Trois po?mes d?Henri Michaux was written for the Zagreb Biennale and first performed there by the orchestra and choir of Radio Zagreb conducted by the composer and Slavko Zlatic on 9 May 1963. It is composed for 20-part choirand an orchestra similar to that of the Symphony of Psalms though without the lower strings of the latter.Lutoslaswski has said that the general outline of the work came to him first and only then did he choose the threepoems. These reflect his Francophile taste: Henri Michaux was born in Belgium in 1899 and later became a painter: the trenchant Le Grand Combat with its onomatopoeic invented words dates form the 1920s; the other two texts which are more philosophic than pictorial form the 1930s. Choir and orchestra need separate conductors even though throughout they alternate more often than they combine.A description of the course of the music itself will bemore useful than any discussion of its technical processes or of its notation. A quiet section of orchestral polyphony which brass sforzandi punctuate with increasing frequency frames the beginning and end of Pens?es. Afterthe choir?s first unaccompanied passage the woodwind have a staccato section over which the female voices singing downward glissandi are superimposed (?Ombre de mondes infimes??). Then the woodwind and both pianos join in alapping ostinato which illustrates the text of the next forte choir entry ?Pens?es la nage merveilleuse?? The climax of the movement comes as these characteristic woodwind figures alternate with the tintinnabulation of agamelan-like ensemble of vibraphone c?leste harp and pianos.

The Harry Potter Symphonic Suite arranged for full orchestra by Jerry Brubaker. This medley based on the endearing themes from the box office smash hit Harry Potter and the Sorcerer's Stone weaves the vivid imagery of the film with varied textures to produce a work that will be loved by all. Wonderful symphonic literature certain to be a hit on any concert program. Duration 7:20. Score and all parts. 1 Conductor 1 1st C Flute/C Piccolo (Alto Flute Opt. Recorder) 1 2nd C Flute (Opt. Recorder) 2 Oboe (English Horn) 1 1st Bb Clarinet 1 2nd Bb Clarinet 1 Bb Bass Clarinet 2 Bassoons 1 1st Horn In F 1 2ndHorn In F 1 3rd Horn In F 1 4th Horn In F 1 1st Bb Trumpet 1 2nd Bb Trumpet 1 3rd Bb Trumpet 1 1st Trombone 1 2nd Trombone 1 3rd Trombone 1 Tuba 4 Percussion 1 (Orchestra Bells Xylophone Antique Bells Marimba Glockenspiel) 1 Percussion 2 (Hand Drums Antique Bells Timpani) 4 Percussion 3 (Vibraphone Chimes Small Tuned Drums Tambourine Snare Drum Suspended Cymbal) 4 Percussion 4 (Suspended Cymbal Small Tambourine Small Triangle Tam-Tam Bass Drum Crash Cymbals) 1 Celeste 1 Harp 8 1st Violin 8 2nd Violin 5 Viola 5 Cello 5 String Bass

Commissioned by the Philharmonia Orchestra and Esa-Pekka Salonen for the Universe of Sound project.First perfromed at the Royal Festival Hall on 8th July 2012 by the Philharmonia Orchestra and PhilharmoniaVoices conducted by Esa-Pekka Salonen.Instrumentation.4 Flutes (3rd doubling Alto Flute Piccolo; 4th doubling Piccolo)3 Oboes (3rd doubling Bass Oboe)Cor Anglais2 Clarinets in BflatClarinet in A BassClarinet in B flat3 BassoonsContrabassoon6 Horns in F4 Trumpets in C2 Tenor TrombonesBass TromboneTenor Tuba in B flat (Euphonium)Bass Tuba2 Timpani (2nddoubling Suspended Cymbals China Cymbal)4 Percussion (Meditation Bowls Bass Drum Crotales Marimba Vibraphone Small & Large Tam-tam Glockenspiel Xylophone Side Drum Mark Tree SizzleCymbal)CelestaOrgan2 HarpsChorus (SSSAAAA)Strings

Whistle Down The Wind Small Suite For Small Orchestra is three-movement suite Prelude The Three Kings Finale played as one continuous piece. Its melodic charm and instrumentation including vibraphone glockenspiel and chimes effectively evokes the innocence of the main characters of the film. Malcolm Arnold was a British composer who earned an international reputation both as a composer of serious works including nine symphonies and as a composer of light music. He composed more than one hundred film scores among them the Oscar-winning music for The Bridge on the River Kwai the award-winning music for The Inn of the Sixth Happiness and Hobson’s Choice. Malcolm said that his favourite film composition however was the one for Whistle Down the Wind.

Procession II for small Orchestra was composed by Anders Brødsgaard in 1986. Programme note: The title Procession refers to the process going on throughout the piece where a two-part 'formula' (played by two groups of instruments) gradually 'turn inside out' as the short ornamental grace notes becomes long and vice versa. The title also suggests the ritual in the experience of the imperceptible changes in the 25 transformations the possibility of ignoring the 13 'events' that regularly interrupt the progressive procession. The piece is a rewriting of Procession for Two Clarinets and Vibraphone from1979. Instr.:1.1.2.sx.0/1.1.1.0/3perc/pf/str(1.1.3.2.1)

Orchestral Score. Instrumentation.     3 Flutes (3=Piccolo) 2 Oboes 2 Clarinets in B - 2 Bassoons(2=Contrabassoon) 4 Horns in F 2 Trumpets in C 2 Trombones Tuba Timpani (1 set) Percussion (3 players) TamtamCrotales Vibraphone Glass Chimes Bass Drum Tamtam Bass Drum Marimba 3 Gongs (G+ A B) Harp Celesta Strings The score is transposed.Crotales sound two octaves higher than writtenDuration: c. 6 minutesOrchestral parts areavailable on hire from the publisher

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série 'Roulement de timbales', j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie 'paradis céleste incommensurable' en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s. Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand. Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois 'à nu', parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse. Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda. Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un 'mur du son' résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière. La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante. La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse. Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage. Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière. Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Professionnel ou amateur de Classique vous apprécierez cette partition de musique. Composée par Campion Edmund J. et éditée par Billaudot cette partition est idéale pour les joueurs de Orchestre. Si l'instrumentation Musique Symphonique correspond à ce que vous cherchez, vous en ferez alors un très bon usage. / Musique Symphonique / Partition