Un nouveau Diapason rouge : le volume 6 !
300 chants de variété française et internationale avec accords de guitare.

Jouer ses premiers accords de guitare, accompagner des amis au chant, se retrouver autour d?un feu lors d?une veillée, relire un texte et laisser résonner les mots qu?un autre a écrit... Depuis plus de 25 ans, un Diapason rouge, c?est une malle aux trésors pour de multiples occasions de rêve, de partage et de fou-rires.
Ce volume 6 poursuit l?histoire en se plongeant dans le répertoire des années 1990 à aujourd?hui.

Fréro Delavega, Christophe Maé, Louane, Emmanuel Moire, Ridan, Stromae sont les nouveaux artistes d?années où la chanson française mélange plus que jamais légèreté et engagement.
Diam?s, Abd Al Malik, Grand Corps Malade, HK et les Saltimbanks cisèlent des textes bazookas.

Et comme tout Diapason, le DR6 fait la part belle aux tubes, ceux qui ont saturé les bonnes ondes de ces dernières années.

De quoi lire, rire, chanter, danser... À vous de jouer ! / Variétés / Partition /

Third edition of the world's biggest songbook. This is a vast bumper collection, perfect for buskers, of 1001 all-time hit songs.Whatever your taste, there's guaranteed to be tonnes of songs you'll want to play, this book will last you years!Inside the spiral bound cover you will find a generous selection of hit songs, golden standards, jazz and blues numbers, classical pieces, hymns, gospel songs, stage, film and musical music! Arranged here in Melody line arrangements for Piano, Organ, Electronic Keyboards, Guitar and all C instruments, complete with lyrics and chord symbols. / Ligne Mélodique, Paroles Et Accords (Avec Grilles D'Accords)

Peaceful Classical Piano Solos. Relax at the piano with this exceptional collection of satisfying and profoundly beautiful pieces to play. Includes pieces from some of the greatest classical composers of all time: Bach, Beach, Beethoven, Chopin, Coleridge-Taylor, Debussy, Mozart, Schumann and many more. Some pieces have been transposed and simplified for ease of playing.

Par CHOPIN FREDERIC. Les musiques de Nuit instrumentales du XVIIIe siècle, destinées à être jouées en plein air, sont à l'origine du Nocturne. Mozart et Haydn ont composé des 'Notturni' pour divers ensembles. Cependant, John Field est considéré comme le créateur du Nocturne pour piano. Chopin le tenait en grande estime et faisait souvent travailler à ses élèves les Nocturnes de ce pianiste et compositeur irlandais au même titre que les siens pour qu'ils se familiarisent avec le 'legato' et qu'ils acquièrent un beau son. Frédéric Chopin compose 21 Nocturnes. L'année de composition de chaque Nocturne ne peut pas toujours être certifiée avec précision mais celle de leur publication est une référence exacte. Trois Nocturnes ont été édités après sa mort. Chopin a l'âme romantique et la musique de ses Nocturnes en exprime les états. L'ambiance crépusculaire est en effet propice aux tendres épanchements, à la mélancolie, aux improvisations poétiques et musicales, comme le dialogue de la Muse et du Poète dans la Nuit de Mai d'Alfred de Musset. Tout en conservant une forme classique (forme Lied A.B.A. généralement), Chopin s'éloigne de la romance et sublimise le Nocturne par son inspiration et son sens pianistique: la mélodie, influencée par le 'bel canto' italien est plus ample et se développe en variations ornementales expressives, souvent chromatiques - l'harmonie est plus raffinée et plus audacieuse par ses dissonances et les dessins d'accompagnement de la basse en forme d'arpèges ou d'accords brisés sont plus ingénieux. Les Nocturnes de Chopin ont beaucoup contribué à sa célébrité et, malgré les difficultés techniques de certains, ils apparaissent comme une bonne introduction à la connaissance et à l'étude de ses autres oeuvres. Sources La présente édition des Nocturnes de Frédéric Chopin se réfère aux sources authentiques suivantes, à savoir: 1) Autographes, copies 2) Premières éditions 3) Exemplaires annotés (ayant appartenu à Ludwika Jedrzejewicz, soeur de F. Chopin, Société Chopin, Varsovie (M.l74), Camille Dubois O'Meara (1830-1907), élève de F. Chopin, Bibliothèque Nationale, Paris Res.F. 980 et Jane Stirling (1804-1859), élève de F. Chopin, Bibliothèque Nationale, Paris Res. Vma 241 Vol. 1 à 7. Edition en Fac Simile (J.J. Eigeldinger) B.N. Paris (1982) 4) Editions critiques (Oxford University Press (E. Ganche), Londres (1928-1932), Bibliothèque de l'Université Jagiellone, Cracovie (depuis 1943), Edition complète des oeuvres (Paderewski) - Vol. VII et XVIII P.W.M., Varsovie (1949), Wiener Urtext (Jan Ekier) éd. Schott-Universal, Mainz Wien (1980), et Editions Urtext Henle Veriag (E. Zimmermann) München (1966) / Niveau : Intermédiaire / classique / Répertoire / Piano

Entrez Dans La Danse N°9 ? Boléros
Partitions Pour Ligne Mélodie, Paroles Et Accords.
Le Boléro Est Dansé Sur Des Airs Lents Et Langoureux, Proches De La Rumba. Il Peut Etre Dansé De Diverses Manières. L'une D'entre Elles Utilise Beaucoup Les Figures Du Tango, Mais Avec Un Pas De Base Différent. Nous Sommes Heureux De Vous Présenter Un Album Comprenant 30 Boléros Classiques. /

36 pièces pour travailler les démanchés.
Contenu :
A Tribute to Handel (Dezaire, Nico)
Position changing cha cha (Dezaire, Nico)
French folk song (Traditional)
Django plays the violin (Dezaire, Nico)
Mourning Mary (Dezaire, Nico)
Shift Rap (Dezaire, Nico)
Sadness (Dezaire, Nico)
The Elephant (Saint-Saëns, Camille)
Brigg Fair (Delius, Frederick)
Pomp and circumstance March No. 4 (Elgar, Edward William)
Sally\'s skirts (Dezaire, Nico)
Playing Monopoly (Dezaire, Nico)
Les Sylphides (Chopin, Frédéric François)
Hungarian Dance No. 5 (Brahms, Johannes)
Little flower (Dezaire, Nico)
Hurdy-Gurdy (Dezaire, Nico)
Blues (Dezaire, Nico)
Greensleeves (Traditional)
Farandole (Bizet, Georges)
Sad Waltz (Dezaire, Nico)
Piano Concerto 1st Movement (Grieg, Edvard)
Bad girls (Dezaire, Nico)
Farewell (Dezaire, Nico)
Please Sir, have a cigar (Dezaire, Nico)
Frère Jacques Variations (Dezaire, Nico)
Jupiter (Holst, Gustav)
Olga\'s Song (Dezaire, Nico)
Hungarian Dance (Dezaire, Nico)
Allegretto (Theme from Symphony No. 6 5th Movement ) (Beethoven, Ludwig van)
One fine day (from Madame Butterfly) (Puccini, Giacomo)
You and me (Dezaire, Nico)
In the wood (Dezaire, Nico)
La donna e mobile (from Rigoletto) (Verdi, Giuseppe)
Jumpin\' jig flash (Dezaire, Nico)
Nick\'s little rabbit (Mussies, Martine)
Largo (from Winter) (Vivaldi, Antonio) / Partitions classique / Cordes / Violon / DEHASKE

Chopin?s Scherzo no. 3 was connected to his legendary winter in Mallorca in 1838/39, as were his Préludes op. 28. On 22 January 1839, the composer sent the autograph of the latter work to Camille Pleyel in Paris, and at the same time announced further works that would soon ?flood? the recipient of his letter, including the Scherzo no. 3. Did perhaps its alternation of passages with furious octaves and a grave chorale reflect Chopin?s mood at the time? That?s a question players will have to decide for themselves. This revised stand-alone Urtext edition is based on the first editions and on a manuscript copy. Footnotes and a condensed Critical Report offer information on the many variants in the history of its musical text, while a comprehensive Critical Report can be downloaded online. This is an Urtext edition that leaves nothing to be desired.

Par PEPIN CAMILLE. Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn. Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn. Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce. Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier ! Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais. Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) - des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles - des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire. Camille Pépin/ Répertoire / Quatuor à Cordes

Co-commande du Festival de Quatuors du Lubéron et de Mondsee Musiktage.
Création du 25 août 2019, à l’abbaye de Silvacane dans le cadre du Festival de Quatuors du Lubéron, par le Quatuor Auryn.
Feuilles d’eau de Silvacane est une œuvre pour quatuor à cordes dédiée au Quatuor Auryn.
Créée durant l’été 2019 à l’Abbaye de Silvacane dans le sud de la France, la pièce fait tout d’abord écho aux motifs ornementaux typiques des abbayes cisterciennes du XIIè siècle appelés les « feuilles d’eau ». Il s’agit de feuilles qui s’évasent et se replient en volutes, décorant les chapiteaux de colonnes qui portent les retombées des voûtes. Ces sobres motifs m’inspiraient déjà un matériau musical à transformer durant toute la pièce.
Mais le titre fait aussi référence au magnifique travail de Fabienne Verdier [1] dans ses Feuilles d’eau de Silvacane (2004) : une série de six toiles de 46 x 27,5cm réalisées avec de l’encre, des pigments et du vernis. Elle représente six feuilles d’eau à l’encre noire diluée sur fond gris (la pierre de Silvacane). Un petit carré rouge représente l’alchimie - le feu intérieur menant à la transcendance - sur chacune des toiles. Pour la coloriste et l’amoureuse des textures instrumentales que je suis, la technique de Fabienne Verdier est fascinante. Elle s’inspire du style calligraphique chinois intitulé l’herbe folle : impression fugitive, improvisation extravagante née d’une pulsion intérieure. Cette démarche artistique trouve résonance en moi car le « déclic » amenant l’idée qui va irriguer toute une pièce se fait toujours de manière surprenante. Je ne sais jamais véritablement comment cette idée abstraite a soudain pu devenir concrète et couchée sur le papier !
Pendant l’écriture de cette pièce, j’avais donc à l’esprit cette sobriété des abbayes cisterciennes et les images de cette encre diluée, liquide et diaphane, sur les toiles de Verdier. Mais j’ai bien sûr pensé à la feuille de la nature elle-même ! J’ai cherché diverses palettes de couleurs et de grains pour habiller la sonorité du quatuor à cordes et nourrir la matière comme la sève nourrit une plante. J’ai utilisé un matériau organique se régénérant et se renouvelant sans cesse. Il inonde toute la pièce au fil des images que j’avais.
Tout d’abord, celle de l’aube fraîche et brumeuse et des gouttes de rosée qui perlent sur les feuilles (pizzicati du début) ; des reflets irisés du soleil naissant sur les feuilles ; des rayons de lumière faibles et instables qui tentent de percer à travers les feuillages (trémolos d’harmoniques). Ces derniers se font de plus en plus insistants pour émerger de ces aplats fondus à la texture bruissante et dont le reprises d’archet sont imperceptibles. Le grain change (sur le chevalet, sur la touche, flautando, ricochets) comme la lumière varie de couleur et d’intensité au cours d’une journée. Ce sont autant de touches impressionnistes qui se fondent et se diluent dans la matière. Elles laissent place à une partie centrale brillante et dansante à la pulse inépuisable, célébrant ainsi la force mystérieuse et vitale de la matière végétale toujours en transformation. La pièce se termine par l’éclat de la lune se levant sur les jardins de Silvacane, baignant ainsi les feuilles d’eau de cette lueur crépusculaire.
Camille Pépin
Cette pièce a été achevée en mars 2019 à la Maison Messiaen lors de la résidence en partenariat avec l’Agence Iséroise de Diffusion Artistique. / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / BILLAUDOT

Par PEPIN CAMILLE. Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown. Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : 'Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ('La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique'). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems. Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939). Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie - un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse. La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante. Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point. La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro. Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ('L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe'). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. 'Le meilleur ouvrier est mort', mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle. Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers 'I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag' à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle. / Contemporain / Répertoire / Mezzo-Soprano, Violoncelle et Piano

Après Autumn Rhythm (pour violon et piano, 2018) et Number 1 (pour piano seul, 2019), Camille Pépin poursuit son cycle d’œuvres de musique de chambre inspirées par les all-over du peintre américain Jackson Pollock : première incursion de la compositrice dans le répertoire pour violoncelle et piano, Gris-brume puise son expressivité singulière du tableau Number 14, de ses lignes sombres entremêlées et du halo gris argenté que forme la dilution de la peinture noire sur la toile.Si Gris-brume ne reprend pas le titre de Pollock, c’est parce que Camille Pépin s’éloigne de son affinité coutumière avec les compositeurs américains pour s’inscrire plus nettement dans une tradition française. Le caractère fluide de Number 14 donne lieu à une expérimentation debussyste qui n’est pas sans rappeler les textures orchestrales élaborées par la compositrice dans The Sound of Trees (2019). Sollicitant subtilement les timbres et les registres, les premières mesures sont faites de brouillard et de fumée : le piano gronde imperceptiblement à la main gauche, tandis que la main droite fait résonner une volée de cloches dans une couleur modale archaïsante. Tout au long de l’œuvre, on remarquera l’utilisation au clavier de procédés qui rappellent le compositeur des Estampes – notamment dans ces basses qui viennent apporter leur éclairage une fois l’harmonie installée.Car c’est bien le piano qui initie l’atmosphère de l’œuvre et accueille l’instrument à archet pour former un tandem fusionnel, loin de la suprématie mélodique qui a longtemps été attachée au violoncelle romantique. Un thème lyrique finit cependant par émerger des cordes. L’ensemble monte alors en puissance tout au long de l’ouvrage jusqu’à l’apothéose finale, suivant une trajectoire progressive irrésistible qui rappelle certaines grandes œuvres de Maurice Ravel (Boléro, La Valse…). Entretemps, la compositrice a introduit dans la brume initiale des motifs emblématiques de son propre langage musical : des formules rythmiques balancées, de plus en plus insistantes, amènent l’œuvre à basculer dans la danse. Tout d’abord enjoué et lumineux, le pas de deux des instruments à cordes est bientôt le lieu de surprenants contrastes d’articulation et de ruptures dynamiques importantes qui prennent une tournure menaçante. Les enchevêtrements obscurs de la toile de Pollock semblent alors jaillir de la toile, se transformant en un fantastique ballet de fantômes.Tristan Labouret / Violoncelle / Billaudot