Mon Concerto pour orchestre (2007) est une oeuvre de vingt minutes dans laquelle les différentes sections de l'orchestre, ainsi que différents solos et duos du sein de l'orchestre, sont mis en évidence que la musique se déploie. Le travail continue mon intérêt pour les formes à deux mouvement qui a commencé avec mon Concerto pour violoncelle (1991), et plus tard a été développé dans Sortilège (1996) et la Symphonie (Broken Consort) (2004). Dans ces oeuvres, et dans le Concerto pour orchestre, chaque mouvement est le même poids et de l'importance avec le second développement de matériel plus tôt et prendre de nouvelles directions.La forme en deux mouvements du Concerto pour orchestre vient d'une structure symphonique sonate, remodeler la forme en quatre mouvements traditionnels et en combinant cela avec les aspects de la forme sonate, une tradition qui remonte à Liszt, Schoenberg et Sibelius:1er mouvement (i) l'exposition d'idées - dramatique et soudaine (ii) scherzo et développement 1 - résolue2ème mouvement (iii) adagio - calme et tranquille (iv) le développement 2 avec récapitulation - intense et énergiqueLe Concerto pour orchestre a été commandée par le Musikalische Akademie des Nationaltheatre-Orchesters Mannheim avec le soutien de Die Landesbank Baden-Württemberg pour ses deux premières représentations le 31 Mars et 1er Avril 2008 réalisée par Friedemann Layer. La partition est dédiée à l'amitié et l'admiration pour Ronald Zollman. / Orchestre

Le présent volume contient quatre ouvertures indépendantes. Alors que les ouvertures de de La Fiancée de Messine 'de Schiller, de Jules César' de Shakespeare et de Goethe 'Hermann et Dorothée révèlent références littéraires et dramatiques dans leurs titres, l'Ouverture du Festival du vin du Rhin chanson a son contexte dans les festivals de musique contemporaine à laquelle chorales et sociétés musicales se sont réunis pour faire de la musique ensemble. Toutes les ouvertures ont été composées à l'époque de Schumann à Düsseldorf. / Orchestre

Score (361 dessins de Thoreau parfois superposent) et 78 pièces (pour tout instrument et/ou voix): à jouer seul ou (comme une pièce occasionnelle) avec 1776 maison d'habitation ou certains autres musicircus (direct ou enregistré) approprié à une autre occasion que le bicentenaire des Etats-Unis, à l'occasion, par exemple, comme la naissance ou la mort d'une autre nation musicalement productive ou à, ou la naissance d'une société porte sur certains aspects de la création productive du son, par exemple. Oiseaux, animaux marins, changements météorologiques, tremblements de terre ou de plantes (équipés de cartouches et utilisés comme des instruments de percussion, comme dans l'enfant d'arbres et de BRANCHES, ou acoustiquement isolés et au moyen de la technologie appropriée fait audible) permettant des restrictions du droit d'auteur. / Grand Ensemble Contemporain Et Orchestre

La renommée de Carl Maria von Weber repose principalement sur , Der Freischütz '. Le succès sans précédent de cet opéra a éclipsé tous ses autres travaux et a contribué à leur chute croissante dans l'oubli. Certaines oeuvres telles que , Preciosa ' , Oberon ', et , Euryanthe ', les ouvertures , concertos en solo et sonates pour piano , des lieder et Chamber Works jouissait d'une grande popularité et ont été largement connu en Allemagne et à l'étranger aussi tard que la deuxième moitié de la 19e siècle . Cependant, toute chance d'une renaissance de Weber influents etoeuvre considérable a été gaspillé dans les années 1920 , quand une édition complète - commencé par Hans Joachim Moser et avec les contributeurs potentiels, dont Wilhelm Kempff , Hans Pfitzner , Max von Schillings, Fritz Stein et Richard Strauss - a échoué après le troisième volume.Depuis , il ya eu de nombreuses tentatives pour relancer une édition complète des oeuvres de Weber , mais comme ce genre de projet , il aurait fallu la collaboration de chercheurs des deux côtés de la frontière inter -allemande, la situation politique après 1945 n'était pas propice à une telle entreprise . Négociations approfondies ont conduit aux premières étapes tangibles dans les années 1980. L'intention , dès le début , était de placer l'oeuvre de Weber dans son contexte, et de ne pas séparer sa production musicale de son travail influent comme un écrivain , critique et organisateur dans le domaine musical , mais de publier ses compositions avec ses lettres, journaux intimes et autre production littéraire comme le meilleur moyen de documenter la fertilisation croisée entre ses activités musicales , littéraires et pratique. / Score

C'est à la suggestion du chef de la Première mondiale, Mariss Jansons, que Jörg Widmann réfère aux caractéristiques musicales de 7e et 8e Symphonie de Beethoven. Ses points de départ sont principalement les types spécifiques de mouvement rapide dans les oeuvres de Beethoven qu'il traduit dans son langage tonal. Widmann a choisi la même instrumentation que les symphonies de Beethoven et prend la tâche de provoquer une 'agitation et la pression rythmique' similaire (Widmann) avec ces moyens économiques. / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par RAMEAU JEAN-PHILIPPE. Rameau’s only extant opera based on a libretto by Voltaire has come down to us in two versions (1745 and 1746), that of 1745 having long been regarded as lost. Volume IV.12 of the “Opera omnia Rameau” now provides a complete edition for the first time and thus the means to perform both versions. Voltaire refers to Metastasio in his libretto, in that he wanted to liberate the opera from the gallant milieu in order to make it a moralising and at the same time both edifying and political work of art for the stage. Following a prologue dedicated to the personified Envy, the tyrants Bélus and Bacchus are chased out of the Temple of Glory and Trajan is finally crowned with a laurel wreath for defeating the rebels, forgiving them and then transforming the Temple of Glory into a public temple. The music contains many remarkable passages, examples being a richly orchestrated overture, the famous monologue “Profonds abîmes du Ténare” with obbligato bassoons and Trajan’s artful final scene “Ramage d’oiseaux”. The opera’s individual instrumental movements are also available in the customary manner now as a practical separate edition. The performance material is available on hire./ Répertoire / Orchestre

Par LINDBERG MAGNUS. Pièce pour orchestre de 17 minutes, commandée par la Finnish Broadcasting Company (radio finlandaise). Création aux Proms de la BBC en août 1997 par l’Orchestre symphonique de la Radio finlandaise. Le compositeur déclare : « Le mot espagnol de Feria désigne un festival ou une manifestation ayant lieu en plein air, et dont l’ambiance festive a inspiré cette œuvre. Dans la partie d’ouverture, au tempo rapide, des idées musicales aux rythmes explosifs, mais surtout les fanfares de trompettes toujours présentes dans la pièce annoncent un spectacle public plein de vie. La partie principale, plus lente, conduit au point central de la pièce, qui se reconnaît à la succession caractéristiques des accords du Lasciatemi morire (« Lamento d’Ariane ») de Monteverdi. »/ Recueil / Orchestre

Par MURAIL TRISTAN. Time and Again tente de rompre, partiellement, avec l'esthétique qui domine dans mes oeuvres précédentes, une esthétique de la continuité où la forme est structurée par des processus se déroulant en un flot presque ininterrompu. Ici, la forme musicale cherche à créer une architecture du temps plus complexe, qui joue de flash-backs, prémonitions, boucles..., comme si l'on se trouvait dans une sorte de machine à remonter le temps. Pour néanmoins préserver une sorte de continuité sous-jacente, j'ai d'abord imaginé une structure 'linéaire' pour la pièce, comportant des évolutions progressives et logiques, et j'ai parfois réalisé des fragments de cette pièce virtuelle, puis, un peu comme un cinéaste, j'ai 'monté' la structure de la pièce, en coupant, dupliquant, insérant, collant. A peu près aux deux tiers de la pièce, le temps s'inverse et s'écoule deux fois plus vite - on repasse, plus symboliquement que textuellement, par toutes les étapes des deux premiers tiers, avec parfois des superpositions, des inserts ou des raccourcis. L'orchestration n'est pas tout à fait conventionnelle - les vents et la percussion sont en nombre habituel, mais les cordes sont réduites à environ la moitié de l'effectif normal. J'ai cherché ainsi une qualité particulière du son des cordes moins volumineux, mais plus intense. Les cordes jouent le plus souvent des parties individuelles. Leur emploi principal consiste à colorer ou distordre les sons joués par les autres instruments, ou à construire des spectres sonores complexes. L'orchestre est enrichi par un synthétiseur (un Yamaha DX7) qui a deux principales fonctions. Grâce à son aptitude à synthétiser des sons par modulation de fréquence, il peut émettre directement des spectres riches identiques à ceux que j'utilise dans mon écriture orchestrale. La composition de cette pièce a donc impliqué d'abord la programmation des sons sur le synthétiseur (un seul son peut produire une texture très riche et n'est souvent utilisé qu'une seule fois). Dans d'autres cas, je l'utilise comme un complément de la section des percussions et du piano, le synthétiseur ayant la tâche d'émettre les sons non tempérés. Time and Again est une commande du 'John Feeney Charitable Trust' pour le City of Birmigham Symphony Orchestra, et a été créé à Birmingham le 21 janvier 1986 par cet orchestre, sous la direction de Simon Rattle. La pièce était destinée à être jouée en première partie de la Turangalila Symphonie d'Olivier Messiaen, pour une série de concerts en Angleterre. Cela explique qu'un auditeur attentif trouvera peut-être quelques allusions à cette symphonie dans Time and Again... Tristan Murail Enregistrement: 1 CD Montaigne/Naïve, MN782175 Désintégrations - Gondwana - Time and again Ensemble L'Itinéraire, Orchestre National de France, Yves Prin (direction) - Orchestre Beethoven Halle de Bonn, Karl Anton Rickenbacher (direction) / contemporain / Date parution : 1985-01-01/ Répertoire / Orchestre

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série 'Roulement de timbales', j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie 'paradis céleste incommensurable' en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s. Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand. Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois 'à nu', parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse. Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda. Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un 'mur du son' résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière. La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante. La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse. Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage. Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière. Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Orchestre

Commandé par le théâtre d'Etat Oldenburg, ' Episodes ' pour orchestre complet a été créés en 1962 et a été présentés comme un ballet intitulé ' Pas de deux '. La structure formelle de la composition est basée sur les cinq phases de la classique 'grand pas de deux', avec les deux premières sections Entrée et Adage étant Unis dans un mouvement. La matière musicale de base est définie par un mode de sept-note (tous les demi-tons dans la plage de la Trichrome C - fa dièse) qui varie en fonction de plusieurs façons dans les mouvements rythmiquement influencées. Cette musique, dans sa férocité et pithiness, se classe parmi les plus expressifs scores par Bertold Hummel, et ses représentations de théâtre et de concert visent également à captiver l'auditoire. / Grand Orchestre

Les cinq pièces de Sphères sont une commande de Radio-France et ont été créées sur les ondes de France-Musique chacun des cinq jours de la semaine. La thématique de l'oeuvre découle directement des conditions de sa naissance puisque Séléné (la lune) a vu le jour un lundi, Mars un mardi, etc. jusqu'à Vénus un vendredi.L'évocation de ces noms fait d'abord tinter nos souvenirs mythologiques et, en effet, une partie de l'inspiration de ces pièces est redevable à la personnalité des dieux de l'Olympe: Vénus toute de grâce sensuelle - Jupiter figé dans son écrasante domination universelle - Mercure volatile, insaisissable - Mars symbole de guerre mais aussi de printemps, de renouveau, et surtout force vitale irrépressible - la lune enfin qui, lorsqu'elle se montre ronde et blanche - la pleine lune est l'une des facettes de Diane - a pour nom Séléné. Nous en ressentons régulièrement la puissance attractive figurée ici musicalement par une série de vagues dont la dernière, véritable marée montante, est comme un pan d'océan soulevé par ce satellite prédateur.Car ce sont bien les corps célestes qui ont stimulé la plus grande part des idées musicales (l'indifférence de Jupiter n'est pas que le fait d'Epicure - elle s'explique aussi par sa constitution essentiellement gazeuse).La période, source à la fois de fréquence et de durée, est ici l'élément générateur - le développement, un déploiement de spirales harmoniques et rythmiques - ces douze minutes d'orchestre, un hommage aux innombrables sphères qui virevoltent à travers l'univers dans une danse fascinante, un contrepoint cosmique aux proportions étourdissantes.Patrick Burgan / Orchestre

Par PAULET VINCENT. Une fois esquissées les premières pages de cette partition, il m'est apparu que la musique que je découvrais progressivement pouvait suggérer, par analogie, une succession de déclinaisons lumineuses - je me pris alors à imaginer les métamorphoses d'un paysage (lui aussi parfaitement imaginaire) au gré de l'évolution de la lumière du jour, puis à envisager cette poétique comme celle de la célébration de la Terre et du soleil s'unissant dans un tel spectacle, d'où le titre de l'oeuvre. Cinq mouvements, ou 'poèmes solaires' (ce fut ma première idée de titre) s'enchaînent, dont les indications de tempo sont les suivantes : moderato, presto, moderato, presto, largo puis (sans transition) presto. A posteriori, la lumière d'abord pâle puis progressivement plus intense de la première pièce m'évoque l'aube et l'éclairage déclinant de la dernière un crépuscule - dans cette logique, la relative pesanteur, l'éclat quelque peu 'plombé' du mouvement central, généralement statique, pourra suggérer à son tour l'ambiance lumineuse parfois écrasante de midi, les mouvements intermédiaires apparaissant, quant à eux, comme deux avatars d'une même danse incandescente. L'évolution du discours est toutefois d'ordre purement musical, sa résultante orchestrale mettant, par ailleurs, plus souvent en oeuvre un ensemble de solistes qu'une fusion de masses sonores. Ces 'Noces de lumière', écrites entre l'automne 2004 et le printemps 2006, répondent à une commande passée par la Fondation d'Entreprise Groupe Banque Populaire. Elles sont dédiées conjointement à Laurent Petitgirard, qui, en tant que conseiller artistique de cette Fondation, est à l'origine de l'oeuvre, et à John Nelson, qui, à la tête de l'Ensemble Orchestral de Paris, en dirigea la première audition au Théâtre des Champs-Elysées. Vincent Paulet / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par HAYDN FRANZ JOSEF. Les douze «Symphonies de Londres» constituent le sublime accord final dans l’œuvre symphonique de Haydn. Elles furent composées pour l’impresario londonien Johann Peter Salomon, et Haydn lui-même en dirigea les créations alors qu’il demeurait pour un certain temps dans la métropole anglaise dans les années 1791-92 et 1794-95. La Symphonie n° 96 en Ré majeur de 1791 fait partie des premières symphonies conçues à Londres, pour Londres. Elle a été postérieurement surnommée «Le miracle», mais ce surnom lui a été affecté par erreur car si un miracle a bien eu lieu, épargnant les auditeurs lors de la chute d’un lourd candélabre sans que personne de l’assistance ne fût blessé, ce fut à l’occasion d’un concert où était jouée une autre symphonie de Haydn. Elle n’en reste pas moins un miracle d’esprit musical: du raffinement des rapports harmoniques des motifs en accords parfaits par lesquels commence chacun des quatre mouvements, jusqu’aux changements d’atmosphère virtuoses résultant de surprenantes modulations harmoniques, Haydn livre ici une véritable parade démonstrative du développement de ses idées musicales. L’édition d’étude reprend le texte de l’édition complète des œuvres de Haydn, garantissant ainsi la plus haute qualité scientifique. Une préface informative et un bref commentaire critique font de cette partition en format maniable un accompagnateur idéal pour tous les fans de Haydn, ainsi que tous ceux qui souhaitent le devenir./ Répertoire / Orchestre Symphonique