| Souvenirs Français Cello, Piano Salabert
Pièce inédite de Francis Poulenc, publiée avec l'autorisation de la BibliothÃ...(+)
Pièce inédite de Francis Poulenc, publiée avec l'autorisation de la Bibliothèque historique de la ville de Paris et de Benoît Seringe, secrétaire de l'Association des Amis de Francis Poulenc. Le 1er avril 1944, Le Voyageur sans bagage d'Anouilh, qui avait été créé en 1937 avec de la musique de Darius Milhaud, est repris au Théâtre de la Michodière. Francis Poulenc a été sollicité afin d'écrire une nouvelle musique de scène. On ignorait tout de cette partition inédite, jusqu'au jour où Bérengère de l'Epine, conservateur à la Bibliothèque historique de la ville de Paris, nous signala l'existence d'un manuscrit dans le fonds de l'Association de la Régie théâtrale. Poulenc mit au point sa partition entre le 19 et le 21 mars 1944. Elle comprend neuf numéros, tous écrits pour un petit effectif instrumental réunissant un hautbois, une clarinette, un violoncelle et un piano. Cependant, à la fin de son manuscrit, le compositeur reprend le #2 Lent et en donne une seconde version, pour violoncelle et piano. Curieusement, la version originale de ce numéro n'est pas biffée dans le manuscrit. Poulenc semble nous inviter à considérer comme un morceau distinct cette pièce pour violoncelle et piano dont nous proposons ici l'édition. Elle a été créée par Marc Coppey, accompagné de Jean-François Heisser, lors du concert donné durant le colloque organisé pour le cinquantenaire du décès de Poulenc, le mercredi 23 janvier 2013, salle d'orgue du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP). Quelques éléments sur le contexte dramatique permettront de se faire une idée du caractère du morceau, que Benoît Seringe, ayant droit Poulenc, a judicieusement choisi d'intituler Souvenirs. Le personnage principal de la pièce d'Anouilh, Gaston, a été retrouvé amnésique à la fin de la Première Guerre Mondiale. Plusieurs familles le réclament. On veut voir en lui un parent disparu. Les Renaud se montrent particulièrement tenaces - mais Gaston ne parvient à se reconnaître dans l'enfant et le jeune homme dont on lui trace le portrait : un être violent et sans scrupule. Au tableau 3 de l'acte I, resté seul un moment, écrasé par l'histoire de cet autre lui-même qu'il découvre peu à peu, indigné par le désir des personnes qui l'entourent de le ramener à elles au détriment de celui qu'il voudrait être désormais, il se murmure ces paroles : ' Vous avez tous des preuves, des photographies ressemblantes, des souvenirs précis comme des crimes? je vous écoute tous et je sens surgir peu à peu derrière moi un être hybride où il y a un peu de chacun de vos fils et rien de moi '? C'est sur ces mots que Poulenc a choisi de placer le #2 de sa partition de musique de scène. Comme il le fait souvent, il emprunte à une composition antérieure une part de son matériau. Dans ce cas précis, il réutilise pour le début du morceau la section ' Lent et mélancolique ' de l'Histoire de Babar, composée entre 1940 et 1945, créée en 1946 (à moins que ce ne soit Babar qui réutilise l'idée musicale du Voyageur). Le héros-éléphant s'est décidé à partir pour retrouver la grande forêt. Il a embrassé la vieille dame, lui a promis de revenir, l'a rassurée : jamais il ne l'oubliera. Restée seule, la vieille dame, triste et pensive, se demande quand elle reverra son ami Babar. La situation est similaire à celle du Voyageur sans bagage : solitude, tristesse, instant de trouble et de retour sur soi, crainte de l'oubli, présence des souvenirs? / Violoncelle Et Piano (Ou 2 Violoncelles)
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| 100 Of The Greatest Love
Songs Ever Piano, Vocal and Guitar [Sheet music] - Intermediate Amsco Wise Publications
Un peu d'amour va un long chemin et ce livre vous emmènera au paradis et à l'a...(+)
Un peu d'amour va un long chemin et ce livre vous emmènera au paradis et à l'arrière! Donc, si vous aimez 'amour' et de chanter des chansons alors ce livre est fait pour vous!
Une collection pétillante de quelques-uns des plus chaleureux et des chansons déchirantes jamais! Ces chansons seront amener à l'esprit les images et les souvenirs de vos proches avec mous, des ballades aux chansons reflètent émotive et puissante, la centaine de pièces de cette collection englober les différentes facettes de l'amour. Chansons en vedette incluent Always On My Mind, chose la plus proche fou et Dieu seul sait.
L'aide a écarté un peu d'amour avec ce superbe volume arrangé avec les paroles complètes pour Piano, Chant et Guitare. / Piano/Vocal/Guitare (PVG) / Partition
59.70 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: In Stock | |
| Devenir Clarinette Et Electronique Jobert
Devenir associe une clarinette solo amplifiée à un environnement informatique:...(+)
Devenir associe une clarinette solo amplifiée à un environnement informatique: tout ce que joue le soliste a été préalablement inscrit dans la mémoire de la Station d'informatique musicale (SIM) afin que cette dernière puisse effectuer les opérations désirées au moment opportun, que ce soit les transformations sonores, la spatialisation ou le déclenchement de séquences.Les sons choisis pour cette pièce sont volontairement limités à ceux d'une clarinette en si bémol et d'une clarinette basse (qui ont été préalablement échantillonnées) ainsi qu'à quelques transformations électroniques qui laissent toujours percevoir le son originel de l'instrument solo. Il n'y a pas dans cette oeuvre de confrontation entre le soliste et l'électronique mais une démultiplication de la clarinette en une série de transformations et de figures issues du jeu en direct, la spatialisation révélant alors les couches diverses qui se superposent.Le titre Devenir provient de cette idée d'évolution de la sonorité d'un instrument, ou d'une idée musicale, mais aussi de ce flot incessant qui traverse nos vies et les êtres que nous côtoyons. C'est de l'instant présent que se dévoile et se transforme la mémoire mais aussi que se construit un avenir qui est un devenir infini, un potentiel plus qu'une déduction stricte de causes à effets.Cette oeuvre est reliée à ma collaboration, brisée par la mort, avec Dominique Bagouet et Jean Rouaud. Trois pièces résultent directement de ce passage douloureux: Là , Au-delà (dont la fin de la seconde version a été fortement modifiée à la mort de Dominique Bagouet), Devenir et So schnell, zu früh qui sera créée en décembre prochain et dédiée à la mémoire d'un chorégraphe aventureux et généreux dont l'invention était en éveil constant.Devenir est dédiée à Jean Rouaud en témoignage d'amitié et d'affection.Je remercie chaleureusement Leslie Stuck et André Trouttet pour leur collaboration et leur soutien qui m'ont été précieux.Frédéric DurieuxLa partie d'électronique est disponible à la location / Clarinette Et Electronique
21.70 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: 3-10 days - In Stock Supplier | |
| Mantovani Bruno -
L'autre Cote - Soli,
Choeur, Orchestre - Chant
and Piano Soli, Mixted choir and accompaniment Soli, mixted choir and piano Lemoine, Henry
Commanditaire L'Etat et l'Opéra National du Rhin Notice Un opéra fantastique...(+)
Commanditaire L'Etat et l'Opéra National du Rhin Notice Un opéra fantastique d'après le roman d'Alfred Kubin, Die andere Seite Le livret a été tiré de L'Autre côté d'Alfred Kubin, traduction française de Robert Valençay revue par Christian Hubin (José Corti, 2000) Musique de Bruno Mantovani Livret de François Regnault (avec la collaboration de Bruno Mantovani) J'avais lu il y a longtemps L'Autre côté d'Alfred Kubin, dont le titre m'intriguait. J'avais dû voir des illustrations étranges, visiblement expressionnistes, audacieuses et cauchemardesques de l'artiste, et je m'étonnais qu'il eût écrit un roman. Le roman, assez vite, me saisit, puisqu'il racontait comment le héros, qui semble bien n'être autre que l'auteur, car il est comme lui dessinateur et a comme lui vécu à Salzbourg, se fait inviter par un ancien camarade de lycée dans un empire en lointaine Asie dont il est devenu le chef, et qu'il s'en va donc de l'Autre Côté, où commencent les aventures... On me fit rencontrer Bruno Mantovani, qui avait la commande d'un opéra, de la part de Nicholas Snowman, pour l'Opéra du Rhin. Nous nous sommes vus ensuite à plusieurs reprises, et je n'eus pas de mal à m'entendre avec ce compositeur moderne, dont les oeuvres que j'ai écoutées de lui me plaisent, qui connaît comme pas un - et de l'intérieur - toute l'histoire de l'opéra - et qui, en outre, comptait bien éviter quelques-uns des écueils sur lesquels nous tombions d'accord que l'opéra parfois s'échoue : sans mépris pour qui que ce soit, mais sans fausse modestie non plus. J'aimais l'opéra, depuis que j'avais vu Maria Callas en chanter deux, et depuis ma participation cinq ans comme dramaturge, ou ne je sais quoi, avec Patrice Chéreau à Bayreuth, et j'avais écrit un livret pour Georges Aperghis, avec qui j'ai eu le bonheur de travailler plusieurs fois. Sans parler d'un autre livret pour un autre opéra à venir. Mais étant essentiellement introduit dans le théâtre, je mesurai combien Mantovani sait que l'amour du théâtre, dont il est un excellent spectateur, est bien souvent le schibboleth qui départage les grands compositeurs d'opéra des autres. Le sujet On ne trouve pas forcément tout de suite un sujet de livret, et ensuite, on ne trouve pas forcément le livret de ce sujet. Nous envisagions quelques pistes, nous nous y engagions, et puis nous n'allions pas loin, ou c'était sans issue. D'entrée de jeu, nous étions convenus d'éviter la reprise d'un mythe ancien, fût-il grec ou amérindien, nous mesurions l'extrême difficulté de trouver un mythe moderne - cela ne s'invente pas - et nous répugnions aussi à prendre un sujet qui s'appliquât à l'actualité politique, faute de certitudes, ou plutôt par la conviction qu'on ne traite pas aisément des malheurs du monde, ou du moins, pas aussi frontalement que certains se l'imaginent. Les Soldats de Zimmermann, par exemple, parviennent à une telle portée esthétique et politique parce qu'il est passé par une pièce de Lenz, qui raconte des événements du XVIIIe siècle, Helmut Lachenmann est parvenu à une oeuvre poignante et d'une extrême beauté avec sa Petite Marchande d'allumettes pour parler du gauchisme, à partir d'un écrit de Gudrun Ensslin, parce qu'il est passé par un conte d'Andersen et par des textes de Léonard de Vinci. Je me suis alors souvenu de L'Autre côté, que j'ai relu, et Bruno et moi sommes vite tombés d'accord que cette oeuvre pouvait d'autant plus fortement nous inspirer que l'atmosphère d'inquiétante étrangeté, de fantastique et de décrépitude, très réussie, dans laquelle l'oeuvre est plongée, était au service d'une cause imaginaire, fabuleuse, invraisemblable, mais qui pouvait fonctionner comme une grande et terrible allégorie politique : l'Empire du Rêve, créé de toutes pièces par un richissime illuminé, Claus Patera, condisciple, donc, du dessinateur, constitué par des restes ramassés ou aux quatre coins du monde, dans une région nauséeuse et miasmatique, dont l'idéal promis au début se révèle vite une imposture, sans qu'on sache à qui la faute, car on apprendra que le dictateur lui-même, qu'on ne voit presque jamais, n'y croit plus guère, et combine dans sa personne les traits d'une adolescence angélique, d'une sénilité précoce et d'une espèce de déphasage complet d'avec ce qui se passe dans son Empire. Et pourtant, ce n'est pas faute qu'il n'ait des partisans fanatiques dans la population bizarre de la ville de Perle, capitale de l'Empire. Lorsqu'un Américain tout aussi richissime viendra prendre le défi de le renverser et de s'arroger le gouvernement de l'Empire, peut-être convient-il que vous n'y voyiez pas aussitôt quelque arrangement d'événements récents, non seulement parce que ce roman fut écrit en 1908, avant même ceux de Kafka (que Kubin rencontra d'ailleurs plusieurs fois, et qui restait perplexe devant L'Autre côté), mais aussi parce que l'imaginaire fantastique et la vision poétique de l'auteur viennent hanter le récit de formes et de couleurs venues d'un autre monde : des profondeurs de l'inconscient, sûrement, à une époque où on lui en supposait encore - du fond d'une Angoisse dont on devine que l'auteur est incessamment traversé - mais surtout d'une capacité plastique de rêverie qui franchit constamment la barrière supposée étanche entre l'écriture et le dessin - et si Kubin ne manque pas d'illustrer son propre livre, lui aussi, d'inquiétants dessins étranges, on admire d'autant plus sa virtuosité que les deux techniques qu'il pratique ici de conserve se défendent très bien chacune indépendamment l'une de l'autre. Comme Holbein illustrant Erasme, comme le Goethe du Voyage d'Italie, comme Kipling s'illustrant ses Histoires comme ça, rares exemples. Le livret Je me suis vite dit que ce serait évidemment à la musique de prendre en charge l'imaginaire et le fantastique, et que les indications scéniques du livret, issues toutes du livre, ne seraient là que pour suggérer ce que le compositeur pouvait lire aussi bien que moi dans l'ouvrage. Mais je me suis dit aussi que puisqu'il y aurait des personnages - nous en avons réduit le nombre - et qu'ils parleraient, c'est-à -dire chanteraient, il fallait prendre le plus grand soin qu'avec assez peu de paroles, on puisse suivre exactement l'histoire, la psychologie des personnages principaux (et ici j'utilise à dessein le vocabulaire le plus conventionnel, non pas pour rassurer le réactionnaire et inquiéter l'avant-gardiste, mais parce que chanter des paroles est la matière même de l'opéra), le cours des événements, en même temps que les transformations, métamorphoses, catastrophes et l'apocalypse d'un Empire démoniaque, suscitées sans doute, au-delà de son tyran, par des forces innommables. Si je lui faisais parfois part des représentations musicales ou rythmiques de certaines scènes qu'il avait la gentillesse d'écouter et de transposer dans son art, Bruno Mantovani était en retour plus qu'attentif à la moindre des répliques à mettre en musique, entendant d'une oreille de théâtre ce qui peut se dire, se chanter, se mi-dire, etc. (il y a bien des façons, depuis longtemps, dans l'opéra ou dans le théâtre musical, de dialectiser en musique la différence du parler et du chanter, opposition qui reste opératoire dans son principe, mais qui s'ouvre depuis au moins Schönberg à des variations infinies). Pour la composition d'ensemble, je sais combien l'harmonie, le contrepoint éventuel (il y a un choral !), le rythme, les timbres peuvent, chez un musicien exigeant, s'engendrer, sinon se déduire, à partir de structures simples ou complexes, de sorte que l'écriture, et, donc aussi la perception, consciente ou inconsciente, d'une oeuvre ne se fassent pas au seul fil du récit, ni en fonction du seul effet, même si, au dire de plusieurs compositeurs que j'admire, l'opéra, par sa nature théâtrale, sa spatialité et sa temporalité spécifiques, demande moins de rigueur apparente que d'autres formes d'écriture. Aussi n'ai-je pu m'empêcher, même dans ce qui n'est que le livret, de suivre ou de m'imposer des structures, elles, fort simples, dans l'organisation des scènes, de leurs rapports de ressemblance ou de dissemblance, de leurs correspondances thématiques, - contrastes, répétitions, citations, allusions - d'autant que la fable principale conte la substitution symétrique, jusque dans son affrontement corporel, entre le Maître de l'Empire et l'Américain qui le renverse. L'hybride Il était aisé, en ce sens, de diviser l'oeuvre en deux actes (même si le roman a davantage de parties et de nombreux chapitres), avec un Prologue et un Epilogue : grandeur et décadence de l'Empire du Rêve, conclura-t-on, même si l'intérêt de ce conte est justement de montrer que tout est déjà pourri dans le Royaume de Perle, et que le salut venu d'ailleurs ne fait que liquider la pourriture ! Oui, l'oeuvre de Kubin, aussi bien dessinée qu'écrite (il a écrit plusieurs autres nouvelles), est foncièrement pessimiste. Lorsqu'il a constaté, moins l'horreur du monde que la capacité qu'a le sommeil de la raison d'enfanter des monstres, pour reprendre la formule de Goya, un peintre qu'il aimait, il lui reste à les lâcher en les dessinant. Si Dieu a créé le monde, Claudel pensait qu'il fallait le lui restituer en louange et en poésie, ou en drames dans lesquels le pire ne fût pas toujours sûr. Si le Diable a fait le monde, dirai-je que Kubin pense qu'il faut lui restituer l'histoire de ses calamités et lui tendre le miroir de ses immondices ? La dernière phrase de L'Autre Côté nous donne une étrange réponse : Le démiurge est un être hybride. Tout un roman de quelques centaines de pages pour parvenir à cette phrase peu claire, digne des Gnostiques des premiers siècles du Christianisme ! Mais la phrase peut aussi bien s'éclairer de ce qu'on a dit : puisque le monde semble mauvais, il faut au moins, pour que le pire n'en soit pas toujours le plus sûr, muni de son carnet de croquis, en faire le relevé régulier, en tenant par l'art le malheur à distance, et en mesurant constamment que le démiurge qui a raté le monde, ne pouvait pas faire mieux, qu'il y a en lui du meilleur et du pire, en bref qu'il est hybride ! Mais hybride après tout comme l'homme lui-même, sa victime et son destinataire - ou plutôt, son dessinateur ! Claus Patera, est en effet un personnage dont on ne sait s'il a gardé son innocence ou s'il est déjà complètement abîmé, intrinsèquement, physiquement et spirituellement hybride, à mi-chemin entre le réel et l'irrationnel, habité de forces obscures ou de pulsions obscènes et morbides, mais l'Américain Hercule Bell, un peu décrit comme un Américain digne de Jules Verne, est pris lui aussi dans une dangereuse oscillation entre le philanthrope vantard et le tyran sanguinaire ! Si donc a lieu le Jugement dernier, car aucune apocalypse n'est à écarter, à défaut de nos fautes, nous montrerons nos pulsions, et pour défendre notre prochain ne sachant dessiner, nous arborerons les illustrations par nous de ce monde où nous avons été jetés. Et si le feu ou le déluge anéantissent toutes choses, peut-être restera-t-il au moins quelque part un trait sur le papier, carbonisé ou délavé. A l'ancien camarade de classe, au dictateur hybride, à cet Américain sauveur lui-même si douteux, et qui font couple à la fin dans une espèce de répugnant coït, s'ajoutent donc le couple principal, Kubin - nous l'avons appelé ainsi, bien que l'auteur de le nomme pas - et sa femme. Nous avons, autour d'eux, réduit à trois les personnages qui les entourent, le Coiffeur-philosophe, qui leur sous-loue un appartement, l'Editeur qui passe un contrat avec le dessinateur, et le médecin Lampenbogen, qui soignera Madame Kubin et accompagnera le mari veuf jusqu'à la fin. Les autres personnages sont des comparses, mais il y a le Choeur, qui a une grande importance, et qui compose le peuple entier de Perle, versatile, monstrueux, prêt à tout, morbide et orgiaque, auxquels s'ajoutent mammifères, serpents et insectes, qui sont peut-être des hallucinations, mais dans un monde fantastique, le cauchemar et la réalité se confondent. Le dessinateur La fin de l'aventure se solde pour Kubin par un rapatriement suivi d'un internement. Il serait alors aisé d'en conclure, comme on le fait souvent dans des cas semblables, que toute cette aventure n'aura été qu'une immense hallucination. Outre que ce n'est pas l'idée d'Alfred Kubin, l'auteur réel du livre, cela ne changerait guère la représentation qui en résulterait sur la scène d'un opéra, où ce qu'on voit, que ce soit la vision d'un Faust ou celle d'un Hoffmann, passe forcément pour réel. Le public ne croit que ce qu'il voit et ce qu'il entend, plus qu'ailleurs, il croit tout ce qu'il voit et tout ce qu'il entend, et c'est lui qui a raison. Surtout, j'aime fort que les dernières paroles de Kubin reviennent à dire que désormais, il passe ses meilleures heures avec du papier, des crayons et des bâtons d'encre de Chine... plus proche de l'artiste rêveur, du voyant... Et ce qu'il représentera désormais s'inspirera donc de cette espèce de cosmologie duelle qu'il évoque à propos de Patera : L'attraction et la répulsion... les pôles de la terre... le jours et la nuit... le blanc et le noir... Le blanc et le noir ! Voilà tout le manifeste esthétique de l'illustrateur expressionniste à qui nous devons, disséminées dans des musées et des livres, ces gravures, reconnaissables entre toutes, devant lesquelles nous nous défendons mal d'un malaise devant les souffrances aisément devinables d'un artiste plus écorché que les autres - la guérison par l'art ? Sa vie, racontée par Kubin lui-même ne nous incite pas à conclure ainsi. Là où nous sommes confrontés à la névrose étrangère et toute constituée, écrit Freud à peu près à l'époque même où Kubin écrit L'Autre côté, dans la vie nous appellerons le médecin et tiendrons la figure pour inapte à la scène. Pourtant, sans remontrer à Jérôme Bosch, à Goya, en tout cas à tous ceux que Kubin admira, jusqu'à Odilon Redon et James Ensor, une bonne partie des oeuvres offensives du XXe siècle n'ont-elles pas consisté, malgré les réticences de Freud, à tirer un peu de jouissance de beaucoup de souffrance, et sans réveiller en nous forcément sadisme et masochisme, à nous inviter, à défaut de pâmoisons devant la beauté, ou de complaisances avec la douleur, à de la compassion devant cette souffrance ? L'oeuvre de Kubin n'est pas exempte de bonté lorsqu'il prend pour finir pitié de son persécuteur moribond, et qu'il va jusqu'à trouver de la beauté à son cadavre : L'image d'un dieu antique ! Comme il est beau ! - mais il y a encore, dans cette oeuvre, une autre source de plaisir dont nous souhaitons que l'opéra la fasse aussi sourdre pour le spectateur, c'est une espèce d'humour rocambolesque et glauque qui rend souvent les pulsions des personnages burlesques, leur sexualité, franchement saugrenue, leurs extases, ridicules ! Telles sont quelques-unes des questions que le musicien et le librettiste se sont d'abord posées, avant le metteur en scène Emmanuel Demarcy-Mota, qui a si intimement adhéré au projet aussitôt qu'il l'a connu et qui y a fait entrer de plain pied ses collaborateurs - telle est cette étrange entreprise qu'il nous plaît à tous trois de regarder encore aujourd'hui comme risquée. Vérifier que le public voudra bien courir le risque avec nous est notre plus cher désir. François Regnault Presse Bruno Mantovani aborde, à bientôt trente-deux ans, son premier opéra avec l'ambition de rendre au fantastique du roman d'Alfred Kubin (1877-1959) sa force originale et son étrangeté narrative. L'Autre côté, fable sans morale, met en scène l'Empire du rêve, absurde refuge contre tout progrès, qui plonge dans le chaos après avoir été soustrait à la dictature de son chef Patéra. Récit admirable et visionnaire, accompagné par l'auteur d'effrayantes illustrations, il a marqué l'Europe centrale littéraire et artistique du début du XXe siècle. Bruno Mantovani, associé au dramaturge François Regnault et au metteur en scène Emmanuel Demarcy-Mota, cherche à rendre le mouvement perpétuel de cet effondrement. L'orchestre y est vaste et brillant, incluant six percussions dont le rôle est d'élargir l'espace sonore. Le choeur - cette masse grouillante proche des images apocalyptiques de Kubin - mobilise et anime la scène. Les rôles solistes enfin se répartissent autour du narrateur, Alfred Kubin lui-même, personnage central emporté dans ce drame sans fin. Cette création mondiale constitue l'élément fédérateur du portrait consacré au jeune compositeur français par Musica, en collaboration avec l'Opéra national du Rhin. Musica Antoine Gindt
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| Voir Et Entendre No5
Mozart Symphonie No40 -
K550 Musical course - Solfege Beauchesne
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent ...(+)
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale
23.40 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: 3-10 days - In Stock Supplier | |
| Voir Et Entendre No 13
Borodine Dans Les Steppes
De L'Asie Centrale Musical course - Solfege Beauchesne
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent ...(+)
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale
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| Voir Et Entendre No17
Berlioz Symphonie
Fantastique 5ème
Mouvement Musical course - Solfege Beauchesne
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent ...(+)
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale
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| Voir Et Entendre No19
Bach Cantate Bwv140 Musical course - Solfege Beauchesne
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent ...(+)
Lorsque Jean-Marc Déhan et Jacques Grindel, dans les années 80, réalisèrent la collection ' voir et entendre ', celle-ci s'adressait autant aux collèges et lycées qu'aux conservatoires et écoles de musique. Il nous a semblé que cet outil remarquable pouvait, avec quelques ajouts, redevenir un outil pédagogique de tout premier plan.Le parti-pris a été cependant de réimprimer à l'identique les fascicules, mais en les enrichissant d'un court dossier pédagogique, donnant, pour chaque titre, des pistes d'utilisation complémentaires de celles déjà mises en lumière dans les partitions elles-mêmes.Il est possible d'utiliser ces partitions :- pour la lecture de notes -- pour la lecture de rythmes -- pour la dictée musicale -- pour le chant, en faisant chanter et mémoriser les principaux thèmes -- pour la formation de la pensée musicale : les thèmes mémorisés pourront être transposés à l'oreille et donner lieu le cas échéant à des autodictées -- pour l'analyse musicale et l'harmonie, grâce aux analyses fines de J.-M. Déhan et J. Grindel reportées sur la partition -- pour l'histoire de la musique grâce aux textes de présentation -- et, bien sûr, pour l'écoute raisonnée des oeuvres en suivant tout simplement la partition, quitte à faire porter l'audition sur des éléments précédemment indiqués par le professeur.Chaque professeur pourra adapter ces exercices au niveau de ses élèves.Mais ces partitions sont également destinées aux amateurs éclairés pour qui la lecture des clés d'ut dans les partitions d'orchestre habituelles, ainsi que le casse-tête des instruments transpositeurs sont souvent des obstacles rédhibitoires.Souhaitons seulement que cette réédition permette une meilleur connaissance par tous, jeunes et moins jeunes, futurs professionnels ou amateurs éclairés, de quelques oeuvres fondamentales du répertoire.N.B. Après bien des hésitations, nous avons décidé d'indiquer des liens vers des interprétations des oeuvres elles-mêmes et des écoutes complémentaires que nous avons suggérées. Ces choix ont été fonction des interprétations facilement accessibles par Youtube mais ne prétendent pas constituer des modèles. C'est seulement une facilité que nous avons voulu donner à ceux qui n'ont pas à leur disposition une abondante discothèque. À chacun de retrouver ensuite l'interprétation qu'il préfère? / Formation Musicale
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| Rachmaninov par lui-meme
- reflexions et souvenirs
d'un maitre du piano
(RACHMANINOV SERGUEI) Français Biography [Book] Buchet Chastel
Par RACHMANINOV SERGUEI. Cet ouvrage rassemble une vingtaine de textes du compos...(+)
Par RACHMANINOV SERGUEI. Cet ouvrage rassemble une vingtaine de textes du compositeur Sergueï Rachmaninov, pour la première fois traduits en français. Dans ces articles, ces souvenirs, ou ces entretiens, Rachmaninov évoque notamment sa carrière de compositeur, ses débuts avec le fameux Prélude en do dièse mineur, le soutien si précieux de Tchaïkovski, sa douleur d'avoir dû quitter la Russie. Ses réflexions sur la musique abordent des questions aussi diverses que passionnantes : le modernisme, la musique russe et la musique européenne, ce qu'est un beau jeu de piano et la façon d'y parvenir, l'importance de la technique, l'arrivée du disque, et l'expérience particulière d'être l'interprète de sa propre musique. / Broché / Livre / Livres
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| The Oxford Book Of
French Chansons Choral SATB SATB A Cappella Oxford University Press
Edition de Frank Dobbins 352 pages 220x142mm The 84 chansons in this collectio...(+)
Edition de Frank Dobbins 352 pages 220x142mm The 84 chansons in this collection are mainly for SATB, and were selected first and foremost for their musical value. Care has been taken to represent the great masters as well as lesser-known composers who made significant contributions to the genre. SATB unaccompanied Arcadelt: D'un Extreme Regret Arcadelt: Je Ne Suis Pas Si Tot Beaulaigue: Comme Serait a Moi Benedictus/Appenzeller: Je Ne Me Puis Tenir D'Aimer Bertrand: Hola, Caron Bertrand: Je Suis un Demi'Dieu Boni: Ha, Bel Accueil Boni: J'espere et Crains Bonnet: Francion Vint L'Autre Jour Buus: Douce Memoire Caietain: Une Puce Canis: Mariez Moi Mon Pere Castro: Ah! Je Meurs Castro: Je Suis Quasi Certon: J'espere et Crains Certon: Je Suis Desheritee Certon: La, La, La, Je Ne L'ose Dire Certon: Que N'est Elle Aupres de Moi Clemens: Jaquin Jaquet Clereau: Comme Un Qui Prend Cornet: Avecque Vous Coste: Celle Fillette Costeley: Arrete Un Peu Mon Coeur Costeley: Mignonne, Allons Voir si la Rose Crecquillon/Manchicourt: Un Gai Berger Crecquillon/Manchicourt: Un Doux Regard De Bussy: Qu'heureuse est ma Fortune Du Caurroy: Las! Amour Entraigues: Complainte de la Tourterelle Fevin: petite Camusette Gardane: Douce Memoire Gervaise: Si L'on Doit Prendre Gombert: Changeons Propos Vous Etes Trop Jeune Goudimel: Qui Renforcera Ma Voix Jacotin: A Paris a Trois Fillettes Janequin: Au Joli Jeu du Pousse Avant Janequin: La Plus Belle de la Ville Janequin: Le Chant de Oiseaux Janequin: Or Vien Ca, Vien M'amie Janequin: Pourquoi Tournez Vous Vos Yeux Josquin: En L'ombre d'un Buissonet Josquin: Faute d'Argent Josquin: Mille Regrets Josquin: Petite Camusette Josquin: La Moeulle Josquin: Si Je Maintiens Ma Vie Lassus: Bonjour Mon Coeur Lassus: La Nuit Froide et Sombre Lassus: Quand Mon Mari Lassus: Une Puce Le Blanc: Dames en qui Reluit Toute Beaute Le Jeune: Ce n'est que Fiel Le Jeune: J'aime la Pierre Precieuse Le Jeune: Revoici Venir du Printemps Le Jeune: Susanne un Jour Lupi Second: Une Dame Pour Mieux Venir Lupus/Cadeac: Je Suis Desheritee Maille: A Qui Me Dois Je Retirer? Mauduit: Voice le Vert et Beau Mai Meigret: Un doux Regard Millot: O Ma Belle Maitresse Mittantier: Moins je la veux Monte: Bonjour mon coeur Mornable: Je Ne Me Confesserai Point Mouton: En Venant de Lyon Ninot le Petit: Et la la la Passereau: Il est bel et bon Pevernage: D'Etre Amoureux Phinot: Pleurez Mes Yeux Planson: Puis Que Le Ciel Veut Ainsi Regnard: Las, Je Me Plains Richafort: Trut Avant Il Faut Boire Roussel: Mon Coeur a Vous, Belle, se Recommande Sandrin: Douce Memoire Sandrin: Puisque Vivre en Servitude Sermisy: Jouissance Vous Donnerai Sermisy: Martin Menait Son Pourceau Sermisy: Tant Que Vivrai Susato: Douce Memoire Tessier: Non, Vous N'etes pas Yeux Villiers: Si Vous Voulez Waelrant: D'Amourss Me Va Willaert: Qui la Dira Willaert: Sur le Joli Jonc
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| Les Chemins De La
Virtuosité -
Reaching Toward
Virtuosity Vol.2 (GRAU
JEAN-PIERRE) Français Guitar Lemoine, Henry
Par GRAU JEAN-PIERRE. Un bon maître incite plus qu'il n'enseigne. Il offre moin...(+)
Par GRAU JEAN-PIERRE. Un bon maître incite plus qu'il n'enseigne. Il offre moins un savoir que les outils permettant de les acquérir.
Yi Jing, Le livre des changements
Voici un formidable ouvrage préparé avec rigueur et maîtrise par l'excellent guitariste et compositeur Jean-Pierre Grau.
Ces volumes pour une technique instrumentale virtuose de la guitare forment un parcours d'une précision rare et pensé avec minutie. Ils apparaissent aujourd'hui comme une référence absolue, un condensé historique et projection de l'avenir.
Les exemples précis faciliteront la progression des 'apprentis', dans la plus grande clarté et la plus indispensable nécessité.
Jean-Pierre Grau offre au monde des guitaristes leur fondamentale bible aux ramifications essentielles.
Daniel Tosi
La plupart des musiciens entretiennent une relation ambiguë à l'instrument, mêlée d'exaltation, mais aussi d'appréhension et de frustration.
Ils doivent rendre la qualité, l'énergie et la justesse d'une oeuvre tout en cherchant le plaisir d'être en profonde unité avec l'instrument, le bonheur de l'ouverture à l'émotion sans barrières physiques.
C'est le travail mené auprès de mes élèves qui a été le moteur constant de mes recherches vers une voie de réalisation, une démarche uniquement instinctive au départ, mais qui a évolué avec le temps vers une volonté en conscience de changement et d'amélioration : que faire pour aller plus loin, se révéler à soi-même ?
Cette méthode de technique instrumentale allie les bases classiques (gammes, extensions, accords...), quelques axes de travail digital peu ou jamais traités (passage de corde, déplacements main droite, gammes à trois doigts main droite, coordination des deux mains...) à des exercices de travail corporel pour diminuer voire supprimer les tensions du musicien et aller plus loin dans l'expression instrumentale.
Le corps est l'aboutissement de l'émotion.
Il témoigne du bonheur et de l'exaltation du jeu. Pourquoi accepter la souffrance physique, le mal de dos ?
Ces deux recueils prendront toute leur signification quand ils seront liés à une recherche constante et consciente de décontraction et d'équilibre postural.
Les problèmes récurrents des instrumentistes sont la plupart du temps liés à des tensions corporelles non conscientes (voir les écrits de Wilhelm Reich et d'Alexander Lowen sur les cuirasses musculaires et émotionnelles), qui empêchent l'expression de soi libre et spontanée.
Un travail de technique instrumentale de haut niveau, non lié à cette exigence de détente générale, ne peut que provoquer à la longue un surcroît de tensions musculaires pouvant amener le musicien apprenti ou professionnel à des problèmes corporels aigus (douleurs musculaires, tendinites...).
La recherche de la sensation corporelle dans les exercices me semble également être une piste de travail intéressante - la question 'quelle est ta sensation ?' a pris de plus en plus de place ces dernières années dans mon enseignement.
La pratique du chant intérieur est un axe majeur de travail - le chant est l'outil essentiel de la transmission, ce par quoi un travail digital passe à l'expression de l'humain. Il est aussi le véhicule privilégié par lequel l'être raconte son histoire, son vécu intérieur.
A la question 'que veux-tu exprimer et de quelle manière ?', la réponse a pratiquement toujours été donnée par la pratique du chant.
Le chant accorde le geste et l'intention musicale, il permet de dire également : 'voilà mon propos', et comment le matérialiser techniquement en transformant la musique en geste vocal.
J'espère que le fruit de ces recherches permettra à tous ceux qui sont dans une démarche qui implique l'être dans sa globalité, d'aller jusqu'au bout de leurs possibilités, et comblera certaines attentes ou questionnements qui m'ont accompagnés tout le long de ma vie d'instrumentiste.
Jean-Pierre Grau / Niveau : A Partir Du 2ème Cycle / méthode - études / Méthode / Guitare
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| Grand, Guillaume :
L'Amour est laid Français Piano, Vocal and Guitar [Sheet music] Beuscher
Porté par la chanson ?Toi et Moi? visionnée plus de 2 millions de fois sur int...(+)
Porté par la chanson ?Toi et Moi? visionnée plus de 2 millions de fois sur internet, voici le premier album d'un auteur-compositeur et interprète qui compte déjà dans le paysage de la nouvelle chanson française.
Guillaume Grand nous livre un album remplit de guitare acoustique, voix écorchée et mélodies implacables, 'L'Amour Est Laid' pourrait devenir l'un des grands succès commercial de l'année 2011.
Retrouvez tous les titres de l'album en partitions pour Piano, voix et diagrammes d'accords guitare.
/ Variétés / Partition /
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| The Ultimate
Django's Book
(REINHARDT DJANGO) Français Guitar notes and tablatures [Sheet music] Bookmakers International
Par REINHARDT DJANGO. 'The ultimate Django's book? est une intégrale en partiti...(+)
Par REINHARDT DJANGO. 'The ultimate Django's book? est une intégrale en partitions de Django Reinhardt sortie en 2010 à l'occasion du 100e anniversaire de sa naissance. Elle comprend l'intégralité des thèmes et mélodies qu'il a composés en partitions solfège et tablatures, ainsi que les diagrammes d'accords pour la guitare tels qu'il les jouait. Le travail de transcription a été confié à Max Robin et Jean-Philippe Watremez, deux guitaristes jazz, spécialistes de Django Reinhardt. Le recueil comprend de nombreuses photos, illustrations et anecdotes issues de la collection personnelle d'Alain Antonietto, spécialiste de la culture tsigane et auteur d'ouvrages sur la vie et l'oeuvre de Django Reinhardt. Livre broché avec couverture souple, édité par Bookmakers et imprimé sur papier ivoire anti-reflets, idéal pour les musiciens. / Date parution : 2019-12-06/ Tablatures / Guitare Tablatures
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| Souvenirs De Vacances Français Musique Légère [Sheet music] Billaudot
La partition SOUVENIRS DE VACANCES est une oeuvre du compositeur Classique Freed...(+)
La partition SOUVENIRS DE VACANCES est une oeuvre du compositeur Classique Freed Fred. Cette partition musicale est éditée par une des nombreuses maisons d'édition française à savoir Billaudot. Cette oeuvre musicale fait partie intégrante des oeuvres de style Classique. / Musique Légère / Partition
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| Michael Radulescu,
Quelques Souvenirs... Français Violin and Piano Delatour France
A la fois organiste, compositeur, pédagogue, chef d'orchestre et conférencier,...(+)
A la fois organiste, compositeur, pédagogue, chef d'orchestre et conférencier, Michael Radulescu est l'une des personnalités musicales les plus fascinantes de notre époque. Les générations successives de musiciens qui eurent la chance de pouvoir le côtoyer sont unanimes à témoigner de sa passion communicative, de son érudition, de son charisme, de sa disponibilité envers autrui, de sa patience. Depuis plus de quarante années, Michael Radulescu sillonne le monde pour partager avec enthousiasme et conviction ce qui, probablement, constitue l'un des pôles saillants de sa vie : la musique. L'heure était venue de lui tendre un micro, micro qu'il accepta spontanément de saisir. / Livre
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| Dufourt Hugues - Le Mani
Del Violinista D'apres
Giacomo Balla -
Conducteur Orchestra [Score] Lemoine, Henry
Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violo...(+)
Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà , Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt
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| Quarantine - DOSS THOMAS Concert band [Score] Mitropa Music
Comme un voile sombre, un sentiment d?appréhension envahit le monde. Un danger ...(+)
Comme un voile sombre, un sentiment d?appréhension envahit le monde. Un danger nous menace, un péril jusqu?ici inconnu s?approche lentement, altérant radicalement notre vie quotidienne. Un virus terrifiant nous oblige à rester chez nous, dans l?impossibilité de nous rendre sur notre lieu de travail et même de voir famille et amis. Nous vivons maintenant un fléau que nous ne connaissions que par les livres d?histoire : une pandémie ! Le danger invisible se répand inexorablement et nous sommes pratiquement paralysés par la peur. La distance entre nous-mêmes et nos semblables s?accroît. En même temps, nous commençons à apprécier un élément de poids : nous avons plus de temps qu?avant ! Les gens s?entraident. Le bon vouloir du voisinage et le soutien familial prennent une importance nouvelle. Nous veillons les uns sur les autres. Tout d?un coup, nous avons le temps de nous consacrer à des choses qui étaient toujours repoussées à plus tard. Le temps de réfléchir? Une nouvelle ère commence. Enfin, l?espoir revient. Nous sortons de chez nous, mais rien n?est vraiment comme avant. Dotés d?une force nouvelle, les gens recommencent à entrevoir l?avenir avec optimisme. Avec une prise de conscience et une nouvelle appréciation du présent, nous pensons que, malgré tout, nous pouvons être heureux.
35.10 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: 3-10 days - In Stock Supplier | |
| Quarantine - DOSS THOMAS Concert band [Score and Parts] Mitropa Music
One Village United. Par DOSS THOMAS. Comme un voile sombre, un sentiment d?apprÃ...(+)
One Village United. Par DOSS THOMAS. Comme un voile sombre, un sentiment d?appréhension envahit le monde. Un danger nous menace, un péril jusqu?ici inconnu s?approche lentement, altérant radicalement notre vie quotidienne. Un virus terrifiant nous oblige à rester chez nous, dans l?impossibilité de nous rendre sur notre lieu de travail et même de voir famille et amis. Nous vivons maintenant un fléau que nous ne connaissions que par les livres d?histoire : une pandémie ! Le danger invisible se répand inexorablement et nous sommes pratiquement paralysés par la peur. La distance entre nous-mêmes et nos semblables s?accroît. En même temps, nous commençons à apprécier un élément de poids : nous avons plus de temps qu?avant ! Les gens s?entraident. Le bon vouloir du voisinage et le soutien familial prennent une importance nouvelle. Nous veillons les uns sur les autres. Tout d?un coup, nous avons le temps de nous consacrer à des choses qui étaient toujours repoussées à plus tard. Le temps de réfléchir? Une nouvelle ère commence. Enfin, l?espoir revient. Nous sortons de chez nous, mais rien n?est vraiment comme avant. Dotés d?une force nouvelle, les gens recommencent à entrevoir l?avenir avec optimisme. Avec une prise de conscience et une nouvelle appréciation du présent, nous pensons que, malgré tout, nous pouvons être heureux./ Répertoire / Orchestre D\'Harmonie
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| Dawn Flight (DUFOURT
HUGUES) Français String Quartet: 2 violins, viola,
cello [Sheet music] Lemoine, Henry
Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peint...(+)
Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents.
Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert.
Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre.
Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré.
Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor.
Hugues Dufourt / contemporain / Date parution : 2008-06-24/ Répertoire / Quatuor à Cordes
84.60 EUR - Sold by LMI-partitions (Seller in french langage) Pre-shipment lead time: 3-10 days - In Stock Supplier | |
| Dawn Flight (DUFOURT
HUGUES) Français String Quartet: 2 violins, viola,
cello Lemoine, Henry
Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peint...(+)
Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents.
Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert.
Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre.
Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré.
Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor.
Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Quatuor à Cordes
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| Embâcle Français Piano solo [Sheet music] Lemoine, Henry
Quelques figures président à l'écriture d'Embâcle. Je me les suis données a...(+)
Quelques figures président à l'écriture d'Embâcle. Je me les suis données a priori. Ce sont des accords répétés et enrichis d'un mouvement descendant souvent caché à l'intérieur, ce sont des arpèges croisés, brefs et construits sur des intervalles d'octaves, des échelles descendantes rapides, des figures rythmiques irrégulières à un tempo rapide et dans le registre grave, ce sont des sonorités frottées dans le piano faisant entendre sans aucune attaque aucune les résonances aigues des cordes. Tout cela est difficile à décrire et à rendre compte, mais a constitué, pourrait-on dire, mon imaginaire. De manière fragmentaire tout d'abord, il fut ensuite question de concevoir un cadre - comprendre une forme - au devenir de ces éléments, à leur dialogue et leur opposition, leurs devenirs.
Dans Embâcle, certaines notes graves du piano sont étouffées, privées ainsi de brillance, d'autres graves encore préparées à l'aide de morceaux de gomme en vue d'obtenir une résonance inattendue. L'idée de trouver - comprendre travailler à la manière d'un sculpteur - une qualité de résonance particulière a fortement motivé mes recherches et mon écoute. Le choix de l'octave comme intervalle et comme sonorité de référence va en ce sens d'un espace ouvert souhaité, un agrandissement.
Et puis, je ne sais pourquoi, je n'ai pu me départir, tout au long de l'écriture d'Embâcle, du chant du mouvement lent de la sonate en La majeur D 959 de Franz Schubert. Pourtant ce n'est guère là de mon usage, moi qui m'applique et tente de pièce en pièce de débusquer un monde où les scories du passé se regarderaient lointainement, sans méfiance aucune toutefois, seulement comme quelque chose ne pouvant être ayant été, une jeunesse.
Jérôme Combier / Partition /
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| Bob Chilcott Carols
(CHILCOTT BOB) Choral SATB [Sheet music] Oxford University Press
9 carols for mixed voices. Par CHILCOTT BOB. Pour SATB accompagnés et non accom...(+)
9 carols for mixed voices. Par CHILCOTT BOB. Pour SATB accompagnés et non accompagnés
Cette collection rassemble neuf des plus belles pièces de Chilcott dix premières années avec OUP, y compris deux pièces spécialement écrites. Ensemble, ils offrent une grande variété de styles et d'ambiances, et de fournir une narration émouvante de l'histoire de Noël qui ravira les chorales et leur public pour les années à venir. Bob Chilcott a été impliqué dans la musique chorale, toute sa vie, d'abord comme choriste, puis une chorale Scholar au Kings College, Cambridge. Plus tard, il a chanté et composé des musiques pour 12 ans avec des chanteurs du Roi. Ses expériences avec ce groupe, son engagement passionné pour les chorales de jeunes et amateurs, et sa conviction profonde que la musique peut unir les gens, ont inspiré à la fois de composer à plein temps et, à travers workshopping proactive, afin de promouvoir la musique chorale dans le monde entier. / Niveau : Facile à Moyennement Difficile / Recueil / Chant
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