SKU: M7.VOGG-304
ISBN 9783802403040. German.
Im wahrsten Sinne des Wortes 'kinderleicht' vermittelt Peter Bursch mit diesem speziell für Kinder konzipierten Gitarrenbuch die wichtigsten Grundlagen des Gitarrenspiels. Der Verzicht auf das Notenlesen, die spielerische Umsetzung des Lehrstoffes und nicht zuletzt die schöne Liedauswahl zeichnen Peter Bursch's Kinder-Gitarrenbuch aus und sorgen für viel Spaß! Die beiliegende Mitspiel-CD begleitet die kleinen Gitarristen in einem anfängergerechten Tempo, so dass bereits nach kurzer Zeit das erste Lied gespielt werden kann. Peter Bursch setzt dabei auf schnelle Lernerfolge, damit die Motivation erhalten bleibt. Für alle, die gerne mit Kindern musizieren wollen!
SKU: HL.44007159
ISBN 9789043127486. UPC: 884088194017. 8.75x11.75 inches. English-German-French-Dutch.
Strings of Colour contains pieces for the somewhat advanced acoustic guitar player, in which, among other things, the frequent use of loose strings in position (campanella effect) provides a rich, colourful sound, as you can hear on the demo CD! Strings of Colour bevat goed speelbare stukken voor de enigszins gevorderde gitarist waarin - onder meer - het veelvuldige gebruik van open snaren in positie (het campanella-effect) zorgt voor een volle, kleurrijke sound, zoalsop de bijgevoegde demo-cd te horenis!Strings of Colour umfasst zwolf Stucke fur den massig fortgeschrittenen Gitarristen, die unter anderem Techniken und Effekte wie z.B. Hammer-on, Pull-off und Flageoletttone enthalten. Das haufige Mitklingen lassen von offenen Saiten im Lagenspiel (der so genannte Campanella-Effekt) verleiht dem Gitarrenspiel Tiefe und einen besonderen Reiz, der auf der beiliegenden Demo-CD gut zur Geltung kommt. Strings of Colour e una raccolta di brani per la chitarra acustica. I pezzi permettono di esercitare varie tecniche della chitarra e l'esecuzione in posizioni aperte (effetto campanella), ideale per dare piu profondita alle vostre dinamiche.
SKU: BR.DV-32094
ISBN 9790200426397. 9 x 12 inches.
Die vorliegende Ausgabe beinhaltet eine Vielzahl verhaltnismassig leicht spielbarer Stucke - uberwiegend Lieder und Tanze - und wendet sich daher besonders an Spieler, die ihr technisches Konnen noch weiter vervollkommnen mochten, aber schon Freude und Interesse an der Wiederbelebung alter Musik haben. Die Kompositionen und Bearbeitungen fur Lauten- und Gitarreninstrumente wurden bis gegen Ende des 18. Jahrhunderts in einer Griffzeichenschrift - der Tabulatur - aufgezeichnet. Diese Griffnotation ist in verschiedenen Arten, auf Buchstaben oder Zahlen bzw. auf Buchstaben und Zahlen basierend, uberliefert. Man unterscheidet deutsche, italienische, spanische und franzosische Tabulaturen. Sie bestanden lange Zeit nebeneinander, wobei sich schliesslich die franzosische Tabulatur, der ein Liniensystem (fur die Saiten), auf dem die Bunde durch Buchstaben gekennzeichnet wurden, zugrunde lag, als die praktischste erwies. Um die in diesen verschiedenen Griffzeichenschriften niedergeschriebenen Kompositionen allgemein zuganglich zu machen, ist es zweckmassig, sie in die heute gultige Notenschrift umzusetzen. Da aber die Tabulaturdrucke und -manuskripte leider oft sehr fehlerhaft und unvollstandig sind, verlangt die Ubertragung grosse Sachkenntnis; zuweilen ist die Auslese an wirklich guter Musik im Verhaltnis zur aufgewendeten Zeit recht gering. Um aber dem Anliegen, moglichst viele qualitatsvolle und dennoch auf der Gitarre leicht spielbare Kompositionen vorzulegen, gerecht zu werden, sind in die Sammlung neben Ubertragungen aus Tabulaturen fur Gitarre auch solche aus Tabulaturen fur Calichon, Mandora und Renaissancelaute aufgenommen worden. Von einem grossen Teil der Stucke sind die Komponisten unbekannt, da sie in den Quellen nicht genannt werden - eine Erscheinung, die in fast allen Tabulaturen zu beobachten ist. Die alteste uns bekannte Gitarrenmusik (Anfang des 16. Jahrhunderts) stammt aus Uberlieferungen fur die viersaitige (doppelchorig) spanische Gitarre. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts wurde die Gitarre funfsaitig (doppelchorig) und erst etwa 200 Jahre spater erhielt sie die sechste Saite - jedoch einchorig - und hat sich so bis heute erhalten. Die Stimmung von Calichon und Mandora war die gleiche wie die der Gitarre, allerdings waren sie bereits seit der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert sechssaitig. Es ist durchaus legitim, die fur Calichon und Mandora uberlieferten Kompositionen auf der Gitarre zum Klingen zu bringen -dies um so mehr, da kaum mit der Wiedererweckung und Verbreitung der beiden Instrumente zu rechnen ist. Anders verhalt es sich mit der Renaissancelaute, die heute wieder haufiger gespielt wird. Sie hat die gleichen Saitenintervalle (Quarten und Terz) wie die Gitarre, lediglich dass das Terzintervall zwischen der dritten und vierten Saite liegt. Im Interesse der weitaus grosseren Zahl von Gitarrespielern wurden fur die vorliegende Sammlung nur solche Stucke ausgewahlt, die auf der Gitarre bequem zu greifen sind. Dem Lautenspieler werden sie infolge ihres geringen Schwierigkeitsgrades ebenfalls sehr willkommen sein. Den im Quellenverzeichnis genannten Bibliotheken, in denen ich zum Teil schon vor mehr als 50 Jahren begonnen habe, alte Lauten- und Gitarrentabulaturen fur diese und andere Ausgaben zu sichten und zu sammeln, sei bestens fur die Uberlassung von Handschriften, Drucken und Filmen zur Ubertragung oder zum Vergleich gedankt. Die Wiedergabe der Stucke folgt so weit wie moglich den Originalquellen, lediglich offensichtliche Fehler wurden stillschweigend korrigiert. Adalbert Quadt, Berlin, im Fruhjahr 1985.
SKU: M7.VOGG-347
ISBN 9783802403477. German.
Für alle Gitarristen, die ausgetretene Solo-Pfade verlassen und neue kreative Möglichkeiten entdecken wollen: neue Methoden zur Entwicklung eines eigenständigen Solostils für Anfänger und Profis. Dieses Buch ermöglicht jedem Gitarristen die konsequente Entwicklung einer eigenen 'Stimme'. Dabei spielen theoretische Grundlagen wie die Kenntnis der wichtigsten Skalen und Modi eine ebenso große Rolle wie kreative Ideen für die musikalische Praxis. Mit Tipps zu Motivbildung, Stimmführung, Phrasierung, Spezial-Effekten, Akkordstrukturen und Arpeggien, traditionellen und exotischen Skalen kann sich jeder Gitarrist individuell weiterentwickeln. Mit einem eigenen Abschnitt über das oft vernachlässigte Thema 'Musikbusiness' und zahlreichen Praxis-Tipps.
SKU: PR.16500103F
ISBN 9781491131763. UPC: 680160680290.
Ever since the success of my series of wind ensemble works Places in the West, I've been wanting to write a companion piece for national parks on the other side of the north American continent. The earlier work, consisting of GLACIER, THE YELLOWSTONE FIRES, ARCHES, and ZION, spanned some twenty years of my composing life, and since the pieces called for differing groups of instruments, and were in slightly different styles from each other, I never considered them to be connected except in their subject matter. In their depiction of both the scenery and the human history within these wondrous places, they had a common goal: awaking the listener to the fragile beauty that is in them; and calling attention to the ever more crucial need for preservation and protection of these wild places, unique in all the world. With this new work, commissioned by a consortium of college and conservatory wind ensembles led by the University of Georgia, I decided to build upon that same model---but to solidify the process. The result, consisting of three movements (each named for a different national park in the eastern US), is a bona-fide symphony. While the three pieces could be performed separately, they share a musical theme---and also a common style and instrumentation. It is a true symphony, in that the first movement is long and expository, the second is a rather tightly structured scherzo-with-trio, and the finale is a true culmination of the whole. The first movement, Everglades, was the original inspiration for the entire symphony. Conceived over the course of two trips to that astonishing place (which the native Americans called River of Grass, the subtitle of this movement), this movement not only conveys a sense of the humid, lush, and even frightening scenery there---but also an overview of the entire settling-of- Florida experience. It contains not one, but two native American chants, and also presents a view of the staggering influence of modern man on this fragile part of the world. Beginning with a slow unfolding marked Heavy, humid, the music soon presents a gentle, lyrical theme in the solo alto saxophone. This theme, which goes through three expansive phrases with breaks in between, will appear in all three movements of the symphony. After the mood has been established, the music opens up to a rich, warm setting of a Cherokee morning song, with the simple happiness that this part of Florida must have had prior to the nineteenth century. This music, enveloping and comforting, gradually gives way to a more frenetic, driven section representative of the intrusion of the white man. Since Florida was populated and developed largely due to the introduction of a train system, there's a suggestion of the mechanized iron horse driving straight into the heartland. At that point, the native Americans become considerably less gentle, and a second chant seems to stand in the way of the intruder; a kind of warning song. The second part of this movement shows us the great swampy center of the peninsula, with its wildlife both in and out of the water. A new theme appears, sad but noble, suggesting that this land is precious and must be protected by all the people who inhabit it. At length, the morning song reappears in all its splendor, until the sunset---with one last iteration of the warning song in the solo piccolo. Functioning as a scherzo, the second movement, Great Smoky Mountains, describes not just that huge park itself, but one brave soul's attempt to climb a mountain there. It begins with three iterations of the UR-theme (which began the first movement as well), but this time as up-tempo brass fanfares in octaves. Each time it begins again, the theme is a little slower and less confident than the previous time---almost as though the hiker were becoming aware of the daunting mountain before him. But then, a steady, quick-pulsed ostinato appears, in a constantly shifting meter system of 2/4- 3/4 in alteration, and the hike has begun. Over this, a slower new melody appears, as the trek up the mountain progresses. It's a big mountain, and the ascent seems to take quite awhile, with little breaks in the hiker's stride, until at length he simply must stop and rest. An oboe solo, over several free cadenza-like measures, allows us (and our friend the hiker) to catch our breath, and also to view in the distance the rocky peak before us. The goal is somehow even more daunting than at first, being closer and thus more frighteningly steep. When we do push off again, it's at a slower pace, and with more careful attention to our footholds as we trek over broken rocks. Tantalizing little views of the valley at every switchback make our determination even stronger. Finally, we burst through a stand of pines and----we're at the summit! The immensity of the view is overwhelming, and ultimately humbling. A brief coda, while we sit dazed on the rocks, ends the movement in a feeling of triumph. The final movement, Acadia, is also about a trip. In the summer of 2014, I took a sailing trip with a dear friend from North Haven, Maine, to the southern coast of Mt. Desert Island in Acadia National Park. The experience left me both exuberant and exhausted, with an appreciation for the ocean that I hadn't had previously. The approach to Acadia National Park by water, too, was thrilling: like the difference between climbing a mountain on foot with riding up on a ski-lift, I felt I'd earned the right to be there. The music for this movement is entirely based on the opening UR-theme. There's a sense of the water and the mysterious, quiet deep from the very beginning, with seagulls and bell buoys setting the scene. As we leave the harbor, the theme (in a canon between solo euphonium and tuba) almost seems as if large subaquatic animals are observing our departure. There are three themes (call them A, B and C) in this seafaring journey---but they are all based on the UR theme, in its original form with octaves displaced, in an upside-down form, and in a backwards version as well. (The ocean, while appearing to be unchanging, is always changing.) We move out into the main channel (A), passing several islands (B), until we reach the long draw that parallels the coastline called Eggemoggin Reach, and a sudden burst of new speed (C). Things suddenly stop, as if the wind had died, and we have a vision: is that really Mt. Desert Island we can see off the port bow, vaguely in the distance? A chorale of saxophones seems to suggest that. We push off anew as the chorale ends, and go through all three themes again---but in different instrumentations, and different keys. At the final tack-turn, there it is, for real: Mt. Desert Island, big as life. We've made it. As we pull into the harbor, where we'll secure the boat for the night, there's a feeling of achievement. Our whale and dolphin friends return, and we end our journey with gratitude and celebration. I am profoundly grateful to Jaclyn Hartenberger, Professor of Conducting at the University of Georgia, for leading the consortium which provided the commissioning of this work.
© 2000 - 2024 Home - New realises - Composers Legal notice - Full version
