SKU: FA.MFCD007PN
8.27 x 11.69 inches.
Debussy's friendship with the versatile poet and playwright Gabriel Mourey began in 1899, and in July 1907 Mourey offered Debussy a libretto based on Le roman de Tristan - Joseph Bedier's adaptation of a twelfth-century Breton romance by the Anglo-Norman poet known as Thomas - which had recently been published in Paris. Debussy enthusiastically outlined the four-act plot to Victor Segalen that October, and the main differences from Wagner's Tristan und Isolde are that none of the action takes place in Cornwall and that Isolde of the White Hands is found guilty of cuckolding King Marc with Tristan, who has to rescue her from the leper colony in which she is abandoned in Act 1. She also betrays him when he goes mad at the end.The idea of a Tristan that restored its 'legendary character' and had no connections with Wagner, appealed to Debussy, who was extremely moved by the circumstances of Tristan's death. Even if he thought that Mourey's poetry was 'not very lyrical and many passages do not exactly invite music', he did work on the libretto and the music that summer and sent his publisher, Jacques Durand, 'one of the 363 themes for the Roman de Tristan' in a letter sent from Pourville on 23 August, 1907. The present prelude grows from this theme, together with the poignant Breton folksong Le Faucon. After a short atmospheric introduction, Debussy's dance-like theme (which is definitely not a leitmotif) gradually gains momentum and after it reaches its ecstatic climax, representing the transient happiness of the lovers, it dissolves into an expressive coda and an elegiac close (all growing from Debussy's opening, off-stage trumpet calls), leaving us with the ultimate tragedy of their ill-fated affair.Unfortunately, Mourey's actual libretto has been lost and the project eventually foundered because Bedier's cousin, Louis Artus, wanted Debussy to use the scenario he had prepared and copyrighted for the stage, and would not allow him to proceed with Mourey's version. Debussy, it need hardly be said, would never have dreamed of collaborating with the author of the vaudeville hit La culotte (The pants)!
SKU: BT.DHP-1115108-010
9x12 inches.
Jacob de Haan begins his arrangement of the well-known hymn Allein Gott in der Höh’ sei Ehr (All Glory Be to God on High) with a quotation from his own Missa Katharina, a mass for choir, soprano, and band. To this melody he sets the Latin text from the last part of the Gloria. The chorale is then heard after an interlude and can, at the director’s discretion, be accompanied by the choir singing in either German or English. A perfect work for church concerts.De bewerking van het bekende koraal Allein Gott in der Höh’ sei Ehr van Jacob de Haan begint met een citaat uit zijn eigen Missa Katharina, een mis voor koor, sopraan en blaasorkest. Daarin maakte de componist de melodiebij de Latijnse tekst uit het laatste deel van Gloria. Na een tussenspel klinkt er een koraal dat net zoals bij het Latijnse deel door het koor kan worden meegezongen. U ontvangt zowel een Duitse als een Engelse tekst.Jacob de Haans Bearbeitung des bekannten Chorals Allein Gott in der Höh’ sei Ehr beginnt mit einem Zitat aus der Missa Katharina von Jacob de Haan, einer Messe für Chor, Sopran und Blasorchester. Darin setzte der Komponist die Melodie zum lateinischen Text aus dem letzten Teil des Gloria. Nach einem Zwischenspiel erklingt der Choral, der genau wie der lateinische Teil nach Belieben vom Chor mitgesungen werden kann. Das Chorset ist unter der Bestellnummer DHP 1115108-050 separat bestellbar.Le choral Allein Gott in der Höh’ sei Ehr se compose d’un cantique de P ques du Xe siècle, du chant grégorien Gloria in excelsis et du Sanctus in festis duplicibus. L’arrangement réalisé par Jacob de Haan, s’ouvre sur un extrait du Gloria de la Missa Katharina (Messe pour choeur, soprano solo et orchestre d’harmonie composée par Jacob de Haan). Après un bref interlude, l’orchestre interprète nouveau le choral qui pourra être augmenté du choeur (sont jointes les versions anglaise et allemande des paroles du choral).Il corale Allein Gott in der Hoh’ sei Ehr si compone di un cantico di Pasqua del X secolo, del canto gregoriano Gloria in Excelsis e del Sanctus in festis duplici bus. L’arrangiamento di Jacob de Haan inizia su di un estratto del Gloria della Missa Katharina (messa per coro, soprano solo e banda composta dallo stesso de Haan). Dopo un breve interludio, l’orchestra interpreta nuovamente il corale al quale si potr aggiungere il coro (le versioni inglesi e tedesche del testo del corale sono incluse).
SKU: BT.DHP-1115108-030
Jacob de Haan begins his arrangement of the well-known hymn Allein Gott in der Höh’ sei Ehr (All Glory Be to God on High) with a quotation from his own Missa Katharina, a mass for choir, soprano, and band. To this melody he sets the Latin text from the last part of the Gloria. The chorale is then heard after an interlude and can, at the director’s discretion, be accompanied by the choir singing in either German or English. A perfect work for church concerts.De bewerking van het bekende koraal Allein Gott in der Höh’ sei Ehr van Jacob de Haan begint met een citaat uit zijn eigen Missa Katharina, een mis voor koor, sopraan en blaasorkest. Daarin maakte de componist de melodiebij de Latijnse tekst uit het laatste deel van Gloria. Na een tussenspel klinkt er een koraal dat net zoals bij het Latijnse deel door het koor kan worden meegezongen. U ontvangt zowel een Duitse als een Engelse tekst.Jacob de Haans Bearbeitung des bekannten Chorals Allein Gott in der Höh’ sei Ehr beginnt mit einem Zitat aus der Missa Katharina von Jacob de Haan, einer Messe für Chor, Sopran und Blasorchester. Darin setzte der Komponist die Melodie zum lateinischen Text aus dem letzten Teil des Gloria. Nach einem Zwischenspiel erklingt der Choral, der genau wie der lateinische Teil nach Belieben vom Chor mitgesungen werden kann. Ein deutscher und englischer Text werden mitgeliefert.Le choral Allein Gott in der Höh’ sei Ehr se compose d’un cantique de P ques du Xe siècle, du chant grégorien Gloria in excelsis et du Sanctus in festis duplicibus. L’arrangement réalisé par Jacob de Haan, s’ouvre sur un extrait du Gloria de la Missa Katharina (Messe pour choeur, soprano solo et orchestre d’harmonie composée par Jacob de Haan). Après un bref interlude, l’orchestre interprète nouveau le choral qui pourra être augmenté du choeur (sont jointes les versions anglaise et allemande des paroles du choral).Il corale Allein Gott in der Hoh’ sei Ehr si compone di un cantico di Pasqua del X secolo, del canto gregoriano Gloria in Excelsis e del Sanctus in festis duplici bus. L’arrangiamento di Jacob de Haan inizia su di un estratto del Gloria della Missa Katharina (messa per coro, soprano solo e banda composta dallo stesso de Haan). Dopo un breve interludio, l’orchestra interpreta nuovamente il corale al quale si potr aggiungere il coro (le versioni inglesi e tedesche del testo del corale sono incluse).
SKU: BT.DHP-1115108-050
Jacob de Haan begins his arrangement of the well-known hymn Allein Gott in der Höh’ sei Ehr (All Glory Be to God on High) with a quotation from his own Missa Katharina, a mass for choir, soprano, and band. To this melody he sets the Latin text from the last part of the Gloria. The chorale is then heard after an interlude and can, at the director’s discretion, be accompanied by the choir singing in either German or English. A perfect work for church concerts.De bewerking van het bekende koraal Allein Gott in der Höh’ sei Ehr van Jacob de Haan begint met een citaat uit zijn eigen Missa Katharina, een mis voor koor, sopraan en blaasorkest. Daarin maakte de componist de melodiebij de Latijnse tekst uit het laatste deel van Gloria. Na een tussenspel klinkt er een koraal dat net zoals bij het Latijnse deel door het koor kan worden meegezongen. U ontvangt zowel een Duitse als een Engelse tekst.Jacob de Haans Bearbeitung des bekannten Chorals Allein Gott in der Höh’ sei Ehr beginnt mit einem Zitat aus der Missa Katharina von Jacob de Haan, einer Messe für Chor, Sopran und Blasorchester. Darin setzte der Komponist die Melodie zum lateinischen Text aus dem letzten Teil des Gloria. Nach einem Zwischenspiel erklingt der Choral, der genau wie der lateinische Teil nach Belieben vom Chor mitgesungen werden kann. Le choral Allein Gott in der Höh’ sei Ehr se compose d’un cantique de P ques du Xe siècle, du chant grégorien Gloria in excelsis et du Sanctus in festis duplicibus. L’arrangement réalisé par Jacob de Haan, s’ouvre sur un extrait du Gloria de la Missa Katharina (Messe pour choeur, soprano solo et orchestre d’harmonie composée par Jacob de Haan). Après un bref interlude, l’orchestre interprète nouveau le choral qui pourra être augmenté du choeur (sont jointes les versions anglaise et allemande des paroles du choral).Il corale Allein Gott in der Hoh’ sei Ehr si compone di un cantico di Pasqua del X secolo, del canto gregoriano Gloria in Excelsis e del Sanctus in festis duplici bus. L’arrangiamento di Jacob de Haan inizia su di un estratto del Gloria della Missa Katharina (messa per coro, soprano solo e banda composta dallo stesso de Haan). Dopo un breve interludio, l’orchestra interpreta nuovamente il corale al quale si potr aggiungere il coro (le versioni inglesi e tedesche del testo del corale sono incluse).
SKU: HL.49023822
ISBN 9783795756505. 5.75x8.25x0.14 inches. German.
Der Liederkarren greift auf, was uberall gesungen wird: die beliebtesten Melodien der Jugendgruppen und Schulklassen, die popularsten Songs vieler Musikgruppen und Gitarrenkurse, die bekanntesten Lieder der Burgerinitiativen und anderer engagierter Gruppen und Liedermacher.
SKU: BT.CMP-1119-07-140
9x12 inches. English.
Joyous and uplifting, youâ??ll find this Fanfare Prelude to be an excellent way to open your winter concert. This uplifting treatment of one of the all -time great carols O Come, All Ye Faithful is certain to command the audienceâ??s attention from start to finish. Robust Brasses and ebullient Woodwinds rise above the majestic Percussion to make a bold and grand statement that you are sure to remember for a long time to come. Thrilling! Eine wahrhaft Freude bringende Fanfare, die sich ausgezeichnet als Eröffnungsstück eines (vor-) weihnachtlichen Konzertes eignet. Diese bewegende Bearbeitung eines der schönsten traditionellen Weihnachtslieder Herbei, all ihr Gläubigen wird Ihr Publikum von der ersten bis zur letzten Note fesseln. Solide Blechbläser und überschwängliche Holzbläser erheben sich über majestätische Schlagzeugklänge formen zusammen ein groÃ?artiges, aussagekräftiges Werk, das mit Sicherheit nicht so bald vergessen wird.Lâ??origine du cantique Adeste Fideles [Adeste Fidelis] reste un mystère. On mentionne divers noms de poètes. Dâ??aucuns soutiennent quâ??il sâ??agit dâ??un noël ancien inspiré dâ??une danse autour de la crèche. On pense également que Saint François dâ??Assise sâ??en serait servi pour sa crèche vivante. Dâ??autres attribuent son origine Saint Bonaventure. Quoiquâ??il en soit, il est communément reconnu que les strophes ont été écrites ou découvertes par lâ??Anglais John Francis Wade. Adeste Fidelis (Ã? peuple fidèle) est un des plus célèbres cantiques de Noël.
SKU: BT.CMP-1119-07-010
Joyous and uplifting, you?ll find this Fanfare Prelude to be an excellent way to open your winter concert. This uplifting treatment of one of the all -time great carolsO Come, All Ye Faithful is certain to command the audience?s attention from start to finish. Robust Brasses and ebullient Woodwinds rise above the majestic Percussion to make a bold and grand statement that you are sure to remember for a long time to come. Thrilling! Adeste Fidelis, de melodie die beter bekend is onder de Engelse titel O Come, All Ye Faithful of de Nederlandse titel Komt allen tezamen, is een buitengewoon geliefd kerstlied. Deze versie voor harmonieorkestis gemaakt naar een pianoarrangement dat werd geschreven door de moeder van de arrangeur en zijn vroegere muziekdocente Arlene Johnson. Een herkenbaar openingswerk voor uw kerstconcert!Eine wahrhaft Freude bringende Fanfare, die sich ausgezeichnet als Eröffnungsstück eines (vor-) weihnachtlichen Konzertes eignet. Diese bewegende Bearbeitung eines der schönsten traditionellen Weihnachtslieder Herbei, oh ihr Gläubigen wird Ihr Publikum von der ersten bis zur letzten Note fesseln. Solide Blechbläser und überschwängliche Holzbläser erheben sich über majestätische Schlagzeugklänge formen zusammen ein großartiges, aussagekräftiges Werk, das mit Sicherheit nicht so bald vergessen wird.L’origine du cantique Adeste Fideles [Adeste Fidelis] reste un mystère. On mentionne divers noms de poètes. D’aucuns soutiennent qu’il s’agit d’un noël ancien inspiré d’une danse autour de la crèche. On pense également que Saint François d’Assise s’en serait servi pour sa crèche vivante. D’autres attribuent son origine Saint Bonaventure. Quoiqu’il en soit, il est communément reconnu que les strophes ont été écrites ou découvertes par l’Anglais John Francis Wade. Adeste Fidelis (Ô peuple fidèle) est un des plus célèbres cantiques de Noël.
SKU: BT.CMP-0749-03-040
This three movement work, modeled on his earlier work Rhapsody for Brass, develops from and mirrors the earlier work, but with more modern tonal outlines and original melodic material. The first movement opens with several fanfare-like figures, which recur at various times in different instrumental combinations. With development, this music takes on a carnival-like atmosphere before concluding with an upward flourish. The second movement commences quietly with a slower theme shared by several solo instruments and develops into an extended study on The Water is Wide, a folk song which seems to have its beginnings in the United Kingdom as O Waley, Waley. Thethird movement reverts to the rhapsodic format with a lively theme marked ‘in a playful manner’. This substantial work is a gem in the concert band repertoire. Dit werk is opgedragen aan wijlen Sir Dean Goffin en in grote lijnen gevormd naar de structuur van diens Rhapsody in Brass. Het eerste deel opent met fanfareachtige motieven, die terugkeren in verschillende instrumentgroepen.Deel twee begint met een langzaam thema dat in diverse solo-instrumenten naar voren komt. De muziek ontwikkelt zich hier tot een etude over het Amerikaanse lied The Water is Wide. In het levendige derde deel gebruikte Bulla,refererend aan Goffin’s afkomst, het Maori-lied Shout the Sound. Na een majestueuze herhaling van de opening van het deel wordt het werk afgesloten met een presentatie van technisch kunnen.In drei unterschiedlichen Sätzen entwickelt dieses Werk die Rhapsody in Brass von Sir Dean Goffin weiter, dem die Symphonette auch gewidmet wurde. Fanfare ähnliche Figuren eröffnen den ersten Satz, der dann eine ausgelassene Stimmung entfaltet. Im zweiten Satz wird ein langsameres Thema von verschiedenen Soloinstrumenten präsentiert. Er entwickelt sich zu einer Studie über ein altes englisches Volkslied. Im letzten, rhapsodischen Satz folgte Bulla Goffins Wurzeln, indem er ein Lied der Maori aus Neuseeland verarbeitete. Ein grandioses Werk, das viele einzelne Facetten Ihres Blasorchesters, aber auch dessen Können als Ensemble beleuchtet.Symphonette possède des contours tonaux modernes et des mélodies originales. La richesse orchestrale des trois mouvements s’inscrit dans la suite de la délicieuse Rhapsody for Brass de Sir Dean Goffi n, qui cette composition est dédiée.
SKU: BT.CMP-1119-07-040
Joyous and uplifting, you’ll find this Fanfare Prelude to be an excellent way to open your winter concert. This uplifting treatment of one of the all -time great carols O Come, All Ye Faithful is certain to command the audience’s attention from start to finish. Robust Brasses and ebullient Woodwinds rise above the majestic Percussion to make a bold and grand statement that you are sure to remember for a long time to come. Thrilling! Eine wahrhaft Freude bringende Fanfare, die sich ausgezeichnet als Eröffnungsstück eines (vor-) weihnachtlichen Konzertes eignet. Diese bewegende Bearbeitung eines der schönsten traditionellen Weihnachtslieder Herbei, all ihr Gläubigen wird Ihr Publikum von der ersten bis zur letzten Note fesseln. Solide Blechbläser und überschwängliche Holzbläser erheben sich über majestätische Schlagzeugklänge formen zusammen ein großartiges, aussagekräftiges Werk, das mit Sicherheit nicht so bald vergessen wird.L’origine du cantique Adeste Fideles [Adeste Fidelis] reste un mystère. On mentionne divers noms de poètes. D’aucuns soutiennent qu’il s’agit d’un noël ancien inspiré d’une danse autour de la crèche. On pense également que Saint François d’Assise s’en serait servi pour sa crèche vivante. D’autres attribuent son origine Saint Bonaventure. Quoiqu’il en soit, il est communément reconnu que les strophes ont été écrites ou découvertes par l’Anglais John Francis Wade. Adeste Fidelis (Ô peuple fidèle) est un des plus célèbres cantiques de Noël.
SKU: BT.DHP-1115108-130
SKU: BT.DHP-1115108-140
SKU: BP.HB656
Written for 4 to 7 octave handbell choir. Level 5. Karen Lakey Buckwalter's masterful original composition is infused with lush, chromatic chords throughout. A yearning and haunting melody passes on to moving eighth note triplet arpeggios which propel the piece forward. The original melody then returns in a more complex and fleshed-out form, before more triplets once more push the piece ahead. A final section marked With Fire! drives the piece to its final, resounding conclusion. A true tour de force suitable for any ensemble looking for a musical challenge.
SKU: HL.49046544
ISBN 9781705122655. UPC: 842819108726. 9.0x12.0x0.224 inches.
I composed the Piano Concerto in two stages: the first three movements during the years 1985-86, the next two in 1987, the final autograph of the last movement was ready by January, 1988. The concerto is dedicated to the American conductor Mario di Bonaventura. The markings of the movements are the following: 1. Vivace molto ritmico e preciso 2. Lento e deserto 3. Vivace cantabile 4. Allegro risoluto 5. Presto luminoso.The first performance of the three-movement Concerto was on October 23rd, 1986 in Graz. Mario di Bonaventura conducted while his brother, Anthony di Bonaventura, was the soloist. Two days later the performance was repeated in the Vienna Konzerthaus. After hearing the work twice, I came to the conclusion that the third movement is not an adequate finale; my feeling of form demanded continuation, a supplement. That led to the composing of the next two movements. The premiere of the whole cycle took place on February 29th, 1988, in the Vienna Konzerthaus with the same conductor and the same pianist. The orchestra consisted of the following: flute, oboe, clarinet, bassoon, horn, trumpet, tenor trombone, percussion and strings. The flautist also plays the piccoIo, the clarinetist, the alto ocarina. The percussion is made up of diverse instruments, which one musician-virtuoso can play. It is more practical, however, if two or three musicians share the instruments. Besides traditional instruments the percussion part calls also for two simple wind instruments: the swanee whistle and the harmonica. The string instrument parts (two violins, viola, cello and doubles bass) can be performed soloistic since they do not contain divisi. For balance, however, the ensemble playing is recommended, for example 6-8 first violins, 6-8 second, 4-6 violas, 4-6 cellos, 3-4 double basses. In the Piano Concerto I realized new concepts of harmony and rhythm. The first movement is entirely written in bimetry: simultaneously 12/8 and 4/4 (8/8). This relates to the known triplet on a doule relation and in itself is nothing new. Because, however, I articulate 12 triola and 8 duola pulses, an entangled, up till now unheard kind of polymetry is created. The rhythm is additionally complicated because of asymmetric groupings inside two speed layers, which means accents are asymmetrically distributed. These groups, as in the talea technique, have a fixed, continuously repeating rhythmic structures of varying lengths in speed layers of 12/8 and 4/4. This means that the repeating pattern in the 12/8 level and the pattern in the 4/4 level do not coincide and continuously give a kaleidoscope of renewing combinations. In our perception we quickly resign from following particular rhythmical successions and that what is going on in time appears for us as something static, resting. This music, if it is played properly, in the right tempo and with the right accents inside particular layers, after a certain time 'rises, as it were, as a plane after taking off: the rhythmic action, too complex to be able to follow in detail, begins flying. This diffusion of individual structures into a different global structure is one of my basic compositional concepts: from the end of the fifties, from the orchestral works Apparitions and Atmospheres I continuously have been looking for new ways of resolving this basic question. The harmony of the first movement is based on mixtures, hence on the parallel leading of voices. This technique is used here in a rather simple form; later in the fourth movement it will be considerably developed. The second movement (the only slow one amongst five movements) also has a talea type of structure, it is however much simpler rhythmically, because it contains only one speed layer. The melody is consisted in the development of a rigorous interval mode in which two minor seconds and one major second alternate therefore nine notes inside an octave. This mode is transposed into different degrees and it also determines the harmony of the movement; however, in closing episode in the piano part there is a combination of diatonics (white keys) and pentatonics (black keys) led in brilliant, sparkling quasimixtures, while the orchestra continues to play in the nine tone mode. In this movement I used isolated sounds and extreme registers (piccolo in a very low register, bassoon in a very high register, canons played by the swanee whistle, the alto ocarina and brass with a harmon-mute' damper, cutting sound combinations of the piccolo, clarinet and oboe in an extremely high register, also alternating of a whistle-siren and xylophone). The third movement also has one speed layer and because of this it appears as simpler than the first, but actually the rhythm is very complicated in a different way here. Above the uninterrupted, fast and regular basic pulse, thanks to the asymmetric distribution of accents, different types of hemiolas and inherent melodical patterns appear (the term was coined by Gerhard Kubik in relation to central African music). If this movement is played with the adequate speed and with very clear accentuation, illusory rhythmic-melodical figures appear. These figures are not played directly; they do not appear in the score, but exist only in our perception as a result of co-operation of different voices. Already earlier I had experimented with illusory rhythmics, namely in Poeme symphonique for 100 metronomes (1962), in Continuum for harpsichord (1968), in Monument for two pianos (1976), and especially in the first and sixth piano etude Desordre and Automne a Varsovie (1985). The third movement of the Piano Concerto is up to now the clearest example of illusory rhythmics and illusory melody. In intervallic and chordal structure this movement is based on alternation, and also inter-relation of various modal and quasi-equidistant harmony spaces. The tempered twelve-part division of the octave allows for diatonical and other modal interval successions, which are not equidistant, but are based on the alternation of major and minor seconds in different groups. The tempered system also allows for the use of the anhemitonic pentatonic scale (the black keys of the piano). From equidistant scales, therefore interval formations which are based on the division of an octave in equal distances, the twelve-tone tempered system allows only chromatics (only minor seconds) and the six-tone scale (the whole-tone: only major seconds). Moreover, the division of the octave into four parts only minor thirds) and three parts (three major thirds) is possible. In several music cultures different equidistant divisions of an octave are accepted, for example, in the Javanese slendro into five parts, in Melanesia into seven parts, popular also in southeastern Asia, and apart from this, in southern Africa. This does not mean an exact equidistance: there is a certain tolerance for the inaccurateness of the interval tuning. These exotic for us, Europeans, harmony and melody have attracted me for several years. However I did not want to re-tune the piano (microtone deviations appear in the concerto only in a few places in the horn and trombone parts led in natural tones). After the period of experimenting, I got to pseudo- or quasiequidistant intervals, which is neither whole-tone nor chromatic: in the twelve-tone system, two whole-tone scales are possible, shifted a minor second apart from each other. Therefore, I connect these two scales (or sound resources), and for example, places occur where the melodies and figurations in the piano part are created from both whole tone scales; in one band one six-tone sound resource is utilized, and in the other hand, the complementary. In this way whole-tonality and chromaticism mutually reduce themselves: a type of deformed equidistancism is formed, strangely brilliant and at the same time slanting; illusory harmony, indeed being created inside the tempered twelve-tone system, but in sound quality not belonging to it anymore. The appearance of such slantedequidistant harmony fields alternating with modal fields and based on chords built on fifths (mainly in the piano part), complemented with mixtures built on fifths in the orchestra, gives this movement an individual, soft-metallic colour (a metallic sound resulting from harmonics). The fourth movement was meant to be the central movement of the Concerto. Its melodc-rhythmic elements (embryos or fragments of motives) in themselves are simple. The movement also begins simply, with a succession of overlapping of these elements in the mixture type structures. Also here a kaleidoscope is created, due to a limited number of these elements - of these pebbles in the kaleidoscope - which continuously return in augmentations and diminutions. Step by step, however, so that in the beginning we cannot hear it, a compiled rhythmic organization of the talea type gradually comes into daylight, based on the simultaneity of two mutually shifted to each other speed layers (also triplet and duoles, however, with different asymmetric structures than in the first movement). While longer rests are gradually filled in with motive fragments, we slowly come to the conclusion that we have found ourselves inside a rhythmic-melodical whirl: without change in tempo, only through increasing the density of the musical events, a rotation is created in the stream of successive and compiled, augmented and diminished motive fragments, and increasing the density suggests acceleration. Thanks to the periodical structure of the composition, always new but however of the same (all the motivic cells are similar to earlier ones but none of them are exactly repeated; the general structure is therefore self-similar), an impression is created of a gigantic, indissoluble network. Also, rhythmic structures at first hidden gradually begin to emerge, two independent speed layers with their various internal accentuations. This great, self-similar whirl in a very indirect way relates to musical associations, which came to my mind while watching the graphic projection of the mathematical sets of Julia and of Mandelbrot made with the help of a computer. I saw these wonderful pictures of fractal creations, made by scientists from Brema, Peitgen and Richter, for the first time in 1984. From that time they have played a great role in my musical concepts. This does not mean, however, that composing the fourth movement I used mathematical methods or iterative calculus; indeed, I did use constructions which, however, are not based on mathematical thinking, but are rather craftman's constructions (in this respect, my attitude towards mathematics is similar to that of the graphic artist Maurits Escher). I am concerned rather with intuitional, poetic, synesthetic correspondence, not on the scientific, but on the poetic level of thinking. The fifth, very short Presto movement is harmonically very simple, but all the more complicated in its rhythmic structure: it is based on the further development of ''inherent patterns of the third movement. The quasi-equidistance system dominates harmonically and melodically in this movement, as in the third, alternating with harmonic fields, which are based on the division of the chromatic whole into diatonics and anhemitonic pentatonics. Polyrhythms and harmonic mixtures reach their greatest density, and at the same time this movement is strikingly light, enlightened with very bright colours: at first it seems chaotic, but after listening to it for a few times it is easy to grasp its content: many autonomous but self-similar figures which crossing themselves. I present my artistic credo in the Piano Concerto: I demonstrate my independence from criteria of the traditional avantgarde, as well as the fashionable postmodernism. Musical illusions which I consider to be also so important are not a goal in itself for me, but a foundation for my aesthetical attitude. I prefer musical forms which have a more object-like than processual character. Music as frozen time, as an object in imaginary space evoked by music in our imagination, as a creation which really develops in time, but in imagination it exists simultaneously in all its moments. The spell of time, the enduring its passing by, closing it in a moment of the present is my main intention as a composer. (Gyorgy Ligeti).
SKU: AP.1-ADV8320
ISBN 9783892211105. UPC: 805095083200. English.
This compilation of 16 duets is based on the 12-bar blues, one of the cornerstones of modern North American popular music. The duets feature grooves and riffs characteristic of different styles so players become familiar with the most essential vocabulary of jazz, swing, rock, funk, boogie and related genres. Titles: Introduction * Riffline * Typewriter Blues * Junior's Blues * Boogie Stop Blues * Pete's Party * Bean's Blues * Conservatory Blues * Funk in an Empty Bar * Half Step Blues * Triplet Blues * Ben's Groove * Lazy Town Blues * 50 Seconds Blues * Modus Apholodus * Mayor's Minor Blues * Shiftin' And Driftin'.
SKU: BT.DHP-1012559-130
Albion ist neben Excalibur und Stonehenge das dritte große Werk für Brass Band, bei dem sich Jan van der Roost durch das englische Mittelalter inspirieren ließ. Obgleich sie nicht auf einer konkreten Geschichte beruht sind die erzählerischen Momente in dieser Sinfonischen Dichtung nicht zu übersehen. Der Anfang gibt einen Einduck von der Eroberung Albions (Albion ist der erste überlieferte Name der britischen Insel); der Zuhörer taucht dabei in die Zeit von König Artus und seinen legendären Rittern der Tafelrunde ein.Après Excalibur et Stonehenge, Albion est la troisième œuvre majeure pour Brass Band de Jan Van der Roost inspirée par l’Angleterre du Moyen ge. Bien que l’œuvre ne soit pas construite autour d’une histoire précise, ce poème symphonique a toute l’ampleur d’une épopée. L’ouverture de l’œuvre semble dépeindre la conquête d’Albion (premier nom connu de l’Angleterre), transportant l’auditeur l’époque du roi Arthur et de ses légendaires chevaliers de la Table Ronde. Trois groupes de cornets dispersés au sein de la formation et trois tambours différents reflètent, en autant de tonalités et de tempos, les périodes de guerre qui plongent l’Angleterredu début du Moyen ge dans la tourmente. Des accords sombres et majestueux, exposés dans le registre grave, créent un contraste et donnent au son d’ensemble un caractère trouble et confus. Lorsque les tambours se retrouvent dans un même rythme, l’ensemble de la formation interprète pour la première fois l’unisson le Thème d’Albion.Un allegro energico plein d’agitation apporte soudainement plus d’élan et de dynamisme. Des thèmes virtuoses et guerriers se succèdent, donnant au passage un caractère tumultueux. Cette suite de thèmes se conclut également avec le Thème d’Albion, soutenu cette fois-ci par une structure harmonique plus complexe. S’ensuit un passage intermédiaire calme et serein, permettant plusieurs solistes d’exploiter et de révéler leurs qualités musicales. Après tout, Albion n’a pas connu que des périodes de troubles et de misère. Et le roi Arthur n’est-il pas considéré comme celui qui a apporté paix et stabilité au pays ? Cette lente succession de fragments en solo progresse avec une fluidité presque évidente vers un passage où l’orchestre interprète en chœur les accords majestueux des mesures d’ouverture de l’œuvre. Le Brass Band sonne comme un orgue et le Thème d’Albion vient tout naturellement conclure cette oasis de paix retrouvée. Dans le finale impressionnant, plusieurs éléments thématiques.
SKU: BU.EBR-A029
ISBN 9790560150994. 8.58 x 12.48 inches.
La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d’œuvres classiques, allant de la Renaissance à l’époque moderne.Proposer tout à la fois des « incontournables » du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d’une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l’unité, a fait l’objet d’un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l’établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces œuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d’ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.Claude Debussy compose ses deux arabesques en 1888. Ces compositions font parties de la première période de son développement de l’écriture pianistique. L’avenir d’un nouveau langage se révèle dans ces pièces, par l’usage d’une conception moderne de la courbe mélodique, harmoniquement immobile. Cette conception caractérise la substance principale de l’idée d’une arabesque, si chère à Debussy.L’arabesque n°1 revendique une forme ternaire de même que l’arabesque n°2. La première arabesque en mi majeur comporte des triolets déliés qui semblent suggérer l’évolution de son langage musical dans le traitement des arpèges et dans la facilité d’utiliser les modulations.Dès son entrée dans le répertoire, la pièce prit une place constante dans la musique vivante. D’après Léon Vallas, sa « souplesse fait songer à la brillante légèreté des ballets de Delibes ». Alfred Hitchkook nous fait entendre l’arabesque n°1 dans la scène du dîner dans le film « Les oiseaux ».La première arabesque est à l’égal d’une pièce littéraire. Cette pièce exprime à demi teinte une ardeur raffinée et réservée des sens, comme un tableau impressionniste.Amateurs de peintures de Seurat ou de Monnet, l’Arabesque n°1 vous fera découvrir l’univers à demi mot du premier grand musicien impressionniste qu’est Claude Debussy.
SKU: BT.DHP-1012559-030
Albion was commissioned by the Swiss Brass Band Federation as the test piece for the National Brass Band Championships of England, Belgium, The Netherlands, and Switzerland in 2001, and for Norway in 2002. The composition is dedicated to Markus Bach.Albion, along with Excalibur and Stonehenge, is the third major piece for brass band in which Jan Van der Roost took his inspiration from the British Middle Ages. Although the work is not based on an actual story there are unmistakable epic elements found in this symphonic poem. The piece paints a picture of the conquest of Albion (the earliest known name of the British Island), in which the listener is taken back to the timeof King Arthur and his legendary Knights of the Round Table. Albion ist neben Excalibur und Stonehenge das dritte große Werk für Brass Band, bei dem sich Jan van der Roost durch das englische Mittelalter inspirieren ließ. Obgleich sie nicht auf einer konkreten Geschichte beruht sind die erzählerischen Momente in dieser Sinfonischen Dichtung nicht zu übersehen. Der Anfang gibt einen Einduck von der Eroberung Albions (Albion ist der erste überlieferte Name der britischen Insel); der Zuhörer taucht dabei in die Zeit von König Artus und seinen legendären Rittern der Tafelrunde ein.Après Excalibur et Stonehenge, Albion est la troisième œuvre majeure pour Brass Band de Jan Van der Roost inspirée par l’Angleterre du Moyen ge. Bien que l’œuvre ne soit pas construite autour d’une histoire précise, ce poème symphonique a toute l’ampleur d’une épopée. L’ouverture de l’œuvre semble dépeindre la conquête d’Albion (premier nom connu de l’Angleterre), transportant l’auditeur l’époque du roi Arthur et de ses légendaires chevaliers de la Table Ronde. Trois groupes de cornets dispersés au sein de la formation et trois tambours différents reflètent, en autant de tonalités et de tempos, les périodes de guerre qui plongent l’Angleterredu début du Moyen ge dans la tourmente. Des accords sombres et majestueux, exposés dans le registre grave, créent un contraste et donnent au son d’ensemble un caractère trouble et confus. Lorsque les tambours se retrouvent dans un même rythme, l’ensemble de la formation interprète pour la première fois l’unisson le Thème d’Albion.Un allegro energico plein d’agitation apporte soudainement plus d’élan et de dynamisme. Des thèmes virtuoses et guerriers se succèdent, donnant au passage un caractère tumultueux. Cette suite de thèmes se conclut également avec le Thème d’Albion, soutenu cette fois-ci par une structure harmonique plus complexe. S’ensuit un passage intermédiaire calme et serein, permettant plusieurs solistes d’exploiter et de révéler leurs qualités musicales. Après tout, Albion n’a pas connu que des périodes de troubles et de misère. Et le roi Arthur n’est-il pas considéré comme celui qui a apporté paix et stabilité au pays ? Cette lente succession de fragments en solo progresse avec une fluidité presque évidente vers un passage où l’orchestre interprète en chœur les accords majestueux des mesures d’ouverture de l’œuvre. Le Brass Band sonne comme un orgue et le Thème d’Albion vient tout naturellement conclure cette oasis de paix retrouvée. Dans le finale impressionnant, plusieurs éléments thématiques.
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