Par MOZART WOLFGANG AMADEUS. Wolfgang Amadeus Mozart's horn concertos: the Mozart expert Henrik Wiese edits the central work genre of Viennese classicism according to the current status of international Mozart research. Mozart wrote the Horn Concerto K. 417 - like the other works of this genre as well - for his horn-playing friend Joseph Leutgeb. The jokes which the composer made at Leutgeb's expense are wellknown. For example, he called the dedicatee a 'donkey” in the autograph, and, as Henrik Wiese evidences in his preface, Mozart also occasionally enjoyed a bit of tomfoolery with the soloist in the musical text as well. Otherwise the editor's task was anything but amusing. The main source - the autograph score - is incomplete: missing are the close of Movement I as well as the entire slow middle movement. For these two sections, Wiese used a copy of the score from the archive of the publisher Johann André. The unusual circumstance that Mozart generally left the horn part almost unmarked recurs in the Concerto K. 417 and was deliberately maintained in the Urtext edition./ Répertoire / Conducteur

Par ARNOLD MALCOLM. Hugo Cole says '. . .a serious and substantial work. . .The slow movement, based on a dramatic unison, reminds us that Berlioz is one of Arnold's favourite composers. With the art that conceals art, Arnold makes us forget the limitations of the medium, and exploits these players' particular skills in ways that make it seem as though the skills must have been acquired to do justice to the piece'. The Guardian, 10th July 1979 / Niveau : Assez Facile / Répertoire / Conducteur

Edward Greenfield writes '. . .chamber music writ large often abrasive in an almost Stravinskian way. . .the emotional weight is borne by the central slow movement. . . The finale is a brisk march interrupted at one point by horn fanfares in which the second of the two trios hauntingly brings scrunching cluster-chords pianissimo.Gramophone December 1992

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Une de mes premières pièces pour orchestre s'intitulait Altitude 8000. J'avais eu, alors, l'occasion de survoler les Alpes un matin d'hiver, entre Paris et Nice, et j'avais été fasciné par le spectacle des montagnes enneigées, rosies par le soleil matinal. Le mouvement lisse de l'avion contrastait avec les sommets tourmentés et déchiquetés. Toutes ces sensations devinrent les textures musicales d'Altitude 8000 (8000 se référait bien sûr à l'altitude de vol de l'avion). Cette pièce était la pièce un peu maladroite d'un étudiant en composition musicale... mais j’ai aimé revenir sur ce sujet, et essayer de célébrer à nouveau la vision des glaciers et neiges éternelles.
Hélas, depuis l'époque où Altitude 8000 fut écrite, neiges et glaciers ont commencé à fondre... Je pense par exemple au glacier de La Meije (que Messiaen aimait tant, et que j'ai souvent contemplé) : il a régressé de plusieurs centaines de mètres, on voit encore son ancienne trace parmi les rochers.
Mais où sont les neiges d’antan ? s’interroge François Villon au XVème siècle, dans un vers devenu célèbre et souvent répété, utilisé de maintes façons. La question de Villon était rhétorique, mais on peut l’interpréter aujourd’hui de manière très littérale... où sont donc en effet les neiges d’antan ?
Les images sonores de la pièce : grands espaces, tintements de la transhumance (grâce à l’analyse spectrale des tintements multiples et rythmés des cloches des troupeaux de vaches), brillance des altitudes, mais, en contraste, dégels et effondrements...
Tristan Murail / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / LEMOINE

Richard Strauss
Sérénade à vent en Mi bémol majeur op. 7
Norbert Gertsch (Editeur)
Edition Urtext, Studien-Edition (partition de poche), reliure paperback
La très romantique sérénade pour instruments à vent en un mouvement op. 7 a été composée par un Richard Strauss alors tout juste âgé de 18 ans. Cette œuvre aujourd’hui encore extrêmement appréciée des instrumentistes à vent rappelle, dans son effectif comme dans sa structure, la «Gran Partita» de Mozart, que Strauss prit certainement en exemple. La Sérénade ne fut pas exécutée dans sa patrie bavaroise, mais créée à Dresde en 1882 sous la direction de Franz Wüllner, chef d’orchestre alors très estimé qui avait également tenu Rheingold (L’Or du Rhin) et la Walküre (La Walkyrie) de Richard Wagner sur les fonts baptismaux, puis, plus tard, avait créé les poèmes symphoniques de Strauss Till Eulenspiegel (Till l’Espiègle) et Don Quixote (Don Quichotte). Un grand honneur donc pour le jeune Bavarois! L’éditeur Norbert Gertsch présente ici ce petit chef-d’œuvre – partition et parties séparées –, pour la première fois en qualité d’Urtext, ce pour quoi, outre la première édition, le manuscrit autographe fit également l’objet d’un difficile examen. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / HENLE VERLAG

Création
12/05/2018 - Chassignoles, Festival La Grange aux Pianos - Camille Supéra (violoncelle), Michel Supéra (saxophone), Cyril Huvé (piano)
Commanditaire
Michel Supéra et le Festival La Grange aux Pianos
Dédicace
Michel Supéra, Camille Supéra et Cyril Huvé
Notice
Snow, Moon and Flowers est une oeuvre pour violoncelle, saxophone et piano inspirée des Cent Vues d'Edo d'Utagawa Hiroshige (1797-1858).
Caractéristiques du mouvement artistique ukiyo-e, ces estampes gravées dans le bois puis reproduites sur papier sont publiées au milieu du XIXè siècle. Si elles célèbrent la beauté de la nature, elles saisissent également ces instants contemplatifs et rêveurs de la vie quotidienne ; ces moments intimes où l'on peut s'émerveiller de l'immensité d'un ciel étoilé, savourer la fraîcheur de l'ombre d'un cerisier, écouter le craquement de nos pas sur la neige, ou encore flâner au bord d'une rivière et apprécier le chant des oiseaux. A une époque où l'agitation prend parfois le pas sur notre quotidien, ce sont ces images sereines et contemplatives, et le lyrisme poétique de ces paysages japonais qui m'ont attirée et inspirée pour cette oeuvre.
La pièce s'articule ainsi en dix épisodes, chacun représentant un de ces moments rares et précieux.
Snow, Moon and Flowers est dédiée aux commanditaires et créateurs : Michel Supéra, Camille Supéra et Cyril Huvé.
Under the Cherry Tree... - Suave, boisé
Starry Night under the Snow... - Hypnotique
Taken by the Falls... - Emporté - Plus lyrique - Plus calme
Night Fireworks in the city... - Vif, énergique
Peaceful river through the window... - Contemplatif, rêveur
Bird-Watching from the bridge... - Serein
Taken by the Falls... - Emporté - Plus lyrique
Dawn Clouds... - Paisible
Starry Night under the Snow... - Hypnotique
Under the Cherry Tree... - Suave, boisé / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

'This is echt original Woolrich. Eleven tiny movements each a perfectly realised cameo each revealed stated and gone perfectly expressing the beautiful lines of Swiss sculptor Jean Tinguely by whose work it was inspired.'The Musical Times 29 January 1993