliche Form der Aggression oder bombastischen Vertonung, die in so vielen Werken über den Krieg zu finden ist, vermieden. Dennoch ist die Angst vor Gewalt und Zerstörung vor allem in den Allegro-Passagen deutlich zuhören und zu fühlen. Am Ende macht die anfängliche Spannung jedoch der Hoffnung Platz: Möge die Friedlichkeit auch im täglichen Leben die Grausamkeit verbannen….
SKU: BT.DHP-1196035-070
ISBN 9789043157629.
Henry Mancini’s theme for ‘The Pink Panther’, as heard in the famous films and animated series, is without doubt one of the most famous melodies in the world. This arrangement was made by the renowned German recorder soloist and teacher Ralf Bienioschek for his special 'Ralf Bienioschek Signature Edition’ series. The arrangement is for a standard quartet of Soprano, Alto, Tenor and Great Bass Recorder, with additional parts provided for Bass Recorder and Sub Bass Recorder. Optional parts for Piano, Cajon (set and score) and Electric Guitar (does not appear in score) are also included.Henry Mancini’s thema voor The Pink Panther, zoals te beluisteren in de beroemde films en tekenfilmseries, is zonder twijfel een van de beroemdste melodieën ter wereld. Dit arrangement werd gemaakt door de vooraanstaande Duitse blokfluitsolist en -docent Ralf Bienioschek, voor zijn Ralf Bienioschek Signature Edition-serie. Het is geschreven voor een standaardkwartet van sopraan-, alt-, tenor- en grootbasblokfluit, met aanvullende partijen voor basblokfluit en contrabasblokfluit. Er worden ook optionele partijen voor piano, cajon (set en partituur) en gitaar (staat niet in de partituur) meegeleverd.Henry Mancinis Thema The Pink Panther“ (Der rosarote Panther“) aus den berühmten Filmen und Zeichentrickserien ist ohne Zweifel eine der berühmtesten Melodien der Welt. Dieses Arrangement hat der renommierte deutsche Blockflötist und Lehrer Ralf Bienioschek für seine Reihe Ralf Bienioschek Signature Edition“ erstellt. Das Arrangement ist für ein Standardquartett mit Sopran-, Alt-, Tenor- und Großbassblockflöte gedacht, mit zusätzlichen Stimmen für Bassblockflöte und Subbassblockflöte. Optionale Stimmen für Klavier, Cajon (Stimmen und Partitur) und E-Gitarre (erscheint nicht in der Partitur) sind ebenfalls enthalten.Tel qu’on l’entend dans les célèbres films et dessins animés, le thème de La Panthère Rose, de Henri Mancini, est sans aucun doute l’un des airs les plus connus au monde. Le présent arrangement a été réalisé par Ralf Bienioschek, célèbre soliste et professeur de fl te bec, pour sa série « Ralf Bienioschek Signature Edition ». Il est destiné un quatuor standard de fl tes soprano, alto, ténor et grande basse, des parties supplémentaires étant fournies pour fl tes basse et soubasse. Des parties facultatives pour piano, cajón (partitions individuelles et de direction) et guitare électrique (absente dans la partition de direction) sont également incluses.
SKU: BT.DHP-1074238-030
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
This colourful work is based on the adventures of ChristopherColumbus and his voyages to discover Africa and other newterritories around the World. The theory that the earth wasround urged Columbus to try and reach Asia by sailing west.A truly exotic work that grasps the drive and excitement ofthe world's greatest explorer. Jan de Haan schreef Hispaniola ter gelegenheid van het vijfhonderdste sterfjaar van Christoffel Columbus (1451-1506), die in 1492 Amerika ontdekte. Een van de eerste eilanden die hij aantrof in de Caribische zee noemde hijLa Española - in het Latijn ‘Hispaniola’. Het werk bestaat uit drie aaneengesloten delen. In deel een wordt de voorbereiding van de reis weerspiegeld, steeds afgewisseld door een ontspannen Spaanse sfeer. Het snelle tweede deel beschrijftmet vele ritmische verrassingen de onvoorspelbare zeereis. Als de scheepsbel heeft geklonken, begint het derde deel. Tijdens het breed uitgesponnen thema lijkt de kust uit zee te rijzen, waarna de euforie vanwege de ontdekkingvan het nieuwe land uitmondt in een muzikale climax.La Espagnola - lateinisch Hispaniola - nannte der große Entdecker Kolumbus eine karibische Insel, die seine Flotte auf dem Weg zur neuen Welt“ nach zwei Monaten auf See erreichte. Die drei Sätze von Jan de Haans Komposition beschreiben zunächst die Reisevorbereitungen, dann - temporeich und voll rhythmischer Ãœberraschungen - die gefährliche Seereise und schließlich aufkeimende Freude und Euphorie, als es endlich Land in Sicht“ heißt. Spannung und Abenteuer bis zum letzten Ton!Jan de Haan a composé Hispaniola pour célébrer le 500e anniversaire de la mort de Christophe Colomb (1451-1506). Né en Italie, le jeune Christophe Colomb s’installa Lisbonne. De l , il entreprit ses voyages découverte vers l’Afrique et ailleurs. Adhérent la thèse que la Terre est ronde, il décida de rejoindre l’Asie (Les Indes orientales) en navigant par l’Ouest. En 1492, il embarqua avec une petite flotte battant pavillon espagnol. Après deux mois de navigation, il découvrit les premières îles dans la mer des Cara bes. Persuadé d'avoir atteint l'Asie, Colomb baptisa ces nouvelles terres « Les Indes » et les hommes qui les peuplent « les Indiens ». Étonné par laressemblance de certains paysages avec l'Espagne, il donna le nom d'Española (Petite Espagne) l’une des îles (aujourd’hui Ha ti et la République dominicaine). Ce nom fut ensuite latinisé en Hispaniola.Hispaniola est une œuvre en trois mouvements sans interruption. Le premier mouvement illustre la préparation du voyage. La précision qui caractérise la musique alterne de manière répétitive avec la décontraction d’une atmosphère typiquement espagnole. Le deuxième mouvement d’allure vive est rempli de surprises rythmiques. Nous suivons Colomb dans son long, imprévisible et dangereux périple en mer. Terre en vue !, la cloche du bateau s’ébranle. Nous entrons dans le troisième mouvement. Durant la longue exposition du thème, les côtes semblent s’élever lentement de la mer. Puis vient l’euphorie de la découverte de la nouvelle terre. Finalement, la musique rayonne dans une intensité lumineuse.
SKU: BT.DHP-1074238-130
This colourful work is based on the adventures of Christopher Columbus and his voyages to discover Africa and other new territories around the World. The theory that the earth was round urged Columbus to try and reach Asia by sailing west. A truly exotic work that grasps the drive and excitement of the world’s greatest explorer. Jan de Haan schreef Hispaniola ter gelegenheid van het vijfhonderdste sterfjaar van Christoffel Columbus (1451-1506), die in 1492 Amerika ontdekte. Een van de eerste eilanden die hij aantrof in de Caribische zee noemde hijLa Española - in het Latijn ‘Hispaniola’. Het werk bestaat uit drie aaneengesloten delen. In deel een wordt de voorbereiding van de reis weerspiegeld, steeds afgewisseld door een ontspannen Spaanse sfeer. Het snelle tweede deel beschrijftmet vele ritmische verrassingen de onvoorspelbare zeereis. Als de scheepsbel heeft geklonken, begint het derde deel. Tijdens het breed uitgesponnen thema lijkt de kust uit zee te rijzen, waarna de euforie vanwege de ontdekkingvan het nieuwe land uitmondt in een muzikale climax.La Espagnola - lateinisch Hispaniola - nannte der große Entdecker Kolumbus eine karibische Insel, die seine Flotte auf dem Weg zur neuen Welt“ nach zwei Monaten auf See erreichte. Die drei Sätze von Jan de Haans Komposition beschreiben zunächst die Reisevorbereitungen, dann - temporeich und voll rhythmischer Ãœberraschungen - die gefährliche Seereise und schließlich aufkeimende Freude und Euphorie, als es endlich Land in Sicht“ heißt. Spannung und Abenteuer bis zum letzten Ton!Jan de Haan a composé Hispaniola pour célébrer le 500e anniversaire de la mort de Christophe Colomb (1451-1506). Né en Italie, le jeune Christophe Colomb s’installa Lisbonne. De l , il entreprit ses voyages découverte vers l’Afrique et ailleurs. Adhérent la thèse que la Terre est ronde, il décida de rejoindre l’Asie (Les Indes orientales) en navigant par l’Ouest. En 1492, il embarqua avec une petite flotte battant pavillon espagnol. Après deux mois de navigation, il découvrit les premières îles dans la mer des Cara bes. Persuadé d'avoir atteint l'Asie, Colomb baptisa ces nouvelles terres « Les Indes » et les hommes qui les peuplent « les Indiens ». Étonné par laressemblance de certains paysages avec l'Espagne, il donna le nom d'Española (Petite Espagne) l’une des îles (aujourd’hui Ha ti et la République dominicaine). Ce nom fut ensuite latinisé en Hispaniola.Hispaniola est une œuvre en trois mouvements sans interruption. Le premier mouvement illustre la préparation du voyage. La précision qui caractérise la musique alterne de manière répétitive avec la décontraction d’une atmosphère typiquement espagnole. Le deuxième mouvement d’allure vive est rempli de surprises rythmiques. Nous suivons Colomb dans son long, imprévisible et dangereux périple en mer. Terre en vue !, la cloche du bateau s’ébranle. Nous entrons dans le troisième mouvement. Durant la longue exposition du thème, les côtes semblent s’élever lentement de la mer. Puis vient l’euphorie de la découverte de la nouvelle terre. Finalement, la musique rayonne dans une intensité lumineuse.
SKU: M7.VHR-3903
ISBN 9783940069818.
Das neue Schulwerk verbindet Lieder und Aufgaben in sehr übersichtlicher Form. Viele Liedbeispiele und Liedbegleitungen mit Texten zum Singen erleichtern den Schülern den Zugang zur Musik. Alle Seiten dieses Unterrichtswerkes sind gleich aufgebaut. Das übersichtliche Layout erleichtert Lehrern und Schülern die Orientierung. Der Umfang des Materials ist auf zwei Unterrichtsjahre ausgerichtet.
SKU: BT.DHP-1165729-130
In The Essence of Youth the composer gives an insight into childhood and youth — inspired by his own daughter. The opening of sparking rhythms, dynamic contrasts and changes of time signature paint a vivid picture of the unpredictability of children. The first and second movements recount the love — and also tension and the worries — in the adult-child bond, through dissonant harmonies but also pretty melodies. The fugue-like ending leads to a final splendid chorale: a picture of proud parents with their child! In The Essence of Youth geeft de componist zijn visie op de kindertijd en de jeugd. Zijn eigen dochter vormde hierbij een belangrijke inspiratiebron. De opening staat met opgewekte ritmes, dynamische contrasten en maatsoortwisselingen voor de spontaniteit van kinderen. Het eerste en tweede deel vertellen over de liefde, zorg en toewijding die horen bij een ouder-kindrelatie. Met dissonante harmonieën, maar ook met mooie melodieën weet de componist dit prachtig te verbeelden. Een fuga leidt ten slotte naar een prachtig koraal: de trotse ouders met hun kind verbeeldend. In The Essence of Youth beschreibt der Komponist sein Bild von Kindheit und Jugend - inspiriert von seiner eigenen Tochter. Die Eröffnung steht mit aufgeweckten Rhythmen, dynamischen Kontrasten, Taktartwechseln fu r die Unberechenbarkeit von Kindern. Der erste und zweite Satz erzählen mit dissonanten Harmonien, aber auch mit schönen Melodien von Spannungen, Liebe und Sorge in der Eltern-Kind-Beziehung. Den Schluss bildet eine Fuge, die zu einem prachtvollen Choral fu hrt: ein Bild stolzer Eltern mit ihrem Kind!Cette composition reflète ce que le compositeur considère comme les caractéristiques typiques de la jeunesse : une mélodie éclatante pleine de rythmes vifs, des contrastes dynamiques et des changements de tempi qui se combinent pour symboliser l’énergie débordante des enfants, ainsi que la tension entre parents et enfant. Un passage lyrique exprime l’amour parental par des lignes mélodiques très subtiles. Les notes s’égrènent, le charme opère ! The Essence of Youth è un brano che riflette ciò che il compositore, ispirato da sua figlia, considera come le caratteristiche tipiche della gioventù. Un’ouverture spettacolare nella quale contrasti dinamici e dai ritmi vivaci si susseguono come a simboleggiare la straordinaria energia dei bambini. Il primo movimento, sulla scia dell’introduzione, anticipa una parte di solo che accompagna al secondo movimento, testimonianza dell’amore infinito dei genitori nei confronti dei figli. Una fuga basata sul tema iniziale contraddistingue il terzo movimento che conduce all’apoteosi finale.
SKU: BT.DHP-1084504-070
ISBN 9789043130035. 9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Moonlight Serenade was composed in 1939, by Glenn Miller in his typically American big-band style. It was an immediate success and it even became the signature tune of Glenn Miller. The catchy melody has since been used in various films and television series. It has been performed in many styles, from romantic to swinging. The Flanders Recorder Quartet likes to play this work with a low recorder consort: tenor, F bass, C bass, great bass (each instrument then plays an octave lower). This gives the work a slightly “close harmony†feel. Of course the more usual line-up also does the music justice.Moonlight Serenade is in 1939 gecomponeerd door Glenn Miller in zijn typisch Amerikaanse Bigbandstijl. De aanstekelijke melodie is in verschillende films en televisieseries gebruikt. In Frankrijk is de song populair gewordenonder de titel Dansez maintenant (1975) - in een uitvoering van Dave. Het Flanders Recorder Quartet speelt dii werk graag in laag blokfluitconsort: tenor, F-bas, C-bas, grootbas (elk instrument speelt dan een octaaf lager). Zo ontstaateen lichte close-harmonystijl. De muziek komt in de gebruikelijke bezetting natuurlijk ook uitstekend tot haar recht.Moonlight Serenade wurde 1939 von Glenn Miller in dem ihm eigenen, typisch amerikanischen Big-Band-Stil komponiert. Es wurde schon in vielen Stilen - von romantisch bis Swing - interpretiert. Das Flanders Recorder Quartet aus Belgien, dessen Mitglied und Arrangeur Paul van Loey diese Bearbeitung schrieb, spielt das Stück gerne mit einem tiefen Blockflötenensemble: Tenor-, F-Bass-, C-Bass- und Großbassblockflöte (wobei jedes Instrument eine Oktave tiefer spielt). Dies verleiht dem Werk eine Art Close Harmony“-Gefühl. Aber auch die übliche Besetzung wird der Musik vollkommen gerecht.Glenn Miller (1904-1944) fut l’un des plus grands chefs d’orchestre de swing américains de son temps. Le son mythique du prestigieux Glenn Miller Orchestra mêlant swing, jazz et improvisation est, aujourd’hui encore, célèbre dans le monde entier. Glenn Miller reste pour le public une véritable légende et ses airs les plus célèbres sont dans toutes les mémoires. En 1939, Glenn Miller composa Moonlight Serenade, une pièce dont l’idiome sonore est typique du style Big Band américain. Il présenta sa création pour la première fois sur la face B du disque Sunrise Serenade. Le succès fut immédiat. La mélodie fit l’objet de nombreuses reprises notamment au cinéma et latélévision. Nel 1939, Glenn Miller compose Moonlight Serenade, un brano dal linguaggio sonoro tipico dello stile big band americano. Esistono oggi numerose varianti stilistiche di questo brano. Il quartetto di flauto dolce delle Fiandre privilegia suonarlo con strumenti che si sviluppano nei registri gravi: flauti dolci tenori, basso in Fa, basso in Do e un grande basso. Il brano rivela così una struttura in close harmony. E' anche possibile eseguire il brano con un ensemble strutturato in maniera più tradizionale.
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