Par HAYDN FRANZ JOSEF. It was in his monumental 12 'London' symphonies, composed between 1791 and 1795, that Haydn shaped the early form of the symphony and set the standard for later composers. This volume contains the last six symphonies in the series, including the lively Military Symphony no. 100, the delightful Clock Symphony no. 101, and the world-famous London Symphony no. 104./ Répertoire / Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série 'Roulement de timbales', j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie 'paradis céleste incommensurable' en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s. Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand. Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois 'à nu', parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse. Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda. Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un 'mur du son' résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière. La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante. La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse. Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage. Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière. Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace. Camille Pepin / Date parution : 2020-08-21/ Répertoire / Orchestre

Nous savons tous Dasher, Dancer, Prancer, Vixen, Comet, Cupid, Donner et Blitzen rennes du Père Noël --- pour son voyage annuel. Mais c'était Rudolph qui a sauvé la nuit brumeuse que la veille de Noël, conduisant avec son nez rouge! Depuis plus de soixante ans, cette chanson de Noël a été aimé par tous. Ce réglage flexible peut être réalisée par les cordes seules ou avec l'addition de n'importe quelle combinaison de piano et vents. / Orchestre

Doté de deux chansons populaires présentées sur la série à succès Glee télévision, ce 'mash-up' combine une haute énergie, le swing de style arrangement de Broadway 'I Gotta Be Me' et le classique Barbra Streisand, 'Don't Rain on My Parade'. / Orchestre

The 'Eulenburg Audio Score' series contains the orchestral world's greatest musical treasures from the baroque, classical and romantic repertoire. Each volume is clearly-presented with authoritative scores, informative prefaces detailing the biographical and creative background- - CDs of great performances of each work in full length, from orchestras including the London Philharmonic Orchestra, the Royal Philharmonic Orchestra, and the Philharmonia Orchestra.NEW: This box-set of 25 masterpieces in a handy slipcase containing volumes 51-75 in the series is amazing value: almost 50% cheaper than buying each volume separately!This is the perfect gift for any music-lover. 'Eulenburg Audio Score' is the new way to hear, read and understand music. Eulenburg is the 130 year-old world-famous publishing brand, renowned for its top-quality, reliable study scores at reasonable prices. Focusing on the fields of opera, orchestral music, chamber music and vocal music, it is the favoured by conductors, orchestral musicians, soloists, students, teachers and music-lovers generally. The more you read, the more you hear! / Tout Instrument

Par VOIGT THOMAS. „Der begehrteste Tenor der Welt', „the greatest tenor of today', „der neue König der Tenöre' - unter den Topstars der Opernwelt nimmt Jonas Kaufmann seit Jahren eine Sonderstellung ein. 2010, zu seinem Bayreuther Debüt in Hans Neuenfels' legendärer „Lohengrin'-Inszenierung, erschien erstmals sein Buch-Porträt, in dem er ausführlich über die Licht- und Schattenseiten seines Berufes sprach und das von Kritik und Fans gleichermaßen gefeiert wurde. In der erweiterten Neuausgabe reflektiert der Sänger nun auch die letzten Jahre seiner künstlerischen Entwicklung. Nicht nur seine jüngsten Erfahrungen auf der Opernbühne und im Konzertsaal, sondern auch seine Begegnungen mit anderen großen Künstlern, sein Verhältnis zu Verdi und Wagner und seine Beschäftigung mit Tenor-Hits der Tonfilm-Ära kommen hier zur Sprache. Die neue Ausgabe enthält u.a. Beiträge von Plácido Domingo und Jürgen Kesting sowie attraktive, teils bisher unveröffentlichte Fotos. - Eine der meist verkauften Sängerbiografien der letzten Jahre - Aktualisiert und um wichtige Beiträge und attraktive Fotos ergänzt Der Autor Thomas Voigt ist freier Autor, Journalist und Filmemacher. Als renommierter Opern- und Sängerexperte ist er meist für Rundfunk und Fernsehen tätig- seine publizistische Tätigkeit wurde mit der „Gottlob-Frick-Medaille in Gold' ausgezeichnet. / Livre / Livre

Based on the Critical Edition- Orchestra material on hire. Par MAHLER GUSTAV. The large-scale form of 'Symphony No. 9' is unusual in a number of ways. It reminds in no way of the ninth symphonies of famous predecessors. Two slow movements, an Andante comodo at the beginning and an Adagio at the end, form the frame for two of the most parodistic and embittered inner movements that Mahler ever wrote - a ländler-waltz combination, and the 'Rondo-Burleske', a bitter, ironic movement that is derisively dedicated 'to my brothers in Apollo'. The most extraordinary part of Mahler's last completed symphony must certainly be the slow finale - a 20-minute long intensively singing movement laden with conflict that includes references to earlier works by Mahler, in slow motion as it were ('Urlicht',' Ablösung im Sommer', the 'Scherzo of Symphony No. 3', 'Der Abschied' from 'Das Lied von der Erde', and 'Oft denk' ich, sie sind nur ausgegangen' from the 'Kindertotenlieder'); it indeed seems that a circle is being closed. (Reinhold Kubik) Universal Edition continues its new study score standard. These completely redesigned scores offer an unparalleled insight into the music of the last hundred years. Great care has been taken to select the best available content for this journey through music history, and every score has been edited according to the latest quality standards./ Répertoire / Orchestre

Mozart, Wolfgang Amadeus Missa in C minor K. 427 Great Mass in C minor Mozart?s magnificent unfinished ?Great Mass in C minor K. 427? is impressive not only for its monumentality and musical beauty but for its fragmentary state which has fascinated scholars and performers for decades. Working together with the International Mozarteum Foundation in Salzburg, Barenreiter now presents a new edition of this work, reflecting the cutting edge of scholarship while doing justice to the needs of performers. High scholarly standards, the completion and reconstruction of movements: this pioneering publication incorporates all this in order to come as close as possible to the work itself: - The ?Kyrie? and ?Gloria?, both of which survive complete in Mozart?s hand, are edited in accordance with scholarly standards. - The first two sections of the ?Credo? have been meticulously completed by the editor Ulrich Leisinger, drawing on original Mozart compositions e.g. the aria ?Deh vieni non tardar? from ?The Marriage of Figaro? and paying attention to a stylistically appropriate and transparent sound. - The ?Sanctus? and ?Benedictus? (with the ?Hosanna?), which are either incomplete or survive only in secondary sources, have been reconstructed by the editor. Sections without any known sources are left out in this edition. Rounding off the publication are an extensive Foreword (Ger/Eng) and a detailed Critical Commentary (Eng). The first performance of Ulrich Leisinger?s new edition was given in April 2019 in the Elbphilharmonie Hamburg by the Hamburg State Philharmonic Orchestra and the ChorWerk Ruhr under the baton of Kent Nagano. The first Austrian premiere took place in Salzburg on August 2019 in the Great Hall of the Mozarteum, with Andrew Manze conducting the Salzburg Camerata to rousing applause from audience and critics alike.

in Full Score. Par HAENDEL GEORG FRIEDRICH. The orchestral score of two of Handel’s best-loved works. Handel composed the famous Water Music in 1717, a set of twenty short pieces to accompany a royal barge trip down the Thames. Music For The Royal Fireworks composed in 1749, is a joyful suite of six movements, composed to celebrate the peace of Aix-La-Chappelle which had been declared the previous year. Deutsche Hondelgesellschaft edition. The orchestral score of two of Handel’s best-loved works. Handel composed the famous Water Music in 1717, a set of twenty short pieces to accompany a royal barge trip down the Thames. Music For The Royal Fireworks composed in 1749, is a joyful suite of six movements, composed to celebrate the peace of Aix-La-Chappelle which had been declared the previous year. Deutsche Hondelgesellschaft edition./ Répertoire / Orchestre

Par HOLST GUSTAV. Among the most popular and important modern British composers, Gustav Holst (1874–1934) was a true eccentric, given to odd enthusiasms and mystical musings. His spectacular symphonic suite The Planets, first performed in 1918, established hisinternational reputation and remains a staple of the orchestral repertoire to this day. Scored for huge orchestral forces and a wordless chorus, the work is divided into seven movements, the music of each embodying the astrological and mysticalqualities of a different planet. From the ominous, relentless march of 'Mars, the Bringer of War' to the robust festivities of 'Jupiter, the Bringer of Jollity' and the weird, unearthly hush of 'Neptune, the Mystic, ' the emotional sweep andinnovative techniques of the suite have delighted and thrilled its vast audience ever since its spectacular debut. Musicians and music lovers alike will want to own this authoritative, attractively published and inexpensive full score. Reprint of theGoodwin & Tabb, Ltd. , London, 1921 edition. Spectacular symphonic suite, scored for large orchestral forces and a wordless chorus, is divided into 7 movements, the music of each embodying the astrological and mystical qualities of a different planet. Remarkable emotional sweep and innovative techniques have made the work a staple of the orchestral repertoire./ Répertoire / Orchestre

Par HAENDEL GEORG FRIEDRICH. ?Giulio Cesare in Egitto? is by far Handel?s most frequently performed opera owing its success not least to its subject matter, one of the best known love stories in world history. Already during Handel?s lifetime the popular work was often staged and therefore adapted by Handel for each of the performance conditions. The editor Hans Dieter Clausen has succeeded in editorially defining and practically presenting these adaptations ? essentially four versions ? on the basis of a meticulous study of the sources within the framework of the ?Halle Handel Edition?. The new edition allows for a performance of each of the four versions. The version of 1725 is particularly noteworthy because Handel newly devised the role of Sesto for the famous tenor Francesco Borosini. The libretto shows the Roman dictator Cesar in a friendly light. He instructs his enemy, the Egyptian tyrant Tolomeo, how to treat adversaries: he reconciles the widow and son of his enemy Pompeo who was murdered by Tolomeo: he is generous and just, hands on, but also diplomatic, thoughtful, aware of the limits of his power, and susceptible for art and nature. However, the actual protagonist of the opera is Cleopatra. In a masterly way Handel develops her character musically. In his extensive Foreword Hans Dieter Clausen not only decribes the genesis, historical background, reception and the edition of the opera, he also examines the musical and dramaturgical reworking of individual numbers in ?Giulio Cesare?. Handel was such an expert in adapting arias for new purposes and other characters that he did not only meet the needs at hand but often the new version surpassed the original. In this way, the reader gains, in passing, a well-founded insight into Handel?s work methods when designing and redevising his characters. The detailed Critical Commentary includes information on the comprehensive and highly complex source situation as well as on individual editorial decisions./ Répertoire / Chant et Orchestre

Opera in three acts. Par JANACEK LEOS. Leos Janacek began composing his seventh opera, 'The Cunning Little Vixen', based on the popular feuilletons of Rudolf Tesnohlidek, in January 1922. The first copy of the score, was completed by Vaclav Sedlacek in October 1923 but is now lost, while the second copy was prepared by Jaroslav Kulhanek in January 1924. The world premiere took place on 6 November 1924 under the direction of Ota Zitek and was conducted by Frantisek Neumann. The vocal score was published in Czech before the event and then again in 1925 along with the German translation by Max Brod, which is something of a separate version of the text in its own right. This volume of the complete edition reprints the critical edition by Jiri Zahradka, which was published by Universal Edition in 2010. The present edition newly includes transcriptions of the libretto in three languages (Cz/Eng/Ger) and a detailed Critical Report (Eng). The edition draws on all extant sources and - in consideration of Janacek's active participation in rehearsals for the premiere production - integrates both the dynamics of Frantisek Neumann and the performance markings of Sir Charles Mackerras into the musical text./ Répertoire / Chant et Orchestre