Lalita-Nartya a été écrite sur la suggestion d'Eglantine Bisserier, danseuse odissi (danse classique de l'est de l'Inde). Cette pièce était destinée à l'accompagner sur une chorégraphie en partie préexistante. Ce sont donc des exigences chorégraphiquesqui ont commandé quelques-unes de ses caractéristiques essentielles, notamment sa structure rhapsodique et ses fréquents changements de rythme et de climat. Le défi de l'écriture consistait à donner une unité formelle à la pièce sans contrarier le parcours chorégraphique déjà partiellement constitué. Quant au langage harmonique, il a été, logiquement, construit à partir de modes karnatiques, mais sans rechercher le pittoresque pour autant.Le titre, Lalita, (tout à la fois ' celle qui joue ', ' l'amoureuse ' ou ' la très belle '), est en même temps une évocation de la déesse Gaudi (dont Lalita est l'un des noms dans la religion hindoue) et un hommage à la grâce de la danseuse qui a inspiré la pièce (nrtya désigne tout ce qui se rapporte à la danse). Il signifie ainsi à la fois : ' la danse de la plus belle ', et ' le jeu de la déesse '.L'introduction expose dans la douceur un rythme pointé caractéristique qui unifiera toute la pièce, puis une brève anticipation du motif principal. Après un glissando affirmant la gamme, la danse commence par exposer plusieurs brefs motifsthématiques aux profils distincts, mais unifiés par la cellule rythmique originelle, et dont l'enchaînement propose divers contrastes agogiques ou dynamiques adaptésà la chorégraphie (le motif principal, déjà anticipé dans l'introduction, reviendra comme un leitmotiv tout au long de l'oeuvre). Survient une rupture dans le discours (mes. 65), qui introduit en fait une séquence un peu plus modérée, mais dontl'animation progressive mène à un climax construit sur le premier motif (mes. 88 et suivantes). Un decrescendo amène alors une dernière séquence (mes. 103 et suivantes), qui exploite une nouvelle fois le premier motif avant de mener, aprèsun dernier crescendo, jusqu'à une coda contemplative et éthérée.Laurent COULOMB / Grande Harpe Seule

Nouvellement sortie en janvier 2013, cette partition Douceur Angélique pour Percussions est éditée par les éditions Leduc et possède AL30637 comme référence. / Caisse Claire, Cymbale Et Piano

Par HEUVELINE PHILIPPE. Je débute l'accompagnement à la guitare est la nouvelle méthode de Philippe Heuvelinne, auteur du best-seller 'Je débute la guitare' ! Instrument convivial par excellence, compagne des soirées chanson, la guitare a désormais sa méthode ' Je débute ' consacrée à l'accompagnement, qui est un style à part entière. Elle propose d'apprendre toutes les techniques d'accords, de rythme, de synchronisation paroles et guitare, le tout à travers des exercices et un répertoire de 15 titres connus, parmi lesquels 'Je l'aime à mourir' de Francis Cabrel, 'Hallelujah' de Leonard Cohen, 'Toi Moi' de Grégoire, 'Yellow Submarine' des Beatles, ou des chansons de Green Day, Renaud, Renan Luce, Robert Johnson, et des traditionnels tels que 'Go Down Moses' ou 'Joyeux Anniversaire'... Toutes les chansons figurent dans le CD inclus, en version guitare/voix en version playback (chant seul). Progressive, complète, elle permet de débuter en douceur tout en jouant ses premières chansons très rapidement, grâce à une présentation claire : en tablatures, avec la rythmique précise (battements) ou l'arpège détaillé, calés sur les syllabes des paroles - tout est organisé dans le but de réussir à accompagner la chanteuse sur le CD... ou tout autre complice chantant - y compris vous-même ! Méthode de 72 pages, conçue et fabriquée en France, CD inclus./ Méthode / Guitare

? Vous souhaitez apprendre la mandoline ou vous perfectionner ? ? Cette méthode répondra à vos questions et vous permettra d?aborder en douceur les techniques de la mandoline dans de nombreux styles : folk bluegrass, country, celtique, rock, classique, swing? AU SOMMAIRE ? Histoire de la mandoline ? Fabrication et modes de construction de l?instrument ? Tous les conseils pour un bon réglage de base ? Tenue et choix du médiator ? Technique main gauche (slides, hammers, pull-off, doubles stops, démanchés) ? Technique main droite (attaques alternées, tremolo, crosspicking, arpèges, sweeping) ? Mélodies harmonisées ? Accentuation et dynamiques UNE PÉDAGOGIE EFFICACE ? Des ralentis ? Tous les conseils ? Les accords essentiels ? Des play-backs pour jouer live et improviser à volonté Titres : Le répertoire Bluegrass Bill Monroe Bobby Osborne Adam Steffey David Harvey Alan Bibey Chris Thile Mike Marshall David Grisman Celtique Mick Moloney Andy Irvine Swing Paul Glasse Tiny Moore Jethro Burns Classique Beethoven Vivaldi.

Par BRAIN THOMAS. Cet ouvrage très complet étanchera votre soif de blues, au travers de longues heures d'apprentissage... mais aussi de plaisir ! Vous y trouverez en effet pas moins de 25 blues acoustiques, en fingerpicking, dans le style des plus grands guitaristes du genre : Robert Johnson, Big Bill Bronzy, Lonnie Johnson, Blind Blake, Mississippi John Hurt, Skip James, Lightnin' Hopkins... Chaque blues s'étale sur deux pages entières, faisant ainsi office de vrais morceaux plutôt que de simples grilles dans le style. Outre le plaisir que vous aurez à les jouer, ces morceaux seront aussi l'occasion de découvrir tous les trucs et astuces qui contribuent à faire du blues acoustique ce qu'il est... et donc d'apprendre tout en jouant ! Pour vous guider dans l'approche de ces 25 morceaux, deux chapitres préliminaires vous aideront à aborder en douceur le rythme mais aussi les techniques, tant à la main droite qu'à la main gauche, spécifiques au blues acoustique. Enfin, le DVD vous présente les 25 morceaux joués dans leur intégralité. Et ce à deux tempi différents, l'un à vitesse réelle pour la démonstration, et l'autre à vitesse lente pour vous permettre de lever le voile sur les difficultés rencontrées./ Méthode / Guitare

Instrument majeur de la Bossa Nova, la guitare est ici à l'honneur avec 25 accompagnements complets dans le style des plus grands artistes du genre : Gilberto Gil, Stan Getz, Joao Gilberto, Baden Powell, Antonio Carlos Jobim... Des rythmiques chaloupées et des accords subtils orneront ainsi les différentes pages qui constituent cet ouvrage... fait pour apprendre mais aussi pour le plaisir de jouer. Pour vous guider dans l'approche de ces 25 morceaux, trois chapitres préliminaires vous aideront à aborder en douceur la technique main droite, les rythmes mais aussi les accords spécifiques à la Bossa Nova. En complément, le DVD vous présente les 25 morceaux joués dans leur intégralité.?Et ce à deux tempi différents, l'un à vitesse réelle pour la démonstration, et l'autre à vitesse lente pour vous permettre de lever le voile sur les difficultés rencontrées. De son côté, le CD MP3 vous permet de travailler les morceaux sur des playbacks de longue durée, et là encore à deux tempi différents : à vitesse lente pour l'entraînement et à vitesse normale pour jouer 'en situation?. / Guitare

Afin de pouvoir s'exprimer pleinement au piano, il est indispensable d'apprendre à jouer chaque main indépendamment de l'autre, tout en veillant à ce que les deux soient parfaitement coordonnées. Et ce n'est pas là une mince affaire ! Cette méthode vous propose d'affronter le problème de manière très progressive... mais aussi pleinement musicale.?Ainsi, chaque difficulté, mise en évidence par le biais d'un exercice technique, est immédiatement mise en application sur un petit morceau... afin que le plaisir soit toujours au rendez-vous et que la technique reste constamment au service de la musique. Dans ce premier volume de la collection, nous commencerons bien sûr en douceur, avec des rondes et des blanches, puis des noires, des croches... et les différents silences correspondants. Avec toutes les figures et combinaisons que cela implique, il y a déjà là largement de quoi faire ! Sur le disque joint à la méthode, vous trouverez plusieurs fichiers audios et vidéos.?Les vidéos (mp4) présentent en images tous les exercices et autres morceaux tels qu'ils doivent être joués. Les enregistrements audios (mp3), pour leur part, proposent les playbacks correspondants, à deux tempi différents, sur lesquels vous pourrez jouer à votre tour les morceaux proposés. / Piano Ou Clavier

Ce sont les éditions françaises Robert Martin qui ont eu le privilège d'éditer la partition Douceur des collines de Ciesla Alexis. Idéale pour les musiciens pratiquant Clarinette et ayant un niveau proche de Cycle 1, cette pièce se classe dans la catégorie Classique sous la référence CIES04128. / Clarinette / niveau : Cycle 1 / Partition

Par SCHNEIDER ENJOTT. 'Nekyia ' est l'un des principes fondamentaux du monde dans la mythologie de l'Antiquité : chaque s'efforçant après que des valeurs plus élevées, chaque spiritualisation et chaque tentative de perfection présuppose le passage par Hadès. Chaque montagne est juxtaposée par le fond d'une vallée. A la lumière de son existence aussi besoin obscurité, ciel enfer. ' Nekyia ' est l'archétype de toutes les religions. Orpheaus devait descendre dans l'Hadès afin de gagner la vie pour Euridice. Christ devait mourir pour témoigner de la vie éternelle. D'où la composition ' Nekyia ' consiste en trois parties qui doivent être distingués en forme et d'expression : partie 1 avec ses rythmes animés symbolise la physique, la partie matérielle et laïque, 2 (bb 71-154) symbolise la rencontre avec la mort, la partie 3 ('Lux Perpetua') se réfère à un état de douceurs dans lequel la vie et la mort sont équilibrés et intégrés./ Répertoire / Hautbois ou Cor Anglais Ad Libitum et Orgue

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

La référence FP 335 de l'éditeur Fertile Plaine dont l'auteur célèbre est Therond Jacky, qui a pour titre En douceur ( Clarinette et piano ), a été écrite et composée pour Clarinette et plus particulièrement pour Clarinette Et Piano. Cette partition musicale appartient à la catégorie Classique. / Clarinette Et Piano / Partition

Let the Earth Now Praise the Lord. Par TRADITIONAL. Martin Luther (1483-1546) a réalisé en son temps la fusion entre chant sacré et chant traditionnel. L’une des plus anciennes attestations est l’hymne de saint Ambroise (vers 339-397), Veni redemptor gentium, traduit fin 1523 par le Réformateur en cantique de l’Avent, Nun komm, der Heiden Heiland. Jean-Sébastien Bach s’en est inspiré pour composer plusieurs cantates. Cet arrangement de Jacob de Haan évolue dans la douceur et la lumière de Noël. / Niveau : 2.5 / Musique religieuse / Répertoire / Brass Band

Let the Earth Now Praise the Lord. Par TRADITIONAL. Martin Luther (1483-1546) a réalisé en son temps la fusion entre chant sacré et chant traditionnel. L’une des plus anciennes attestations est l’hymne de saint Ambroise (vers 339-397), Veni redemptor gentium, traduit fin 1523 par le Réformateur en cantique de l’Avent, Nun komm, der Heiden Heiland. Jean-Sébastien Bach s’en est inspiré pour composer plusieurs cantates. Cet arrangement de Jacob de Haan évolue dans la douceur et la lumière de Noël. / Niveau : 2.5 / Musique religieuse / Répertoire / Concert Band ou Harmonie

Let the Earth Now Praise the Lord. Par TRADITIONAL. Martin Luther (1483-1546) a réalisé en son temps la fusion entre chant sacré et chant traditionnel. L'une des plus anciennes attestations est l'hymne de saint Ambroise (vers 339-397), Veni redemptor gentium, traduit fin 1523par le Réformateur en cantique de l'Avent, Nun komm, der Heiden Heiland. Jean-Sébastien Bach s'en est inspiré pour composer plusieurs cantates. Cet arrangement de Jacob de Haan évolue dans la douceur et la lumiére de Noël. / Niveau : 2.5 / Musique religieuse / Date parution : 1905-06-30/ Répertoire / Concert Band ou Harmonie