SKU: CA.1805220
ISBN 9790007100223.
Score available separately - see item CA.1805200.
SKU: M7.VHR-3903
ISBN 9783940069818.
Das neue Schulwerk verbindet Lieder und Aufgaben in sehr übersichtlicher Form. Viele Liedbeispiele und Liedbegleitungen mit Texten zum Singen erleichtern den Schülern den Zugang zur Musik. Alle Seiten dieses Unterrichtswerkes sind gleich aufgebaut. Das übersichtliche Layout erleichtert Lehrern und Schülern die Orientierung. Der Umfang des Materials ist auf zwei Unterrichtsjahre ausgerichtet.
SKU: BT.AMP-396-030
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Hava Nagila (the title means ‘let us rejoice’) is perhaps the best known example of a style of Jewish music called ‘klezmer’. Klezmer music originated in the ‘shtetl’ (villages) and the ghettos of Eastern Europe, where itinerant Jewish troubadours, known as ‘klezmorim’, had performed at celebrations, particularly weddings, since the early Middle Ages.‘Klezmer’ is a Yiddish term combining the Hebrew words ‘kley’ (instrument) and ‘zemer’ (song) and the roots of the style are found in secular melodies, popular dances, Jewish ‘hazanut’ (cantorial music) and also the ‘nigunim’, the wordless melodies intoned by the ‘Hasidim’ (orthodox Jews).Since the 16th century, lyrics hadbeen added to klezmer music, due to the ‘badkhn’ (the master of ceremony at weddings), to the ‘Purimshpil’ (the play of Esther at Purim) and to traditions of the Yiddish theatre, but the term gradually became synonymous with instrumental music, particularly featuring the violin and clarinet. The melody of Hava Nagila was adapted from a folk dance from the Romanian district of Bucovina. The commonly used text is taken from Psalm 118 of the Hebrew bible. Hava Nagila (de titel betekent ‘laat ons gelukkig zijn’) is misschien wel het bekendste voorbeeld van klezmer, een Joodse muziekstijl.De klezmermuziek komt van oorsprong uit de sjtetls (dorpen) en de getto’s van Oost-Europa, waar rondtrekkende Joodse troubadours, bekend als klezmorim, al sinds de middeleeuwen hadden opgetreden bij feestelijkheden, en dan met name bruiloften.Klezmer is een Jiddische term waarin de Hebreeuwse woorden kley (instrument) en zemer (lied) zijn samengevoegd. De wortels van de stijl liggen in wereldlijke melodieën, volksdansen, de joods-liturgische hazanut en ook de nigunim, de woordeloze melodieën zoals die worden voorgedragen doorchassidische (orthodoxe) joden.Sinds de 16e eeuw zijn er aan de klezmermuziek ook teksten toegevoegd, dankzij de badchen (de ceremoniemeester bij huwelijken), het poerimspel (het verhaal van Esther tijdens Poerim/het Lotenfeest) en tradities binnen het Jiddische theater, maar de term werd geleidelijk synoniem aan instrumentale muziek met een hoofdrol voor de viool en klarinet.De melodie van Hava Nagila is afkomstig van een volksdans uit de Roemeense regio Boekovina. De meest gebruikte tekst voor het lied kom uit psalm 118 van de Hebreeuwse Bijbel. Hava Nagila (auf Deutsch ‚Lasst uns glücklich sein’) ist vielleicht das bekannteste Beispiel für den jüdischen Musikstil namens ‚Klezmer’. Klezmermusik hat ihren Ursprung in den Shtetls“ (Städtchen) und den Ghettos Osteuropas, woumherziehende jüdische Troubadours, die man ‚Klezmorim’ nannte, schon seit dem frühen Mittelalter auf Feiern, vor allem Hochzeiten, zu spielen pflegten. Klezmer ist ein jiddischer Begriff, der sich aus den hebräischen Wörtern ‚kley’(Instrument) und ‚zemer’ (Lied) zusammensetzt. Die Wurzeln des Musikstils liegen in weltlichen Melodien, populären Tänzen, jüdischem ‚Chasanut’ (Kantorengesang) und auch ‚Niggunim’, Melodien ohne Text, vorgetragen von den‚Chassidim’ (orthodoxen Juden). Seit dem 16. Jahrhundert wurden die Klezmermelodien mit Texten versehen, was auf die ‚Badchan’ (Zeremonienmeister bei Hochzeiten), auf das ‚Purimshpil’ (Das Esther-Spiel zum Purimfest) und aufTraditionen des jiddischen Theaters zurückgeht. Der Begriff Klezmer wurde jedoch mit der Zeit gleichbedeutend mit Instrumentalmusik, im Besonderen mit den Instrumenten Violine und Klarinette. Die Melodie von Hava Nagila ist eine Adaption einesVolkstanzes aus der rumänischen Bukowina. Der üblicherweise verwendete Text stammt aus Psalm 118 der hebräischen Bibel. Hava Nagila (qui signifie Réjouissons-nous) est sans aucun doute la chanson traditionnelle hébra que de style klezmer la plus connue de toutes.La musique klezmer est née dans les shtetl (villages) et les ghettos d’Europe de l’Est, où les baladins juifs ambulants, appelés klezmorim, célébraient toutes sortes de cérémonies, en particulier les mariages, et ce depuis le début du Moyen- ge.Le terme yiddish klezmer est la combinaison de deux mots : klei, que l’on peut traduire par instrument et zemer qui veut dire chanson. Cette tradition musicale tire ses origines dans les mélodies profanes, les danses populaires, la musique juive hazanout (musique vocale) ainsi que les nigunim,les mélodies sans paroles entonnées par les hassidim (juifs orthodoxes).Au cours du XVIe siècle, les paroles ont été ajoutées la musique klezmer, afin d’illustrer le rôle du badkhn (le maître de cérémonie lors des mariages), le pourim-shpil (monologue où est paraphrasé le livre d’Esther) ou encore les traditions liées au thé tre yiddish, mais le terme est progressivement devenu synonyme de musique instrumentale, en particulier dans une interprétation au violon et la clarinette.La mélodie Hava Nagila a été adaptée partir d’une danse folklorique de la région roumaine de Bucovine. Le texte, couramment utilisé, est extrait du Psaume 118 de la bible hébra que.
SKU: BT.AMP-396-130
SKU: CF.H84
ISBN 9781491165539. UPC: 680160924530.
Marcel Tournier (1879–1951) was one of the most important harpist/composers in the history of the harp. Over his long career, he added a significant catalogue of very beautiful works to the harp repertoire. Many of his solo works, almost one hundred, have been consistently in print since they were first published. But in recent years harpist Carl Swanson has discovered a treasure trove of pieces by Tournier heretofore unknown and unpublished. These include the Déchiffrages in this edition, as well as songs set for voice, harp, and string quartet, and ensemble arrangements of some of his most beloved works.All of the works that Carl Swanson found were in manuscript only. With the help of the great harpist Catherine Michel, he has put these pieces into playable form, and they are being published for the very first time. He and Catherine often had to re-notate passages to show clearly how they could be played, adding fingerings and musical nuances, tempos, pedals, and pedal diagrams.Tournier wrote these pieces when he was in his 20s, and before he became the impressionistic composer those familiar with his work know so well. They are written in the late nineteenth-century romantic style that was being taught at that time at the Paris Conservatory. They are beautiful short, intermediate level pieces by a first rate composer, and add much needed repertoire to that level of playing.Marcel Tournier (1879–1951) was one of the most important harpist/composers in the history of the harp. He graduated from the Paris Conservatory with a first prize in harp in 1899. He also studied composition there and won a second prize in the prestigious Prix de Rome competition, as well as a first prize in the Rossini competition, another major composition competition of the day. From 1912 to 1948 he taught the harp class at the Paris Conservatory. But composition, and almost entirely, composition for the harp, was the main focus of his life. His published works, including many works for solo harp, a few for harp and other instruments, and several songs, number around one hundred pieces.In 2019, while researching Tournier for my edition MARCEL TOURNIER: 10 Pieces for Solo Harp, I discovered that there was a significant list of pieces by this composer that had never been published and were not included on any inventory of his music. Principal on this list were his déchiffrages (pronounced day-she-frahge, like the second syllable in the word garage).The word déchiffrage means sight-reading exercise, and that was their original purpose. Tournier numbered and dated these pieces, with dates ranging from 1900 to 1910, indicating that they were in all likelihood written for Alphonse Hasselmans’ class at the Paris Conservatory. Tournier was probably told how long to make each one, and how difficult. They range in length from two to four pages, with only one in the whole series extending to five, and from thirty to fifty-five measures, with only one extending to eight-five. The level of difficulty for the whole series is intermediate, with some at the easier end, and others at the middle or upper end.We don’t know if they were intended to test students trying to enter the harp class, or if they were used to test students in the class as they played their exams. The fact that they were never published means that students had to not only sight read them, but sight read them in manuscript form!I worked from digital images of the original manuscripts, which are in the private music library of a harpist in France. She had twenty-seven of these pieces, and this edition is the second in a series of three that will publish, for the first time, all of the ones that I have found thus far. The manuscripts themselves consist of little more than notes on the page: no pedals written in, no fingerings, few if any musical nuances and tempo markings, and no clear indication as to which hand plays which notes. These would have been difficult to sight read indeed! My collaborator Catherine Michel and I added musical nuances, fingerings, pedals and pedal diagrams, and tempo indications to put them into their current condition.At the time these were written, Tournier would have been in his twenties, having just graduated from the harp class himself (1899), and might still have been in the composition class. These are the earliest known pieces that he wrote, and they were written at the very beginning of a cultural revolution and upheaval in Paris that was to completely and profoundly alter musical composition. Tournier himself would eventually be caught up in this new way of composing. But not yet.All of the déchiffrages are written in the late romantic style that was being taught at that time at the Paris Conservatory. Each one is built on a clear musical idea, and the variety over the whole series makes them wonderful to listen to as well as to learn. They are also great technical lessons for intermediate level players.The obvious question is: Why didn’t Tournier publish these pieces, and why didn’t he list them on his own inventory of his music? Actually, four of them were published, with small changes, as his collection Four Preludes, Op. 16. These came from the ones that will be in volume three of this series from Carl Fischer. His first large piece, Theme and Variations, was published in 1908, and his two best known and frequently played pieces, Féerie and Au Matin, followed in 1912 and 1913 respectively. We can only speculate because there is so much still unknown about Tournier and about these unpublished pieces. He may have looked at them, fresh out of school as he was, as simply a way to make some quick money. The first several pieces that he did publish are much longer than any of the déchiffrages. So it could be that, because of their shorter length, as well as the earlier musical style that he was moving away from, he chose not to publish any more of them. We may never know the full story. But all these years later, more than a century after they were composed, we can listen to them for their own merits, and not measured against whatever else was going on at the time. The numbers on these pieces are the ones that Tournier assigned to them, and the gaps between some of the numbers suggest that there are perhaps thirty or more of these pieces still to be found, if they still exist. They will, in all likelihood, be found, as these were, in private collections of harp music, not in institutional libraries. We can only hope that more of them will be located in years to come.—Carl SwansonGlossary of French Musical TermsTournier was very precise about how he wanted his pieces played, and carefully communicated this with many musical indications. He used standard Italian words, but also used French words and phrases, and occasionally mixed both together. It is extremely important to observe and understand everything that he put on the page.Here is a list of the French words and phrases found in the pieces in this edition, with their translation.bien chanté well sung, melodiousdécidé firm, resolutediminu peu à peu becoming softer little by littleen diminuant becoming softeren riten. slowing downen se perdant dying awayGaiement gayly, lightlygracieusement gracefully, elegantlyLéger light, quickLent slowmarquez le chant emphasize the melodyModéré at a moderate tempopeu à peu animé more lively, little by littleplus lent slowerRetenu held backsans lenteur without slownesssans retinir without slowing downsec drily, abruptlysoutenu sustained, heldtrès arpegé very arpeggiatedTrès Modéré Very moderate tempoTrès peu retenu slightly held backTrès soutenu very sustainedun peu retenu slightly held back.
SKU: BA.BA06844
ISBN 9790006483266. 34.3 x 27 cm inches. Text Language: Czech, German, English. Translation: Kurt Honolka / Bernard Keeffe. Text: Martin (Pseudonym fur Maximilian Kunert) Kurt.
Kantate fur Mannerchor und Orchester (tschechisch/deutsch/englisch) mit Supplement: Erste Fassung 1911, (tschechisch).
About Barenreiter Urtext
What can I expect from a Barenreiter Urtext edition?
MUSICOLOGICALLY SOUND - A reliable musical text based on all available sources - A description of the sources - Information on the genesis and history of the work - Valuable notes on performance practice - Includes an introduction with critical commentary explaining source discrepancies and editorial decisions ... AND PRACTICAL - Page-turns, fold-out pages, and cues where you need them - A well-presented layout and a user-friendly format - Excellent print quality - Superior paper and binding
SKU: BR.DV-6081
ISBN 9790200460032. 9.5 x 12 inches.
Duration: full eveningTranslation: German (W. Ebermann/M. Koerth), Engl. (D. Llyod-Jones), French (M. Delines) Place and time: Partly on the estate, partly in Petersburg, in 20ies of the 19th CenturyCharacters: Larina, Owner of the Estate (mezzo-soprano) - Tatiana (soprano) and Olga (alto), her Daughters - Filipjewna, Wet Nurse (mezzo-soprano/alto) - Eugen Onegin (baritone) - Lenskij (tenor) - Prince Gremin (bass) - A Commander (bass) - Saretzkij (bass) - Triquet, a French Man (tenor) - Guillot, a Valet (silent part) - Country Folk, Ball Guests, Squire, Officers (chorus) - Waltz, mazurka, polonaise and Russian dance (Ballet )There is an interesting parallel between the subject of the opera and Tchaikovsky's life during the year he wrote the work (1877): in each case, a letter provokes fateful developments in the lives of the protagonists. In the opera, Tatyana's love letter to Eugene sets off the tragedy, whereas in real life, the love letter of a pupil led the composer into a marriage, which lasted all of ... three months. Tchaikovsky took this doomed decision without love, solely because the circumstances want it and because I cannot act differently. Certain allusions made, for example, in a letter of January 1878 to Taneyev suggest that the composer's personal situation also flowed into the work: I did not want anything to do with the so-called 'grand opera.' I am looking for an intimate but powerful drama which is built on the conflict of circumstances which I myself have seen and experienced, a conflict which truly moves me. Partly for this reason the composer decided to call the work not an opera but lyrical scenes.Eugene Onegin, conceived by Tchaikovsky for limited resources and a small stage, is the most frequently performed Russian opera today along with Mussorgsky's Boris Godunov, which represents a completely contrary aesthetic stance. Tschaikowskys letzte Oper - auf ein Libretto seines Bruders Modest nach der Dramenvorlage des danischen Schriftstellers Henrik Hertz - lebt von den poetischen Momenten und den symbolbeladenen Charakterportrats der Hauptfiguren: Die junge blinde Jolanthe wird von ihrem Vater aus Sorge um ihren Makel und zum Schutz ihrer Jungfraulichkeit und vor den Widrigkeiten der Welt in einen paradiesischen Garten gesperrt. Er befielt zu ihrem Schutz sie um ihre Blindheit unwissend zu lassen. Ein Arzt warnt sehen werde sie nur konnen wenn sie es selbst wolle gleich welche Angste aus der vollstandigen Erkenntnis der Welt erwachsen. Als der junge Vaudemont in ihre Abgeschiedenheit einbricht und sich beide ineinander verlieben befreit er sie von ihrer Unwissenheit erklart was Farbe und Licht bedeuten. Erst die Liebe zu ihm macht sie sehend. Die dunkle Welt der Jolanthe zeichnet Tschaikowsky zu Beginn musikalisch durch eine Introduktion ausschliesslich fur Blaser. Erst mit dem Eintritt in die unbekannte Welt der Liebe und des Sehens verwendet Tschaikowsky einen warmen Streicherklang. Gerade dadurch stiess die Oper wohl bei Zeitgenossen auf Verstorung. Tschaikowskys ,,Jolanthe nimmt in seinem Opernschaffen eine Sonderstellung ein: neben dem glucklichen Ende einer Apotheose des Lichts und der Liebe mit einem religios gepragten Schlusschoral ist es eines der wenigen Buhnenwerke Tschaikowskys ohne Bezug zur russischen Geschichte. Der ausgepragte Lyrismus des Werks verweist stattdessen auf Tschaikowskys Nahe zur franzosischen Kultur die im 19. Jahrhundert einen starken Einfluss auf Russland hatte. Die Oper wurde 1892 am Mariinsky-Theater in Sankt Petersburg als Auftragswerk zusammen mit seinem Ballett ,,Der Nussknacker uraufgefuhrt.Neben der Produktion des Munchner Rundfunkorchesters wurde ,,Jolanthe szenisch erfolgreich bei den Festspielen Baden-Baden mit Anna Netrebko und Piotr Beczala als Liebespaar rehabilitiert. Ausserhalb Deutschlands lief die Opernraritat in Toulouse Tokyo San Sebastian und Monte Carlo. Zuletzt erneut die ,,Suddeutsche Zeitung: ,,Jolanthe ist eine Opernausgrabung die ,,wirklich zu Unrecht vergessen ist. Tchaikovsky's last opera - on a libretto by the composer's brother Modest based on the drama by the Danish author Henrik Hertz - derives its life-blood from its poetic moments and the symbol-laden portraits of the leading characters: the blind young Yolanta is kept prisoner in a paradisiacal garden by her father who fears for her purity and her virginity and seeks to protect her from the adversities of the world. To do so he orders everyone to keep her ignorant of the fact that she is blind. A doctor warns that she will only be able to see when she is ready to do so herself no matter what fears might result from a complete experience of the world. When the young Vaudemont breaks into her secluded world and the two fall in love he frees her from her ignorance and explains the significance of color and light. It is through her love for him that she is finally able to see. At the beginning of the work Tchaikovsky depicts Yolanta's dark world with an introduction scored exclusively for winds. It is not until her discovery of the unknown world of love and sight that Tchaikovsky uses a warm string sound. This is what many of the composer's contemporaries found disturbing about the opera.Tchaikovsky's Yolanta occupies a special place in the composer's operatic oeuvre: for one it has a happy ending an apotheosis of light and love with a religiously stamped closing chorale; for another it is one of Tchaikovsky's few stage works without any reference to Russian history. Instead the work's pronounced lyricism points to the composer's closeness to French culture. which exerted a strong influence on Russia in the 19th century.The opera was given its world premiere at the Mariinsky Theater in St. Petersburg in 1892. It had been commissioned along with the ballet The Nutcracker. Next to the production by the Munchner Rundfunkorchester Yolanta was also successfully rehabilitated in a recent staged production at the Baden-Baden Festival with Anna Netrebko and Piotr Beczala as the lovers. Outside of Germany the operatic rarity was performed in Toulouse Tokyo San Sebastian and Monte Carlo.In closing another quote from the Suddeutsche Zeitung: 'Yolanta' is an operatic rediscovery of a work that was truly 'wrongly forgotten'.
SKU: BT.AMP-367-400
ISBN 9789043138864. 9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Philip Sparke’s Starter Solos is the first volume of a progressive series of books that takes the young wind player from beginner to accomplished musician. Specifically tailored for each instrument, this collection of 20 solos starts with pieces based on only a handful of notes and carefully introduces new musical elements, such as articulation, dynamics and key signatures, in a structured progression to speed the learning process. The books provide invaluable additional material to complement any teaching method.Starter Solos comes with a play-along CD. The advantages of playing either with piano or CD accompaniment are that the beginning player can nowexperience the important aspects of ensemble playing from their earliest lessons, thus developing the essential skills of listening while they play and maintaining strict tempo, which is not always a factor when playing alone. Philip Sparke’s Starter Solos is het eerste deel van een serie boeken met muziek voor jonge blazers. Deze bundel van twintig solo’s begint met stukken die op een handvol noten zijn gebaseerd. Nieuwe muzikale elementen (articulatie, dynamiek,enz.) worden op een doordachte, gestructureerde manier toegevoegd. Dit studiemateriaal vult elke leermethode aan en is steeds toegesneden op het betreffende instrument.Uitgave met cd: De voordelen van het spelen met begeleiding - hetzij op de piano,hetzij op de cd - zijn dat de beginnende speler de belangrijke aspecten van het ensemblespel kan ervaren vanaf de eerste lessen en essentiële vaardigheden kan aanleren: het luisteren tijdens het spelen en het handhaven van een strak tempo. Bij hetalleen spelen komen deze factoren minder aan de orde.Das frühe Lernstadium ist, neben einem guten Lehrer im Unterricht, für jedes Instrument zweifellos das Wichtigste. Von großer Bedeutung ist aber auch motivierendes Lehrmaterial.Für diese zwei Solobücher beriet sich Philip Sparke mit vielen Lehrern, wie man am besten neue Noten einführt und zugleich einen Rahmen schafft, in den sich neue musikalische Elemente in sinnvoller Reihenfolge einfügen lassen. Unterstützt von diesenSoli und Etüden in drei verschiedenen Schwierigkeitsstufen können Instrumentalschüler schnell zu richtigen Musikern heranreifen. Jedes Buch ist genau auf die Bedürfnisse und Anforderungen des einzelnen Instrumentes zugeschnitten. STARTER SOLOS und SKILFUL SOLOS können dank der im Buch und auf der CD enthaltenen Begleitungen auch gut alleine oder mit einem Pianisten einstudiert und aufgeführt werden. Der Vorteil dabei ist, dass Anfänger so nicht nur die wichtigsten Aspekte desEnsemblespiels erfahren sondern auch von Anfang an die Fähigkeit entwickeln, zu hören während sie spielen und das Tempo zu halten.
Inhalt: Follow me -Best Foot Forward Folk Song -My Homeland -Missing You -Russian Winter On a Carousel Rush Hour -A Dynamic Start -Short but Sweet Ballad -London Bridge Summer Breezes -Modal Melody -Toon Tune -In a Balloon -Yankee Doodle -SadSong - Count Me In - Ragtime March
SKU: BT.DHP-1216342-140
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Queen Cleopatra ruled Egypt for over 20 years. She is one of antiquity’s best-known women, in particular because of her relationships with Julius Caesar and, above all, Mark-Anthony, but also because the cause of her death remainsa mystery. The work is split into three parts and performed without breaks. The first section begins with a bright introduction representing Mark-Anthony. Dynamic in nature and reminiscent of military music, this characterises theRoman general. But soon after, another theme emerges, softer and more melodic, symbolising Cleopatra’s femininity. The two characters then combine on a faster tempo. The middle section of the work depicts the love thatMark-Anthony and Cleopatra feel for each other. This passionate relationship lasted ten years and produced three children. This is expressed by a warm and intense theme, just like the beauty of the Egyptian queen. The third andlast section opens in a determined and military mood. Mark-Anthony and Cleopatra were often apart, the Roman general was often away on a campaign. They met up in Alexandria to celebrate their triumph. But, as the targets of thejealousy and ambition of Octavius, Julius Caesar’s son, the lovers are trapped and await the inevitable conquest of Egypt by the Romans. When Mark-Anthony heard the false news that Cleopatra had committed suicide, he ended his ownlife. The Queen of Egypt, for her part, was imprisoned shortly afterwards. The two lovers remain one of History’s most famous couples. This piece was commissioned by the Wind Orchestra of the town of Antony, near Paris, directedby Philippe Rossignol, to mark its 90th anniversary.Koningin Cleopatra heerste meer dan twintig jaar lang over Egypte. Ze is een van de bekendste vrouwen uit de oudheid, vanwege haar relatie met Julius Caesar en vooral die met Marcus Antonius, maar ook omdat de oorzaak van haardood altijd een mysterie is gebleven. Dit werk bestaat uit drie in elkaar overlopende delen. Het eerste deel begint met de levendige introductie van Marcus Antonius. Met het dynamische en enigszins militaire karakter van de muziekwordt de Romeinse generaal krachtig neergezet. Snel daarna doemt een zachter en melodieuzer thema op een weerspiegeling van Cleopatra’s vrouwelijkheid. De twee persoonlijkheden gaan vervolgens samen verder in een vlotter tempo.Het middelste deel beschrijft de liefde die Marcus Antonius en Cleopatra voor elkaar voelden. Hun hartstochtelijke relatie duurde tien jaar en bracht drie kinderen voort. Dit wordt uitgedrukt in een warm en intens thema waarintevens de schoonheid van de Egyptische koningin doorschemert. Het derde en laatste deel opent vastberaden en in militaire sfeer. Marcus Antonius en Cleopatra waren vaak bij elkaar vandaan: de generaal was geregeld weg om strijd tevoeren. In Alexandrië vierden ze samen hun triomf, maar de jaloezie en ambitie van Octavius, de zoon van Julius Caesar, gooide roet in het eten. De geliefden werden in de val gelokt en de onvermijdelijke verovering van Egypte doorde Romeinen volgde al snel. Toen Marcus Antonius het onjuiste bericht kreeg dat Cleopatra zelfmoord had gepleegd, maakte hij een eind aan zijn eigen leven: de koningin van Egypte werd op haar beurt kort daarna gevangengezet. Detwee geliefden behoren tot de beroemdste stellen uit de wereldgeschiedenis. Cleopatra werd in opdracht geschreven om het negentigjarig bestaan van het blaasorkest uit de gemeente Antony dicht bij Parijs te markeren. Dat orkestbracht het onder leiding van Philippe Rossignol in première.Königin Kleopatra regierte über 20 Jahre lang Ägypten. Sie ist eine der bekanntesten Frauen der Antike, insbesondere aufgrund ihrer Beziehungen zu Julius Cäsar und vor allem zu Marcus Antonius aber auch aufgrund ihrerrätselhaften Todesursache. Das Werk besteht aus drei Abschnitten, die ohne Unterbrechung gespielt werden. Der erste Abschnitt beginnt mit einer strahlenden Einleitung, die Marcus Antonius darstellt. Die martialische und dynamischeMusik beschreibt den römischen Feldherrn. Doch bald darauf erklingt ein neues Thema, das sanfter und melodischer ist und Kleopatras Weiblichkeit symbolisiert. Die beiden Charaktere verschmelzen schließlich in einem schnellerenTempo. Der Mittelteil des Werkes beschreibt die Liebe, die Marcus Antonius und Kleopatra füreinander empfinden. Die leidenschaftliche Beziehung der beiden dauerte zehn Jahre lang und aus ihr gingen drei Kinder hervor. Dafür stehtein warmes und intensives Thema, das auch die Schönheit der ägyptischen Königin beschreibt. Der dritte und letzte Abschnitt beginnt mit einer entschlossenen und kriegerischen Stimmung. Marcus Antonius und Kleopatra waren oftmalsgetrennt, wenn sich der römische Feldherr auf Feldzügen befand. In Alexandria trafen sie sich, um ihren Sieg zu feiern. Doch sie waren Opfer der Eifersucht und der ehrgeizigen Ambitionen von Octavius, Julius Cäsars Sohn, wurden ineine Falle gelockt und mussten auf die bevorstehende Eroberung Ägyptens durch die Römer warten. Als Marcus Antonius die Nachricht vom vermeintlichen Selbstmord Kleopatras erhielt, nahm er sich selbst das Leben. Die Königin vonÄgypten wurde ihrerseits kurz darauf inhaftiert. Die beiden zählen zu den berühmtesten Liebespaaren der Geschichte. Dieses Stück wurde vom Orchestre d’Harmonie de la Ville d’Antony aus der Nähe von Paris, das von PhilippeRossignol geleitet wird, anlässlich seines 90-jährigen Jubiläums in Auftrag gegeben.La Reine Cléop tre règne sur l’Égypte pendant plus de 20 ans. Elle est l’une des femmes les plus connues de l’Antiquité, notamment gr ce ses relations avec Jules César et surtout avec Marc-Antoine (Antony), mais aussi par lemystère qu’entoure sa disparition. L’œuvre est écrite en trois parties enchaînées. La première commence par une brillante introduction qui représente Marc-Antoine. A la fois martiale et dynamique, cette musique caractérise legénéral romain. Mais très vite, un nouveau thème apparaît, plus mélodique et plus doux, il symbolise la féminité que représente Cléop tre. Les deux caractères vont ensuite s’assembler dans un tempo plus rapide. La partie centralede l’œuvre dépeint l’amour que Marc-Antoine et Cléop tre ressentent l’un pour l’autre. Cette relation passionnée durera 10 ans et donnera naissance 3 enfants. Il en résulte un thème chaleureux et intense, l’image de la beautéde la reine d’Égypte. Enfin, c’est sur un caractère décidé et guerrier que la troisième partie débute. Marc-Antoine et Cléop tre sont souvent séparés, le général romain est souvent en campagne. Ils se retrouvent Alexandrie pourfêter leur triomphe. Mais, victimes de la jalousie et de l’ambition terrifiante d’Octave, fils de Jules César, les amants sont piégés et attendent inexorablement que l’Égypte soit conquise par les Romains. A la fausse annonce dusuicide de Cléop tre, Marc-Antoine met fin ses jours. La Reine d’Egypte sera quant elle emprisonnée peu de temps après. Les deux amants resteront l’un des couples les plus célèbres de l’Histoire. L’œuvre a été commandée parl’Orchestre d’Harmonie de la ville d’Antony l’occasion de ses 90 ans : l’orchestre est placé sous la direction de Philippe Rossignol.
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SKU: FH.FLE01
ISBN 978-1-55440-300-4.
Unparalleled in scope, Overtones offers all the music flutists want in one complete series! This progressive collection includes fundamental repertoire and supporting materials such as Studies, Compact Discs, Orchestral Excerpts, and Technique. The richness of music carefully selected for this compilation will resonate with teachers and students at every level of study.This compilation of standard orchestral passages for flute is an indispensable resource for the developing years and beyond. Teachers and students will find this unrivalled volume essential for examination or audition preparation.Slavonic Dances, op. 46, no. 1 Antonin Dvorak Symphony No. 100 in G Major (Military): II Franz Joseph Haydn Le carnaval des animaux: Aquarium Camille Saint-Saens HMS Pinafore: I'm Called Little Buttercup Arthur Sullivan La forza del destino: Overture Giuseppe Verdi Serse (Xerxes), HWV 40: Va godendo vezzoso e bello George Frideric Handel Symphony No. 100 in G Major (Military): III Franz Joseph Haydn Ma Vlast: II Bedrich Smetana HMS Pinafore: When I Was a Lad Arthur Sullivan Nutcracker Suite: Overture Pyotr Il'yich Tchaikovsky Symphony No. 6 (Pastoral): III Ludwig van Beethoven Symphony No. 9 in E Minor, op. 95 (New World): I Antonin Dvorak Faust: Soldier's Chorus Charles Gounod Peer Gynt Suite No. 1, op. 46: I Edvard Grieg Symphony No. 102 in B flat Major: I Franz Joseph Haydn Brandenburg Concerto No. 4, BWV 1049: III Johann Sebastian Bach Carmen: La garde montante Georges Bizet Petite suite: Ballet IV Claude Debussy Symphony No. 100 in G Major (Military): IV Franz Joseph Haydn Symphony No. 40 in G Minor, K 550: III Wolfgang Amadeus Mozart Symphony No. 5: IV Ludwig van Beethoven Carmen: Act 1, Prelude Georges Bizet Faust Ballet Music: Danse antique Charles Gounod Symphony No. 102 in B flat Major: IV Franz Joseph Haydn Scheherazade, op. 35: IV Nicolai Rimsky-Korsakov Symphony No. 6 (Pastoral): I, II Ludwig van Beethoven Symphonie fantastique: V Hector Berlioz Die Zauberfloete: Wie stark ist nicht dein Zauberton Wolfgang Amadeus Mozart Bolero Maurice Ravel Scheherazade, op. 35: I Nicolai Rimsky-Korsakov Brandenburg Concerto No. 4, BWV 1049: I Johann Sebastian Bach Symphonie fantastique: I Hector Berlioz Carmen: Entr'acte (Prelude) Georges Bizet Symphony No. 1 in C Minor: IV Johannes Brahms Die Zauberfloete: Overture Wolfgang Amadeus Mozart Symphony No. 8 in G Major: IV Antonin Dvorak Leonore Overture No. 3, op. 72a Ludwig van BeethovenSymphony No. 4 in E Minor: IV Johannes BrahmsLa mer: I, II, III Claude DebussySymphony No. 4 (Italian): IV Felix Mendelssohn Symphony No. 1 (Classical): II Sergei Prokofiev Symphony No. 3 in E flat Major (Eroica): IV Ludwig van Beethoven Prelude a l'apres-midi d'un faune Claude Debussy Sinfonie Mathis der Maler: I, II Paul Hindemith Incidental Music to A Midsummer Night's Dream, op. 61: Scherzo Felix Mendelssohn Petroushka (1947 revision): Part 1 Igor Stravinsky Symphony No. 4 in F Minor: III Pyotr Il'yich Tchaikovsky Capriccio espagnol, op. 34: IV Nicolai Rimsky-KorsakovSymphony No. 1 (Classical): IV Sergei Prokofiev Concerto for Orchestra: I, II, III, IV, V Bela Bartok Symphonic Metamorphosis after Themes by Carl Maria von Weber: II, III Paul Hindemith Das Lied von der Erde: VI Gustav Mahler Peter and the Wolf, op. 67 Sergei Prokofiev Le carnaval des animaux: 10. Voliere Camille Saint-Saens Daphnis et Chloe: Troisieme partie Maurice Ravel Guillaume Tell: Overture Gioachino Rossini Till Eulenspiegel's Merry Pranks Richard Strauss Firebird Suite (1919 version) Igor Stravinsky Symphony No. 9: IV Ludwig van Beethoven Concerto for Orchestra: III Bela Bartok Scheherezade, op. 35: IV Nicolai Rimsky-Korsakov Semiramide: Overture Gioachino Rossini Symphony No. 5, op. 47: I, II Dmitri Shostakovich.
About Overtones
Unparalleled in scope, Overtones offers all the music flutists want in one complete series! This progressive collection includes fundamental Repertoire and supporting materials such as Etudes, Compact Discs, Orchestral Excerpts, and Technique. The richness of music carefully selected for this compilation will resonate with teachers and students at every level of study and is the official series for those using The Royal Conservatory Music Development program.
SKU: CA.2719044
ISBN 9790007303327. Latin.
In the 19th and early 20th centuries, transcriptions of large (choral) symphonic works for two pianos were extremely popular: They enabled a large audience to get to know classical compositions in an age before recorded music. In many cases, world-famous works were first performed in such a version ââ¬â including Brucknerââ¬â¢s Te Deum. Unfortunately, only a few bars of this transcription have survived.The Stuttgart composer, pianist and experienced piano-duo performer Sebastian Bartmann was commissioned by the Landesakademie für die musizierende Jugend in Baden-Württemberg Ochsenhausen to newly arrange Brucknerââ¬â¢s Te Deum and the Mass in D minor for soloists, choir and two pianos. A timpani part (ad libitum) provides additional color. The arrangements are based on the original Carus editions. The vocal scores and choral scores of the original version can also be used.Today the Te Deum is Brucknerââ¬â¢s most frequently performed vocal work. The greatest challenges for any choir are the high register and the enormous orchestration of this extremely effective piece: The singers are often required to declaim against a large orchestra performing forte fortissimo! This problem is resolved in the arrangement for two pianos; moreover, the scaling back of the sonic forces helps reveal compositional structures that otherwise can all too easily get lost in the intoxicating orchestral sound.. Score available separately - see item CA.2719000.
SKU: CA.2719046
ISBN 9790007310875. Latin.
In the 19th and early 20th centuries, transcriptions of large (choral) symphonic works for two pianos were extremely popular: They enabled a large audience to get to know classical compositions in an age before recorded music. In many cases, world-famous works were first performed in such a version â?? including Brucknerâ??s Te Deum. Unfortunately, only a few bars of this transcription have survived.The Stuttgart composer, pianist and experienced piano-duo performer Sebastian Bartmann was commissioned by the Landesakademie für die musizierende Jugend in Baden-Württemberg Ochsenhausen to newly arrange Brucknerâ??s Te Deum and the Mass in D minor for soloists, choir and two pianos. A timpani part (ad libitum) provides additional color. The arrangements are based on the original Carus editions. The vocal scores and choral scores of the original version can also be used.Today the Te Deum is Brucknerâ??s most frequently performed vocal work. The greatest challenges for any choir are the high register and the enormous orchestration of this extremely effective piece: The singers are often required to declaim against a large orchestra performing forte fortissimo! This problem is resolved in the arrangement for two pianos; moreover, the scaling back of the sonic forces helps reveal compositional structures that otherwise can all too easily get lost in the intoxicating orchestral sound.. Score and parts available separately - see item CA.2719000.
SKU: BT.DOW-05529-400
ISBN 9789043160803. English-German-French.
This edition presents a piece that belongs in the standard repertoire of every flutist: the Sonata for Flute and Basso continuo (“Hallenser No. 1â€, HWV 374) in A minor by Georg Friedrich Händel. It allows you to work through the piece systematically and at different tempi with accompaniment. The recordings begin with the concert version of each piece, following which you will hear the piano accompaniment at slow and medium tempo to help you practise. Having mastered these slower versions, you’ll now be ready to play with piano accompaniment at the original tempo. All of the versions were recorded live.Mit dieser Ausgabe präsentieren wir Ihnen ein Stück, das zum Standardrepertoire eines jeden Flötisten zählt: die Sonate für Flöte und Basso continuo (Hallenser Nr. 1“, HWV 374) in a-Moll von Georg Friedrich Händel. Diese Ausgabe ermöglicht es Ihnen, das Werk systematisch und in verschiedenen Tempi mit Begleitung zu erarbeiten. Sie hören zunächst die Konzertversion eines jeden Stückes (Flöte und Klavier). Zum Ãœben folgt nun im langsamen und mittleren Tempo die Klavierbegleitung: anschließend können Sie sich im Originaltempo begleiten lassen. Alle eingespielten Versionen wurden live aufgenommen.Cette édition présente un morceau qui fait partie du répertoire standard de tous les fl tistes : la sonate pour fl te et basse continue (“Hallenser n° 1â€, HWV 374) en La mineur de Georg Friedrich Händel. Les playbacks vous permettent de travailler l’œuvre systématiquement trois tempos différents avec un accompagnement professionnel. Chaque playback fait d’abord entendre la version de concert d’un morceau (fl te et piano). Mais vous y trouverez également un accompagnement de piano pour travailler un tempo lent puis un autre un tempo intermédiaire. Une fois un morceau maîtrisé, vous pourrez le jouer au tempo d’origine avec l’accompagnement de piano. Toutes les versions ont été enregistrées en live.
SKU: BT.DHP-1115084-020
It may be surprising to see a fanfare piece commissioned by a Japanese ensemble, since fanfare orchestras are typically found in Belgium, Holland and Luxembourg, and also France and Switzerland. Senzoku Gakuen is one of the largest and mostprestigious music universities in Japan, and home to a wide variety of ensembles and orchestras. Since 2006 they have had a fanfare orchestra, which was started by Sotaru Fukaishi, a euphonium teacher who felt further performance opportunity wasneeded for saxhorn instruments. Fukaishi had loved the sound of fanfare orchestras ever since visiting the World Music Contest in Kerkrade (Holland) several years earlier. Jan Van der Roost was involved with this new initiative from the beginning,and they were also joined by Manu Mellaerts for certain projects. The Dean of the music department, Professor Kazuo Tomioka, fully supports the ensemble and commissioned Ostinati. The première took place on June 11th at Maeda Hall inMizonokuchi (Kawasaki) where Senzoku Gakuen is based. The piece opens with an impressive timpani solo, followed by brass and saxophone. The rhythmical pulse remains constant and the music is fiery and assertive in character. A pentatonic melodygradually emerges and the music loses its vehemency and softens. The initial percussion ostinati subsequently recurs and the first section of the piece concludes in a similar mood to the opening. The second movement is sweet and melodic, opening witha long passage for the saxophone family in a minor key. The same theme then appears in the major and is developed upon; the music builds to a majestic orchestral forte, reminiscent of a pipe organ in its sonority. The theme returns in the originalminor key with a change in instrumentation leading the movement to a quiet and peaceful end on a soft E minor chord. The finale starts with percussion: a four-bar pattern is repeated several times over which the movement’s melodic themes areintroduced. These melodic elements are varied and used in different versions and the ostinato idea, which characterizes the entire piece, is highlighted. The theme travels through the orchestra, appearing on various instruments and in variousregisters. It captures the listener’s attention and displays the full range of sound and colour within the fanfare orchestra.Het is misschien verrassend dat dit fanfarewerk is geschreven in opdracht van een Japans ensemble, aangezien fanfareorkesten vooral te vinden zijn in België, Nederland en Luxemburg, en ook wel in Frankrijk en Zwitserland. SenzokuGakuen is een van de grootste en meest prestigieuze muziekopleidingen van Japan, en de thuisbasis van een grote verscheidenheid van ensembles en orkesten. In 2006 is er een fanfareorkest opgericht, en wel door Sotaru Fukaishi, eeneuphoniumdocent die vond dat er meer mogelijkheden moesten komen voor optredens met saxhoorninstrumenten. Fukaishi had enkele jaren daarvoor genoten van de fanfareklank toen hij het Wereld Muziek Concours in Kerkrade bezocht. DeBelgische componist Jan Van der Roost was van het begin af aan betrokken bij dit nieuwe initiatief, en ook Manu Mellaerts werd voor een aantal projecten aangetrokken. Het hoofd van de muziekfaculteit, professor Kazuo Tomioka, staatgeheel achter het ensemble en gaf de opdracht tot het schrijven van Ostinati. De première vond plaats op 11 juni in de Maeda Hall in Mizonokuchi (Kawasaki), waar Senzoku Gakuen is gevestigd. Het werk begint met een indrukwekkendepaukensolo, gevolgd door koper en saxofoon. De ritmische puls blijft constant, en de aard van de muziek is vurig en krachtig. Geleidelijk komt er een pentatonische melodie naar voren en wordt de muziek minder heftig, ze wordtzachter van karakter. De aanvankelijke ostinati in het slagwerk verschijnen dan opnieuw, waarna het eerste deel van het werk eindigt in dezelfde sfeer als waarmee het begon. Het tweede deel is lieflijk en melodisch. Het opentmet een lange passage voor de saxofoons in een mineurtoonsoort. Dan klinkt hetzelfde thema in majeur en daar wordt op voortgeborduurd: de muziek ontwikkelt zich tot een majestueus orkestraal forte, dat qua sonoriteit doet denkenEs mag überraschen, dass dieses Fanfareorchesterwerk ausgerechnet von einem japanischen Ensemble in Auftrag gegeben wurde, da Fanfareorchester doch eher in Belgien, den Niederlanden oder Luxemburg oder auch in Frankreich oder Schweiz zu finden sind. Senzoku Gakuen ist eine der größten und renommiertesten Musikschulen Japans und Heimstätte einer Vielfalt an Ensembles und Orchestern. Im Jahr 2006 wurde ein Fanfareorchester gegründet. Den Anstoß gab Sotaru Fukaishi, ein Euphoniumlehrer, der den Instrumenten der Saxhorn-Familie mehr Spielmöglichkeiten bieten wollte. Fukaishi hatte sich einige Jahre zuvor bei der Weltmeisterschaft in Kerkrade (Holland) in den Klang vonFanfareorchestern verliebt. Jan Van der Roost war von Beginn an in die Entwicklung dieser Idee involviert und, einige Projekte betreffend, ebenso Manu Mellaerts. Der Dekan des Musik-Colleges, Professor Kazuo Tomioka, steht voll und ganz hinter dem Ensemble und gab Ostinati in Auftrag. Die Premiere fand am 11. Juni 2011 in der Maeda Hall in Mizonokuchi statt, dem Heimatort der Schule Senzoku Gakuen. Das Stück beginnt mit einem eindrucksvollen Paukensolo, bevor Blechbläser und Saxophon einsetzen. Der rhythmische Puls bleibt konstant unter einer feurigen, nachdrücklichen Musik. Eine pentatonische Melodie bildet sich nach und nach heraus, während die Musik an Heftigkeit verliert und sanfter wird. Die anfänglichen Ostinati im Schlagwerk kehren zurück und so endet der erste Satz des Werkes in einer der Eröffnung ähnlichen Stimmung. Der zweite Satz ist lieblich und melodiös. Er beginnt mit einem langen Abschnitt für die Saxophone in Moll. Dann erscheint das gleiche Thema in Dur und durchläuft eine Entwicklung; die Musik baut sich zu einem majestätischen orchestralen Forte auf, das in seiner Klangfülle an eine Orgel erinnert. Dann kehrt das Thema in seiner ursprünglichen Moll-Tonart und in veränderter Instrumentierung zurück, um den Satz ruhig und friedvoll in einem e-Moll-Akkord enden zu lassen. Il pourrait paraître surprenant qu’un ensemble japonais puisse commander une pièce pour orchestre de fanfare, puisque l’on rencontre surtout ce type de formation en Belgique, aux Pays-Bas et au Luxembourg, ainsi qu’en France et en Suisse. Senzoku Gakuen, l’une des plus grandes et plus prestigieuses académies de musique du Japon, compte une grande variété d’ensembles et d’orchestres. En 2006 s’y est ajouté un orchestre de fanfare fondé par Sotaru Fukaishi, un professeur d’euphonium qui pensait qu’il était nécessaire d’offrir de plus larges possibilités aux cuivres de la région. Depuis qu’il avait assisté au World Music Contest de Kerkrade (Pays-Bas), plusieurs années auparavant,Fukaishi se prit de passion pour le son chaud et généreux de l’orchestre de fanfare, une formation atypique au Japon. Jan Van der Roost a favorablement adhéré cette nouvelle initiative, tandis que Manu Mellaerts collabora avec les deux hommes afin de concrétiser certains projets. Le professeur Kazuo Tomioka, doyen du collège de musique, soutint vigoureusement l’orchestre et commanda Ostinati. La création de l’oeuvre fut donnée le 11 juin 2011 au Maeda Hall de Mizonokuchi (Kawasaki), où se trouve Senzoku Gakuen. La pièce débute avec un impressionnant solo de timbales précédant l’entrée des cuivres et des saxophones. La pulsion rythmique est constante, la musique est énergique et de caractère affirmé. Une mélodie pentatonique émerge graduellement, alors que la trame musicale diminue d’intensité et s’adoucit. L’ostinato la percussion revient fréquemment et la première partie de l’oeuvre se termine dans un climat semblable celui du début. Le deuxième mouvement, doux et romancé, débute avec un long passage en mode mineur joué par les saxophones. Le même thème apparaît alors en mode majeur et se développe peu peu ; la musique s’intensifie pour arriver un majestueux et orchestral forte dont les sonorités rappellent celles d’un orgue d’église. Puis le thème revient sa tonalité mineure d’origine avec un changement d’instrumentation qui mène.
SKU: BT.DHP-1115084-120
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