Création
30/07/2018 - La Grave, Festival Messiaen au Pays de la Meije, Eglise - Fiona McGown (mezzo), Yan Levionnois (violoncelle), Anne Le Bozec (piano)
Commanditaire
Festival Messiaen au pays de la Meije
Dédicace
à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown
Notice
Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown.
Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ( La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique ). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems.
Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939).
Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie ; le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie ; un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse.
La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante.
Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point.
La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro.
Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ( L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe ). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. Le meilleur ouvrier est mort , mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle.
Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle.
Camille Pepin / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / Editions musicales Rubin

Par BEATLES THE. In over one thousand pages, the complete music and lyrics, in full 'rock score' transcriptions, of all the 203 songs they wrote and recorded as The Beatles, plus nine by others which they covered on their early albums. All transcribed with separate staves for vocals, each guitar (in tab and standard notation) and all other instruments...the essential Beatles collection. / Niveau : Intermédiaire / Rép International / Recueil / Conducteur

Par BRITTEN BENJAMIN. Paramètre de Britten du poème de Edith Sitwell ' Louange nous grands hommes ', a été laissé inachevé à sa mort. Elle a été étant écrite pour Mstislav Rostrpovich d'inclure dans sa première saison avec le National Symphony Orchestra de Washington D.C, en 1977. Le mauscript brise d'après 118 barres, près de la fin de la cinquième une sections dix prévu. Le fragment équivaut donc au plus de la moitié du travail, mais il est entièrement composée. Deux autres bars ont été trouvés esquissé dans l'un des ordinateurs portables de Britten et ont été ajoutées à ce score en 1985, quand elle a été révisée par le compositeur, Colin Matthews, avant de son premier spectacle./ Répertoire / Conducteur

Création
20/07/2016 - Paris, Archives nationales, Festival Jeunes Talents - Marie-Laure Garnier (soprano), Anna Besson (flûte), Augustin Gorisse (cor anglais), Louise Lapierre (basson), Guillaume Sigier (piano)
Commanditaire
Festival Jeunes Talents 2016
Notice
Textes de Charles Baudelaire (in Les Fleurs du mal)
A une époque où foisonnent de nombreuses et pourtant si diverses esthétiques musicales, aucune direction ne semble réellement s'imposer. Si l'on associe au XXème siècle une période de bouleversements idéologiques, on l'associe également avec des phénomènes de ruptures. Pourtant, Henri Dutilleux, traverse ce siècle avec une grande sérénité. Sans jamais dévier du chemin unique qu'il se trace, il enchaîne les compositions à la fois sublimes et personnelles...
Ses univers poétiques - dont je me sens très proche - se renouvellent sans cesse : nocturnes (La Nuit Etoilée, Ainsi la Nuit, l'Arbre des Songes...), rituels (Incantatoire et Obsessionnel dans ses Métaboles), ou encore son travail sur la lumière (ses magnifiques Shadows of Time). Sa conception coloriste de l'harmonie et la liberté avec il l'emploie, son orchestre foisonnant, ces nappes vibrantes, ce travail si riche sur le timbre et l'espace ou encore ce lyrisme intense mais toujours contenu, participent à l'élaboration d'un langage profondément personnel et prégnant qui traverse l'intégralité de son oeuvre.
La vraie leçon de Dutilleux pour les jeunes compositeurs, c'est - comme Debussy avant lui, ou Thierry Escaich aujourd'hui - la singularité. Ce qui me fascine littéralement chez Henri Dutilleux, c'est la façon dont il s'approprie un héritage musical fort, à la fois par sa sensibilité et au moyen d'un artisanat méticuleux. Et si Dutilleux est un compositeur singulier, il s'agit d'une singularité intemporelle.
Lui rendre hommage est à la fois un honneur, un plaisir immense, mais également l'occasion de rendre hommage à la voie qu'il a ouverte et à l'exemple qu'il représente pour nous aujourd'hui - hommage que je suis ravie de partager avec quatre autres compositeurs.
C'est tout naturellement que je me suis tournée vers la littérature de Charles Baudelaire, correspondant à la fois mon univers et à celui onirique d'Henri Dutilleux.
Mes sonnets sont écrits pour quintette (soprano, flûte alto, cor anglais, basson et piano). La formation instrumentale imposant la famille des bois m'a orientée vers la nature avec La Géante. La Cloche fêlée m'inspirait par son sens et Le Flambeau vivant par son caractère incantatoire.
Les sonnets expriment des visions différentes : la première plutôt fantastique - celle d'une géante magnifique dans la Nature ; la seconde mystique et processionnelle ; et enfin, le spleen intérieur par la métaphore d'une cloche ébréchée. Cependant, je les ai conçus de la même manière : tous trois travaillent ainsi le phénomène de nappes sonores vibrantes et entêtantes. Cela confère à l'ensemble son côté hypnotique, sensation intense que je retrouve à la lecture des sonnets baudelairiens, comme à celle de la musique de Dutilleux.
Camille Pépin (mai 2016) / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Joseph Haydn
Symphonie en Si bémol majeur Hob. I:98
Robert v. Zahn (Editeur)
Friederike Mühle (Préface)
Les douze «Symphonies londoniennes» forment le sublime accord final de l’œuvre symphonique de Haydn. Elles ont été conçues pour l’imprésario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations, lorsqu’il se rendit, en 1791/1792 et 1794/1795, pour quelque temps dans la métropole anglaise. La première audition de la Symphonie en Si bémol majeur n° 98, en 1792, fut couronnée d’un tel succès que les premier et dernier mouvements, allegro, durent même être bissés. Haydn était au pupitre de cette exécution - comme c’était alors l’usage - depuis son clavier, avec lequel il soutenait convenablement l’orchestre. Dans le Finale de cette symphonie, le compositeur se réserva, exceptionnellement, l’occasion d’un petit solo personnel d’accords arpégés, qui ne manqua pas de produire son effet sur le public.
L’Édition d’étude reprend le texte musical de l’Édition intégrale des œuvres de Haydn et garantit ainsi la plus haute qualité scientifique de publication. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition maniable l’accompagnateur idéal de tous les fans de Haydn, comme de ceux qui souhaitent le devenir. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / HENLE VERLAG

Dans sa Fantaisie Ballade pour harpe à pédales, unique œuvre connue de l’auteur pour la harpe Érard solo, La Tombelle n’emprunte pas directement son thème principal à un chant traditionnel précis, mais nous joue l’artifice d’écrire une musique dans l’esprit des ballades anciennes. Le sens de ballade à privilégier dans cette partition est celui de la vision qu’en donne le xixe siècle avec une forme plutôt libre (ce qu’accentue le terme « fantaisie ») et aux accents parfois mélancoliques. Bien que la mélodie principale de cette pièce soit formée de trois phrases musicales, comme le nombre de strophes de certaines ballades médiévales, il manque ici un envoi récurrent qui pourrait démontrer un hommage explicite à la forme poétique prisée par Machaut ou Villon.
La présente édition se fonde sur un brouillon autographe non daté, sauvé de sa lente mais certaine destruction dans un sombre grenier, demeure de colombidae plus amateurs de roucoulements que de musique, pour être placé aux archives du diocèse de Périgueux et Sarlat. Le manuscrit, malgré l’écriture claire de La Tombelle, possède un certain nombre de repentirs ainsi que des indications sur le fonctionnement de la harpe à pédales. Quelques oublis ont été corrigés ainsi que certaines précisions concernant les changements de pédales. Concernant les deux glissandos que comporte la pièce (mesures 92 et 151), le compositeur a noté sous la portée les « sons homophones ». Le premier correspond donc à une septième diminuée (la-si #-do-ré #-mi b-fa #-sol b) et le second terminant l’œuvre, à une échelle pentatonique (sol-la-si-do b-ré-mi-fa b).
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / Symetrie

The Richard Wagner Complete Edition presents the composer's entire output for the first time in a reliable form. The conductor Michael Balling, in the early years of the 20th century, attempted to make Wagner's work more accessible for research and performance, but the edition only reached 10 volumes - some with grave shortcomings - and was discontinued after Balling's death in 1925. A further attempt at a complete edition by Otto Strobel was abandoned at the preliminary stages.This third attempt at a complete edition will be the first scholarly, critical edition, based on an evaluation of all the accessible source materials and the latest findings of serious Wagner research. As the edition is also intended for practical performance, the musical text has been kept free of philological insertions - these are listed in the appendices of each volume in the Critical Commentary. Numerous, partly unpublished works - some relatively unknown - and variant versions are published here for the first time. The edition presents authentic texts for Wagner specialists and researchers and critically based performing materials. Contrary to widely held opinions, even the well-known works of Wagner are not necessarily available in reliable editions. The genesis, history and performances directed by Wagner himself are extensively documented so as to present as complete an image as possible of Wagner's compositional intentions. / Conducteur

Couverture Rigide. Par HAENDEL GEORG FRIEDRICH. Handel's 'Il pastor fido”, HWV 8a, is the most modest of his Italian operas: With over half of its numbers drawing from musical material of earlier Italian cantatas, the work deliberately reflects the pastoral style of the Italian serenata. In order to capture the simplicity of this approach to form, Handel made use of several different techniques, such as a consistent use of high vocal registers, an abundance of monothematic da capo arias, and an overall prevalence of held-back arias. 'Il pastor fido” did not lend itself particularly well for an opera adaptation: Reducing the original text to the scale of an opera libretto posed an immense challenge. With drastic cuts, Handel's librettist Rossi condensed five acts with eighteen characters into three acts with only six roles. The libretto – a paltry sketch of the complex original drama – was not well received. But Rossi had actually done his best to add a sense of coherence to the story while preserving at least some of Guarini's poetic language. This 'Halle Handel Edition' volume compares several sources that were not available for earlier editions. Amongst other things it presents the first modern edition of the complete overture, the complete stage instructions from the libretto, and an alternative ending for the duet of Mirtillo and Amarilli in the third act./ Répertoire / Conducteur

Joseph Haydn
Symphonie en Si bémol majeur Hob. I:102 (Symphonie de Londres)
Hubert Unverricht (Editeur)
Ulrich Wilker (Préface, Commentaire critique)
Edition Urtext, Studien-Edition (partition de poche), reliure paperback
Les douze «Symphonies londoniennes» forment le sublime accord final de l’œuvre symphonique de Haydn. Elles ont été conçues pour l’imprésario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations, lorsqu’il se rendit, en 1791/1792 et 1794/1795, pour quelque temps dans la métropole anglaise. Remplie d’énergie, la Symphonie en Si bémol majeur n° 102 fait partie du groupe des trois dernières symphonies qui furent créées au printemps 1795. Haydn renonce ici exceptionnellement aux clarinettes, qui se trouvent en revanche présentes dans toutes les autres dernières symphonies. Exceptionnelle est aussi l’instrumentation de l’Adagio, dans lequel Haydn introduit des trompettes et des timbales, toutes deux avec sourdines. L’Édition d’étude reprend le texte musical de l’Édition intégrale des œuvres de Haydn et garantit ainsi la plus haute qualité scientifique de publication. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition maniable l’accompagnateur idéal de tous les fans de Haydn, comme de ceux qui souhaitent le devenir. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / HENLE VERLAG

Une de mes premières pièces pour orchestre s'intitulait Altitude 8000. J'avais eu, alors, l'occasion de survoler les Alpes un matin d'hiver, entre Paris et Nice, et j'avais été fasciné par le spectacle des montagnes enneigées, rosies par le soleil matinal. Le mouvement lisse de l'avion contrastait avec les sommets tourmentés et déchiquetés. Toutes ces sensations devinrent les textures musicales d'Altitude 8000 (8000 se référait bien sûr à l'altitude de vol de l'avion). Cette pièce était la pièce un peu maladroite d'un étudiant en composition musicale... mais j’ai aimé revenir sur ce sujet, et essayer de célébrer à nouveau la vision des glaciers et neiges éternelles.
Hélas, depuis l'époque où Altitude 8000 fut écrite, neiges et glaciers ont commencé à fondre... Je pense par exemple au glacier de La Meije (que Messiaen aimait tant, et que j'ai souvent contemplé) : il a régressé de plusieurs centaines de mètres, on voit encore son ancienne trace parmi les rochers.
Mais où sont les neiges d’antan ? s’interroge François Villon au XVème siècle, dans un vers devenu célèbre et souvent répété, utilisé de maintes façons. La question de Villon était rhétorique, mais on peut l’interpréter aujourd’hui de manière très littérale... où sont donc en effet les neiges d’antan ?
Les images sonores de la pièce : grands espaces, tintements de la transhumance (grâce à l’analyse spectrale des tintements multiples et rythmés des cloches des troupeaux de vaches), brillance des altitudes, mais, en contraste, dégels et effondrements...
Tristan Murail / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / LEMOINE

Le point de départ : une sorte de triangulation, toute personnelle, et spatio-temporelle : Pétrarque, Liszt, Fontaine-de-Vaucluse. Je m'explique : trois pièces des Années de pèlerinage de Liszt sont inspirées de 3 Sonnets de Pétrarque - trois pièces merveilleuses, parmi mes favorites dans ce recueil. Pétrarque vécut de longues années à Fontaine-de-Vaucluse, tourmenté par son amour impossible pour Laure, qui lui inspira son monumental Canzaniere, recueil de 366 poèmes, dont les sonnets choisis par Liszt.
Fontaine-de-Vaucluse se trouve à une vingtaine de minutes de voiture de ma résidence actuelle. C'est là que prend source la Sorgue (René Char, Boulez...) dans une résurgence spectaculaire, au fond d'un val fermé par la montagne : la vallée close, vallis clausa en latin, en provençal vau-clusa (fontaine étant à prendre dans son sens étymologique de source, fons en latin).
Pétrarque et Liszt, dans leur domaines et époques respectifs, furent de grands innovateurs. La poésie de Pétrarque surprend par son romantisme et l'expression, parfois paroxystique, des sentiments, le piano de Liszt surprend par son audace timbrale et harmonique - et le bouillonnement de la Sorgue à sa résurgence surprend dans un paysage provençal accoutumé à plus de calme et moins d'humidité...
Les textes de la pièce sont donc tirés des trois sonnets choisis par Liszt : numéros 47 (Benedetto sia 'I giorno...), 104 (Pace non trovo...), et 123 (I' vidi in terra...). Mais les textes sont entremêlés jusqu'à un certain point, et quelques strophes n'ont pas été utilisées (voir les textes en annexe). Les poèmes sont en toscan ancien, qui diffère légèrement de l'italien moderne. lls sont écrits en vers endécasyllabes, qui s'articulent sur les accents toniques de la langue italienne (ou toscane). Ce qui entraîne quelques conséquences pour la prosodie, et donc le rythme (par exemple, si un mot terminé par une voyelle - ce qui est généralement le cas en italien, sauf s'il y a élision - est suivi d'un mot commençant par une voyelle, les deux syllabes sont réunies et comptent pour un seul pied). Je me suis efforcé, sans systématisme, de tenir compte de ces particularités dans l'écriture vocale.
ll n'y a pas de référence musicale précise aux pièces de Liszt, mise à part l'introduction rythmique des cordes dans les sections basées sur Pace non trovo, qui pourrait rappeler les mesures introductives du 104ème Sonnet.
Tristan Murail / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / LEMOINE

Par BENJAMIN GEORGE. Figures piano a été conçu pour les mains des jeunes pianistes. La plupart des mouvements courts twn ne présente pas de grands défis techniques, bien que quelques exigent un degré de virtuosité. A toutes les époques, cependant, désir du compositeur était aux idées de l'Etat et les humeurs de capture la manière la plus directe et econimical possible. Les Figures piano a été commandé par la Philharmonie Luxembourg, et la première représentation a il y a été donnée par Pierre-Laurent Aimard le 18 mai 2006./ Répertoire / Conducteur

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Wolfgang Amadeus Mozart's horn concertos: the Mozart expert Henrik Wiese edits the central work genre of Viennese classicism according to the current status of international Mozart research. Mozart wrote the Horn Concerto K. 417 - like the other works of this genre as well - for his horn-playing friend Joseph Leutgeb. The jokes which the composer made at Leutgeb's expense are wellknown. For example, he called the dedicatee a 'donkey” in the autograph, and, as Henrik Wiese evidences in his preface, Mozart also occasionally enjoyed a bit of tomfoolery with the soloist in the musical text as well. Otherwise the editor's task was anything but amusing. The main source - the autograph score - is incomplete: missing are the close of Movement I as well as the entire slow middle movement. For these two sections, Wiese used a copy of the score from the archive of the publisher Johann André. The unusual circumstance that Mozart generally left the horn part almost unmarked recurs in the Concerto K. 417 and was deliberately maintained in the Urtext edition./ Répertoire / Conducteur

The first performance was given by the London Sinfonietta conducted by Oliver Knussen in the Barbican Hall London on 11 February 1994.