SKU: BT.DHP-1135392-140
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
Goethe’s Faust has already been set to music by various renowned musicians, such as Berlioz, Busoni and Spohr, and indeed Charles Gounod, who built his eponymous opera around the tale. Gounod’s Faust is primarily known for its lovely melodies and its beautifully expressive vocal parts and subtle orchestrations. One of the high points of this opera is doubtless this impressive Cavatina (“Salut, demeure chaste et pureâ€). Wil van der Beek has arranged the Cavatina with the euphonium as solo instrument.Goethes Faust is in het verleden al door verschillende componisten - waaronder Berlioz en Spohr - op muziek gezet. Ook Charles Gounod gebruikte Faust voor zijn gelijknamige opera. Zijn versie staat bol van prachtige melodieën en uiterst expressieve zangpartijen in een gera_x001C_ffineerde orkestratie. Een van deze hoogtepunten is zeker zijn Cavatina (“Salut, demeure chaste et pureâ€), in deze versie van Wil van der Beek bewerkt voor euphonium en orkest.Goethes Faust wurde schon mehrfach von namhaften Komponisten vertont - darunter Berlioz, Busoni, Spohr und eben auch Charles Gounod, der aus dem Stoff_x001F_ die gleichnamige Oper komponierte. Sein Faust ist vor allem für herrliche Melodien sowie schöne, ausdrucksvolle Vokalpartien und feinsinnige Orchestrierungen bekannt. Einer der Höhepunkte dieser Oper ist zweifellos diese eindrucksvolle Cavatina (Salut, demeure chaste et pure“). Wil van der Beek wählte für seine Bearbeitung das Euphonium als Soloinstrument.Faust, de Goethe a été plusieurs fois mis en musique par des compositeurs célèbres - dont Berlioz, Busoni et Spohr. En s’inspirant de la pièce de Goethe, Charles Gounod composa un opéra connu pour ses belles mélodies, ses chants expressifs et ses orchestrations subtiles. Un des points forts de cet opéra est sans aucun doute cette impressionnante Cavatine intitulée Salut ! Demeure chaste et pure. Wil van der Beek a choisi, pour son arrangement, de confi_x001C_er la partie solo l’euphonium. Un choix judicieux, qui placera votre soliste sous les feux de la rampe gr ce cette cavatine vibrante d’émotion et de sensibilité.Il Faust di Goethe fu più volte messo in musica da compositori famosi quali Berlioz, Busoni, Spohr e Charles Gounod che compose l’opera omonima. Il suo Faust è noto per le belle melodie, le parti vocali particolarmente espressive e la ra_x001F_nata orchestrazione. Uno dei punti di forza di questa opera è senza dubbio l’imponente Cavatina (Salut, demeure chaste et pure). Wil van der Beek ha scelto di arrangiare la sua Cavatina per eufonio solo e banda.
SKU: BT.DHP-1033337-170
A4 (210X297) inches.
Missa Brevis is a major work for choir and brass band for performance in church or in the concert hall. For this mass, there are many performance possibilities depending on the musicians available. In addition to the standard orchestration ofchoir and band a brass quartet can also play the choral parts. For this it is desirable for the brass quartet to be positioned separately from the rest of the band (on a gallery, for example), so that the idea of two choirs is heard. It is alsopossible to perform the work with brass band and organ. A truly flexible religious masterpiece. Choral parts available separately.Missa Brevis, geschreven voor koor en blaasorkest, werd gecomponeerd in opdracht van de Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (dir. Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankrijk), ter gelegenheid van het duizendstegeboortejaar van paus Leo IX. In zijn geboorteplaats, Ãâ°guisheim (Elzas, Frankrijk), vond op 23 juni 2002 de première van deze mis plaats onder leiding van de componist. Het betrof een live-registratie voor de Franse televisiezender France 2. Demisdelen Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus en Agnus Dei lenen zich uitstekend voor zowel de katholieke als de protestantse liturgie. Er zijn voor deze mis diverse uitvoeringsmogelijkheden mogelijk, aangezien er sprake is van eenvariabele bezetting. Een instrumentale uitvoering behoort uitdrukkelijk tot de mogelijkheden, indien het scherp koper de koorpartijen vertegenwoordigt. In deze optie is het wenselijk dat het scherp koper zich separaat opstelt van de rest van hetorkest (bijvoorbeeld op een galerij), zodat het idee van dubbelkorigheid wordt benaderd. Bij een uitvoering voor groot koor werkt het scherp koper zeer goed als ondersteuning. In dat geval kan de dynamiek van het koper iets worden aangepast,aangezien deze in eerste instantie bedoeld is voor een instrumentale versie. Ook kan men ervoor kiezen het scherp koper helemaal weg te laten ten gunste van het koor. Bij begeleiding van kleinere koren kan men kiezen voor een klein ensemble uit hetorkest. Dit kan ook een naar wens samengesteld kwartet zijn. Voor de uitvoering van deze mis ligt het voor de hand een van deze opties te kiezen. Als alternatief is echter ook een uitvoering mogelijk met een combinatie van deze opties (vocaal/instrumentaal) - niet slechts vanuit een artistiek motief (afwisseling), maar ook vanuit een praktisch motief, voor het geval dat het koor bijvoorbeeld slechts twee delen heeft ingestudeerd. Bij een volledige bezetting kan de dirigent deinstrumentatie naar believen afwisselen. Hierbij kan ook het scherp koper in de begeleiding een rol krijgen (in plaats van ondersteuning van het koor). Zo zijn de volgende combinaties mogelijk:
1. clarinet choir (van Es-klarinet tot basklarinet)
2. clarinet choir saxofoons
3. zacht koper (bugels, hoorns, euphoniums, bassen)
4. scherp koper (2 trompetten / 2 trombones)
5. dubbelrieten (eventueel fluit, eventueel contrabas)
6. tutti
7. alle hout
8. alle koper
In een uitvoering voor brassband en koor is het in de meeste gevallen aan te bevelen de optie voor scherp koper weg te laten. Het koor zingt zelfstandig, begeleid door een volledige brassband. In een instrumentale uitvoering kunt u denken aan eencombinatiekwartet (twee cornetten en twee trombones) brassband.Koorpartijen apart verkrijgbaar.Missa Brevis, eine Messe für Brass Band und Chor ad libitum, kann in diversen variablen Spielstärken aufgeführt werden. Zahlreiche mögliche Instrumentenkombinationen diverse mögliche Kombinationen mit großen oder kleineren Chören, lassen eineVielzahl von verschiedenen Aufführungen dieser Messe zu. So kann z. B. ein Blechbläserquartett, von der Kirchenempore herab spielend, die Chorpartien übernehmen. Darüber hinaus ergeben sich durch die Orgelbegleitung weitere Aufführungsvarianten. EineAufstellung der Wahlmöglichkeiten wird vom Komponisten mitgeliefert. Die wunderschöne Musik aus der Feder von Jacob de Haan garantiert in jedem Fall einen gelungenen Auftritt!Chorstimmen separat erhältlich. Missa Brevis est une messe pour Orchestre dââ¬â¢Harmonie et Choeur composée la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France, lââ¬â¢occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX Ãâ°guisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur, et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei) conviennent autant la liturgie catholique quââ¬â¢ la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale, où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas, il est conseillé de placer les cuivres lââ¬â¢Ã©cart de la formation (sur une estrade, par exemple) de façon reproduire lââ¬â¢idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre dââ¬â¢une interprétation avec un grand Choeur, les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites, lââ¬â¢origine, pour une version instrumentale.Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux, il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourlââ¬â¢interprétation de cette messe lââ¬â¢un des choix proposés ci-dessus sââ¬â¢impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant dââ¬â¢un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur nââ¬â¢a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre dââ¬â¢Harmonie), il peut varier lââ¬â¢instrumentation selon ses préférences. ce moment-l , il peut confier un rôle dââ¬â¢accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées :
1. Choeur de Clarinettes (de la Clarinette Mib la Clarinette Basse)
2. Choeur de Clarinettes Saxophones
3. Cuivres (Bugles, Cors, Barytons / Euphoniums, Basses)
4. Cuivres (2 Trompettes / 2 Trombones)
5. Instruments anches doubles (Fl te et Contrebasse cordes optionnelles)
6. Tutti
7. Tous les Bois
8. Tous les Cuivres
Dans le cadre dââ¬â¢une interprétation par un Brass Band accompagné dââ¬â¢un Choeur, il est préférable de supprimer lââ¬â¢option 1 (Choeur Cuivres Orchestre dââ¬â¢Harmonie) car le Choeur étant autonome. Dans une version instrumentale pour Cuivres, il estpossible de former la combinaison suivante : Quatuor (2 Cornets / 2 Trombones) et Brass Band.Partitions pour chà âur disponibles séparément.Parti per coro disponibili a parte.
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In 1725 J.S. Bach composed the cantata BWV79 ‘Gott, der Herr, is Sonn’ und Schild for the celebration of the Reformation. Originally written for 3 vocal soloists, choir and orchestra Cantata No.79 is partially based on the well known hymn Now Thank We All Our God, the melody of which is attributed to Martin Rinckart. This arrangement for concert band by Robert van Beringen combines part of the first movement (Coro) with and ensemble from the third movement (Choral).In 2007 is het zogenaamde Lutherdecennium begonnen, de tien jaar waarin wordt voorbereid op het jubileumjaar 2017. In dat jaar is het vijfhonderd geleden dat Luther zijn 95 stellingen publiceerde. Het jaar 2012 heeft ‘Muziek en Reformatie’als thema. Naast muziek van Luther zelf staan componisten als J. S. Bach en Heinrich Schütz in het middelpunt. Met deze bewerking van de melodie Nun danket alle Gott, die Bach als basis nam voor zijn cantateGott, der Herr, ist Sonn’ und Schild (BWV 79), kunt u in 2012 op gepaste wijze stilstaan bij ‘Muziek en Reformatie’.Seit 2007 läuft die so genannte Luther-Dekade“, eine Veranstaltungsreihe, die auf das Reformationsjubiläum 2017 vorbereitet. Das Jahr 2012 ist innerhalb dieser Dekade dem Thema Musik und Reformation“ gewidmet. Neben Musik von Luther selbst, stehen da Komponisten wie J. S. Bach oder Heinrich Schütz im Mittelpunkt. Mit dieser Bearbeitung der Melodie von Nun danket alle Gott, die Bach als Grundlage seiner Kantate Gott, der Herr, ist Sonn’ und Schild (BWV 79) verwendete, im Repertoire, können Sie Ihren Beitrag zum Jahr Musik und Reformation“ leisten.En 1725, Jean-Sébastien Bach compose la Cantate BWV 79 Gott, der Herr, ist Sonn’ und Schild. La En 1725, Jean-Sébastien Bach compose la Cantate BWV 79 Gott, der Herr, ist Sonn’ und Schild. La Cantate 79 est partiellement basée sur la célèbre hymne chrétienne Nun danket alle Gott. L’arrangement réalisé par Robert van Beringen intègre une partie du premier mouvement (Coro) et l’ensemble du troisième mouvement (Choral) de la cantate. Choral from Cantata N° 79 est une pièce instrumentale mais peut également être interprétée avec un choeur mixte. Les parties pour choeur (en allemand) sont disponibles séparément.Nel 1725, J.S. Bach compose la Cantata BWV79 Gott, der Herr, ist Sonn’ und Schild. La Cantata 79 è in parte basata sul popolare inno cristiano Nun danket Alle Gott. L’arrangiamento di Robert van Beringen incorpora parte del primo movimento (Coro) e l’intero terzo movimento (Choral) della cantata. Chorale from Cantata No. 79 è un pezzo strumentale ma può anche essere eseguito con un coro misto. Le parti per coro (in tedesco) sono disponibili separatamente.
SKU: BT.DHP-1196080-140
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This work for soprano and concert band was originally written for a special occasion: the wedding of one of the composer’s children. It therefore matches another piece written for a similar occasion “I Shall Love But Theeâ€. The lyrics are from the book Respiro Neve by the internationally renowned art photographer Luca Artioli who possesses poetic talent as well. The first movement is stately and serene as where the contrasting allegro is much more dynamic and cheerful, requiring the solid high register of the singer. The conclusion is festive and radiant, partly thanks to the contribution of a piccolo trumpet! This work is a wonderful addition to the bandrepertoire wanting to perform with an excellent vocal soloist! Deze compositie voor sopraan en kamerorkest is net als Van der Roosts eerdere werk I Shall Love But Thee oorspronkelijk geschreven voor een speciale gelegenheid: het huwelijk van een van de kinderen van de componist. De teksten komen uit het boek Respiro Neve van de internationaal gerenommeerde kunstfotograaf Luca Artioli, die ook poëtische talenten heeft. Het eerste deel is statig en sereen: het contrasterende allegro is veel dynamischer en opgewekter en vergt heel wat van de soliste, vooral in het hoge register. Het slot is feestelijk en stralend, mede dankzij de inbreng van de piccolotrompet. Dit werk is een aanwinst voor het repertoire van elk goed orkest datmet een uitstekende soliste wil/kan concerteren! Dieses Werk für Sopran und Blasorchester wurde ursprünglich für einen besonderen Anlass geschrieben: die Hochzeit eines der Kinder des Komponisten. Es passt daher zu einem anderen Stück, das für einen ähnlichen Anlass komponiert wurde: I Shall Love But Thee. Die Texte stammen aus dem Buch Respiro Neve des international renommierten Kunstfotografen Luca Artioli der auch poetisches Talent besitzt. Der erste Satz ist würdevoll und ruhig, wohingegen das gegensätzliche Allegro viel dynamischer und fröhlicher ist und von der Sängerin ein solides hohes Register erfordert. Der Schluss ist festlich und strahlend, auch durch die Verwendung der Piccolotrompete! DiesesWerk ist eine wunderbare Ergänzung zum Repertoire für Blasorchester, die mit einer hervorragenden Gesangssolistin auftreten möchten! Cette Å“uvre pour soprano et orchestre d’harmonie fut écrite, l’origine, pour une occasion bien spéciale : le mariage d’un des enfants du compositeur. Elle s’apparente ainsi une autre pièce écrite pour une occasion semblable, I Shall Love But Thee. Les paroles sont tirées du livre Respiro Neve de Luca Artioli, photographe artistique de renommée internationale qui jouit également d’un talent poétique. Le premier mouvement est majestueux et serein, tandis que l’allegro, très contrasté, est bien plus dynamique et joyeux, et exige un solide registre aigu de la part de la chanteuse. La conclusion est festive et éclatante, en partie gr ce la présence d’une trompettepiccolo. Cette pièce forme ainsi une merveilleuse option pour tout bon orchestre désireux de se produire avec une excellente soliste !
SKU: BT.DHP-1125261-140
Somebody to Love, from rock legends Queen, is one of the most popular rock ballads of all time. Taking its inspiration from gospel choirs, the band’s vocal lines were multiplied many times over to create a full choral sound. This layered effect has been carefully preserved in Peter Kleine Schaars’ powerful arrangement for concert band. Somebody to Love komt van het album A Day at the Races van Queen uit 1976. Het is een rockballad. Ge nspireerd door het gezang van gospelkoren, vermenigvuldigden ze hier de stemmen van Freddie Mercury, Brian May en RogerTaylor tot een gigantisch koor. Dit zorgde voor een heel speciale sound. En juist dit bijzondere geluid weet Peter Kleine Schaars heel goed te behouden in zijn bewerking voor orkest.Somebody to Love ist eine Rockballade aus dem Album A Day at the Races von 1976. Inspiriert vom Gesang von Gospelchören, wurden für die Aufnahme die Stimmen von Freddie Mercury, Brian May und Roger Taylor zu einem riesigen Chor vervielfacht, was für den speziellen Sound des Titels sorgte. Dieses besondere Feeling ist auch in der Blasorchesterbearbeitung von Peter Kleine Schaars sehr schön erhalten. Somebody to Love est une ballade rock de l’album A Day At The Races, sorti en 1976. Somebody to Love comprend une mélodie et des choeurs dans un arrangement Gospel, créé partir de multiples enregistrements des voix de Freddie Mercury, Brian May et Roger Taylor, afin de donner l’impression de se trouver au sein d’un choeur de plus de 100 personnes. On retrouvera cette sensation toute particulière dans l’arrangement de Peter Kleine Schaars. Somebody to Love è una ballata rock dall’album A Day at the Races del 1976. Ispirato dalla musica gospel, le voci di Freddie Mercury, Brian May e Roger Taylor sono state amplificate per divenire un enorme coro gospel. Un arrangiamento molto particolare e di sicuro effetto.
SKU: BT.AMP-225-140
The choir parts are seperately available (order no. AMP 227-050). Hoewel de Engelsen een lange traditie kennen in het zingen van carols zijn veel van de melodieën die er worden gezongen afkomstig van het Europese vasteland - of uit Amerika. Desondanks heeft Philip Sparke een gevarieerde selectievan Engelse melodieën kunnen samenstellen voor dit prachtige ‘Festival of Carols’ - dat zowel met als zonder koor kan worden uitgevoerd.Weihnachten, wie es heute in England gefeiert wird, ist eine relativ junge Tradition aus dem 19, Jahrhundert, die der deutsche Ehemann von Königin Victoria mit in seine neue Heimat brachte. Viele gebräuchliche Weihnachtslieder stammen ebenfalls nichtaus England. Philip Sparke gelang es jedoch, eine abwechslungsreiche Sammlung von Liedern aus seiner Heimat zu diesem schönen englischen Weihnachtslieder-Festival“ zu formen.Die optional einsetzbaren Chorstimmen sind unter der Artikelnummer AMP227-050 separat erhältlich. « La plupart des traditions de Noël en Angleterre sont relativement récentes. Montée sur le trône en 1837, la reine Victoria (née de Hanovre) régnera jusqu’ sa mort en 1901. En 1840, elle épousa son cousin, le prince Albert de Saxe-Cobourg-Gotha. Leprince consort, originaire d’Allemagne, importa bon nombre de traditions de Noël allemandes au Royaume-Uni. Ainsi, il fit découvrir aux Anglais la coutume du sapin et les cartes de Noël, entre autres, contribuant largement au Noël typiquement anglaistel que nous le connaissons aujourd’hui.Bien que les chants de Noël font l’objet d’une longue tradition en Angleterre, de nombreuses mélodies que nous chantons proviennent ducontinent européen ou des États-Unis. Je savais bien que le célébrissimeSilent Night (Douce nuit) était d’origine autrichienne et que Hark, the Herald Angels Sing (Écoutez le chant des Anges) était d’origine allemande. Pourtant, quelle ne fut pas ma surprise d’apprendre qu’Away in a Manger (Sur la paillefraîche) ou encore We Three Kings nous venaient des États-Unis et que Ding, Dong Merrily on High était un noël d’origine française. Quoiqu’il en soit, j’ai réussi constituer un canevas de mélodies anglaises pour réaliser cefestival de chants de Noël. »Philip SparkeRemarques sur l’interprétation : Cet arrangement est adapté pour une interprétation avec ou sans Chœur. S’il est joué par un Orchestre d’Harmonie seul, les parties vocales seront doublées par des partiesinstrumentales.Les tempi indiqués correspondent une interprétation par un Orchestre d’Harmonie seul. Si l’œuvre est donnée avec un Chœur, il est sans doute nécessaire de baisser le tempo en fonction du nombre de choristes et del’acoustique du lieu de concert.Les parties de Chœur (en anglais) sont disponibles séparément (Réf. : AMP 227-050).
SKU: CL.026-4554-00
The famous Austrian holiday folk carol is set in a unique and inviting style and adapted for use by bands with unique instrumentation. Subtle melodic lines in this holiday lullaby, paint a calm and serene musical portrait with all the delightful images of the holiday season. Includes parts for optional vocal solo, duet or choir. This wonderful arrangement is destined to become a standard in the holiday band repertoire.
About Build-A-Band Series
The Build-A-Band Series provides educational and enjoyable music for bands with incomplete or unbalanced instrumentation. Written using just four or five parts (plus percussion), these effective arrangements will work with any combination of brass, woodwind, string and percussion instruments as long as you distribute the parts so that each of the five parts is covered. All of the publications in the Build-A-Band Series have been arranged to be playable with any instrumentation as long as each part is used: 1st Part, 2nd Part, 3rd Part, 4th Part, and Bass Part. (Please note: In some of these arrangements the 4th Part, and the Bass Part are the same, making it possible to play those arrangements with only 4 parts.)
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SKU: BT.1405-07-140-MS
The Carpenters have become icons of American pop culture and have experienced a global popularity since they first appeared on the music scene in the 1970's. This partnership of Richard Carpenter and his sister Karen had an impressive number of huge hits of which I Need to be In Love is one of the most popular. This new arrangement by Kazuhiro Morita is sure to be a highly popular with your audiences utilising the delicious vocal harmonies for which the Carpenters were famed.I Need to Be in Love ist eine Ballade der amerikanischen Gruppe The Carpenters aus dem Jahr 1976. Der sehnsuchtsvolle Titel war tatsächlich sogar das Lieblingslied der Sängerin Karen Carpenter. Dass der Titel im Jahr 1995 erneut erfolgreich veröffentlicht wurde, beweist die Beliebtheit und Zeitlosigkeit dieses wunderschönen Liedes, das Kazuhiro Morita nun in einer Blasorchesterbearbeitung vorlegt. The Carpenters, monument de la culture pop américaine, ont connu un succès planétaire dans les années 70. Ce duo, né de la collaboration entre Richard Carpenter et sa sœur Karen, a collectionné un nombre impressionnant de succès dont I Need to Be in Love. L’arrangement de Kazuhiro Morita dévoile les délicieuses harmonies vocales qui ont fait la notoriété des Carpenters.
SKU: BT.AMP-149-010
Paul and Barry Ryan were identical twin sons of 1950’s pop singer Marion Ryan and were born on 24th October 1948. They were groomed for stardom and had started singing as a duo before their fifteenth birthday. They were signed by Decca in 1965 and brilliantly marketed as clean-cut fashion icons. Their first single ‘Don’t Bring Me Your Heartaches’ reached the UK top twenty but their success as twin performers lasted only three years. In 1968 Barry embarked on a solo career while Paul concentrated on writing and producing. Eloise with its melodramatic vocal style and heavily orchestrated backing was an early success of this new collaboration and went on to be covered by a variety ofartists, including punk legends The Damned. De eeneiige tweelingbroers Paul en Barry Ryan vormden al een zangduo voor hun vijftiende verjaardag. In 1965 tekenden ze een contract bij Decca en werden ze op een briljante manier voor het voetlicht gebracht als keurige mode-idolen,maar hun succes als tweelingartiesten duurde slechts drie jaar. In 1968 begon Barry aan een solocarrière terwijl Paul zich concentreerde op het schrijver- en producerschap. Eloise, een stevig georkestreerd, melodramatischgezongen nummer, was een vroege en succesvolle vrucht van deze samenwerking. De song werd in de loop der tijd vertolkt door diverse artiesten.Paul und Barry Ryan waren die Zwillingssöhne der 50er-Jahre-Popsängerin Marion Ryan. Den beiden Brüdern war eine Zukunft als Popstars in die Wiege gelegt. Bereits vor ihrem 15. Geburtstag traten sie als Duo auf. Später verlegte sich Paul jedoch aufs Songschreiben und Barry trat solo auf. Der Hit Eloise mit seinem melodramatischen Gesangsstil und dem stark orchestrierten Hintergrund ist ein Resultat dieser erfolgreichen Zusammenarbeit und wurde in der Folge von zahlreichen Künstlern neu interpretiert. Philip Sparke machte den Pop-Evergreen nun auch für Blasorchester spielbar.Paul et Barry Ryan étaient jumeaux, nés le 24 octobre 1948, fils de la chanteuse pop des années 1950 Marion Ryan. Formés pour la célébrité, ils ont commencé chanter en duo avant l’ ge de quinze ans. En 1965 ils ont signé un contrat d’enregistrement avec Decca qui a commercialisé leur image soignée d’icônes de la mode. Leur premier single Don’t Bring Me Your Heartaches est parvenu au top 20 du hit-parade britannique, mais leur succès deux n’a duré que trois ans. En 1968, Barry a entrepris une carrière solo tandis que Paul s’est concentré sur la composition et la production. Eloise, avec son style vocal mélodramatique et son accompagnement très orchestral, étaitun succès précoce pour cette nouvelle collaboration. De nombreux artistes l’ont depuis reprise, telles que les légendes du punk The Damned. Figli gemelli di Marion Ryan, celebre cantante pop degli anni ’50, Paul e Barry Ryan si esibivano insieme gi prima di aver compiuto quindici anni.Nel 1965 firmano un contratto con la casa discografica Decca e commercializzano con successo la loro immagine di icone della moda. Il primo single entra nelle top 20 britanniche. Nel 1968, Barry si lancia nella carriera di solista, mentre Paul si concentra sulla composizione e la produzione. Eloise, una canzone dallo stile vocale melodrammatico che si sviluppa su un importante accompagnamento orchestrale, è uno dei primi successi della collaborazione tra i due fratelli.
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UPC: 196288281764.
The Juvavum Fanfare was composed for the closing concert of the first part-time University course in Wind Orchestra Conducting at the renowned Mozarteum University Salzburg, which took place from 2019 to 2021 for the first time. This celebratory opening composition is dedicated to the esteemed course instructor and conductor, Martin Fuchsberger, as well as to all the graduates who successfully completed this program. The name of the fanfare, “Juvavum,” derives from the ancient Roman name for Salzburg. This connection to Salzburg is not only evident in the premiere of the piece at the Mozarteum Salzburg but also in its musical depth. Thematically, the initial fanfare and subsequent lyrical section draw from the melody of Salzburg's regional anthem, “Land uns'rer Väter.” The majestic fanfare echoes the opening intervals of this anthem. From bar 27 onward, a direct citation of the melodic theme can be heard. Both the fanfare motifs and the vocal lines of this anthem are eventually brought together in an exhilarating final ection. The Juvavum Fanfare is ideally suited to ceremonially open concerts and provides an engaging experience for both listeners and musicians alike due to its appropriate length.
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With his arrangement of Drei Könige, originally composed for voices, Robert van Beringen makes a welcome contribution to the christmas repertoire for bands. In this work by the German composer Peter Cornelius (1824 - 1874) the mediaeval choral Wie schön leuchtet der Morgenstern comes to the fore as a counter melody. Robert van Beringen zorgt met deze bewerking van het oorspronkelijk voor vocale bezetting geschreven Drei Könige voor een welkome aanvulling van het kerstrepertoire voor blaasorkest. In dit werk van de Duitse componist PeterCornelius (1824-1874) komt het middeleeuwse koraal Wie schön leuchtet der Morgenstern als tegenmelodie duidelijk naar voren.Dieses von Robert van Beringen meisterhaft bearbeitete Werk, das ursprünglich für Singstimme geschrieben wurde, ist eine willkommene Ergänzung des Weihnachtsrepertoires eines jeden Blasorchesters. In der vom deutschen Komponisten Peter Cornelius (1924-1874) stammenden Fassung tritt der mittelalterliche Choral Wie schön leuchtet der Morgenstern als kontrastierende Melodie deutlich in den Vordergrund. Cette oeuvre, écrite par le compositeur allemand Peter Cornelius (1824-1874) et arrangée par Robert van Beringen, est un enrichissement de chaque concert de Noel. Le choral Wie schön leuchtet der Morgenstern sert de mélodie contrastante et est particulièrement mise en évidence dans cette composition.
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The Adagio is based on a manuscript that was discovered in the Dresden State Library after the Second World War by Remo Giazotto, a Milanese musicologist who was working on Albinoni’s biography at the time. Only the bass line and six bars of melody were found and they probably belonged to the slow movement of a Trio Sonata. In 1945 Giazotti reconstructed the now famous Adagio which has made Albinoni known to a worldwide audience. Das Adagio, so wie es heute weithin bekannt ist, hat eine interessante Geschichte: Es wurde erst im 20. Jahrhundert von einem Musikwissenschaftler aus einem Manuskript Albinonis, welches lediglich Teile einer Melodie enthielt, rekonstruiert. Dennoch ist es gerade das Adagio, das Albinoni in der heutigen Musikwelt berühmt gemacht hat und dessen Wirkung sich auch in diesem gefühlvollen Arrangement von Jacob de Haan niemand entziehen kann. Tomaso Albinoni (1671-1751) est né Venise. Il est le fils aîné d’un riche marchand. Dès son plus jeune ge, il développe un réel talent pour le chant et surtout pour le violon, et se met rapidement composer. Albinoni a vécu et travaillé toute sa vie durant Venise, mais a également séjourné Florence et Munich.Dans sa jeunesse, Albinoni compose de la musique sacrée mais sans grand succès. En 1694, il attire l’attention du public vénitien lors de la représentation de son premier opéra Zenobia, Regina de Palmireni (Zenobia, reine de Palmireni). Ses premières œuvres de musique instrumentale datent de la même année. Par la suite, Albinoni se consacre surtout lacomposition d’œuvres vocales (opéras et cantates) et instrumentales (sonates et concertos).C’est en travaillant sur la biographie d’Albinoni, au sortir de la Deuxième Guerre mondiale, que le musicologue milanais, Remo Giazotto, découvre la Bibliothèque Nationale de Dresde, un manuscrit inédit, sur lequel est basé le célèbre Adagio. Il semblerait que les six mesures de la mélodie et la ligne de basse retrouvées aient constitué un passage d’un mouvement lent d’une sonate trois. Vers 1945, en partant de ces éléments, Remo Giazotto reconstitue une œuvre, célèbre de nos jours, comme l’Adagio d’Albinoni, alors qu’Albinoni lui-même ne serait probablement plus en mesure de reconnaître sa pièce.
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UPC: 073999047332.
Das Adagio, so wie es heute weithin bekannt ist, hat eine interessante Geschichte: Es wurde erst im 20. Jahrhundert von einem Musikwissenschaftler aus einem Manuskript Albinonis, welches lediglich Teile einer Melodie enthielt, rekonstruiert. Dennoch ist es gerade das Adagio, das Albinoni in der heutigen Musikwelt beruhmt gemacht hat und dessen Wirkung sich auch in diesem gefuhlvollen Arrangement von Jacob de Haan niemand entziehen kann. Tomaso Albinoni (1671-1751) est ne a Venise. Il est le fils aine d'un riche marchand. Des son plus jeune age, il developpe un reel talent pour le chant et surtout pour le violon, et se met rapidement a composer. Albinoni a vecu et travaille toute sa vie durant a Venise, mais a egalement sejourne a Florence et a Munich.Dans sa jeunesse, Albinoni compose de la musique sacree mais sans grand succes. En 1694, il attire l'attention du public venitien lors de la representation de son premier opera Zenobia, Regina de Palmireni (Zenobia, reine de Palmireni). Ses premieres œuvres de musique instrumentale datent de la meme annee. Par la suite, Albinoni se consacre surtout a lacomposition d'œuvres vocales (operas et cantates) et instrumentales (sonates et concertos).C'est en travaillant sur la biographie d'Albinoni, au sortir de la Deuxieme Guerre mondiale, que le musicologue milanais, Remo Giazotto, decouvre a la Bibliotheque Nationale de Dresde, un manuscrit inedit, sur lequel est base le celebre Adagio. Il semblerait que les six mesures de la melodie et la ligne de basse retrouvees aient constitue un passage d'un mouvement lent d'une sonate a trois. Vers 1945, en partant de ces elements, Remo Giazotto reconstitue une œuvre, celebre de nos jours, comme l'Adagio d'Albinoni, alors qu'Albinoni lui-meme ne serait probablement plus en mesure de reconnaitre sa piece.
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When writing his tuba concerto, Philip Sparke wanted to create a work which explored the many aspects of the instrument’s technical and vocal qualities but without resorting to caricature. The result is a concerto in two joined movements, which can both be programmed individually, that contains both many lyrical lines together with stunning virtuosic passages. An outstanding concerto that tuba players and brass band audiences alike will enjoy and applaud.De technische en lyrische eigenschappen van het instrument komen in deze compositie optimaal tot hun recht. De componist wilde er namelijk zeker van zijn dat het werk écht een concerto voor tuba zou worden en dat de muziek zou passenbij het instrument in de solistenrol. De solostem in het tweedelige Tuba Concerto bestrijkt bijna drieënhalf octaaf. Beide delen kunnen afzonderlijk worden geprogrammeerd: een langzaam deel en een scherzo.Philip Sparke schuf mit seinem Tuba Concerto ganz bewusst ein Stück, das der Tuba als Soloinstrument voll und ganz gerecht wird. Aus diesem Grund deckt die Solostimme fast dreieinhalb Oktaven ab und nutzt die technischen und klanglichen Qualitäten des Instruments voll und ganz aus. Das Konzert besteht aus zwei zusammenhängenden Sätzen, die beide einzeln aufgeführt werden können: einem langsamen Satz und einem Scherzo. Noten für eine Aufführung mit Tuba und Klavier sind ebenfalls erhältlich.Tuba Concerto est une œuvre de commande pour le facteur allemand Miraphone, spécialisé dans les cuivres. Philip Sparke a composé et dédié cette pièce Markus Theinert, un ami de longue date, qui en a assuré la création le 30 avril 2006 Sigmaringen en Allemagne accompagné par le Brass Band Oberschwaben-Allgäu.L’idée d’un concerto pour tuba a été longuement discutée entre le soliste et le compositeur dont le souci était de créer un véritable concerto développant un matériau parfaitement adapté au rôle solistique de l’instrument, sans tomber dans la caricature. Ainsi, la partie soliste couvre trois octaves et demie et exploite pleinement les qualitéstechniques et expressives de l’instrument.Tuba Concerto est une composition en deux mouvements joints qui peuvent également être joués séparément. Le premier mouvement débute lentement puis s’accélère progressivement. La cadence annonce la réexposition du matériel thématique initial. Le second mouvement, écrit en forme de scherzo, semble plus résolu mais chemine vers plus de légèreté. La reprise du matériel thématique initial offre une conclusion efficace et puissante.Ce concerto est également disponible dans une version pour Tuba solo et Brass Band (AMP 173-030) et Tuba solo et Piano (AMP 187-401).
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NABUCCO, a retelling of the biblical story of Jewish exile under the Babylonian King Nebuchadnezzar, was Giuseppe Verdi's (1813-1901) first major operatic success, and was written reluctantly, following a difficult period in the composer's life. Having lost his young wife, Margherita, in the summer of 1840, and seeing his second opera, UN GIORNO DI REGNO, fail disastrously, closing after only a single performance in September 1840, Verdi was left understandably depressed and prepared to give up on music altogether. However, Bartolomeo Merelli, who ran the famed Milan opera house, La Scala, urged Verdi to write another opera. Verdi wrote Nabucco in 1841, and it was an instant commercial and critical success upon its premiere in 1842. Instrumentation: 2(2nd dPicc).2(1st d.EH).2.2: 4.2.3.1: Timp: Perc(2-3): Hp(2): Str(4-4-3-3-3 in set): Banda(0.0.3.0: 3.3.3.2: 2Basses: Perc[3]): Vocal Soli (8 roles, SSATTBBB): Mixed Chorus.
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Freedom's Sword tells the tale of battle and reconciliation between two lands, deriving themes from the well-known Scottish song Ca' the yowes. Horn calls and pounding drums set the tone for the battle scenes while a dreamy alto saxophone solo creates an air of optimism.This work was originally commissioned by Nigel Boddice for the West Lothian Schools Brass Band to play at the European Youth Brass Band Championships in 1997 entitled Devolution to celebrate the setting up of the new Scottish Parliament. It appears in this revised version for Concert Band with the title Freedom's Sword. The opening section recalls days gone by when the Scots and English fought many a battle. The themes are derived from the well-known haunting song Ca' the yowes. The horn calls and off-stage percussion sound of a distant battle and it gradually comes closer. The centre section creates a mood of reconciliation with a dreamy Alto Saxophone solo. The last section now looks ahead with optimism and various bright dance themes appear based on traditional Scottish reel tunes, one of which is a two-part vocal scat section The piece then heads for its conclusion including a full statement of the main theme.
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Das Adagio, so wie es heute weithin bekannt ist, hat eine interessante Geschichte: Es wurde erst im 20. Jahrhundert von einem Musikwissenschaftler aus einem Manuskript Albinonis, welches lediglich Teile einer Melodie enthielt, rekonstruiert. Dennoch ist es gerade das Adagio, das Albinoni in der heutigen Musikwelt berühmt gemacht hat und dessen Wirkung sich auch in diesem gefühlvollen Arrangement von Jacob de Haan niemand entziehen kann. Tomaso Albinoni (1671-1751) est né Venise. Il est le fils aîné d’un riche marchand. Dès son plus jeune ge, il développe un réel talent pour le chant et surtout pour le violon, et se met rapidement composer. Albinoni a vécu et travaillé toute sa vie durant Venise, mais a également séjourné Florence et Munich.Dans sa jeunesse, Albinoni compose de la musique sacrée mais sans grand succès. En 1694, il attire l’attention du public vénitien lors de la représentation de son premier opéra Zenobia, Regina de Palmireni (Zenobia, reine de Palmireni). Ses premières œuvres de musique instrumentale datent de la même année. Par la suite, Albinoni se consacre surtout lacomposition d’œuvres vocales (opéras et cantates) et instrumentales (sonates et concertos).C’est en travaillant sur la biographie d’Albinoni, au sortir de la Deuxième Guerre mondiale, que le musicologue milanais, Remo Giazotto, découvre la Bibliothèque Nationale de Dresde, un manuscrit inédit, sur lequel est basé le célèbre Adagio. Il semblerait que les six mesures de la mélodie et la ligne de basse retrouvées aient constitué un passage d’un mouvement lent d’une sonate trois. Vers 1945, en partant de ces éléments, Remo Giazotto reconstitue une œuvre, célèbre de nos jours, comme l’Adagio d’Albinoni, alors qu’Albinoni lui-même ne serait probablement plus en mesure de reconnaître sa pièce.
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The pop song Good Vibrations, which appeared as a single in 1966, is one of the most celebrated hits of The Beach Boys. The piece, composed and produced by Brian Wilson, has been called a mini symphony. Various covers versions have been made, including a marvellous a cappella version by the King’s Singers. This arrangement by Don Campbell is just as delightful as the original. De popsong Good Vibrations, die op single verscheen in 1966, is een van de bekendste hits van de beroemde Amerikaanse Beach Boys. Het door Brian Wilson gecomponeerde en geproduceerde nummer is wel eens een minisymfonie genoemd.De kenmerkende sound, met de bijzondere, gevarieerde instrumentatie en herkenbare vocals, doet het ook tegenwoordig nog goed. Er zijn diverse covers van de song gemaakt, onder andere een prachtige a-capellaversie van de BritseKing’s Singers. Dit arrangement voor harmonieorkest, van de hand van Don Campbell, is net zo pakkend als het origineel.Dieser Hit der American Beach Boys, geschrieben und produziert von Brian Wilson, hat den Beinamen Mini Symphonie“ erhalten. Der typische Sound und die außergewöhnliche und abwechslungsreiche Instrumentierung sind auch in der Bearbeitung von Don Campbell erhalten. Les quatre premiers vers de cette célèbre chanson des Beach Boys résument merveille les différentes vibrations ou natures d'ondes qui existent autour de nous : lumineuses, mécaniques, chimiques, etc. Composée et produite par Brian Wilson, le génie musical du groupe, Good Vibrations (1966) connaît un succès fulgurant dans le climat psychédélique ambiant. Il se classe n°1 dans la plupart des pays du monde et devient un des hymnes du mouvement hippie naissant.
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Stufen, een compositie voor sopraan en harmonieorkest, is gebaseerd op een filosofisch gedicht van de Duits-Zwitserse dichter en schrijver Hermann Hesse (1877-1962). In dit gedicht staan de levensfasen van de mens centraal.Jacob de Haan heeft zich voor Stufen onder meer laten inspireren door de laatromantische muziek van componisten als Richard Wagner en Richard Strauss. De melancholie in het werk wordt in evenwicht gehouden door een fraaiemajeurstemming.Wie jede Blüte welkt und jede Jugend dem Alter weicht, blüht jedeLebensstufe, blüht jede Weisheit auch und jede Tugend zu ihrer Zeit und darf nicht ewig dauern“. So beginnt ein Gedicht mit dem Titel Stufen von Hermann Hesse über Aufbruch und Abschied, Geburt, neue Lebensabschnitte und Tod, das Jacob de Haan sich zum Thema dieses Blasorchesterwerks nahm. Ebenso ungewöhnlich und interessant wie das Thema ist auch die Besetzung der Solostimme. Ein Glanzpunkt in Ihrem Konzertprogramm!Stufen (Degrés) est une composition pour Soprano ou Mezzo-soprano et Orchestre d’Harmonie, basée sur le poème philosophique éponyme du romancier et poète germano-suisse, Hermann Hesse (1877-1962). Le poème évoque les différentes étapes de la vie. La trame musicale de Jacob de Haan porte la marque de la musique post-romantique de Richard Wagner et Richard Strauss.Stufen est placé sous le signe d’un adieu qui fait la part belle la mélancolie - motif premier qui détermine l’essentiel du climat musical. Le passage instrumental final se développe comme un contrepoids la tristesse. La musique change de couleur, l’atmosphère est sereine et apaisante : de Lamineur, nous passons en Do Majeur, tonalité pure, innocente et lumineuse. L’accord brisé de trois sons (Do Majeur) dans un mouvement ascendant et l’accord lumineux des fl tes et des hautbois apportent une touche aérienne au développement.
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This piece for young band will frighten not only the audience but the players also! There are rumours of musicians disappearing during the rehearsals of this piece, never to be found... It is said, however, that singing loudly in the vocal passages provides protection from nasty surprises. Monsters was awarded first prize in the Symphonic Wind Composers Project composition competition. (Grade 2) Dur: 4:15 (Mitropa).
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The hymn Nun ruhen alle Walder (Now All Forests Rest), arranged by J.S. Bach (No. 6, So sei nun, Seele, deine, from Cantata BWV 13), is a guiding light throughout this four-movement composition. Pütz wrote this work as a musical outcry against the wilful, profit-driven destruction of our environment. When Bach used the word ruhen (to rest) over 350 years ago, it probably had a different nuance from the meaning it has today. At the beginning of the 21st century - the so-called age of progress - nun ruhen alle Walder should mean now all forests die . Massive industrialization and globalization, coupled with pure greed, corruption, political scandals, an ever-wideninggap between the rich and poor, and other such senseless human actions, are pushing our blue planet closer and closer to the point of no return. This work is not intended to be a ranting accusation. It should remind us of the beauty and harmony that can exist all around us in nature, if we take care of it. Pütz hopes that this will, one day, help put a greater emphasis on humanity's survival, and coexistence with nature rather than the exploitation described earlier. All four texts were created by Australian poet Graeme King, whose works were discovered by Pütz, by chance on the internet. Pütz was especially captivated by King's clarity, and intrigued by the possibilities of adapting and melding the strong rhythmical structure of King's writing with his own musical language. The four movements are as follows: 1. Tears of Nature 2. Grrrevolution 3. Stand up! 4. Tomorrow The world premiere of Four Earth Songs took place on 7 July 2009 at the 14th WASBE-Conference in Cincinnati (USA). This work is dedicated in friendship to Jouke Hoekstra, conductor, and the Frysk Fanfare Orkest (the Frisian Fanfare-Orchestra). De hymne Nun ruhen alle Walder, gearrangeerd door J.S. Bach (nr. 6, So sei nun, Seele, deine, uit cantate BWV 13), is de leidraad in deze vierdelige compositie. Putz schreef het werk als een muzikaal protest tegen de moedwillige,op winstbejag gebaseerde vernietiging van ons milieu. Toen Bach het woord 'ruhen' (rusten) meer dan 350 jaar geleden gebruikte, lag er waarschijnlijk een andere nuance in dan tegenwoordig. Aan het begin van de 21e eeuw - dezogenaamde eeuw van de vooruitgang - zou 'nun ruhen alle Walder' zelfs kunnen betekenen: 'nu sterven alle bossen'. De grootschalige industrialisatie en globalisering, in combinatie met pure hebzucht, corruptie, politieke schandalen,een groeiende kloof tussen arm en rijk, en andere dwaze menselijke verrichtingen, brengen onze blauwe planeet steeds verder in de problemen, tot er misschien geen weg terug meer is. Dit werk is niet bedoeld als een beschuldigendetirade. Het moet ons wijzen op de schoonheid en harmonie die in de natuur om ons heen kan bestaan, als we er goed voor zorgen. Putz hoopt dat er op een dag meer nadruk gelegd zal worden op het overleven van de mensheid invreedzame co-existentie met de natuur, zonder de eerdergenoemde uitbuiting. Alle vier de teksten zijn geschreven door de Australische dichter Graeme King, wiens werk Putz bij toeval tegenkwam op het internet. Hij werd getroffendoor Kings helderheid en raakte geintrigeerd door de mogelijkheid de sterke ritmische structuur van Kings teksten om te zetten in zijn eigen muzikale taal. De vier delen zijn de volgende: 1. Tears of Nature 2. Grrrevolution 3.Stand up! 4. Tomorrow De wereldpremiere van Four Earth Songs vond plaats op 7 juli 2009 tijdens de 14e WASBE Conference in Cincinnati (VS). Dit werk is in vriendschap opgedragen aan dirigent Jouke Hoekstra en zijn Fryskt FanfareDer Choral Nun ruhen alle Walder, hier in einer Bearbeitung von J.S. Bach (Nr. 6 So sei nun, Seele, deine aus der Kantate BWV 13), zieht sich wie ein roter Faden durch diese viersatzige Komposition, die als musikalischer Aufschrei (Anfang!) gegen die mutwillige, profitgesteuerte Zerstorung unserer Umwelt gedacht ist. Sicher hatte das Wort ruhen vor über 350 Jahren, als der Liedtext entstand, eine andere Bedeutung als heute. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts, im sogenannten Zeitalter des Fortschritts, müsste es leider wohl eher heissen: Nun sterben alle Walder... Massive Industrialisierung, Globalisierung, aber auch Profitgier, Korruption, politische Unfahigkeit,krasse Unterschiede zwischen arm und reich, und schlussendlich die Uneinsichtigkeit des einzelnen Menschen haben dazu geführt, dass der Blaue Planet heute kurz vor dem Kollaps steht. Dieses Werk soll jedoch nicht nur anklagen, es soll auch die verbliebenen Schonheiten unserer Natur aufzeigen, in der Hoffnung, dass es einmal gelingen wird, die Rettung der Natur und den Schutz der Umwelt über die oben genannten Interessen zu stellen. Alle vier Texte stammen aus der Feder des australischen Dichters Graeme King, dessen Werk der Komponist durch einen glücklichen Zufall im Internet entdeckte. Besonders inspirierend war die Direktheit von Graemes Aussagen, aber auch die kraftvolle Rhythmik seiner Verse mit den daraus resultierenden Moglichkeiten der musikalischen Umsetzung. Die vier Satze sind wie folgt überschrieben: 1. Tears of Nature 2. Grrrevolution 3. Stand up! 4. Tomorrow Die offizielle Uraufführung von Four Earth Songs fand am 7. Juli 2009 statt, anlasslich der 14. WASBE-Konferenz in Cincinnati (USA). Das Werk ist dem Dirigenten Jouke Hoekstra und dem Frysk Fanfare Orkest (Friesischen Fanfareorchester) in aller Freundschaft gewidmet. Le cantique Nun ruhen alle Walder, dont la ligne melodique fut reprise par Jean-Sebastien Bach pour son choral So sein nun, Seele, deine (Choral ndeg6 - Cantate BWV 13), est le fil conducteur de cette oeuvre en quatre mouvements concue comme un cri contre la destruction volontaire de la nature pour le profit. Plus de trois siecles nous separent du temps de Bach. Si les mots sont restes les memes, leur sens primitif connait cependant quelques nuances. Ainsi, au XXIe siecle - considere comme le << siecle du progres >>, il conviendrait de traduire Nun ruhen alle Walder (les forets se reposent ) par Les forets se meurent. La mondialisation et l'industrialisation massiveassociees a l'avidite predatrice, a la corruption politique, aux actions humaines irrationnelles et au fosse grandissant entre riches et pauvres conduisent notre planete bleue a se rapprocher chaque jour un peu plus du point de non retour. Cette composition n'est pas une accusation acerbe, mais plutot une exhortation a prendre soin de cette beaute si harmonieuse que nous offre la nature. Et peut-etre, prendrons-nous enfin conscience de l'importance d'une situation de coexistence avec la nature, necessaire pour la survie de l'espece humaine, et non d'exploitation qui conduit a la destruction. Un jour, alors qu'il naviguait sur Internet, Marco Pütz decouvrit l'oeuvre du poete australien Graeme King. Fascine par la clarte de l'ecriture et le rythme des vers, Marco Pütz imagina les multiples possibilites d'adaptation et de mise en musique qu'offrent les poemes de King. Il choisit quatre poemes sur la nature pour creer son oeuvre Four Earth Songs (Quatre chants de la terre). 1. Tears of Nature (Les larmes de la Nature) 2. Grrrevolution 3. Stand up! (Levez-vous !) 4. Tomorrow (Demain) Four Earth Songs est dedie amicalement a l'Orchestre de Fanfare de Frise (Frysk Fanfare Orkest) et a son chef, Jouke Hoekstra. L'oeuvre a ete donnee en creation mondiale par l'orchestre dedicataire a l'occasion de la 14eme Convention de la WASBE a Cincinnati aux.
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